Seguridad en Espectáculos:¿a quién corresponde?

Los lamentables hechos suscitados en el Manchester Arena son un parámetro importante de los altos niveles de seguridad que un evento musical debe aplicar para su desarrollo. Desafortunadamente es parte de una escalada de atentados que han comenzado a ser cada vez más regulares en Europa y se ha extendido a otras partes del mundo.

Iniciemos aceptando que ninguna situación de emergencia puede evitarse al 100 % , pues solo puede minimizarse el riesgo antes de que ocurra y reducir el impacto una vez que ya ha sucedido. 

En las últimas horas se ha especulado sobre el control de acceso y medidas de seguridad aplicadas previas al concierto. Algunos asistentes refirieron la ausencia de escaneo y revisión a la entrada del inmueble. Otros por el contrario, indicaron que la acción de desalojo se pudo haber realizado de mejor manera, pero que el pánico no permitió su limpieza.

Entonces; ¿Qué debemos aprender de estas crisis?

El tema da para muchos aspectos, pero me gustaría centrarme en analizar a quien corresponde la seguridad de un evento abierto al público y sugerir un cambio de mentalidad para abordarlo de mejor manera. 

Inmueble anfitrión

Casos muy concretos en México que han derivado en tragedias como el Lobombo, generaron cambios en la legislación, que no se aplica de forma correcta, ni se ha dado seguimiento para incentivar un mejor control de seguridad. En el interior de la república es todavía más complejo, pues basta colocar una ambulancia y 4 extintores para solucionar la acreditación de protección civil para la realización de un evento en el que pueden asistir de 2000 a 10,000 personas.

Muy pocas agencias de Management, conocen a fondo los espacios públicos que utilizan para el desarrollo de espectáculos. Dan por sentado que los inmuebles poseen la infraestructura necesaria para atender una eventualidad basada en esquemas de protección y seguridad implementada por los centros de espectáculos.

El inmueble debe asesorarse con expertos en seguridad para reconocer los puntos ciegos del negocio, protocolos para activación de alarmas, controles de acceso, contratación de personal de seguridad y manejo de crisis ante circunstancias extremas. A pesar de ello, toda crisis puede presentarse, pero conocer a fondo el inmueble y su capacidad de respuesta ante una circunstancia difícil, permite desarrollar planes paralelos de acción y soluciones para el control de los mismos.

El mismo Manchester Arena, cuenta en su sitio web con una guía de accesibilidad y uso de sus instalaciones. Al momento de escribir esta entrada, no pudimos encontrar lo mismo en los sitios web de los espacios con mayor asistencia en CDMX (Auditorio nacional, Arena Ciudad de México y OCESA). Es buen momento para incluir información clave para el usuario.

Este trabajo debe ser secundado por promotores, organizadores, booking managers y artistas independientes, puesto que su seguridad y la de su infraestructura también está en riesgo ante una circunstancia compleja. Sugerir y recomendar aquellos sitios donde se ha trabajado en favor de estos aspectos debe ser una práctica común entre colegas y como forma de incidir en la seguridad de los asistentes al lugar.

Instituciones y cuerpos de seguridad

Mucho se habla de la capacidad de respuesta por parte de las instituciones y cuerpos de seguridad. Es complejo porque la realización de eventos se ha permeado muchas veces por diversos factores de tipo social, económico y político. 

Recordemos que en distintas plazas de México, los grupos delictivos aún se hacen presentes ante los promotores para exigir el pago de derechos por la plaza para permitir la "tranquilidad" del evento. Este hecho, ha generado impacto negativo en el desarrollo de eventos (queda para análisis el impacto económico, puesto que no hay un control de recursos en la mayoría de ellos), porque ha generado desplazamiento e inactividad por miedo de las represalias por parte de la delincuencia.

Hasta el momento, México ha estado aislado de la problemática de terrorismo exterior, sin embargo, las condiciones sociales actuales y su estado de guerra contra la delincuencia es un factor muy importante para considerar, sobre todo porque en Colombia ya se vivió esta situación con las acciones de Pablo Escobar. 

Por supuesto que la participación en la prevención del delito, inteligencia de fondo y una mayor credibilidad de los cuerpos policiacos es fundamental para establecer una barrera de protección importante, no solamente en el sector de la música, sino de las actividades primarias, secundarias y terciarias. 

Público asistente

Considero que el cambio en el público asistente a espectáculos es la piedra angular de una mejor prevención, manejo y control de crisis en nuestros días. ¿Porqué?... Porque la seguridad personal es una responsabilidad que no se puede encargar, delegar o pedir a nadie. 

Muy pocos asistentes a espectáculos saben realmente como actuar en una situación de crisis. Los videos de la crisis en el Manchester Arena lo confirman. Después del estallido, la mayoría huye del recinto sin siquiera analizar la situación. Por supuesto que la primer reacción de las personas es huir del peligro, pero es una acción muy primitiva para los tiempos que vivimos y la seguridad personal depende del complejo entorno.

La prensa se ha dado vuelo preguntándose ¿porqué la seguridad no detectó a tiempo a la persona con los explosivos?... Y yo pregunto, ¿no son mejores observadores 22,000 pares de ojos en el interior del inmueble?.

No hay excusa para hacer menos la situación vivida en un momento de crisis, pero como asistente a un centro de espectáculos o gran concentración de personas ¿cuántos de nosotros realmente conocemos el protocolo de manejo de crisis del inmueble?, ¿lo has preguntado alguna vez?, ¿sabes dónde están las salidas de emergencia?, ¿dónde están los extintores?, ¿sabes usarlo?, ¿cómo eliges una ruta alternativa de escape si es necesario?, ¿cuánta seguridad hay realmente en el inmueble?, ¿podrías reconocer a un sospechoso que requiera supervisión de la seguridad del inmueble?, ¿te quedarías junto a el/ella?, ¿te sientes seguro entrando al inmueble sabiendo que ha tenido problemas de organización en situaciones de alerta?, ¿crees que tu seguridad puede ser transferible a través del pago de una entrada?

Las medidas de seguridad pueden fallar y ninguna es infalible, pero existen formas claras de reconocer a alguien sospechoso en cualquier lugar que podría significar alertar y alejarse anticipadamente de una circunstancia así. Los aeropuertos son prueba de ello, pues manejan altas concentraciones de personas y se mantienen alerta ante cualquier posible signo de nerviosismo. 

Seguridad tripartita

El mundo ha cambiado y vivimos un entorno complicado por las decisiones políticas, económicas y sociales. El ciudadano mundial actual ya no puede pensar que vivirá aislado de lo que ocurre en otros países. Los ataques terroristas están ahí y desafortunadamente han llegado para integrarse a la vida moderna. 

Los dueños de inmuebles deben invertir más recursos en desarrollar estos aspectos en favor de la asistencia, un costo que no resulta cómodo pero que vale la pena realizar. Las instituciones deben al mismo tiempo responder con eficacia y oportunidad, pero sobre todo, actuando con mayor responsabilidad, fomentando la comunicación y haciendo partícipes a los ciudadanos de su actuar. Al mismo tiempo, los usuarios de centros de espectáculos deben incidir en estos cambios, entendiendo que su asistencia a un espectáculo debe tener un porcentaje de energía reservado que haga la diferencia en una situación de crisis.

Esta nueva responsabilidad de la seguridad tripartita es fundamental no solo para la asistencia a centros de espectáculos, sino para cualquier actividad que realicemos. Algo que me gustaría recalcar, es que la seguridad personal es intransferible, indelegable e independiente. Aprendamos a actuar correctamente con respuestas racionales en circunstancias de crisis y a controlar las emociones para exponerlas una vez que estemos a salvo. 

Otra cosa que es importante comprender, es que el fenómeno no ocurre solamente en el pop o eventos masivos. Las crisis de seguridad no discriminan  lugar, tipo de espectáculo o evento, tamaño de audiencia o región mundial. 

Seamos en lo posible una mejor audiencia, participativa, pero sobre todo, responsables de nuestra propia seguridad, pues ello colaborará a que los entornos de alta congregación se vuelvan facilitadores en manejos de crisis.

Esta entrada puede parecer alarmista y exagerada para muchos, pero vivimos una época difícil y algunas habilidades extra no están de más. Siempre será mejor tenerlas y no utilizarlas, que necesitarlas y no tenerlas.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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7 pasos básicos para elegir productor...

Elegir productor para un proyecto puede ser una tarea difícil o sencilla. Algunas agencias eligen al productor basados en sus resultados anteriores, lo cual no significa que sea la elección correcta. En la medida de lo posible, debes pedir que sea una elección de concenso.

Aunque no sea así, es muy común ver artistas visitando a los productores sin las preguntas adecuadas o la visión completa de lo que están buscando. Siempre debes saber que buscas y porqué.

Aquí tienes 10 tips básicos para encontrar primero la ruta de tu proyecto para elegir a tu productor..

1.- Conoce tu presupuesto real: Contratar un productor de alto rango puede ser muy costoso y de nada servirá si no cuentas con los recursos económicos para sustentar los cambios. Muchas bandas se molestan cuando el productor les pide vender su pedalera para rentar unos más apropiados para la grabación. Este tipo de decisiones siempre generan molestia y crean conflictos. Si estás considerando un productor de alto rango, prepárate para este tipo de gastos, como la elección del estudio adecuado También deberás considerar la distribución y equipamiento necesario para recrear tu concepto en vivo.

2.- Debes ser claro en tus necesidades: El productor siempre querrá un panorama claro de lo que va a conseguir con tu material. Primero que nada, debes definir correctamente a que género pertences, en que estilo y cual es el enfoque que deseas aportar. Llegar con el clásico "es una propuesta fresca nueva y diferente a todo lo demás" es síntoma de que no sabes en donde estás parado con tu propuesta. Utiliza material de referencia, habla de tu meta a corto y mediano plazo. Un buen productor, siempre te llevará al siguiente paso inmediato... nunca más allá... ¡No son Sheng Long!

3.- Escucha la mayor cantidad de discos que ha producido: Imagínate tu disco producido de esa manera. No te quedes simplemente en dejar que pasen los tracks uno tras otro. Haz una lista de los temas que más te gustaron y específicamente las partes o instrumentos que te agradaron. El productor observa el conjunto del arreglo para saber sus posibilidades desde el demo. Dale la oportunidad de saber porqué lo has buscado.

4.- ¡Llévale un demo!: Ahora es cuando habrá valido la pena pagar por el estudio y la sesión de fin de semana. Ofrécele escuchar los 3 temas más significativos de la banda y con eso bastará para que sepa la proporción real en que puede intervenir en cuanto arreglos, producción, mezcla y conexión con la banda. No te desanimes si se niega a producir tu producto, seguramente sabe que no es la persona indicada y hasta podría recomendarte a alguien más acorde a tu proyecto.

5.- Haz muchas preguntas: Todo lo que puedas preguntar sobre el manejo de tu proyecto estará bien indicado. Si lo ves interesado, pregúntale que tipo de tratamiento basado en su discografía aplicaría a tu producto. Revisa con tu lista de discos si encajas en su mayoría con el concepto, entonces tienes un candidato fuerte. No compres nombre, sino experiencia, punto de vista y sobre todo estás eligiendo a un artesano para que te ayude a proyectar tu música.

6.- Derechos de producción: Bajo algunos criterios, los productores podrían interesarse en participar de tu proyecto. Es momento de preguntar sobre derechos de producción y aportación artística. Tal vez eleve el precio si decide cobrarte por ello, pero seguramente incluirá seguimiento previo a tu proyecto. Intervendrá en las decisiones del arreglo y hará recomendaciones sobre la técnica de los integrantes. Una cosa es cierta.. Si un productor te guía es porque se identifica con tu proyecto.. ¡Aprovéchalo!

7.- Entrevista directa o a distancia: Actualmente es posible realizar una entrevista vía virtual con el posible productor. Algunos de ellos, tendrán determinados tiempos disponibles para realizar la entrevista. Recuerda que no estás preguntando por credenciales solamente, sino por la interacción de tu material con sus habilidades. Con respecto a dineros, algunos prefieren hacer la propuesta después de la entrevista, porque hay consideraciones de renta en equipo, músicos adicionales, disponibilidad de estudio y requerimientos humanos. No pidas una cifra inmediata. Sé paciente. Si la propuesta económica se sale de tu presupuesto, podrías preguntar por algún ajuste.  Contrasta los diversos presupuestos y elige hasta el final.

Conclusión

Actualmente el productor es una figura que se le ha satanizado por sus procesos, sin embargo, la principal causa de ello es que difícilmente nos acercan a la figura real.

Muchas bandas pagan a productores importantes para realizar su proyecto y no cuentan con un plan de marketing, distribución, difusión y diseño de producción en vivo. El trabajo del productor es entregarte un producto listo para comercializarse. El éxito del proyecto recae más en las decisiones del artista y el plan que previamente se marcó.

No siempre el productor más caro es el más indicado. Pon en tu lista por lo menos 5 o 7 productores y ve tomando notas al respecto.

Al final, la experiencia de trabajo y el tiempo dedicado a la elección del productor, se verá bien reflejado en el producto final.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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10 tips para actualizar arreglos del pasado...

En estos días he estado muy activo trabajando material de bandas y que han decidido finalizar el producto y regrabar algunos temas.

En algunos de ellos, el tiempo ya ha dictado nuevas técnicas y sonidos que se consideraban demasiado pesados o fuera de lugar para el género.

Tomando en cuenta estos detalles, es importante reconocer que partes son necesarias para el tema y cuales no.

Así que comparto con ustedes 10 tips a tomar en cuenta, que me han ayudado a resolver problemas en estos proyectos.

1.- El tema tiene futuro: Antes de hacer mil y un movimientos, es importante ser honestos con el trabajo realizado y preguntarse si vale la pena reescribirlo. Esto puede ahorrarnos muchas horas de creatividad y post producción. Un ejemplo podría ser la versión "parchada" de la Negra Tomasa de Caifanes. 

2.- Han cambiado de instrumentistas: Las bandas son entes vivos que cambian con las necesidades del grupo. La madurez entre los integrantes, las metas personales y cambios de domicilio, obligan a los músicos a cambiar de instrumentistas. Es importante revisar quien se ha integrado y que posibilidades técnicas y musicales puede aportar al arreglo. La nostalgia es bonita, pero hay partes que deberán regrabarse totalmente, beneficiando al arreglo musical.

3.- Revisar la altura tonal de los acordes: Es común que varios instrumentos se encuentren en la misma zona tonal creando conflictos. Revisar los acordes y probar nuevas variaciones ayudan a refrescar la calidad sonora del arreglo. ¡Los ingenieros adoramos estos cambios!

4.- Existen dinámicas en los instrumentos: En géneros como el rock, es común utilizar una sola línea de intensidad. A veces sucede que la banda quiere retratar cierto estilo proveniente de discos con muy alta compresión durante la masterización (Loudness War). Pero las dinámicas bien distribuídas entre el arreglo ayudan a mejorar la sensibilidad y empatía del arreglo con el escucha.

5.- Afinación de los instrumentos: Es importante revisar que la voz está en la parte adecuada y cantando entre los acordes sin disonancias. Los efectos de sonido pueden agregar distorsión armónica con los efectos aplicados al bajo. El sonido de los sintetizadores podría estar revelando afinación deficiente en los instrumentos de cuerda. Es momento de checar y hacer anotaciones al respecto

6.- Respeto en la duración de las notas: Ocurre que el guitarrista está tocando corcheas con palm mute ligadas y ensucia al bajo o viceversa. La batería podría sonar mejor si el control del ride o contratiempo abierto está bien definido. Son detalles que hacen una gran diferencia.

7.- Base rítmica con buena cimentación: Es muy común que el baterista y bajista toquen con variaciones de tiempo. No es tan malo si los tiempos fuertes y el groove encajan. En vivo es menos notorio, pero en estudio es crítico. A trabajar ambos por separado y juntos con metrónomo para conseguir eso. Bateristas, ¡checar que el remate del platillo sea justo con el bombo!

8.- Tempo real de la canción: En pre-producción encontramos detalles del tempo, principalmente cuando son lentos. Los fans prefieren tempos lentos para disfrutar. Los que desconocen a la banda encuentran más atractivos los tempos rápidos. A tempos muy lentos, el arreglo debe nutrirse un poco más para disfrutar el detalle. A tempos más rápidos, es mejor centrarse en la dinámica del tema. La decisión es conjunta, pero sugiero subir el tempo entre 2 y 5 bpms si existe la duda de acelerar el tema y probar. 

9.- Revisar el rango de los cantantes: Aquí vamos de nuevo. Si cambiamos de voz, será mejor cambiar la tonalidad para que el vocalista principal fluya mejor en el arreglo. La voz secundaria siempre debe trabajar en las dinámicas. Al igual que bajo y batería, el ensayo conjunto entre voz principal y secundarias debe ser crítico. Respetar la duración de nota en el arreglo también es importante.

10.- Revisar la estructura del tema: ¿Necesitamos doble vuelta antes del verso?, ¿se entiende el cambio de compás?, ¿construimos una frase más directa para el pre-coro? Estas son algunas de las preguntas que se deben tomar en cuenta. Es común extender los temas cuando nos agrada el groove, pero la audiencia puede cansarse rápidamente. Checar las vueltas innecesarias.

Conclusión

Actualizar un arreglo del pasado para darle nueva vida no significa que debas modificarlo al 100 %. Si esa es tu meta, tal vez venga bien hacerlo en compañía de otros músicos, inclusive realizando cross overs con distintos géneros. La ayuda de un productor en este tipo de desiciones te ayudará a comprender mejor los estándares de la industria y tu decides si te acercas o alejas de esa percepción.

Yo estoy disfrutando mucho abriendo de nuevo sesiones de hace 10 años y me sorprende el nivel de trabajo realizado contra mis conocimientos actuales. Siempre es enriquecedor  volver atrás a descubrir viejos trucos o técnicas utilizadas para resolver detalles en la producción.

Disfruta mucho la etapa de actualizar tus arreglos, porque por salud propia te recomiendo no intentarlo más de una vez. Pronto compartiré algo de este trabajo con ustedes y será muy importante tener sus comentarios.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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11 profesionales elementales para crear un disco exitoso...

Estamos en la era del Hágalo Usted Mismo (DIY en inglés). Para que un proyecto sea rentable a ciertos niveles, no queda duda que optimizar recursos y personal pueden hacer el truco.

Sin embargo, también sacrificamos calidad en el proceso. Aunque nuestra capacidad y habilidades pueden darnos para todo, no significa que sea nuestra competencia.

La experiencia es algo que no se puede adquirir más que en dos formas: Lo aprendes y desarrollas por lo menos 3 años, o le pagas a un profesional para hacerlo.

Aquí la lista de los 11 profesionales elementales para crear un disco exitoso:

1.- Músico: Profesional encargado en el arte de combinar ideas a través del uso de armonías, notas, silencios, cadencias, dinámicas e intensidades. Conocedor de la técnica de su instrumento y preocupado por abrir su panorama a las diversas expresiones musicales sin fronteras y barreras. No tiene prejuicios sociales, religiosos, patrióticos y utiliza la música para unificar positivamente. Su ego es siempre minimizado por su compañerismo y trabajo en equipo.

2.-Letrista: Profesional instruido en el arte de combinar palabras, conceptos, ideas, emociones y sensaciones escritas. Habilidades imperativas de redacción, conjugación, métrica y ritmo de las palabras. Facilitador de la dicción y amante del idioma a producir. ¡Podría escribir una canción sobre el ácido bórico!

3.- Compositor y/o arreglista: A veces integrados en la misma persona, el compositor profesional ayuda a mejorar la pieza resaltando sus cualidades musicales. Aporta nuevas cadencias y rectifica las intenciones originales del arreglo base. Codifica la orquestación y ayuda a seleccionar las texturas necesarias para el sonido general de la pieza. Respira, come y bebe teoría musical.

4.- Productor Musical: Su trabajo es literalmente arrearte a que hagas una buena producción. Recibe todas las quejas y es crucificado constantemente por su trabajo. Tiene la responsabilidad de garantizar que tu proyecto se termine dentro del presupuesto, haciéndolo rentable y posible. Muchos artistas consideran al productor musical un precio caro, pero he visto muchos proyectos gastar 3 o 4 veces más en una producción, simplemente porque no quieren "control creativo".  Tienen habilidad sobrenatural para resolver problemas tan raros como comprar tamales de huitlacoche una madrugada de domingo, con tal de que la producción no pare. ¡Vivan los productores!

5.- Ingeniero de Grabación: Profesional dedicado a entrenar sus habilidades técnicas y creativas en la selección de equipos, entornos acústicos y es un conocedor exquisito de la comida rápida. Agiliza el proceso de producción y provee un entorno de fluidez creativa, contundente y ligera. Es el campesino que selecciona los mejores ingredientes para la mezcla. ¡Prepárate, porque él debe hacerte las peticiones!

6.- Ingeniero de Mezcla: Seleccionado por sus habilidades creativas y distorsión neuro-cerebral, provee el talento necesario para tomar las decisiones correctas para la mezcla final. No necesita del artista para cumplir su meta. Facilita el tiempo de post producción, simplificando, extrayendo y dando carácter musical al proyecto. Su trabajo no es arreglar lo hecho, sino presentarlo como un plato exquisito. ¡Envíale un cesto de frutas y déjalo trabajar solo!

7.- Ingeniero de Masterización: Considerado el Oído de Oro dentro de la cadena, descubre con sutileza las micro y macrodinámicas de una canción. Agudiza y pule el sonido general como si se tratase de una piedra preciosa lista para ser engarzada a un anillo. Sus decisiones creativas, brindan una tercera capa de profundidad al proyecto y es enemigo jurado del Loudness War. ¡Dale 3 referencias y déjalo trabajar! 

8.- Fotógrafo Profesional: Relacionar tu concepto a una imagen creativa requiere de la perspectiva correcta. El fotógrafo profesional especializado en producción musical, no requiere Photoshop para decirle a la gente quien eres. La iluminación adecuada, el obturador y velocidad de exposición correctos... ¡Magia pura!... (¡PD: NUNCA le pidas que compare su creación con la de una revista!)

9.-Ilustrador Profesional: Un arte siempre habla bien de una buena producción. El consumidor aprecia algo más que letras y fotografías en un booklet. El ilustrador profesional conectará a tu público con el alma de tu propuesta. Todos recordamos con cariño algún álbum en particular que nos gustaba hojear mientras escuchamos la música... ¡Eso ocurre gracias al ilustrador!

10.- Diseñador Gráfico: ¿Porqué todos se quieren brincar a este profesional?... Yo sé que es como lidiar por momentos con un trozo de alma de Andy Warhol, pero si llegas a conectarte con su visión, entregará su alma a tu diseño. ¿Dónde están las letras, los créditos, las referencias, la continuidad entre páginas, los tamaños de fuente, estilo y colores que resaltan el trabajo de todos?... ¡El diseñador gráfico hace que huelas lo delicioso de un material sin siquiera abrir la caja!

11.- Community Manager: Mientras todos estos profesionales trabajan, el Community Manager es la persona detrás de la información. Su labor es agregar valor a tu proyecto durante su creación. Si nadie sabe que estás haciendo, como lo estás haciendo y porqué te tomas la molestia de hacerlo, la percepción de que tu material es igual a un archivo digital está garantizada. Es impensable para la industria actual dejar de lado al Community Manager.

Conclusión

Aunque la lista parece concreta, existen muchos más profesionales ligados a estos expertos. Pocos proyectos pueden darse el lujo de contar con una cadena de producción de esta magnitud. Pero también somos los principales promotores del Hágalo Usted Mismo. No sólo la calidad final del producto se ve comprometida, sino como eslabones débiles de una cadena productiva más compleja.

No siempre se puede contratar a todos estos profesionales a tu servicio, pero te invito a que consideres por lo menos a 3 de ellos a participar en tu proyecto. Confía en ellos, porque más allá de la justa retribución de sus servicios, ellos también dejan una parte de si mismos en tu proyecto. Siempre existe un espacio dentro del presupuesto para alguno de ellos. 

ADVERTENCIA: ¡En la nueva industria no se trata de restar, sino de sumar!

Incluye sus créditos en tu disco y cuando tengas oportunidad, menciona sus nombres o empresas. Recomienda el uso frecuente de sus servicios. Todos estamos en la misma industria y aprendamos a respetar sus diferentes áreas.

Mención aparte necesitan los profesionales que van durante la promoción, distribución y comercialización... Pero ese es otro post.

Seguramente, en el futuro, tu mismo podrás participar de esta cadena acompañando a un artista nuevo y conocerás la satisfacción de ser reconocido por cada uno de ellos.

Rafael Mendoza dedica este post a todos los profesionales que hacen un esfuerzo monumental en una industria tan encantadora como el Music Bussines

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Hell & Heaven Metal Fest 2014: ¿Si se pudo?

Hell & Heaven Metal Fest se llevó a cabo el pasado 25 de Octubre. Tras muchos dimes y diretes la organización Live Talent tuvo que demostrar que esto no se trataba de un complot, un bloqueo de intereses, venganzas gubernamentales y demás rumores que se corrieron con la primer cancelación.

He de mencionar que hablaremos específicamente de la organización del evento y lejos del entendimiento a un metal fan, porque la objetividad de este post es precisamente lo que nos atañe.

Por lo menos, los organizadores llamaron a este evento en sus propias palabras "El Festival de Rock Metal Más Grande de la Historia"... 

Problemas de venta

El festival siguió pintando problemas en cuanto a logística y sobre todo comunicación a través de redes sociales. Su falla siempre fue mantener un enlace de prensa restringido. En ningún momento se pudo conseguir información fidedigna sobre los horarios y escenarios hasta un par de días previos al festival.

El festival ofreció boletos de 2x1 4 días antes de la realización del evento, algo que indudablemente molestó a quienes ya habían adquirido su boleto previamente.

La difusión del evento y publicidad se limitó a redes sociales, algunas notas en periódicos independientes y su página oficial.

Del árbol caído...

Corona salvó de la bancarrota al evento. Sin embargo, la planeación y logística no fueron suficientes. La propuesta general del Hell & Heaven se basó primordialmente en publicidad visual. Un hombre con máscara anti-gas que fue reducido a un miembro de un equipo de búsqueda para una nueva sede en el video de relanzamiento del festival.

Corona quería una sola cosa... aprovechar la cantidad de gente asistente para venderle cerveza. Nada tenía ya que ver con la cultura del metal, de los headbangers, las manos alzadas y los símbolos que representan a este género.

Problemas técnicos...

Una gran mayoría de los asistentes refirió los problemas técnicos del festival. Escenarios acumulados uno junto al otro que empañaban la claridad, canales de consola que se negaron a funcionar y hasta un bajista afectado porque su amplificador reventó durante al presentación de su banda.

Los niveles de sonido fueron por apreciación de la audiencia como "muy bajos" y la cantidad de fallas constantes hasta en el escenario mayor fueron inclusive molestia para bandas como Korn, Rob Zombie y Kiss.

Varias veces se vio a Gene Simmons arremeter contra los ingenieros de sonido.

Conclusión

Se anuncia ya el desarrollo del Hell & Heaven Metal Fest 2015... Un festival que no cumplió con las expectativas generadas por su publicidad.

Muchas fallas que Live Talent tendrá que replantearse para otra emisión. Con la salida del Festival me quedan muchas dudas sobre los siguientes tópicos:

- ¿Existieron realmente los planes de protección civil que avalarían al Festival en Texcoco?

. ¿Existió realmente la participación de OCESA como un agente monopolizador de un evento de este tipo?

- ¿Live Talent tiene la capacidad de generar un Festival Masivo de este género?

. ¿Quienes pensaron el proyecto, realmente estaban consientes de lo que querían invocar?

Solamente el tiempo dejará salir las respuestas correctas a este tema. Dedicarle un post a Hell & Heaven es importante porque representa nuestra visión en la producción de eventos masivos y donde nos queda claro porqué empresas como OCESA todavía no desarrolla un plan para este tipo de eventos. Corona podría retomar esta experiencia a futuro y todos los patrocinadores del evento seguramente tendrán más restricciones para apoyar este tipo de proyectos.

Ojalá que algún día tengamos un festival de metal con bandas mexicanas de tradición... Yo sugiero 10 bandas, un escenario digno, equipo sonoro de alto nivel y que dure sólo 6 o 7 horas... 

Una propuesta realmente basada en la música y no en el trabajo visual... 

Rafael Mendoza escribe sobre audio producción

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Mercado de Singles: La industria vuelve a sus orígenes...

El mercado de distribución actual tiene muchas variantes y como ya hemos mencionado en post anteriores, la tecnología se ajusta a los requerimientos del consumidor. Lanzar un LP en los años 50 simbolizaba la facultad de un artista y su equipo de trabajo para consolidar una carrera de forma permanente.

¿Tienen todos los artistas esa posibilidad?

Números que hablan...

El último reporte de Soundscan, arroja nuevas expectativas para los formatos digitales en la siguiente generación.

Al términar el segundo trimestre del año, las ventas de álbumes en Estados Unidos cayó de 235 millones a 227 millones. Para darnos una idea del inicio de esta tendencia desde el año 2000 que era de 785 millones. 

Estos números reflejan sobre todo el mercado que está vinculado a las grandes disqueras y cadenas de distribuciòn en los Estados Unidos, pero no mide la actividad referente a los músicos y proyectos que están haciendo su material por cuenta propia.

La tendencia es clara, de que el formato de álbum, inclusive álbumes digitales completos, están perdiendo terreno ante los servicios de streaming. iTunes causó un gran revuelo al  regalar el disco de U2 como estrategia para rescatar un poco el concepto de descarga ante la caída de un 6% de ventas en línea.

En pocas palabras, el álbum como forma de venta está desestimado por los consumidores, ¿porqué?.

El disco físico y su mercado

En tiempos iniciales de la industria, sólo aquellos privilegiados comercialmente podían darse el lujo de grabar un LP (Long Play). El estándar de la industria era demostrar que el artista podía vender un single (2 temas) de forma contínua. Sacaban otro single y si se vendía, entonces se iba haciendo candidato para realizar un LP.

Algunos pensaron el LP como una obra contínua, tal es el caso de Sgt. Pepper de The Beatles, a fin de crear un disco conceptual.Llenar dos lados de música con una duración aproximada de entre 20 y 25 minutos era todo un reto técnico, creativo y económico.

En un LP, el número de temas posibles era entre 8 a 12 de duración contínua entre 2:50 y 3:30 minutos por canción. Se consideraba un tiempo recomendable para escuchar todos los temas, porque la gente pensó que ir más allá representaba una pérdida de tiempo.

Las rockolas son prueba tangible de las preferencias de un mercado creciente en los años 50`s, porque hacían el trabajo necesario de poner sólo aquellos temas preferidos por una cuota mínima. Los singles han gobernado casi siempre la escena musical

Los LP eran considerados por el consumidor como un objeto valioso, un presente de alto costo por su naturaleza. Representaba un reconocimiento al artista por sus anteriores trabajos y concretaba una identidad entre la música y su fanático.

En los 80's era común obsequiar cintas compiladas de varios artistas como forma de interacción entre las personas. El single seguía presente.

El CD sin límites

Con la llegada del CD, 74 minutos de contenido se volvían accesibles instantáneamente, rebasando el promedio de 50 minutos de un LP. Esto ayudó inicialmente a vender el CD. El proceso acelerado de la industria no solamente convirtió al CD en su método de distribución más rápido, sino que lo agotó porque producir en un sistema digital era más económico y los contenidos fueron menos cuidados que con la contraparte análoga.

Las políticas DIY (Do It Yourself) de las nuevas generaciones, disminuyeron el potencial del formato porque sintieron que romper esquemas también implicaba romper estándares.

Las descargas digitales, han permitido reducir las obras creativas a sòlo 3 o 5 tracks generando lo que se considera en nuestros días como un EP, el punto intermedio entre single y LP.

El acceso a sólo algunos de los track ha generado una demanda más especializada para el artista. Los números de Soundscan reflejan una realidad. El consumidor no comprará más un álbum completo a menos que se identifique con todas las canciones, lo que ocurre menos cada vez, porque la oferta de material grabado es inmensa. Spotify es un server de playlist... ¿coincidencia que sean solo singles?

Conclusión

Grabar un álbum completo se está convirtiendo en un hecho de obsolecencia para un gran sector que produce material por sus propios medios. Sólo aquellos proyectos que se integren como un solo concepto, podrán subsistir a este nuevo esquema de consumo, derivado de las descargas y los servicios de streaming.

Los artistas del futuro tienen dos opciones reales. O mejoran completamente sus contenidos, o se resignan a ser artistas de singles. Ninguna de estas opciones es peor que la otra, pero aquellos que demuestren verdaderas capacidades de identidad con su mercado, serán los que sobrevivan esta nueva tendencia.

Por un lado, la industria vuelve a sus orígenes y se reacomoda en los conceptos tradicionales. Sólo aquellos capaces de vender varios singles simultáneamente, tendrán la posibilidad de crear álbumes completos.

El EP seguirá siendo un estándar de promoción generalizado, pero por otro lado, también podría condenar a un concepto a fracasar, simplemente porque centrar esfuerzos en 5 temas es menos rentable que hacerlo en uno solo.

Quien comprenda que vivimos un mundo dominado por el single, será capaz se subsistir lo suficiente para crear una obra maestra en algún formato de larga duración como el vinil o CD.

Rafael Mendoza escribe sobre audio producción para Ad Libitum

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Hell & Heaven Metal Fest 2014: ¿Ya lo pasado, pasado?...

 

El pasado 30 de Agosto. los organizadores del Hell & Heaven Metal Fest 2014, informaron en conferencia de prensa su nueva fecha para el desarrollo del "Festival".

La organización, manejo y soporte del evento, ha estado siempre detenida por diversos pretextos. Vuelven triunfantes intentando borrar la mala experiencia vivida desde Noviembre del año pasado.

Desde sus inicios, este festival tuvo fallas de organización increíbles, que se atribuyeron a la censura y monopolio de los conciertos en México.

Un pueblo sin memoria...

Ante la inminente cancelación en Marzo, los organizadores arrancaron estrategias dignas de una película de acción norteamericana. Salvar contra reloj un evento de esta magnitud, trajo consigo múltiples fallas y muestras de poca organización.

Su credibilidad ha quedado por el suelo pues nunca presentaron el permiso otorgado por Protección civil Municipal, Estatal y Federal para realizar el evento.

En el proceso se quejaron amargamente de los monopolios para realización de conciertos en el país, dando a Ocesa el liderazgo de este monopolio. Buscaron brincar la autoridad a través del soporte de la Presidenta Municipal de Texcoco, Profesora Delfina Gómez Álvarez, misma que fue llamada a declarar y responder por este evento.

A 2 días del inicio del Festival buscaron al Gobernador del Estado de México Eruviel Ávila para negociar la presentación.

Con tan solo unas horas para que se llevara a cabo, oficialmente dejaron ir el evento, no sin antes recriminar a todo aquel que estuviera en contra de la corriente metalera como provocadores de su desgracia.

Los hechos hablan por sí solos...

Hace un par de semanas, el organizador volvió a la carga diciendo que el Festival se llevaría a cabo en una sede ya establecida y que daría a conocer la fecha próximamente. Insistió en que Ocesa ayudaría en el desarrollo y sin más dieron la fecha del 30 de Agosto para los detalles.

Ante un escenario lleno de fetiches metaleros, en pocas palabras se dijo que Ocesa organizaría la parte operativa del Festival, cuando meses antes, a través de redes sociales y su página web, Live Talent había acusado a la empresa de monopolio. 

Una de las cosas más positivas es que  se integrará a bandas mexicanas que han apoyado el evento como lucha para la apertura de foros similares en todo el país. 

El costo del boletaje no cambió. Se quedó en $1050 pesos y a la fecha en el sitio web no se muestran  logos de patrocinadores. Adiós muestra de motos, peleas UFC y demás soporte que se había pactado para la versión anterior.

En la página de internet no se mencionan patrocinadores adicionales, ni Telehit, ni MTV, ni otras marcas que se habían sumado al evento.

Conclusión

Hell & Heaven Metal Fest es un caso de estudio a analizar. Será hasta el próximo 25 de Octubre cuando sabremos realmente como puede resultar lo que sus organizadores han denominado "El Festival de Rock Metal Más Grande de Latinoamérica" (sic).

El público metalero es conocido por ser uno de los más fieles. Realizar este tipo de "pruebas" de laboratorio no ayudan al posicionamiento de un Festival de este género en forma digna. También es cierto que se castiga al género por la doble moral de un país tradicionalmente apegado al culto religioso y que condena las letras de este tipo de bandas.

El festival también demuestra que no es lo mismo la gestión cultural que la organización de eventos, puesto que la primera toma en cuenta no sólo la creación de los espacios, sino su continuidad justificada y organizada, mientras que la organización se centra solamente en las formas logísticas y técnicas para crear un espectáculo.

A Live Talent le queda mucho por avanzar, por reconocer y aceptar, que un evento de esta magnitud requiere 10 veces más trabajo para conseguir un reconocimiento por su labor. 

Si quisieran credibilidad, iniciarían por enviar un boletín de prensa donde desestimaran sus comentarios sobre el monopolio de espectáculos ante su virtual socio OCESA, a la comunidad que compró sus boletos para el evento de Marzo y estuvo atento al soporte de la cancelación, premiando su lealtad con un plus para su reconsideración a visitar la nueva configuración del festival.

Ojalá que el Festival concrete su fecha del 25 de octubre sin contratiempos. Después ya veremos.

Rafael Mendoza escucha metal y sigue la historia de este festival en Ad Libitum

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10 consideraciones básicas para un ensayo profesional...

Desde hace tiempo quería abordar este tema porque cada vez encuentro servicios de renta de aulas de ensayo en distintos puntos y ciudades.

El ensayo se considera informal al grado de que se dejan pasar "pequeños detalles" que resultan visibles en el escenario y que contribuyen a desbaratar el trabajo bueno que realiza una banda.

Aquí las 10 consideraciones básicas para un ensayo profesional...

1.- 8 horas de descanso mínimo: Entiendo esta parte específicamente para los grupos versátiles, pero administrar el tiempo adecuadamente implica poder dormir 8 horas antes del ensayo para verificar el rendimiento. Es importante tener programado un "día de respaldo" por si se atraviesa un evento o sucede una causa de fuerza mayor que obligue faltar a alguien.

2.- Estructurar el ensayo: Hay que hacer un checklist de lo que ha de ensayarse con horarios específicos. Esto ayudará a crear un mejor balance de energía entre los integrantes. Una opción es colocar los temas más complejos al final del ensayo y las partes más difíciles porque ayuda a calentar a todos los integrantes. Esta práctica también ayuda a decidir el orden de los temas y hasta el orden de grabación.

3.- Limpieza es la clave: Nos preocupamos exageradamente de una ejecución limpia, pero el piso está lleno de latas, botellas vacías, envolturas de cacahuates japoneses, algo que parecía pizza de hace 10 días. La limpieza es una actividad obligatoria para TODOS los integrantes. Sobre todo si somos anfitriones, debemos destinar por lo menos media hora al final de la sesión para dejar el área tan limpia como la encontramos.

4.- Niveles de sonido: Subir el volumen de los instrumentos a tope para sentirse más músico es un error muy común en el local de ensayo. Aprender a tocar con niveles adecuados permite detectar problemas de cadencia y afinar el oído. Si quieres subirle a todo para sentirte rockstar mejor pon el Guitar Hero y hasta audiencia virtual tienes.

5.- Descansos cada 2 horas promedio: Estar mirando a todos durante largo rato no es agradable. Periodos de 10 minutos son suficientes para despejarse un momento. No integres una televisión o videojuego al local de ensayo, se puede convertir en una meta o premio por ensayar. Lo ideal es que salgan a tomar aire y aprovechen para responder llamadas perdidas, mensajes o pasar el chisme en twitter.

6.- Respeto al anfitrión: Aunque estemos rentando una sala de ensayo, el anfitrión es parte del proceso. Es una persona preocupada por brindar su espacio para el desarrollo creativo. Sabe y conoce los privilegios que tiene contar con un área (grande o pequeña) y espera a cambio una retribución como una sonrisa, una palmada o una mención en tu próximo disco. Es otra persona que ayuda a tu crecimiento.

7.- 5 integrantes, 5 ensayando: Repetitivo pero ahí les va. NO LLEVAR ACOMPAÑANTES, PROSPECTOS EMOCIONALES O GENTE AJENA A SU ENSAYO. El respeto a su tiempo asignado para la banda o grupo inicia por el integrante mismo. Cuando un integrante empieza a llevar gente de más al ensayo es porque necesita una motivación para ir al ensayo.

8.- Grabar, grabar, grabar: Aplica una técnica de monitoreo. Uno que me gustaba aplicar en mis tiempos musicales era pedir a cada miembro que grabara un ensayo y contara desde su perspectiva lo que se ve en la imagen. Les sorprenderá darse cuenta que el más callado es quien más tiene que decir sobre el ensayo y que a veces el 80% de los integrantes se pasa ignorando realmente el ensayo.

9.- Bitácora de ensayo: Que se ensaya, cómo se ensayó, que faltó ensayar, cuando se ensayará. Llevar una bitácora de ensayo permitirá estructurar las metas del proyecto. Cada integrante debe tener en casa su propia bitácora de requerimientos. Si necesitamos que el baterista entienda la diferencia entre tocar 3-2 y 2-3 en afrocubano, entonces deberá planear estudiar esa área antes del ensayo de 15 días.

10.- Disciplina: Mantener varias de estas ideas en práctica será difícil al principio, pero bastará un par de meses para que se acoplen y sobre todo, basado en resultados las mantengan vigentes. La disciplina en grupo es igual de importante que la individual. El ensayo es un compromiso para viajar juntos hacia la mejora de habilidades e integración en la banda.

Conclusión

Estos puntos no sirven para aquellas bandas que desean ser un hobby.

Son aplicables para bandas profesionales que deseen eventos profesionales y crecimiento profesional. No son una receta escrita en piedra, son ideas que puedes aplicar.

Tan solo algunas de entrada presentarán un reto. Lo que si puedo asegurar es que no aplicarlas se refleja profesionalmente en el escenario.

Si tu piensas que el público es ignorante y que a pesar de tener 4 alcoholes no notará la diferencia, déjame decirte que tu cerebro tiene 2 partes, una creativa y una lógica. No siempre está dormida la parte de la conciencia.

Rafael Mendoza graba bandas en Ad Libitum Estudio

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Comprimiendo ideas...

Cuando mandamos comprar un compresor para una cadena de audio específica siempre se piensa que sirve para lo mismo... contener las dinámicas.

Pero también es cierto que existen diferentes cualidades y tipos de compresor que son reconocidos por el sonido compresión que generan.

Existen muchas marcas y plugins que trabajan de esa manera. Reconocerlas por su funcionamiento podrá ayudarnos a aplicarlo en nuestra mezcla

Compresor Óptico

Funciona a base de una fotocelda que se activa con un bulbo interno. La fotocelda reacciona ante la intensidad del bulbo y con ello, los tiempos de ataque (attack) y decaimiento (release) responden de una manera más suave.

Reaccionan con más lentitud y por eso son muy apreciados en las voces, bajos, cuerdas y pads en tempos lentos y medios. Aunque siempre se puede experimentar. Se les llama también Opto-compresores.

Algunos compresores como el Summit TLA-50 en análogo y el LA-2A en Universal audio o Waves plugins, son ejemplos de este compresor.

Compresor FET (Field Effect Transistor)

Estos compresores proveen una repuesta mucho más dinámica porque ya están basados en circuitos transistorizados. Son comunes en aplicaciones de batería, percusión y bases rítmicas o loops.

Los compresores UREI 1176 o Universal Audio 1176 utilizan este proceso. Algunos emulan bulbo para darle más carácter al sonido.

Compresor VCA (Voltage Controler Amplifier)

Los compresores de Amplificador Controlado por Voltaje son originarios y particularmente tuvieron su auge de uso en los años '80. Pueden llegar a ser bastante agresivos y moldean energicamente los intrumentos como las baterías o percusiones. Normalmente son los usados de forma interna en consolas de rango alto como SSL Los API 2500 y el Focusrite Red 3 son particulares de este tipo de compresor. Existen versiones plugin de todos ellos.

Compresores de Vari-Gain

Conocidos como compresores de ganancia variable, estos compresores agregan un sonido muy característico porque de origen fueron diseñados para trabajar en radio. El famoso Fairchild 670 pertenece a este género así como la línea de plugins Abbey Road tiene ejemplos similares. Son de ataques y decaimientos rápidos, por lo que normalmente se utilizan para homogeneizar una mezcla o algún subgrupo. Pero no hay reglas específicas.

Compresor multibanda

Es la combinación de un compresor y un ecualizador divido en bandas para aplicar procesos independientes de las frecuencias más o menos presentes en un instrumento.

Muy utilizado en la masterización, plugins como el L3 Ultramaximizer son ejemplo claro de ellos.

Las combinaciones pueden elegir un compresor FET, Varigain, VCA u Òptico para aplicarlo a diversos instrumentos. El bajo, las guitarras con distorsión y sintes son muy beneficiados de estos compresores

Conclusión

Conocer los diversos tipos de compresión, nos permite utilizar una paleta de combinaciones increíbles. La mayoría de los equipos hardware tiene un homólogo software que busca acercarse mucho. Sin embargo, la compresión por hardware es uno de los procesos que ayudan al proceso de mezcla y uno de los sonidos más deseados a nivel profesional.

Comprimir es una arte que se va puliendo con los años y experiencia. Elegir un compresor adecuado, es similar a elegir el pincel con que se va a trazar una textura en un lienzo...

Rafael Mendoza comprime en Ad Libitum

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Características comunes en los "Hits" musicales...

 Hace unos meses la revista Music Conection publicó un artículo que desglosa las principales características comunes de un hit musical.

Si esta regla aplica a cualquier hit, debería procurarse hacer un análisis de cada tema y primero delimitar lo que es un Hit.

La lista es básica pero es cuestión de aplicarla a un hit que conozcas. Hazlo y por favor escríbenos si encontraste una relación con tu hit.

Características de los Hits

1.- La mayoría de los hits son cortos: El promedio actual de duración en un tema musical es de 3:47 minutos, que es mucho más amplia de aquellos hits de los años 50 y 60 de tan sólo 2:50 máximo.

2.- Tienen una introducción corta: El promedio actual de una introducción musical es de 7 1/2 segundos, pero recientemente se entra directo al grano. Cuestión de enfoques.

3.- Limitan el número de elementos en el arreglo que ocurren al mismo tiempo: Me trae a la mente esa frase de la película "Amadeus" donde el Rey le dice que tiene "demasiadas notas". La mayoría contiene sólo tres o cuatro elementos al mismo tiempo. Difícilmente hay 5 elementos tocando al mismo tiempo.

4.- El arreglo se va desarrollando en el curso de la canción: Normalmente se hace más presente en el puente o el último coro.

5.- Usan el arreglo para mantener el interés: Otra excelente razón para aprender arreglos musicales y música. Siempre habrá elementos dando frescura a una parte

6.- Utilizan un puente o la repetición de una sección para usarla de puente: Es un truco de arreglo muy usado para mantener el interés y que la canción fluya. Es muy natural en una sesión de post producción.

7.- Son dinámicos, con mucha tensión y relajamiento armónico o rítmico, cambiando en intensidad: Se consigue con la adición o susbstracción de instrumentos o tracks vocales, pero tambien puede ser que repose en las dinámicas de ejecución del músico y por ello más recomendable.

8.- Hay excepciones a todas estas reglas: Es raro encontrar una canción que siga todas estas reglas exactamente. A menudo lo que hace un hit, es la habilidad de manejar varias o intercalar sorpresivamente estas reglas

Conclusión

La receta para un hit musical aún es la piedra filosofal de la producción. Muchas veces pensamos que el tema de PSY "Gangnam Style" es un track sin sentido, pero cuando estimula las terminales nerviosas adecuadas, se convierte en un hitazo. En México creamos nuestros hits en base a imitación anglosajona con más o menos algún éxito. Sólo el tiempo dirá si podemos generar una identidad musical propia. Por lo menos hay que intentarlo

Rafael Mendoza intenta producir hits todos los días en Ad Libitum

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Hell & Heaven Metal Fest: ¿Lección aprendida?

La semana pasada, Live Talent, la empresa encargada de organizar el fallido Hell & Heaven Metal Fest, anunció que el Festival renacería de entre sus cenizas para presentarse antes de finalizar el año.

Ya hemos platicado las fallas de producción que presentó la empresa para el desarrollo del concierto anunciado para marzo pasado.

Nuevamente, brincando la ética profesional básica y las consideraciones pertinentes, la empresa inicia su "promoción" anunciando el regreso. ¿Tiene alguna consecuencia su nueva propuesta?.

Antecedentes

La historia del fallido Hell & Heaven Metal Fest de marzo es bien conocida. Live Talent anunció el desarrollo del festival en Texcoco bajo el permiso del municipio y según su estrategia ya desarrollada, todo estaba listo para su realización.

Protección civil estatal no estaba enterado de muchos detalles de logística y compromiso por parte de los organizadores, a los cuales realizó observaciones importantes una semana antes de su realización.

Esto significó una pelea  por parte de la empresa organizadora y el gobierno estatal, que provocó una cancelación total por parte de las autoridades.

En el proceso, la empresa se quejó de censura, bloqueo, conspiración, enojo, frustración, rebeldía y hasta anarquía al informar que gustara o no, el festival se realizaría. 

El costo político, económico y jurídico no tardó en llegar, reafirmando la imposibilidad de realizarlo en forma inmediata. Tres días deambularon por diversos estados y plazas para obtener el permiso, más ninguna dependencia gubernamental se quiso comprometer ante los hechos. El Festival se canceló.

Las incongruencias de la nueva "oportunidad".

Según lo anunciado, Live Talent asegura que OCESA contribuirá a desarrollar el festival. Hasta este momento, OCESA no ha pronunciado ningún boletín que lo confirme o acompañe a la declaración.

Se asegura que los contratos y fechas todavía no están "confirmados" pero que se trata de simples trámites.

Se afirma que en su momento, el Festival fue ofrecido al Gobierno del D.F. para que lo realizara "gratis" y que a su vez fue rechazado.

Se informa que las bandas serían cabezas del festival y que están listas para ponerlas en el Palacio de los Deportes. 

Se dice que la pérdida del primer festival se acerca a los 150 millones de pesos.

A toda acción una reacción...

Live Talent se quejó durante la cancelación, que OCESA mantenía un monopolio de espectáculos en México. Incluso impulsó las quejas en redes sociales a través de compartir los memes en que se hacía referencia a ello. Hacer una  alianza ahora con OCESA sólo significa que intenta rescatar algo de lo invertido. El silencio de OCESA ante una desición como esta hace pensar que o se está negociando o definitivamente no está seguro de querer colaborar. Punto malo para Live Talent.

Los contratos y fechas no son "simples trámites". Cuando un grupo no está confirmado o encaminado desde hace unos meses se puede caer en una cancelación de concierto. Kiss no está de gira actualmente y Guns n' Roses tampoco. Mover su infraestructura o calcular el movimiento a sólo 3 o 4 meses es demasiado cerrado, sobre todo cuando la "organización" anterior llevaba por lo menos 10 meses gestándose. Punto malo para Live Talent

Informar el ofrecimiento del Festival gratuitamente al GDF, es un golpe político disimulado para obtener simpatía por parte de los posibles compradores del evento. Ningún gobierno local, aceptará una papa caliente a punto de estallar y que tenga un alto costo político si algo sale mal. Ventilar esta parte como ropa sucia del GDF es una falta de ética profesional del organizador. Punto malo para Live Talent.

La pérdida de 150 millones de pesos (así lo asegura la empresa), sería suficiente para que cualquier empresa desistiera de realizar un festival tan costoso y con resultados tan contradictorios. Si pierdes en un negocio un capital tan grande, no volverías a intentar recuperarlo tratando de realizarlo. Mejor venderías lo poco que queda para no agregar más impacto al bolsillo. ¿Habrán perdido ese dinero en el nombre del Rock N' Roll?...

Conclusión

Anunciar de forma tan intempestiva, oculta en redes sociales y dejando escapar detalles de poca ética, sólo nos deja pensar en la seriedad de la empresa Live Talent y sus organizadores.

Al final de la cancelación, el gremio roquero dejó de creer en la empresa y dudo mucho que recuperen credibilidad asociando su evento a OCESA.

Perder 150 millones por amor al rock, suena bastante increíble y parece más bien un intento de vender una idea a un sector político interesado en penetrar en la mente de adolescentes y jovenes. 

Hell & Heaven Metal Fest no cuenta con argumentos suficientes y sus formas de difusión,  no ayudan a la credibilidad para su realización.

¿Habrán aprendido la lección?...

Rafael Mendoza escucha metal en Ad Libitum

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10 consideraciones profesionales para el percusionista en estudio...

La percusión es parte importante de la base rítmica. Últimamente se ha ido integrando a diversos géneros modernos y va saliendo de su encasillamiento.

El percusionista preparado, siempre está en constante entrenamiento y evalúa adecuadamente sus requerimientos personales. Al tener una variedad de instrumentos importante, requiere de una planeación adecuada para desplazarse a cualquier lugar. 

Cuando llega al estudio, normalmente se le deja al final porque se le visualiza como un "relleno" musical. Sin embargo, en mi caso personal, lo grabo inmediatamente después de la batería (si está en la orquestación).

Les dejo las 10 consideraciones profesionales para el percusionista en estudio:

1.- Prepara una lista: Hacer una lista de todos los instrumentos que grabarás, te permitirá verificar que los has cargado. Haz tu lista en una hoja de Excel o tablas de Word con columnas de verificación. Así será más fácil prevenir olvidos en casa o el estudio.

2.- Encuentra un asistente: Los percusionistas requieren de mucho apoyo para instalarse en el estudio. He visto grupos musicales de hasta 14 personas, sentadas esperando su turno mientras el percusionista padece la gota gorda para meter todos sus instrumentos al estudio. Pide al director musical, que designe a 2 o 3 personas para que te ayuden a meter y sacar tu equipo al estudio.

3.- Llega una hora más temprano de lo acordado: Aunque la sesión para percusión esté marcada a las 2 de la tarde, llegar una hora o más antes te permitirá acomodar con cuidado tu set o alistarlo en orden para meterlo en un tiempo de 10 a 15 minutos. Calentar también te será posible si llegas con 1 hora anticipada.

4.- Una lista para el Ingeniero: Entrega una lista de instrumentos al Ingeniero en Audio cuando llegues. Especifica por tema que instrumentación está definida. Procura dejar al final la percusión menor que esté por definir el director musical. Prepárate para grabarla aún si en la mezcla no se utiliza.

5.- Respeta el tiempo de grabación: Me ha tocado ajustar a percusionistas que llegan 1 hora tarde porque vienen de un evento, se instala el setup para que grabe solamente 2 o 3 temas y se vaya porque va a otro show. Promete regresar para terminar y no llega porque se dobló turno. Sé profesional. Calendariza tus eventos y evita los "huesitos" de último minuto.

6.- Partitura base: Lleva una partitura con las rítmicas asignadas a cada tema y divide el patrón rítmico por cada parte (intro, verso, coro, instrumental). No olvides anotar el estilo de cada tema. Si no sabes de notas, es momento de empezar. No es pretexto para no hacer un inventario de los ritmos que propondrás. Grábate con tu celular y guarda estos videos para referencia tuya y del director musical. La tecnología es tu amiga, no sólo sirve para chatear.

7.- Cambios rítmicos: Nunca contradigas las desiciones del director musical o el arreglo. Sigue el esquema de la producción tal cual. La percusión latina deja un gran espacio para la improvisación, pero realízala sólo si el director musical te lo pide. 

8.- Protección de oídos: La percusión genera fuertes niveles de presión sonora. Acostúmbrate a usar durante la práctica y los ensayos protección adecuada. Muchos percusionistas dicen perder "feeling" sin protección, cuando en realidad están sufriendo pérdida auditiva. 

9.- Monitoreo personal: En lo posible, no pidas exceso de volumen en los audífonos. Si necesitas escuchar más un tambor, pide que bajen volumen a algún instrumento de la mezcla y que aquello que necesitas escuchar sea paneado a esa posición. De esta manera podrás percibir el arreglo de forma más personal sin dañar tu interpretación por sentir que falta volumen en tu ejecución.

10.- Viste adecuadamente: Evita la ropa demasiado ajustada, manga larga. Playeras de manga corta de algodón es lo deseable. Mucha percusión requiere de movimiento en el cuerpo y es deseable evitar el roce de la ropa. Deja anillos, collares, pulseras, relojes, llaveros y todo aquello metálico que pueda sonar al fondo. Alguna vez me pidieron editar una conga que tenía partes donde el reloj sonaba en la orilla del aro del timbal.

11.- Instrumentos frescos: ¿Dije 10?.. Buen uno nunca está de más... Parches en timbales instalados con 10 o 15 días de anticipación te permitirán obtener un sonido más profundo y claro. Los cueros de las percusiones como conga y bongó o instrumentos similares, tienden a ajustar mejor con el tiempo. Pero si los tornillos están demasiado apretados o más allá de lo que se considera normal, entonces lo mejor es reemplazarlos o rentar algún instrumento que los tenga más frescos. Baquetas y accesorios en su baquetero. Llaves de instrumentos etiquetadas y una bolsita con tuercas, rondanas y fieltros de repuesto.

Conclusión

El percusionista agrega versatilidad a una grabación, pero su estado de ánimo es el que más influye en su sonido. Su relación física con el instrumento, lo hace merecedor de un reconocimiento. La meta es grabar las mejores tomas de percusión posibles que podrían o no ser editadas. 

Un buen percusionista de estudio, deja al ingeniero una toma entera y algunas tomas de base con metrónomo sobre todo en rítmicas complejas. Toma en cuenta estos criterios para el tiempo que permanecerás en el estudio.

Rafael Mendoza ha grabado percusión en Ad Libitum

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10 consideraciones profesionales para el bajista en estudio...

El bajo es uno de los elementos más importantes para el groove de una canción. Junto a la batería, provee la cimentación de la mezcla y con ello el impacto sonoro para cualquier estilo que lo incluya.

Desafortunadamente es muy común para el bajista pasar por alto consideraciones básicas, inclusive minimizandose ante los requerimientos del guitarrista.

Me gustaría comentar aquellos detalles que he notado se pasan comúnmente o que un bajista ignora antes de entrar al estudio.

1.- Afinación: Parece repetitivo, insultante y contrariante, pero la afinación en un bajo es crítica. Normalmente se deja todo al último momento. Programar tu grabación debe incluir una visita al especialista en ajuste para que tu bajo proporcione las notas en su punto. Si grabas seguido, destina una parte de tu ganancia a realizar visitas periódicas al laudero. Es tu instrumento, tu sonido.

2.- Acordes y notas: Muchas veces se piensa que el bajo sólo acompaña, pero puede ser creativo en etapas tempranas del arreglo. Estudiar la pieza ayuda a encontrar zonas adecuadas para su participación activa en el tema. Indispensable aprender música. Revisar acordes sobre todo compuestos. No es lo mismo y nunca será Am7 que Am.

3.- Técnica y elección de sonidos: La técnica es fundamental para un instrumento tan importante como el bajo. Elegir la plumilla adecuada, la técnica de dedos y la posición al tocar cerca de los trastes, las pastillas o el puente ayuda a agregar matices y texturas al tema. Revísalo con tiempo en el arreglo. Anotar todo es importante. Lleva tus notas en limpio al estudio.

4.- Tipo de maderas: La construcción del bajo es fundamental para su sonido principal. Elegir el adecuado para grabar va más allá de presumir un bajo de 5 cuerdas que nunca has tocado. Las maderas ligeras tienen un sonido brillante y con ataque. Las pesadas tienen un sonido más oscuro y compacto

5.- Elección de pastillas: No siempre es posible cambiar las pastillas a último momento, sin embargo si puedes elegir aquellas que te ayuden a tener una mejor definición. En vivo, parte del sonido completo del bajo es el que aporta el amplificador. En estudio lo provee el pre-amplificador. Un bajo definido en esta etapa es lo deseable.

6.- Cuerdas: La eterna pregunta. Son más a gusto del bajista por comodidad, interpretación, estilo y género. Lo que si debe preocuparte es que sean lo más nuevas posible. Unos 10 días de asentamiento las pondrán a punto y te servirá practicar con ellas para encontrar detalles en las pastillas o amplificador.

7.- Cable: Muchos bajistas se atienen a que el estudio proveerá el mejor cable disponible, pero es tu obligación buscar las mejores arterias para tu sonido. Revisa recomendaciones de bajistas reconocidos sobre sus elecciones. Habrá cables demasiado caros pero vale la pena la inversión, pues puedes usarlos para tu práctica personal.

8.- Pedales y periféricos: Todo aquello que añada color a tu interpretación más allá del amplificador debe ser revisado con prioridad. Conectores limpios y en buen estado, cableado indispensable, presets elegidos y registrados por tema, partes mecánicas del pedal y apertura para realizar modificaciones. Estás tocando para la banda y el disco.

9.- Amplificador y EQ: Nuevamente queda a criterio del bajista en conjunto del director musical. Sea de válvula o transistor, el amplificador debe ser de la mejor calidad posible.

10.- Gabinete: Las medidas más comunes son 1×12", 4×10", 1×15".  Llevar un gabinete pesado puede ser una opción si se graba en un cuarto bien diseñado. Si estás haciendo un proyecto más pequeño, lleva un gabinete más pequeño. Preferible un sonido compacto y definido que un sonido disperso y con demasiadas cancelaciones. Probar en diferentes espacios del estudio para obtener lo que deseas. No olvides grabar directo el bajo a través de una caja por si todo lo anterior llega a fallar.

Conclusión

Muchas veces el sonido del bajo resulta frustrante al terminarse de mezclar, porque se considera que el ingeniero no hizo un buen trabajo. Su parte es elegir los micrófonos adecuados, posicionamiento, preamplificación, monitoreo y sonido directo. Hasta aquí es una cantidad considerable de trabajo. El resto lo pones tú como bajista. En audio producción musical hay un refrán que debería ser ley... Ayúdate que yo te ayudaré.

Rafael Mendoza graba bajo en Ad Libitum

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