Entrenamiento auditivo: ¿Que es lo indispensable?

Dentro de  audio producción, deben existir habilidades y entrenamiento constante. Los oídos de quienes producen, deben mantenerse frescos y a la vez abiertos a las diversas manifestaciones de percepción en los productos nuevos y anteriores para obtener mejores resultados en un entorno de producción

De la misma manera que un atleta de alto rendimiento, el entrenamiento auditivo requiere de una rutina que debe ser convertida en una disciplina y placer por realizar diariamente.

En un entorno de producción constante, la cantidad de tiempo asignada al entrenamiento auditivo puede variar, sin embargo, cuando la producción se ve detenida bajo algún proceso, se debe realizar un soporte mínimo para que los oídos no bajen su rendimiento.

¿Entonces que entrenamos?

Más que por un proceso mecánico o físico, el entrenamiento auditivo tiene que ver con la familiaridad de reconocimiento de los fenómenos que ocupan a un sonido.

Por ejemplo, reconocer una frecuencia predominante en el zumbido de un mosquito, las tonalidades medias graves en la corneta de un tráiler o simplemente los acordes involucrados en una pieza musical.

Es obvio que siempre encontraremos una tendencia a reconocer ciertos sonidos dependiendo el +área en audio producción donde nos desarrollemos, pero resulta competente reconocer las bases porque nunca sabremos bajo que circunstancias nos toque aplicarlo.

Entre las metas del entrenamiento auditivo están:

Reconocimiento de los rangos de frecuencia referencia en base a octavas de un ecualizador gráfico

Reconocer tipos de acordes mayores, menores y alteraciones

Reconocer intervalos entre instrumentos y armonías

Reconocer ruidos ajenos a la interpretación

Distinguir disonancias de armonía

Reconocer un instrumento desafinado (inclusive percusión) dentro de los parámetros normales

Reconocer los tipos de voz por categorías musicales y de producción radiofónica

Diferencia entre distorsión análoga y digital

Diferencia entre distorsión, overdrive, fuzz y crunch

Diferencia entre tipos de reverb por espacio acústico

Diferencia entre delay, reverb y echo

Efectos de chorus, phaser y flanger

Procesamiento de compresión y limitación

Métricas y figuras rítmicas

Looping points

Conclusión

Estas tareas se van desarrollando con el tiempo y requieren de un esquema de entrenamiento básico. Algunas como reconocimiento de frecuencia se pueden hacer bajo circunstancias de control acústico. Aplicar a instrumentos y voces los distintos procesos pueden ayudar a diferenciarlos en el proceso de mezcla, pero siempre apoyados por el botón solo.

No sabemos en que momento nos pedirán reconocer problemas de frecuencia o efecto en una mezcla. Pero tener este entrenamiento nos permitirá prevenir ruidos en las grabaciones, canales de sonorización o predecir hasta cierto punto como sonará una interpretación de acuerdo a su ejecución y tomar algunas decisiones para pulir un sonido que se nos presente.

Rafael Mendoza entrena de 8 a 9 am sus oídos 2 veces por semana en Ad Libitum

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Zappa y la cruzada anti-censura...

El 19 de septiembre de 1985 (el mismo día del temblor en México), Frank Zappa se presentó en el Comité de comercio, tecnología y transporte en el Senado de Estados Unidos, vestido de traje negro, pelo recortado y un desafío que ningún músico ha presentado.

La Parent Music Resource Center (PMRC), es una organización fundada por la esposa del senador Al Gore y otras esposas de políticos, escudadas bajo la preocupación de los mensajes y letras de los álbumes de la época.

En aquel entonces, el rock pesado estaba en su apogeo underground, debido a que las iglesias cristianas dominaban el panorama ético y social de Estados Unidos. Acusados de ser satánicos, responsables de suicidios en adolescentes y marcados como una agresión a las buenas costumbres de los Estados Unidos, los rockeros y artistas radicales se vieron de pronto ante la presión de poner en las tapas de los discos, etiquetas que previnieran o censuraran las palabras, imágenes fuertes y clasificaran al igual que en las películas los contenidos de los discos.

Para Zappa, esto significaba una medida que abriría la puerta a la censura en todos los niveles. El argumento principal de la PMRC, era que los niños no deberían tener acceso a la música con contenidos de tipo sexual y que trastocaran los valores religiosos. Que no deberían escuchar música rock hasta tener cierta edad y que los padres pudieran evaluar las peticiones de sus hijos basados en una etiqueta que se los informara.

Zappa hizo su alegato principal cuando pudo exponer en el Senado su punto de vista:

"La propuesta del PMRC es un disparate malintencionado que falla en su intento de beneficiar a los niños, infringe las libertades de las personas que no son niños, y que promete mantener los juzgados llenos durante años interpretando y ejecutando los problemas inherentes a la propuesta. Yo tenía entendido que, en leyes, al decidir sobre enmiendas se debe optar por las menos restrictivas. En este contexto, las demandas del PMRC son el equivalente a tratar la caspa decapitando... 

El establecimiento de un sistema de clasificación, voluntaria o no, abre las puertas a un desfile de programas de control de calidad basado en cosas que no gustan a algunos cristianos. ¿Qué pasa si el próximo puñado de esposas de Washington pide una enorme 'J' amarilla en todo el material compuesto o tocado por judíos, para salvar a los indefensos niños de la exposición a la doctrina sionista?"...

La Senadora de Florida, Paula Hawkins, le preguntó sobre el tipo de juguetes que les daba a sus hijos y que por algo los juguetes estaban reglamentados por edades.

Zappa nunca aceptó como válido el argumento, diciéndole que una etiqueta no medía el coeficiente intelectual de sus hijos, ni de ningún humano. Que esas atribuciones no le correspondían al Estado, sino a los padres evaluar si sus hijos tienen o no los criterios adecuados para evaluar.


Frank Zappa nunca dejó que el sistema le hiciera su juego. Sacó a sus hijos de las escuelas basadas en la educación del Estado y los educó en casa. La alerta que Zappa estaba encendiendo tenía que ver con el criterio de unos cuantos sobre el trabajo de un artista, fuera plástico, músico, teatral, interpretativo o cualquier manifestación artística posible.

La victoria del sistema

Poco después de esta reunión, la PMRC trabajaría en conjunto con la RIAA (Recording Industry American Asociation) para implementar la etiqueta Parental Advisory. Según la RIAA, quedaba a título de la disquera decidir si sus productos deberían llevar o no la etiqueta y hacia donde los extendía.

Para Zappa significó una entrega total por parte de la industria ante una liga de mujeres refinadas que deseaban minimizar el impacto de las leyes de expresión en una sociedad conservadora.

El imprimió sus propias etiquetas en sus discos con la siguiente leyenda:

"¡CUIDADO! Este álbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. El lenguaje y conceptos contenidos aquí garantizan no causar tormento en el sitio donde el tío de los cuernos y tridente lleva sus asuntos. Esta garantía es tan real como la de los fundamentalistas que atacan la música rock en su vano intento de transformar América en una nación de estúpidos (en el nombre de Jesucristo). Si hay un infierno, sus llamas les esperan a ellos, no a nosotros."..

Conclusión
En diciembre de 1993, Frank Zappa perdió su lucha contra el cáncer. Su legado musical, sólo es rebasado por la visión libertaria de un mundo artístico libre de censura. Zappa rompió los esquemas de educación artística, cultural e ideológia en un país donde el conservadurismo es la piedra angular de su decadencia. Los tiempos no cambian en USA y se ha trasminado a los países vecinos sus políticas de juicio moral peligrosamente.

Hoy más que nunca necesitamos músicos con visión abierta y conciencia social. Menos copias de la industria norteamericana y más música que proponga cambios de fondo a una sociedad dividida por los recursos económicos y el acceso a las tecnologías..

Rafael Mendoza escucha a Frank Zappa en Ad Libitum

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10 consejos para cantantes en el estudio...

En la semana platicamos de la voz como materia prima. La técnica de canto es la manera en que aprendemos a domar a nuestras cuerdas vocales y reconocer sus límites.

Pero al llegar al estudio, los errores técnicos y de actitud, pueden revelar detalles hasta en el cantante más experimentado.

Aquí los 10 consejos principales para el cantante en el estudio.

1.- Ensaya con la pista antes de ir al estudio: En tu etapa de pre-producción, verifica y solicita que te den una pista sin mezclar para que tengas unos 2 o 3 días para practicar los temas antes de entrar al estudio. Muchas veces no es posible obtenerlas por el tiempo de estudio, pero si puedes presentarlas como parte de tu esquema de grabación.

2.- Delimita tu técnica antes de grabar: Conocer la letra, usar trucos para llegar a notas altas que tu registro no permite o imprimirle "feeling" no substituye una técnica vocal adecuada. Si un tema no te es sencillo de cantar por la tonalidad, requerimiento de técnica o intensidad de tu voz, simplemente no permitas que sea considerada para grabar. En el estudio estás para ofrecer tu mejor performance, no intentar algo que no puedes hacer.

3.- Mensaje y emoción son la meta: Antes de entrar a grabar, debes revisar la letra y hacer anotaciones sobre ella. Hay partes donde la respiración puede ayudarte con la emoción y otras donde pronunciar suavemente o intensamente brindarán un mejor panorama del mensaje que lleva la letra.

4.- Imagina a la audiencia: Muchas veces se le dice al cantante que interprete mirando la escena que describe o la sensación que le produce el tema, pero en realidad está realizando una interpretación. Así que debe imaginarse cantando para una audiencia presente, tan grande como desee imprimir su interpretación.

5.-Haz tu sesión bien descansad@: Muchas veces para ahorrar dinero, se realizan sesiones a altas horas de la noche o después de un día de trabajo. Una planeación implica mantenerse descansado y sin desvelarse. Duerme bien días antes  de la grabación.

6.-Elige tu micrófono para grabar: Normalmente le dejamos esta tarea al productor o ingeniero de grabación, pero siempre que sea posible utiliza unos minutos del pre calentamiento para escuchar varios micrófonos. Tal vez el productor elija uno para grabarte, pero puedes solicitar el que más te agrade para que lo envíen a tu monitoreo personal. Si tienes duda, pregúntale al ingeniero cual es el favorito de los cantantes y mantente abierto a sugerencias.

7.- Ajusta los niveles de tu mezcla: Esto normalmente es realizado por el ingeniero en el cuarto de control, pero si la reverb en exceso te molesta o te agrada, es tiempo de comentarlo. Tal vez prefieras escuchar una parte más fuerte del bajo o el sintetizador del fondo. La mezcla final dependerá de múltiples factores. Acomodar la mezcla para tu performance es la meta al grabar.

8.- Aprende a usar el "puncheo" como tu aliado: El punch in es una técnica de grabación donde substituimos solamente aquella parte que requiere de regrabarse en una interpretación. A veces será una frase, otras tantas un verso completo. Lo ideal es que cantes el fraseo completo y dejes esta tarea al ingeniero de grabación. Es un performance contínuo lo que se busca, no fraseos recortados.

9.- Enfócate en vocales y consonantes: Una de las fallas más comunes del cantante amateur es pronunciar demasiado fuerte algunas consonantes como la b, p, t y ch. Esto produce "golpes" de aire en el micrófono. O por el contrario, acentúa demasiado ciertas letras y se piensa que eso es manejar un estilo. Lo ideal es que pronuncies las consonantes con la misma intensidad que su vocal vecina, dejándolas en segundo plano. Finalmente la armonía de una canción se refleja en las vocales y no en las consonantes.

10.- Revisa los tracks grabados: Con apoyo de tu director musical, debes buscar los siguientes aspectos en tu interpretación (pide al director musical que aisle a los demás músicos de estas decisiones.)

Importante: No preguntes si se puede arreglar en la mezcla o con edición, prefiere volverlo a grabar por encima de decisiones de post producción.

Ritmo y fraseo: Ubicar donde los fraseos salen de la métrica del tema, por interpretación o que quede ausente de sentido y significado

Afinación: Parece demasiado repetirlo pero es una de las metas en la técnica. Existe un promedio de cambio en tono de un 3 a 5 % de acuerdo al tipo de letra o fraseo. Hasta cierto punto puede considerarse normal y natural. Más allá de eso significa una mala afinación. En programas como Autotune podemos decir que si se encuentra entre las 5 y 15 centésimas de tono hacia arriba o abajo puede funcionar. En lo posible intenta una nota mejor afinada que adornada..

Forma vocal: Busca si la interpretación suena débil, demasiado fuerte, estresada o delicada para el estilo del tema. Muchas veces pensamos que todos los temas deben sonar homogeneos pero en realidad cada una debe tener su carácter. Verifica que los coros sean tan intensos o profundos como se necesita.

Interpretación completa: ¿Suena bien?, ¿La interpretación es creíble?, ¿El mensaje es claro?.. Delimita los errores técnicos para reparar en un porcentaje. Una buena interpretación requerirá un retoque de hasta un 20% para pulir una buena interpretación. Más allá de eso estamos hablando de trabajo de edición que hará sonar la toma falsa o sobre producida. El objetivo es que la interpretación te mantenga inmerso en el tema.

Conclusión
Muchos detalles de producción en voz pueden ser reparados y apoyados con la tecnología digital. Pero nunca debes llegar al estudio pidiendo a gritos un autotune porque hablará sobre tu calidad musical. La técnica es fundamental para obtener un buen performance y hay géneros donde no es tan exigente, como la música folcklórica o étnica. Géneros como Pop, Hard Rock, Blues y Salsa son mucho más exigentes en grados como el Jazz o Clásico. Puedes tener buenas letras y buena música, pero tu voz es quien aporta el mensaje central y debes ser un buen mensajero

Rafael Mendoza produce voz en Ad Libitum

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Viernes de Video: Mike Mangini en Slow Motion

Mike Mangini es uno de los bateristas contemporáneos más rápidos del mundo.
El programa "Time Warp" de Discovery Channel (En cámara lenta en México), presentó hace algún tiempo un segmento donde utilizaron la cámara rápida para mostrar que sucede con la forma de tocar de Mangini.

Su secreto parece revelado en este video y es sorprendente mirar como responde la tarola y platillos ante el ataque en los tambores.

Nos vemos el lunes.

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La voz humana como materia prima

La voz es una de las materias primas con que elaboramos audio producción. Muchas veces encontramos talentos en distintas áreas como la locución, canto y actuación para diversos tipos de proyectos. 

Normalmente pensamos que enviar aire del diafragma a la garganta a través de las cuerdas vocales es suficiente, pero sólo un experto en su campo puede comprender y mejorar sus capacidades si comprende como funciona la voz.

¿Cómo se produce la voz?

Básicamente depende de 3 elementos clave:

- Respiración

- Fonación

- Resonancia

Respiración

Es la primera etapa y la más importante, pues de esta manera se obtiene el aire necesario para el proceso. La presión del aire que genera el diafragma, viaja por la tráquea hasta las cuerdas vocales haciéndolas vibrar.

Fonación

Cuando respiramos sin hablar, las cuerdas vocales se mantienen abiertas para dejar pasar el aire sin problema a los pulmones.

Pero cuando generamos sonidos, las cuerdas vocales vibran entre 200-220 veces en las mujeres, y entre 100-120 en los hombres, lo que provee la altura tonal de la voz.

Los músculos de las cuerdas vocales pueden cambiar de forma estirándose y comprimiéndose para generar las distintas alturas que requiere la pronuncición de ciertas palabras.

El tono de la voz se puede variar de muchas formas, dependiendo la combinaciòn de factores del mecanismo del habla.

Son tres los elementos fundamentales de la voz producida:

Tono

Intensidad

Calidad

El tono es que tan grave o agudo suena una voz, la intensidad es la fuerza con que la voz es generada.

Pero la calidad es una de las particularidades que pocos tomamos en cuenta. Se refiere a que tan clara es la voz y como suena. Muchos factores complejos incluyen que tan relajados están los músculos de la laringe, que tan suavemente vibran, y que tan rápidamente vibran las cuerdas durante la fonación. 

Si los músculos de la laringe son excesivamente tensos, el sonido es seco, si las cuerdas se mueven en forma irregular y/o no pueden cerrar juntas, la voz sonará dura, estirada o ronca.

Resonancia

La resonancia es la última etapa. Los sonidos producidos por las cuerdas vocales son muy débiles para ser reconocidos como voz, y su tono básico debe ser amplificado o resonado.
El viaje  de ese sonido a través de los espacios de la garganta, la boca y naríz le dan ese impuslo adicional.
Cada persona es diferente, por lo que la forma en que se construye su garganta, boca y nariz, construye su timbre particular.

Existen otros factores físicos que tienen influencia en la voz.

Mientras respiramos, la fonación y resonancia son la piedra base de la voz, la efectividad de nuestras voces se afecta por la postura del cuerpo  y la relajación de los musculos del cuerpo y laringe.

La forma en que se alínean el sistema óseo y muscular, puede crear diferencias al cantar o pronunciar palabras, pues la tensión muscular de la laringe, puede sonar bastante sucia por momentos.

Conclusión

Conocer como funciona nuestro sistema respiratorio y como producimos la voz puede ayudarnos a entender que muchas de las fallas vocales provienen de una postura incorrecta al cantar, la falta de una buena respiración y la más común, una adecuada técnica de fonación.

Cualquiera que sea el desempeño de tu voz en un proyecto, cuidarla y capacitarla con un profesional es fundamental para extender la vida de tus cuerdas vocales sin someterlas a stress.

No basta con cantar afinadito, sino con aprender que todo el conjunto influye en la forma en que producimos nuestro medio de comunicación.

Rafael Mendoza graba voces en Ad Libitum

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Sonidos del Mundial...

Mucha polémica ha traído la organización de eventos masivos como el Mundial de Fútbol o las Olimpiadas.
Estos eventos requieren de una preparación a fondo y una infraestructura adecuada para que todos podamos tener un poco más que percibir en nuestros televisores.

Del mirar a intimar...

En los años ochentas, la televisión nos permitía visualizar un partido de fútbol y tener el sonido de fondo como acompañante. A principios de los años 90 y la inclusión de los sistemas multicanal digitales, se encontrò que podía brindarse profundidad a una transmisión no sólo incrementando el número de cámaras en el estadio, sino llegando a la intimidad de la cancha a través de los micrófonos ambientales.

Hoy, el mundial suena como lo conocemos, gracias a un sistema de sonido planeado y pulido con los años y la experiencia de otros eventos.

Por el momento no existen muchos detalles de la producción que se integra al mundial Brasil 2014, pero podemos utilizar de referencia algunos datos utilizados en el Mundial 2010 en Sudáfrica.

Creando ambientes adecuados

La tendencia a generar entornos más dramáticos para el disfrute de estos eventos, requieren de infinidad de micrófonos colocados de manera estratégica para cubrir el entorno. Con la llegada de las transmisiones codificadas para sistemas Dolby en vivo, la experiencia surround ha tenido una gran participación en los últimos eventos masivos.

La función de integrar microfonía al estadio tiene tres funciones:
a) Capturar el espacio y la atmósfera del evento
b) Envolver al escucha y traerlo dentro del lugar auditivamente
c) Crear una estructura sónica que permita utilizar todas las fuentes para crear ese entorno en vivo.

Muestra de ello es este plano básico de colocación en los estadios de Sudáfrica para cubrir el evento.
Principalmente está constituido de micrófonos "windshield" utilizados comúnmente  en los sistemas de grabación ambiental. El uso de pedestales y soportes a alturas intermedias, permiten captar directamente los sonidos en la cancha además de la audiencia cercana.
 

El arreglo común para la copa de Sudáfrica se basó en técnicas ORTF y se complementó con los micrófonos integrados a las cámaras de transmisión. Comunmente son micrófonos de condensador del tipo utilizado para la grabación ambiental en cine, tv y radio.

En total y de acuerdo a este ejemplo, una transmisión de un partido tendría asignados entre 25 y 30 micrófonos para captar lo que sucede en la cancha.

Conclusión

Independientemente de los requerimientos que cada televisora aporta a sus transmisiones, la organización y producción base para un partido de fútbol requiere de planeación y consideración con meses de anticipación. Brasil 2014 no es el único evento que utiliza estas técnicas. Juegos Olímpicos, la Champions League, la Copa de Oro también aplican diversas técnicas para acercarnos "auditivamente" a la accíón.

El centro operativo revisa cada uno de estos elementos para brindar una experiencia más real o profunda al teleauditorio.

Existen inclusive técnicas de asistencia sonora, donde se agrega audio de librerías para engrosar el sonido en ciertos estadios, técnica que parece ser clave en el partido de inauguración ante un estadio que está diseñado de forma abierta. Incrementar dramáticamente los sonidos naturales de una transmisión son claves para generar una experiencia más profunda en la producción de eventos deportivos y masivos.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum Estudio

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Software Pirata: ¿Es gratis?

El Blog anterior, hablamos sobre las aportaciones de la mercadotecnia en términos venta en sus productos, prometiendo resultados profesionales a un bajo costo.

En un mercado global, donde el toma y daca es literalmente a matar, las estrategias de mercado de estos programas, equipos y soluciones todo en uno, se desarrollan afrontando una realidad que es una amenaza para sus intereses: la piratería.

3 historias un destino

A) Supongamos que José Miguel tiene la necesidad de comprar un software para alcanzar sus sueños de pianista, realizando una maqueta casera que le permita mostrar a otros su talento y música.

José Miguel, tiene en sus manos solamente 250 pesos que puede invertir en un software básico MIDI que vió en internet. Tiene dos opciones; trabajar duro para  acumular los 6000 pesos que puede costar Cubase en su versión profesional o comprar una aplicación desconocida en un sitio web donde venden otras utilerías de tipo MIDI.

José Miguel se rehusa a limitar su talento y preguntando en otros foros descubre que existen "opciones" más viables. Le pasan un link de mediafire y consigue por una visita a un sitio web, la versión completa de Cubase SX5. Después de 4 a 5 horas puede instalar el software en su computadora y de pronto su vida cambia.

B) Un joven programador, decide que tiene los algoritmos adecuados para procesar archivos de audio en menos tiempo y con mejor calidad. Decide instalarse una base de programación y empieza a dar forma a lo que será el próximo sinte virtual basado en sonidos de la calle.

Después de horas y horas de programación, testeos, pruebas beta, crasheos y limpieza de virus, consigue dar vida a un instrumento VST que puede funcionar en la plataformas de Steinberg.

El siguiente paso es definir si se venderá, promoverá , licenciará o regalará. Si decide venderlo, debe crear un sitio web donde pueda distribuirlo. Deberá promoverlo y en alguna etapa conseguir una licencia para su integración basada en la estructura VST de Steinberg. Tratará de venderlo al mismo Steinberg para que lo incluya dentro del CD original de instalación o lo regalará sin importar su funcionamiento dentro de la plataforma de Steinberg.

C) Steinberg es una empresa que desarrolla software de audio con más de 30 años en el mercado. Ha conseguido establecerse en la batalla del software ante acérrimos enemigos como Avid, Sony, Propellerheads, Ableton y ha mantenido sus estándares como soporte para las nuevas generaciones.

Con la economía de la industria de audio producción, sus ventas han bajado un cierto porcentaje y la piratería no ayuda demasiado a una propia recuperación. Si el software no sale con una calidad adecuada, podrá crear errores en ciertos sistemas y la aplicación de un parche es una solución inmediata a través de su sitio web.

Pero cuando una gran parte del software es pirata, la reputación de la compañía se ve afectado, porque el usuario (no consumidor, porque el consumidor compraría la licencia original) ha tenido una mala experiencia basada en la corrupción de archivos al establecer una transferencia de datos o descarga del software en un sitio de piratería.

¿Quien se beneficia de la piratería?

Los 3 escenarios anteriores enterrarán a los involucrados tarde o temprano. La respuesta es simple.

A) José Miguel podría obtener los beneficios de un buen software, estable y bien diseñado, aún proveniente de un distribuidor pequeño por 250 pesos. Su falla es que ha medido su éxito anticipadamente y con ello sin quererlo, se ha arrastrado a la interminable serie de sucesos que le perseguirá de por vida si consigue hacer algo nuevo con la música. Los precios del software no bajarán si no hay consumo legal del mismo, lo que se traduce en instrumentos virtuales de alto costo o peor aún, no tendrá alternativas económicas a largo plazo porque habrá permitido que el software modesto no tenga oportunidades de crecimiento. En algún punto su necesidad le obligará a comprar más herramientas virtuales, pero cuando presente su trabajo, este será desestimado porque para la mayoría de la gente (en México específicamente), su "trabajo" consistió en bajarse un programa pirata y hacer algo sin invertir. Así que a José Miguel ha sentenciado su valor laboral por una descarga ilegal.

B) Nuestro amigo programador, invertirá horas de trabajo en el desarrollo de un software que pocos podrán usar a falta de promoción y distribución. Aunque su costo sea modesto, no tendrá oportunidad ante las campañas de marketing que tienen las grandes empresas. Músicos como José Miguel que podrían darle sus primeras oportunidades, deciden bajar software de "marca" haciendo a un lado su esfuerzo en una herramienta que podría resolver muchos problemas específicos. Si se presenta ante Steinberg, podría tener oportunidades de licenciar su software. Pero es más seguro que Steinberg le requisite pago de licencia por uso de plataforma VST. Decidirá entonces regalarlo como forma de trabajo y aportación musical. Nunca revisará el código fuente y una excelente idea de software se quedará estancado en la versión 0.9.  Seguro conoces algún software así.

C) Steinberg vive de las ventas masivas. Al perder oportunidades de ganancia y sostener una infraestructura monstruosa no le queda más remedio que vender su software a profesionales y no profesionales. Sabe que si promete el santo grial de la producción, tendrá más opciones de venta y de continuar actualizando sus plataformas. De hecho, en estos años hemos visto la tendencia de los principales productores de software, agregar funciones propias de un amateur, como el encoding MP3, las librerías de loops y los VSTi que tienen programados presets midi (EZDrummer o EZKeys) para que no se requieran conocimientos musicales.

Conclusión

El círculo vicioso está trazado. Ni José Miguel, ni nuestro amigo programador, o la empresa Steinberg tienen opciones de comercialización adecuada. Todos impulsan hacia la ganancia con poca inversión y solamente Steinberg conseguirá salir adelante más por los antecedentes que por las políticas de desarrollo.

¿Se puede revertir?... Sí... José Miguel debería saber que no necesita más que solo 45 funciones de las 600 posibles que tiene Steinberg, pero que el software de nuestro amigo programador cubre cabalmente con sus más de 70 funciones básicas. 

José Miguel podría aportar e incentivar a nuestro programador a realizar mejoras, updates y desarrollar nuevas herramientas basadas en su trabajo base. Inclusive podría realizar más adelante su plataforma multitrack.

Steinberg no sufriría con ese desarrollo porque si las descargas piratas se vieran disminuidas, conseguiría vender más unidades legales a un costo menor. Centraría sus capacidades de software en sustentar sistemas de largo plazo con menos actualizaciones por año. Requeriría menos soporte técnico y crearía más productos desarrollados para su plataforma profesional.

¿Quien gana aquí?. Indudablemente nadie, ni siquiera el pirata que subió el software a la red. Simplemente ha conseguido disminuir las ganancias y demeritar el trabajo de muchos, que como él, soñaron un día con ganar el dinero suficiente por ser creativos y producir en un entorno adecuado, los productos que utilizaría el mercado actual.

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10 mentiras mercadotécnicas sobre masterización casera...

Masterizar es un proceso que debe ser respetado como una especialidad lo es para un médico...

Aquí están las 10 mentiras más comunes generadas sobre los fabricantes para vender plugins y software de masterización no profesionales a usuarios amateur o caseros...

1.- "¡Masterizar es tan sencillo como instalar un plugin!" : Normalmente aplican demos con procesamiento de limitación para obtener una idea de potencia inexistente.
 Limitar es sólo uno de los pasos posibles en masterización que va combinado a diversas técnicas y mediciones sobre el contenido harmónico aparte de la experiencia del ingeniero en masterización... ¿Un plugin?.. ¡Por favor!

2.- "Masterizar transforma tu mezcla en un éxito": Una mala mezcla es como un café sobre cargado de cafeína o azúcar. Cuando contratas un servicio profesional de masterización, la comunicación entre ingeniero y cliente es fundamental para obtener el mejor resultado. El ingeniero encontrará las fallas en la mezcla y avisará al cliente sobre las correcciones que debe considerar para mejorar la mezcla.

3.- Masterizar genera temas más profundos y "ponchados": La experiencia del ingeniero en masterización hace la diferencia en el control de graves. Su trabajo es encontrar un punto adecuado para que el material pueda ser estandarizado en la mayor parte de los dispositivos de reproducción actuales. Un material con graves presentes hará distorsionar fácilmente unas bocinas de Laptop.

4.-Masterizar produce temas más brillantes: De la misma forma que en el mito anterior, todo depende del balance de la mezcla. El equilibrio adecuado proviene del ingeniero de mezcla. El mastering sólo aplicará un retoque si lo considera necesario. Una alteración en los agudos, altera parcialmente todo el rango de agudos.

5.- ¡Masterize profesionalmente en su hogar!: El entorno de un cuarto para masterizar es diferente y requiere un tratamiento adecuado para su función. El equipamiento también cambia. Pero es un lugar donde el ingeniero en masterización se instala como su segundo habitat. Ningún cuarto casero tratado, sobre todo acondicionado para funcionar como sala de masterización puede otorgar el panorama adecuado para realizar un proceso tan minucioso.

6.-¡Masteriza profesionalmente desde 49.90 dólares!: El costo de calibración, equipamiento, tratamiento y mejora del entorno acústico para un estudio de masterización cuesta varias decenas de miles de pesos. Sin tomar en cuenta las horas de aprendizaje y entrenamiento del ingeniero en masterización.

7.- ¡Masterice fácilmente con nuestro plugin todo en uno! : Es cierto que el ingeniero en masterización puede ayudarse de plugins para realizar su trabajo, pero también es cierto que combinan tecnología digital con análoga para obtener el mejor resultado. Decir que un plugin multi proceso hará el trabajo más profesional es como decir que un proctólogo puede revisar sus oídos, su sistema nervioso y calibrar su optometría en una sola visita.

8.- Descubra los "misterios" de la masterización con nuestro plugin: Masterizar es un proceso técnico especializado que requiere muchas horas de entrenamiento y práctica contínua. Los "misterios" en realidad son minutos condensados de toda una vida dedicada al mastering. No hay plugin que emule un salto cuántico para obtener la experiencia de otro al alcance de un click.

9.- "Finalice su mezcla con una masterización perfecta": El mastering es una etapa totalmente diferente y su propósito es ajeno a la mezcla porque está basada en criterios específicos. Sería como decir "Termine su experiencia de parto por cesárea con una liposucción"..

10.- "Si mezclas puedes masterizar": Normalmente se piensa que el ingeniero de mezcla puede masterizar sin problemas. Esto es parcialmente cierto, porque el único parámetro posible para este tipo de trabajo es la experiencia. Ingenieros con más de 15 o 20 años de experiencia en mezcla, pueden comprender mejor el  criterio de masterización y aplicarlo.

Conclusión

Las empresas de software (son las principales promotoras) utilizan estos argumentos para vender soluciones baratas y prácticas a situaciones comunes. Tienen un mercado específico y  funcionan bien a esa escala.

El problema sucede cuando se remata con estos argumentos dando en pocas letras una experiencia al usuario que no tiene.

Si hablamos de otras aplicaciones para audio producción encontraremos una gama impresionante de habilidades, curas, tratamientos y poderes especiales asignados al consumidor por tan sólo 49,90 dólares.  Señalar estas prácticas de marketing nos harán más críticos sobre los servicios que proveemos como industria.

Si quisiéramos reflejar el trabajo de un Ingeniero en Masterización, nos llevaría semanas de Blog acercarnos un poco a esa parte fundamental de la cadena en audio producción.

Rafael Mendoza NO masteriza en Ad Libitum Estudio

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Cómo sobrevivir a un proyecto freelance...

En audio producción como en cualquier otro esquema de trabajo creativo, los proyectos freelance se convierten en opciones laborales o de extensión para captar capital no sólo económico, sino en experiencia.

Últimamente han salido en portales y redes sociales, frases basadas en las experiencias del día a día y buscando controlar los esquemas de trabajo de los tiempos actuales.

¿Se puede sobrevivir a un proyecto freelance?

Aquí un panorama diferente sobre estos temas tan espinosos:


1.- Analiza el proyecto en términos de costos, tiempo de entrega, requerimientos técnicos y humanos. Si estos 4 elementos no son coherentes, déjalo pasar.

2.- Evita referencias vagas como "que suene bien", "que impacte", "que llame la atención". Acabarás poniendo música de Belinda para un spot infantil, porque el cliente no define siquiera lo que necesita.

3.- Actualmente hay muchas ofertas sobre "mes vencido, mes pagado". Evita este tipo de proyectos. Un trato es un trato y requiere de un compromiso monetario.

4.- Asegúrate de obtener una orden de compra y en el caso de un particular que deposite un pago anticipado. Miles de experiencias que he escuchado por no pedir un "papelito" que hable de un acuerdo es pérdida para tí desde un inicio.

5.- No te comprometas a cargar los costos de un proyecto. Un cliente puede decirte que tiene 5000 para un spot, de ahí te buscará regatear hasta la mitad, aparte de las opciones que pueden llegarle hasta por 300 pesos. Si regatea tu trabajo, entonces es un mal cliente.

6.- Si requieres pago posterior por urgencia, especifica el día de entrega y no ofrezcas muestras de alta calidad. Protégelas con sellos, baja resolución y mezcla básica. Si les urge tendrán que pagar. Nadie te da una hamburguesa sin haberla pagado.

7.- Ganar experiencia es bueno bajo ciertas circunstancias, pero asegúrate de obtener una carta de recomendación o que tu nombre sea visible en el plan de trabajo. Obtén una carta de derechos creativos sobre tu aportación si es posible. Parece exagerado, pero son tus derechos, más si no cobras lo que vale.

8.- Nunca realices muestras "gratis" de tu trabajo sin que te lo hayan pedido. Lo único que haces es gritarle al posible cliente que estás desesperado y que aceptarás lo que te ofrezca.

9.- Obtén los nombres del encargado del proyecto, su superior y los cargos que tienen. Asegúrate de que haya varias personas enteradas del proceso y de que te han contratado para un proyecto.

10.- Esta es un tip que aprendí bajo cierta negociación para recuperar el costo de un trabajo freelance. Obtén testigos dentro de la empresa. Después de cerrar el trato, comunícate a su área de contabilidad para que obtengas el RFC y envies la factura previa. Muchas veces, esto es suficiente para que alguien se entere de lo que ocurre en otras áreas.

Conclusión

Sobrevivir a un proyecto freelance tiene más que ver con la prevención que la cura. Cuando no tienes elementos para recobrar tu pago, es un camino duro y difícil de llevar. Es desgastante y probablemente no recuperes ni el dinero de las vueltas a cobrar.  Es tu trabajo el que vale y ellos lo necesitan. Si te pelean mucho los costos deja que alguien más se haga cargo... Habrás sobrevivido a un proyecto freelance.

Recuerda.. Freelance no significa gratis...

Rafael Mendoza ha sobrevivido a proyectos freelance en Ad Libitum Estudio

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Conciertos Holográficos: ¿Jugamos a ser dioses?

En días pasados, en los Premios Billboard 2014 pudimos ver un despliegue tecnológico de animación tridimensional.

Michael Jackson es una de las marcas más reconocidas de la industria. Recientemente se acaba de lanzar su álbum póstumo y finalizado por sus colaboradores y estrellas más cercanas.

Para muchos fans, la reaparición digital de Jackson significa el regreso de su espectáculo a escena. Para otros es una falta de respeto a su memoria como artista. Pero la industria ha preparado este escenario desde hace varios años.

La carencia como elemento de mercado...

En la economía, principalmente aquella denominada capitalismo, el principio fundamental de la carencia es la que genera una demanda de producto. Para satisfacerla, el capitalista ofrece una gran cantidad de productos de acuerdo a esa demanda. 

Cuando el producto tiene un mercado estable, el producto se posiciona y lucha contra otros productos para mantenerse en las preferencias del mercado que le sustenta. 

De vez en cuando, alguna  circunstancia externa pone en peligro la disponibilidad de un producto de alto consumo. 

Es decir, la poca disponibilidad del producto crea una crisis de consumo. El mercado se beneficia más de la carencia que del excedente que genera, porque puede elevar su costo, pretextando la dificultad de generar el producto.

Cuando un artista que está posicionado como Michael Jackson, John Lennon, The Beatles o Freddie Mercury muere, genera una crisis de mercado dentro de su círculo de fanáticos.

Esta crisis o ausencia de "materia prima", conduce a los sellos a vender hasta las versiones grabadas en la casa de la abuelita de Paul McCartney, o los gorgoritos dominicales de Selena capturados con una vieja cámara de video.

¿Un holograma innovador?

La repentina aparición de Michael Jackson es una forma más de presentar un producto comercial y extender su "vida" comercial para generar nuevos dividendos. Durante la gira del grupo Gorillaz, las apariciones animadas o artistas "no humanos" interactuando con el pùblico, vienen desde el año 2000. Tal vez podríamos decir que son animaciones 2D, pero su función es entretener y hacer tangible en lo posible al personaje o artista en vivo.

Hace unos 5 años, Hatsune Miku y Megurine Luka, presentaron los primeros conciertos holográficos en Japón. Dos chicas anime que podían interpretar con mùsicos en vivo (Jackson sería el primer playback musical holográfico). La tecnología avanzó mucho desde entonces y se preparan nuevas giras con cantantes japoneses de imagen virtual.

Mucho se criticó la forma de moverse de Jackson, aunque a mi me parece que  se trata de una versión más natural del mismo, después de todo si viviera tendría cincuenta y pico años. 

Conclusión

Los conciertos holográficos tienen mucho potencial dentro de segmentos de mercado específicos. Estoy totalmente seguro que habrá más de un artista que ya esté eligiendo material "inèdito" para anticipar su posible partida de este mundo. 

Los conciertos holográficos podrían extender la experiencia de interacción con el artista, pero bastó ver la reacción de los asistentes al Billboard ante un Michael Jackson holográfico. En una industria donde vales más muerto que vivo, no sabían si aplaudir, reír, llorar o brincar de gusto. 

Simplemente, revivir muertos digitalmente, se considera en nuestros días un tabú. En lo personal, quisiera ver que es posible hacer con un concierto de Pedro Infante, Lola Beltrán, Jorge Negrete y José Alfredo Jiménez holográfico. ¿Estaría nuestra doble moral a la altura?

Rafael Mendoza disfruta de las presentaciones holográficas en Ad Libitum

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