¿Qué son los Supervisores Musicales?...

Las regalías por sincronía, se refieren a los recursos generados al utilizar una pieza u obra musical previamente producida y registrada en el cine, video y otros proyectos audiovisuales.También ocurre en campos como la publicidad, los videojuegos y performances que necesitan el soporte sonoro, muchas veces inspirando nuevos productos.

Existen una gran cantidad de músicos que se dedican a colocar sus composiciones en álbumes, producciones discográficas y pocos consideran a los mercados audiovisuales como una alternativa real.

Múltiples proyectos desconocen el potencial real de su proyecto y desperdician muchas oportunidades, recursos, tiempo y esfuerzo por impulsar su material en el canal menos adecuado.

Aquí es donde entra el Supervisor Musical, una figura profesional poco implementada en México y confundida muchas veces como parte del trabajo de un Manager o Agencias de Artistas.

¿Qué hace el Supervisor Musical?

Hay que pensar en el Supervisor Musical como un aliado del Productor y Director del producto audiovisual. Aunque sus funciones sirven como enlace entre el músico y el proyecto visual, en realidad ayuda a satisfacer la necesidad musical del Director.

Para ello, toma de referencia los presupuestos, derechos posibles en la música, calidad de la producción, inclusive la posibilidad de colaboración por parte del artista musical en la continuidad musical de todo el proyecto.

Normalmente buscan temas muy específicos que construyen el desarrollo argumental que colabora al impacto final que la historia audiovisual tiene.

No solamente entra en juego el proceso musical, sino las letras pueden ser muy específicas. ¿Te ha pasado que escuchas una canción que podrías fácilmente sobre poner al clip de una película y sentir que estás contando mejor lo que ocurre o que podría convertirse en un videoclip completo?. Es la sensación que un director busca y el Supervisor Musical le ayuda a encontrarlo.

La importancia del Supervisor Musical

Existen varias formas de integrar música de sincronía a un proyecto audiovisual. Algunos pueden ser verdaderos retos en cuanto a la consideración de los temas y su uso dentro del proyecto. 

No voy a profundizar en ello porque eso requiere varios post adicionales para explicar adecuadamente cada uno de ellos, pero podemos tomar de referencia que se pueden realizar sincronía por componentes de Diégesis y Sin Diégesis (música que pertenece al entorno o que funciona en partes específicas, posicionamiento y background (cuando domina el entorno audiovisual o cuando se mantiene como soporte de una escena o momento), lo que deriva en una interpretación legal, artística y funcional que sirve de base para la generación y negociación de regalías.

El Supervisor Musical debe navegar entre una variedad de géneros, arreglos y elementos musicales diversos que permitan ofrecer un catálogo de alternativas para el Director o Productor, conocer la función del tema dentro del proyecto y delimitar las condiciones en que se puede acceder al material de sincronía.

Conclusión

El Supervisor Musical tiene una figura bien delimitada y poco respetada como especialidad en algunos países. En México, normalmente ingresar musicalmente a una película, tiene que ver más como una forma de marketing musical o colaboración creativa que potencia al producto final para una colocación más firme, ante una clara desventaja en las preferencias de consumo audiovisual por parte de las audiencias.

Por supuesto que lo ideal sería que la mayoría de los éxitos audiovisuales se eligieran por match creativo que por match de mercado, pero algo importante en muchos países como México, es que las productoras independientes han aprovechado mejor las oportunidades creativas que ofrece utilizar música previamente grabada. El reto en ese sector, es realizar una negociación más profesional en función de los Derechos de Autor y claridad en el pago de regalías.

Los beneficios que el Supervisor Musical ofrece al mercado de la música y los proyectos audiovisuales se interpretan como la realización tangible de una sinergia increíblemente poderosa en tiempos complicados de la comercialización digital.

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitum.com.mx

www.adlibitum.com.mx

Leer Más...

10 tips para actualizar arreglos del pasado...

En estos días he estado muy activo trabajando material de bandas y que han decidido finalizar el producto y regrabar algunos temas.

En algunos de ellos, el tiempo ya ha dictado nuevas técnicas y sonidos que se consideraban demasiado pesados o fuera de lugar para el género.

Tomando en cuenta estos detalles, es importante reconocer que partes son necesarias para el tema y cuales no.

Así que comparto con ustedes 10 tips a tomar en cuenta, que me han ayudado a resolver problemas en estos proyectos.

1.- El tema tiene futuro: Antes de hacer mil y un movimientos, es importante ser honestos con el trabajo realizado y preguntarse si vale la pena reescribirlo. Esto puede ahorrarnos muchas horas de creatividad y post producción. Un ejemplo podría ser la versión "parchada" de la Negra Tomasa de Caifanes. 

2.- Han cambiado de instrumentistas: Las bandas son entes vivos que cambian con las necesidades del grupo. La madurez entre los integrantes, las metas personales y cambios de domicilio, obligan a los músicos a cambiar de instrumentistas. Es importante revisar quien se ha integrado y que posibilidades técnicas y musicales puede aportar al arreglo. La nostalgia es bonita, pero hay partes que deberán regrabarse totalmente, beneficiando al arreglo musical.

3.- Revisar la altura tonal de los acordes: Es común que varios instrumentos se encuentren en la misma zona tonal creando conflictos. Revisar los acordes y probar nuevas variaciones ayudan a refrescar la calidad sonora del arreglo. ¡Los ingenieros adoramos estos cambios!

4.- Existen dinámicas en los instrumentos: En géneros como el rock, es común utilizar una sola línea de intensidad. A veces sucede que la banda quiere retratar cierto estilo proveniente de discos con muy alta compresión durante la masterización (Loudness War). Pero las dinámicas bien distribuídas entre el arreglo ayudan a mejorar la sensibilidad y empatía del arreglo con el escucha.

5.- Afinación de los instrumentos: Es importante revisar que la voz está en la parte adecuada y cantando entre los acordes sin disonancias. Los efectos de sonido pueden agregar distorsión armónica con los efectos aplicados al bajo. El sonido de los sintetizadores podría estar revelando afinación deficiente en los instrumentos de cuerda. Es momento de checar y hacer anotaciones al respecto

6.- Respeto en la duración de las notas: Ocurre que el guitarrista está tocando corcheas con palm mute ligadas y ensucia al bajo o viceversa. La batería podría sonar mejor si el control del ride o contratiempo abierto está bien definido. Son detalles que hacen una gran diferencia.

7.- Base rítmica con buena cimentación: Es muy común que el baterista y bajista toquen con variaciones de tiempo. No es tan malo si los tiempos fuertes y el groove encajan. En vivo es menos notorio, pero en estudio es crítico. A trabajar ambos por separado y juntos con metrónomo para conseguir eso. Bateristas, ¡checar que el remate del platillo sea justo con el bombo!

8.- Tempo real de la canción: En pre-producción encontramos detalles del tempo, principalmente cuando son lentos. Los fans prefieren tempos lentos para disfrutar. Los que desconocen a la banda encuentran más atractivos los tempos rápidos. A tempos muy lentos, el arreglo debe nutrirse un poco más para disfrutar el detalle. A tempos más rápidos, es mejor centrarse en la dinámica del tema. La decisión es conjunta, pero sugiero subir el tempo entre 2 y 5 bpms si existe la duda de acelerar el tema y probar. 

9.- Revisar el rango de los cantantes: Aquí vamos de nuevo. Si cambiamos de voz, será mejor cambiar la tonalidad para que el vocalista principal fluya mejor en el arreglo. La voz secundaria siempre debe trabajar en las dinámicas. Al igual que bajo y batería, el ensayo conjunto entre voz principal y secundarias debe ser crítico. Respetar la duración de nota en el arreglo también es importante.

10.- Revisar la estructura del tema: ¿Necesitamos doble vuelta antes del verso?, ¿se entiende el cambio de compás?, ¿construimos una frase más directa para el pre-coro? Estas son algunas de las preguntas que se deben tomar en cuenta. Es común extender los temas cuando nos agrada el groove, pero la audiencia puede cansarse rápidamente. Checar las vueltas innecesarias.

Conclusión

Actualizar un arreglo del pasado para darle nueva vida no significa que debas modificarlo al 100 %. Si esa es tu meta, tal vez venga bien hacerlo en compañía de otros músicos, inclusive realizando cross overs con distintos géneros. La ayuda de un productor en este tipo de desiciones te ayudará a comprender mejor los estándares de la industria y tu decides si te acercas o alejas de esa percepción.

Yo estoy disfrutando mucho abriendo de nuevo sesiones de hace 10 años y me sorprende el nivel de trabajo realizado contra mis conocimientos actuales. Siempre es enriquecedor  volver atrás a descubrir viejos trucos o técnicas utilizadas para resolver detalles en la producción.

Disfruta mucho la etapa de actualizar tus arreglos, porque por salud propia te recomiendo no intentarlo más de una vez. Pronto compartiré algo de este trabajo con ustedes y será muy importante tener sus comentarios.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+
blog@adlibitumestudio.com

Intégrate a nuestro proyecto en www.adlibitum.com.mx

Leer Más...