3 secretos clave sobre regalías que pocos te dirán...

Un tema recurrente durante las sesiones informativas y consultas de nuestros prospectos son las regalías artísticas.

Ya de por sí el tema es un poco complejo de manejar, porque se debe tratar de comprender el punto de vista de la disquera, del artista y las leyes internacionales. Las regalías digitales en servicios de streaming, han venido a complicar aún más esa percepción entre lo justo y lo abusivo.

Resumirlo en una entrada de blog es imposible, así que será mejor señalarte 3 secretos importantes que nadie te ha dicho (menos las disqueras) sobre regalías.

Punto #1 Las regalías varían constantemente: No existe un esquema o procedimiento específico para el cálculo de regalías. Están definidas por el modelo de negocio de cada disquera y requerimientos del mercado. Un problema común, es que disqueras con deficiencias enormes en sus planes de negocio, recargan sus costos en los mecanismos de regalías en vez de diversificar sus propuestas. Esto impacta notablemente los porcentajes, anticipos, controles de cálculo afectando la relación entre el artista y la disquera. Lo ideal es preguntar a los artistas que han firmado con ese sello, cuánto han renegociado o cambiado sus esquemas de regalías y porqué decidieron permanecer o salir del sello. En el caso de streaming como Spotify o iTunes, las comisiones son fijas, basadas principalmente en duración de reproducción, permanencia en playlist e inversión de patrocinio. Este tema requiere un blog aparte.

Punto #2 Existen previsiones contractuales a tu favor: Desafortunadamente, con la ilusión de ser firmados por un sello, los artistas aceptan los contratos sin la supervisión de un abogado con experiencia en el manejo de regalías y conocimientos tradicionales sobre propiedad intelectual (lo ideal es que estén especializados en derechos de autor y regalías). Todo contrato debe ser revisado y renegociado antes de ser firmado. Ambas partes deben estar seguras en lo que están accediendo, limitando, restringiendo y compartiendo sin excusas o amenazas de retirarse en la negociación. Se trata de un acuerdo de voluntades en un entorno cordial y profesional. Si una disquera o su abogado se comporta de forma inflexible, será mejor no firmar el contrato hasta llegar a una negociación favorable. Agota todas las instancias posibles y flexibiliza aquello en que te sientas contento de aceptar, siempre acompañado de un especialista en la materia. Respecto a la distribución digital, en cuanto aceptas el contrato que te ofrece Spotify o cualquier servicio de streaming, poco se puede hacer. Además, ¿porqué aceptar negociar con un contrato digital?

Punto #3 La regalía más impresionante puede estar maquillada: Algunas disqueras te ofrecerán un porcentaje mayor de regalías para que te arrojes a sus brazos sin contemplaciones. La realidad es que puede tratarse de un artimaña para limitar o retrasar el pago de regalías. Agregan costos operativos, distribución y reposición de material del cálculo inicial. Otras por el contrario, manejan en contratos de distribución digital un acuerdo 50-50. Este aparente equilibrio queda al descubierto cuando solicitas un desglose de los elementos que utiliza la disquera para calcular tan bonito número. Los porcentajes de regalías son negociables en su totalidad, pero aún así puedes considerar algo muy bueno entre 8 y 10%, dependiendo el acuerdo inicial con la disquera. Aspectos como acuerdos de distribución, número de copias, regionalidad y exportación influirán en el resultado de la regalía. En digital, aunque no existe la territorialidad para distribuir, si existe para el pago de impuestos que muchas veces el sello delega al artista. Una vez más, visita a un abogado especializado en la materia

Conclusión: Como podrás ver, en materia de regalías no está todo escrito y cada disquera o acuerdo tiene sus beneficios y contraprestaciones. En México resulta complejo porque mucha de esta información ni siquiera está contemplada por algunos sellos independientes. Se centran en "facilitar" el ingreso de artistas para tener música para distribuir, sin ninguna responsabilidad contractual que los obligue a esquematizar sus operaciones. Aunque la idea es muy contemporánea, la propiedad intelectual es el valor que sigue rigiendo el campo económico de la industria musical y la base para resolver controversias legales ante problemas entre las partes.

Deseo que este post te haya brindado información clave y nos leemos en el siguiente. 

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum Incubadora

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6 actividades clave de los sellos discográficos...

El fin de semana pasado asistimos a la Feria de Disqueras Independientes en el Centro Cultural de España en México.

El objetivo principal de la Feria, es mostrar las ofertas y proyectos con que una disquera independiente trabaja durante el año. Tuve la oportunidad de platicar con el personal de los stands y recordé que una de las dudas más comunes es comprender las actividades clave de un sello discográfico, particularmente por el tamaño que ocupa un sello discográfico independiente.

Las disqueras Majors (Sony, EMI, Warner y BMG/Universal) poseen estructuras mucho más complejas en las que desarrollan múltiples tareas complementarias, así que me limitaré a integrar a los sellos independientes y Majors de forma general.

Actividades clave

¿Hasta donde queda la delgada línea entre lo establecido y lo real? Las siguienes actividades son subjetivamente vistas por cada sello y una forma de reconocer las diferencias entre cada uno es comprender que una gran parte de ellas es un esfuerzo compartido.

Anteriormente se creía que el sello discográfico manejaba al 100% al artista y lo ponía bajo su cobijo. Hoy los tiempos han cambiado, la mejor forma de integrar, colaborar y desarrollar un proyecto con disqueras es la obligación compartida. Algunos de las actividades clave son

1- Desarrollo de Talento: La disquera promueve y ofrece como marca un apoyo al artista. Esto se llama en la terminología inglesa "Talent Development", pero no significa que sea responsabilidad de la misma hacer que un artista crezca como tal. El desarrollo de talento tiene que ver más con la estrategia a seguir, que ofrecerá un camino comercial adecuado al artista durante su estancia en el sello. Esto incluye la dirección musical, comercial y en algunos casos del espectáculo.

2.- Marketing del Producto: Terminado el disco debe comercializarse para recuperar los costos. Aquí es el punto donde la mayoría de los conflictos entre disquera y artista se generan, puesto que no queda claro quien vende que, durante cuanto tiempo, en que forma y cuanto recupera el artista por ello. En esta etapa es donde el abogado debe negociar (con pleno conocimiento) en busca de un equilibrio ganar-ganar para sus clientes. 

3.- Manejo de los aspectos legales en la producción musical: Recordemos que el Derecho de autor es innalienable e irrenunciable. La disquera solo puede actuar dentro de los límites que el artista aprueba y pacte a través del contrato discográfico. A menos que la obra se maneje por encargo, es la disquera la que obtiene el control total sobre la reproducción, comercialización, distribución y ejecución pública de la obra

4.- Proveer el servicio al artista: En esta eterna lucha de quien hace que, algunos sellos dejan de proveer servicios a algunos artistas en desarrollo, simplemente porque absorben de una manera u otra el riesgo de su trabajo. El artista no debe olvidar que está trabajando en colaboración de alguien más para obtener un beneficio conjunto. Dice un proverbio africano, "Si quieres llegar rápido, ve solo... Si quieres llegar más lejos, ve acompañado"... Aplica de la misma forma en una interacción con el sello. Es otro de los puntos críticos en las relaciones discográficas.

5.- Ventas y distribución: El manejo y administración de las ventas de un artista es obligación directa del sello. El artista debe tener las manos despejadas para seguir creando productos que beneficien a ambas partes. Algunos sellos parecen presionar a los artistas a crear más canciones en menos tiempo a modo de proveer vigencia en las ventas, sin embargo es una práctica que cada vez más está dejando de ser aplicada, simplemente porque un buen producto debe tomarse el tiempo para desarrollarse, posicionarse y comercializarse extendidamente. Más vale calidad que cantidad.

6.- Promoción y Marketing: Es importante promover y mercadear adecuadamente los productos que un sello genera. No puedes poner todo en todos lados simplemente esperando que la exposición venda lo que tienes. El artista a veces entra en desesperación sabiendo que otras distribuidoras entregan producto en Mixup y su disquera sigue poniendo su material disponible solo en sus centros de distribución. Depende mucho la estrategia de ventas de cada sello el que define su producto. Antes de firmar, asegúrate de conocer sus estrategias de promoción y marketing para que te sientas satisfecho. La clave es saber como artista quien, donde y como consumen tus fans el producto que ofreces.

Conclusión

Existen muchas variantes al momento de comprender cuales son las actividades clave de un sello discográfico. Vale la pena hacer un comparativo de los sellos que conoces y establecer cuales de ellos ofrecen más ventajas para ti como artista y cuales ofrecen alternativas novedosas y disruptivas a tu proyecto. El sello discográfico tiene múltiples características que vale la pena conocer antes de firmar con alguno en particular.

Conocer el negocio de la música es importante para asegurar un mayor porcentaje de éxito en la industria. La cultura de los negocios es una habilidad importante para los artistas en nuestros tiempos. Es una necesidad importante y un complemento que ofrecerá ventajas infinitas a tus proyectos.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Lealtad musical mexicana: ¿Qué escuchamos los mexicanos?

¿Qué música te gusta?... Pregunta obligada para quien desea conocer más cercanamente a un amigo, prospecto de novio y hasta compañeros de trabajo.

Las respuestas del mexicano varían indudablemente entre "de todo un poco", "sólo música en inglés" o "lo mexicano para los mexicanos"

The Echo Nest, empresa que fue adquirida recientemente por Spotify y que se dedica a obtener datos del mercado musical, hizo recientemente un recuento sobre la música que escuchamos los mexicanos a través de Spotify.

Se identificaron a los artistas clave de cada género, a nivel global y local en todo el mundo, dividiendo el número de escuchas de cada artista clave, entre su número de oyentes.

Los resultados quedaron así:

La lealtad más profunda se localizó en el género regional mexicano aunque no especifica a profundidad por cuales está compuesto, pues podría ser desde mariachi, cumbia o norteño banda.

Cabe mencionar que Latin Pop, Mexican Indie, Metal y Metal Latino se encuentran como los géneros más generalizados.

Si tenías dudas de que podría ser más rentable o masivo, esta tabla puede darte una idea de los gustos del mexicano para escuchar sistemas de suscripción.

El conteo no despeja todas las incógnitas.

En lo personal me gustaría saber cuantas artistas de disqueras mexicanas se encuentran en estos datos, que impulsa a la gente o quien y como influye en sus hábitos de consumo.

¿La radio, tv, campaña de internet?

Un misterio que sería importante identificar. 

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5 cosas que la industria musical debe desaparecer

En estos tiempos, las formas de la industria han pasado de complejas a formatos casi irreconocibles.

Los sistemas de producción y distribución se han simplificado para el usuario, pero complicado para quien desea integrarse en las nuevas plataformas.

¿Realmente necesitamos esta complejidad en el medio?

Muchas prácticas se mantienen de forma regular que por las características de los nuevos esquemas han quedado obsoletas e inclusive ahora afectan el ecosistema de producción.

1.- Regalías mecánicas: Basadas en el hecho de que cada reproducción de archivo, CD o vinil representa una ejecución pública, sistemas de regalías como las mecánicas o por reproducción se han convertido en una forma de acoso por parte de los sellos discográficos. En conjunto de las editoriales, organizaciones como la SOMEXFON en México, se están encargando de cobrar estos sistemas de regalías a restaurantes, plazas comerciales, bares. Suena bonito cuando eres músico, pero no tan atractivo cuando sólo se protege a los que han "invertido" en forma estratosférica.

2.- Reducir la calidad de sonido por cantidad (Loudness War): Hasta el cansancio hemos dicho que este vicio de incrementar los volúmenes para garantizar un hit no funciona en ningún sentido. Una regulación sanitaria podría ayudar a establecer un punto de referencia.

3.- Payola: Todos lo niegan pero todos lo ejecutan. En México hasta han encontrado la forma de facturarla por los grandes corporativos. Un tipo de corrupción en todo el mundo que consiste en pagar para que se reproduzca constantemente un "éxito" musical. Protección de inversión para unos pero la desgracia de miles.

4.- Manipular los Charts de popularidad: Este es más ejecutado por la televisión. La industria premia con discos de platino y oro por unidades distribuídas. Pero en realidad, son copias que se han ubicado en tiendas. ¿Cuántos realmente se han vendido?... Nadie puede saber a ciencia cierta que discos tan malos puedan vender 100,000 copias y sostenerse en el número 1 durante semanas.

5.- Hacer pensar al público que la piratería afecta al artista: Absolutamente ningún artista es dueño de su proyecto, pero recibe toda la presión del mismo para entregarlo a la disquera. Los adelantos para la realización de los proyectos sirven unicamente para el pago de la producción. Antes los artistas recuperaban costos de las giras, pero los nuevos modelos de 360 grados de las disqueras los hacen ganar porcentajes diversos. Son como jugadores de fútbol con una carta de pertenencia.

Conclusión

La misma industria mantiene estos conceptos para un mejor control del poder económico. Las alternativas de internet no pueden competir ante las posibilidades económicas de la industria y una organización de las disqueras independientes se ve difícil en estos momentos.

Luchar contra estas prácticas puede ser una larga batalla pero que debe empezar ya.

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Disqueras independientes Vs. Disqueras Mayores: ¿Qué es mejor?

Por fin, después de mucho trabajo, un par de disqueras se ofrecen a firmar un proyecto contigo. Es el momento de elegir a cualquiera de ellas como impulso y soporte a tu carrera.
Las dos proponen beneficios importantes, pero siempre queda la duda... ¿Con quien me irá mejor?...
Aquí están las diferencias más significativas entre una disquera independiente y una disquera mayor:

Disquera Independiente

Las disqueras independientes están formadas principalmente con carácter más humano. Toman en cuenta tanto los límites posibles de sus presupuestos como las necesidades de sus artistas firmados.

Pros
- Artistas reconocidos en sus derechos: Las formas de licenciamiento sobre el trabajo realizado son más amplias y representa el mejor beneficio de firmar con una disquera independiente.
- Firman al artista por identidad, reconocimiento de su trayectoria y trabajo artístico: Normalmente estos sellos no responden a presiones de altos directivos, lo que les permite elegir a un artista por sentido personal o colectivo
- Relaciones personales cercanas: Establecen lazos más íntimos con el artista y se convierten en extensión del vínculo familiar o artístico. Esto se traduce en negociaciones más sencillas
- Contratos más comprensibles: Aunque las bases de contrato son muy similares y cercanas al proceso de una disquera mayor, a menudo son menos complejos y más sencillos de cumplir

Contras

-Tamaño del presupuesto: Uno de los problemas comunes es mantener los costos de producción, distribución y planeación al mínimo. Algunos soportes como publicidad o marketing van ligados al artista y compartidos con ellos.
- Desorganización: Muchos sellos son pequeños y normalmente están impulsados de forma poco ordenada. 3 personas son insuficientes para mantener un proyecto de disquera y promoción a un artista.
-Tamaño: Pocas disqueras independientes reconocen sus limitaciones operativas y de negocio. Es uno de los puntos que producen más conflicto y que ocurren con las nuevas "fondeadoras". La demanda de artistas que desean soporte casi gratuito es mucho mayor. Desafortunadamente pocas disqueras independientes toman esto en cuenta y desaparecen después de un par de años.


Disqueras Mayores

Es sencillo identificar a sellos discográficos bien posicionados. Sus filiales y logos están por todas partes y se convierten en símbolos comerciales por sí mismos. Si quieres trabajar con ellos debes tomar en cuenta la siguiente información

Pros
-Presupuestos Enormes: Cuentan con flujos de capital mayor para operar una sola producción que podría hacer caminar 10 proyectos en una disquera independiente. Esta inversión masiva se analiza para reconocer su impacto en el mercado y marcar el retorno suficiente de la inversión inicial

-Redes de contacto:La riqueza de una disquera mayor, no se mide solamente en el dinero invertido, sino también en las conexiones estratégicas con que cuenta para desarrollar un producto y distribuirlo en el mercado.

-Tamaño y reputación: Obviamente cuentan con personal suficiente para desarrollar sus actividades y se mantienen en los altos niveles de reconocimiento por su labor y perfeccionamiento de la operación de mercado.

Contras

-Debes pelear por su atención: Normalmente se piensa en las disqueras mayores como "cazatalentos" desmesurados por firmar a los artistas más prolíficos. Si bien es cierto que se firman varios artistas, estos deben representar una buena fuente de ingresos para ser tomados en cuenta. Inclusive estando ya firmado, deberás seguir peleando presupuestos al interior de la disquera, pues en cuanto tus ventas bajen, tu proyecto será considerado de menor prioridad de inversión

-Relaciones poco amistosas: No es que te vayan a tratar mal, simplemente debes estar consiente que para ellos tu trabajo y tu relación con ellos es meramente laboral. Negociaciones y aceptación de claúsulas son el común denominador. Muchos artistas renuncian a la disquera por esta "frialdad". Sin embargo, todo negocio es frío por naturaleza y en el caso de una disquera mayor es el sustento de la misma.

-Relaciones corporativas y modelos extranjeros: Nunca podrás modificar tu visión para crear conceptos más enfocados al mercado nacional. Sus  modelos de negocio se fundamentan en visiones extranjeras y se aplican en ese sentido al flujo de mercado.

Conclusión

Para mí, una disquera independiente es igual de importante que una mayor y a la inversa. Creo que se puede elegir principalmente basados en la experiencia que se desea vivir con ellas y la seguridad que como artista te puede ofrecer una y otra.

No me atrevería a decir que una disquera independiente es el mejor principio para una banda debutante, o que una disquera mayor es lo mejor para ellos.

Otro punto que debes analizar fundamentalmente es el tiempo que estarás ligado a ellas y si cumplen con tu idea de ser creativo por obligación para cualquiera de ellas.

Hablaremos en otro blog sobre los puntos principales a analizar en una propuesta de contrato con una disquera.

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El Productor: Equilibrio indispensable en audio producción

En pre-producción todos los elementos creativos, técnicos y requerimientos son presentados. Hacemos una lista de todo aquello que será indispensable para cumplir la meta, cronometramos los tiempos, hacemos agendas, hablamos y contratamos a la gente, pero nunca tomamos en cuenta el ego artístico generalizado del proyecto.

Las áreas en producción de medios, requieren de atención y enfoque a detalles comunes que pueden salirse de control, simplemente porque hay una delgada línea entre lo posible, lo imposible, lo tolerable y lo intolerable.

El "profesionalismo" a veces desconoce aquellos límites y disfraza acciones o actitudes en favor de presionar o limitar el desarrollo en la producción.

El productor, es el profesional encargado de equilibrar el karma, los presupuestos y los tiempos.

Recursos humanos ante todo

Si bien es cierto que no se puede ser monedita de oro para caerle bien a todos, como productores si debemos anticiparnos a las circunstancias que pueden darse durante la producción, pues es la etapa más crítica del desarrollo en los proyectos.

Conozcamos o no a las personas involucradas en los proyectos, debemos referirnos a trabajos anteriores y preguntar de primera mano situaciones que pueden salirse de control.

Un productor puede ajustar los tiempos y planear con calma si el baterista se cae al pasear a su chihuahua y que no pueda tocar 1 o 2 semanas, pero no puedes prevenir el rompimiento creativo simplemente porque entre al cantante no le gustó la playera floreada que trae puesta el guitarrista líder ese día.

Muchos grupos, cantantes, locutores y artistas en audio producción, no delimitan adecuadamente sus criterios profesionales por encima de sus emociones personales.

Se dice comúnmente que las emociones son plasmadas en los proyectos y que para ello el artista debe utilizar sus emociones como motivación.Coincido totalmente con ello, pero una cosa es motivarse y otra muy diferente descargarse sobre el proyecto.

El productor como impulsor creativo

Anteriormente los proyectos conceptuales tenían un mayor margen de arrancar en partes o cancelarse porque a industria estaba más estable. Por ejemplo, una disquera tenía varios artistas entre los que se podía compartir la responsabilidad de un intento fallido sin problemas.

Actualmente producir un proyecto tiene un riesgo mucho más alto porque depende de la distribución digital, compra directa, originalidad creativa y volumen de producción. Los errores deben ser mínimos.

Esto nos indica que producir algo que no se va a lanzar no es negocio desde cualquier perspectiva y mucho menos si queda a la mitad de algo importante, simplemente porque el baterista quería usar su nuevo kit electrónico para darle profundidad al disco country que ha estado ensayando.

Hay proyectos que permiten materializar todas las sugerencias y por el contrario existen muchas otras donde por el concepto más vale mantenerlas al margen.

La asistencia de un productor es fundamental para equilibrar estas batallas creativas donde pisotear al perdedor de forma aplastante, sólo sumará rencores que pueden estallar en el momento o días después del lanzamiento.

Luchando con las "diferencias creativas"

El productor si bien tiene que trabajar a veces como psicólogo y mediador, debe ante todo evitar los roces y conflictos pues tiene un panorama general de cada individuo dentro del proyecto.
También debe fomentar la creatividad, más que "picar" al artista para que saque lo mejor de él, sin dañar el panorama personal y emocional.

Debe ser duro pero no gritón, sino honesto para que los involucrados conozcan sus limitantes y las superen con sus capacidades. Podrá manejarlo pues antes de tomar el proyecto se ha preocupado por visualizar los posibles problemas a nivel artístico, creativo, psicológico, emocional y técnico de un proyecto.

Dejar en manos de un grupo su destino sin mediar el ego, va a provocar como consecuencia un "rencor creativo". Cuando llegue el momento de externarlo, siempre tendemos a no escuchar un argumento adecuadamente y muchas veces se confunde con crítica en mal sentido.

Una diferencia creativa es salvable cuando la convivencia y compromiso en una banda es compartida. Se deben escuchar todas las ideas pero se debe jerarquizar y dar prioridad aquellas que están más cerca de conformar un proyecto. Si nuestra meta es hacer un licuado de plátano y la disquera nos pide hacer una versión más original, tal vez podamos poner un poco de canela para acompañar, pero no significa que cambiemos la fruta totalmente.

Conclusión

El productor es fundamental en estas etapas y es quien previamente tendrá internamente un perfil (no opinión personal) sobre las personas involucradas. No pedirá algo a alguien que no pueda hacer ni hará competir a los miembros del equipo entre ellos para obtener un resultado adecuado. Los productores han cambiado con el tiempo y se han convertido en verdaderos directores de una orquesta donde no sólo se ejecutan instrumentos, sino se transforma y aterriza una idea creativa en algo palpable para compartir.

Siempre trata en lo posible, de contar con un buen productor. Sobre todo si las vibras son muy diversas durante la planeación del proyecto. Tu producto lo va a agradecer y redituar .

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum Estudio

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La Guerra contra el Loudness War comienza a rendir frutos...

Ya hemos comentado que el Loudness War, representa un problema no solamente de criterio y falta de ética comercial, sino también un problema de salud.

Aparte de los daños al canal auditivo y contaminación ambiental, el Loudness War se ha estado implementando como una norma de "calidad profesional" por parte de la industria.

Hasta ahora ninguna empresa se había pronunciado o hecho comentario alguno sobre esta tendencia del mercado. Finalmente iTunes está dando el primer paso.


iTunes Radio decide primero...

La tecnología de iTunes Radio incorpora un nuevo algoritmo de codificación llamado "Sound Check".

Este algoritmo, limita el nivel de los tracks, es decir, eleva el nivel de tracks más suaves y atenúa aquellos que son más potentes.

Para quienes nos dedicamos a la audio producción musical, sabemos que subir o bajar el nivel nunca cambiará el grado de compresión o hipercompresión del track. Tampoco cambiará el color, simplemente será un track sobre comprimido a bajo nivel.

Lo importante de esto es que sí colabora a evidenciar, que tan alto o bajo está masterizado un material. Si una compañía en específico se da cuenta que sus niveles son altos, tal vez por integrarse mejor al mercado de iTunes, tomará cartas en el asunto para entregar tracks más limpios.

Del otro lado, tenemos a quien masteriza con un nivel más cómodo y podrá decidir si eleva sus niveles para estandarizarse a las descargas digitales.

Un inconveniente con esta medida, es saber bajo que criterio se especifica el nivel "promedio" de una grabación. Existen dinámicas en la música que no pueden ser alteradas, como en los géneros del jazz, música clásica o folcklórica.

También habrá que evaluar, bajo que circunstancias se podría usar el término "sobre comprimido" y "sin procesamiento".

Conclusión

La intención de mantener un estándar de niveles para las descargas digitales es un primer paso en la búsqueda de una "tregua" en la guerra del Loudness War.

Los resultados de esta medida estarán por verse a corto y mediano plazo, sin embargo, para el consumidor final, puede ser que no sea tan molesto, porque no está tan consiente del Loudness War como parece.

Esperemos las reacciones oficiales de las disqueras... por lo menos la comunidad de Ingenieros en audio aplaude la medida como el inicio del fin a esta guerra.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum y está en contra del Loudness War

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IFPI: Derechos concedidos al extranjero...

El IFPI son las siglas de International Federation of the Phonographic Industry. Se asegura que es el órgano que representa los intereses de la industria fonográfica a nivel mundial.

Representa a más de 1450 compañías fonográficas alrededor del mundo.

Dicen (no tengo manera de comprobarlo), vela por la seguridad de los derechos de las industrias y lucha contra la piratería a nivel mundial.

Su origen no está muy bien definido, puesto que en 1933 nace durante un congreso en Roma. La invitación la refirió la Confederazione Generale Fascista dell'Industria Italiana.

Tiene diversas ramas de difusión. En la división de habla hispana, Plácido Domingo, el tenor, es el Presidente.


Percepción positiva... realismo contrario

Cada año la IFPI emite su boletín anual 2013. Frances Moore, directora ejecutiva del IFPI, habla sobre un optimismo de recuperación económico ante los nuevos retos de la industria digital.

De acuerdo a su informe de este año, las descargas legales han crecido enormemente y la captación de recursos se ha vuelto más estable gracias a las plataformas iTunes, Spotify y Deezer.

Sus datos son sorprendentes. Se han vendido 2300 millones de canciones sueltas, 207 millones de álbumes digitales afirmando que el 62% de los usuarios de internet, utilizan servicios oficiales de descarga.

Los álbumes más vendidos  en 2012 son 

ARTISTA                               TÍTULO           TOTAL (MILLONES DE UNIDADES)

1 ADELE                                   21                                                 8,3 
2 TAYLOR SWIFT                RED                                               5,2 
3 ONE DIRECTION         UP ALL NIGHT                                 4,5 
4 ONE DIRECTION        TAKE ME HOME                               4,4
5 LANA DEL REY          BORN TO DIE                                    3,4
6 P!NK                        THE TRUTH ABOUT LOVE                  2,6
7 ROD STEWART    MERRY CHRISTMAS, BABY                2,6
8 RIHANNA                  UNAPOLOGETIC                                 2,3
9 MUMFORD & SONS       BABEL                                            2,3

10 MAROON 5              OVEREXPOSED                                  2,2


¿Y México?...

No hay datos concretos en su informe por una sencilla razón; los datos están basados en ventas globales y se trata de una política de globalización cultural. 

En el imperio, sea económico, político, social o ideológico, siempre se van a presumir los datos como un todo, sin considerar el hecho que se está hablando de un monopolio que merma las industrias locales para satisfacer mercados específicos.


Conclusión

Se acerca el año 2014 y esperaremos el ansiado reporte de la IFPI para saber como nos fue en 2013.

Por más que el optimismo se escape de sus informes, la realidad es que estas cifras, son abrumadoras para un mercado como el mexicano, que tiene la desventaja de ser inconstante, mal manejado, payoleado, sin juicios acerca del derecho de autor, sin reconocimiento económico y social.

Las empresas productoras independientes se están muriendo ante la falta de oportunidades y soporte del Estado. Sin embargo, la división y competencia también crea un espacio para que en vez de recoger los náufragos del océano, se pelean los botes para unos cuantos.

México no tiene competidores con infraestructura para pelear estos mercados, no por falta de personas, talento y conocimientos, sino por la dependencia a los capitales de los grandes monopolios. Es hora de plantearse crear un mercado específico. Estas ligas no las creamos nosotros, no son nuestras reglas ni mucho menos, la forma en que nos gustaría ser tratados.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum con intenciones alejadas de la monstruosa industria...

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Deutsche Gramophone: Un clásico de la industria...

En nuestros días, poseer un sello discográfico está al alcance de unos cuantos trámites. Cualquiera puede ahora tener una disquera, pero mantenerla más de 11 décadas trabajando es un reto que muchos abandonan a los 3 meses.

Deutsche Gramophone, es el único sello discográfico que se ha mantenido vivo desde 1898. También es el sello más veterano que existe actualmente.

Su origen inicia en Alemania, fundada por un alemán nacido en Estados Unidos llamado Emile Berliner.

Ubicada originalmente en la ciudad de Hannover, la compañía creó enlaces con la naciente industria norteamericana, a través de la Victor Talking Machine Company (RCA Victor) y la British Gramophone Company (EMI).

En sus inicios creó el hito de un disco redondo grabado y prensado con tecnología americana. Este fue el golpe que sacó a Edison del negocio, pues sus cilindros grabados eran ineficientes, se rompían con facilidad o se rayaban en su almacenaje. Berliner desarrolló tanto el método de prensado como el de reproducción.

El primer artista fuerte de la compañía fue Enrico Caruso, cuando graba en 1902.

Otros importantes nombres que lo siguieron fueron Mattia Battistini, Emma Calvé, Alessandro Moreschi (el ùltimo castratti), Antonio Scotti, Leo Slezak, Francesco Tamagno (El primer Otello de Verdi), Geraldine Farrar, Mary Garden, y Elena Gerhardt.

Otro icónico símbolo se realizó cuando cambió la etiqueta de su angel de grabación por el de "His Master's Voice", donde un perrito escucha atentamente la bocina de un reproductor de discos. Este ha sido el logo oficial de la disquera RCA Victor.

En 1913, Deutsche Grammophon causó sensación con la primer obra de música clásica grabada completa: La 5ta Sinfonía de Beethoven, con la Berliner Philharmoniker bajo la conducción de Arthur Nikisch.

Al finalizar la primera Guerra Mundial, la compañía es acusada de ser una empresa inglesa enemiga y se le obliga a quitar la leyenda "His Master's Voice". También se le restringe el uso de las obras externas por considerarlas antinacionalistas.

Algo similar pasa en Mayo de 1942, cuando la Gestapo le prohíbe crear masters con artistas, músicos o compositores de origen Judío. Con los bombardeos a Berlín, la compañía queda destruída y vuelve a sus oficinas de Hannover para reiniciar su labor.

En 1946, se convierte en la primer empresa en utilizar cinta magnética para realizar sus grabaciones.

Hasta 1950, los discos de 70 rpm, podían contener hasta 7 minutos de música, pero en 1951, la compañía introduce el nuevo estándar de 33 1/3 rpm. La industria dió un nuevo salto con el disco LP (Long Play).

Los años 60 trajeron dos innovaciones más al mercado. Herbert Von Karajan realiza la primer grabación de Beethoven en sonido estéreo.  En 1969, se anticipa a los festejos del bicentenario de Beethoven y saca al mercado la colección de obras completas, compiladas en 79 LP's.

El sello continuaría realizando grabaciones de música clásica hasta que en 1983, introduce el primer CD de música clásica al mercado.  En 1989, comienza a lanzar también videocassetes y el popular LaserDisc con obras clásicas y ópera teatral.

En 1999, Polygram, una subsidiaria directa y principal, es adquirida por Universal Music Group y permanece ahí desde entonces.

Deutsche Gramophone demostró que la música clásica es un producto rentable y ha sabido conservar el enfoque adecuado a ese mercado. Su calidad de grabación y detalle, la han proyectado como la autoridad máxima en el campo de la grabación de música clásica.

Ha hecho saltar a la industria, primero al incluir la versión actual del vinil (dudo mucho pudieran hacer scratch con un cilindro), la creación del estándar 33 1/3, la cinta análoga como soporte de grabación, el soporte al CD y Laserdisc y recientemente la aplicación de descargas digitales.

Múltiples técnicas de grabación, microfonía, sistemas de monitoreo y uso de recintos acústicos se han desarrollado gracias a las miles de horas invertidas en grabación. La introducción de la grabación en 4D es una de sus más recientes aplicaciones y veremos todavía mucho más de esta compañía, que nació en un modesto sector de Hannover y que ha dado al mundo, el registro más amplio y exacto posible de la música clásica...

Rafael Mendoza escucha discos LP de la Deustche Gramophone cuando tiene oportunidad.. 

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La Radio como promotora del Loudness War

Muy poca gente sabe que las estaciones de radio procesan su material antes de lanzarlo al aire. He recibido múltiples comentarios de clientes, que al comparar su mezcla con las que se escuchan en la radio, se dan cuenta que suenan más fuerte o más amplias.

Explicar los pasos que utiliza una estación de radio puede ser compleja para quien no está inmerso en el mundo de la ingeniería en audio.


La Radio inicia el Loudness War

Para los directores de las estaciones radiales, más volumen significa mejor recepción en la percepción del escucha.

No debemos confundir cantidad de volumen en sonido con calidad de captación del sonido. Para las disqueras, el "Loudness War" es necesario, pues consideran que el mercado depende directamente de la percepción que el público tenga de sus grabaciones.

Durante la época del vinil, en las estaciones de radio se acostumbraba colocar un limitador de señal, a fin de trabajar con las dinámicas y diversos niveles que presentaban las grabaciones análogas. Con ello se aseguraban que el rango dinámico (cantidad de volumen posible en una grabación) se aprovechara al máximo.

Los estudios de audiencia encontraron que mucha gente escuchaba tal o cual estaciòn porque le parecía más fácil sintonizarla y usar su control de volumen a un nivel aceptable para escuchar claramente el material.

Las frecuencias graves y agudas que posee una voz masculina o femenina, son la principal causa para insertar un limitador antes de llegar a la antena transmisora.

Sin embargo, con el tiempo este procesamiento se verìa afectado y ahora utilizan procesos más complejos.


La cadena de compresión en radio

Existe un mito donde supuestamente un procesamiento de la señal broadcast, afecta menos una señal hipercomprimida (caso de los cds actuales).

Auditivamente las variaciones de amplitud son mínimas, dando la percepción de que el material no está siendo tan afectado. Sin embargo, ocurren otro tipo de procesos que lo están deformando.

Los componentes más comunes en las estaciones de radio para controlar el rango dinámico son:

Rotor de Fase: Es una cadena de filtros, típicamente de 4 polos en 200hz. Este proceso convierte las formas de onda simétricas y reduce el rango de picos de la voz en unos 3 a 4 dB.
Cuando se aplica a un CD sobre comprimido lo único que genera es distorsión que no incrementa la calidad del material

AGC (Automatic Gain Control): Este control de ganancia automático, puede operar en un rango de hasta 25 dB. Su función es compensar los errores operativos o problemas de material que contengan un sonido de menor volumen. El AGC elimina las dinámicas de la grabación. Es el favorito de los directores de programación porque les permite tener la sensación de un programa estable en volumen.

Excitador Estereo: Usado comúnmente en la masterización para dar amplitud horizontal, este dispositivo es colocado en radio para hacer una transmisión más dramática. Algunos elementos de la mezcla puede ser percibidos en otra proporción como la reverb.
Irónicamente, este proceso vuelve a las grabaciones esterofónicas totalmente incompatibles con una transmisión FM, principalmente porque incremente el rango de separación entre los canales Izquierdo y derecho.  Esto funcionaba mucho mejor en los tiempos del vinil, donde las grabaciones no podian ser expandidas a causa del movimiento de la cabeza cortadora. Con la llegada del CD, este dispositivo es completamente carente de validez.

Ecualización: Normalmente la radio hará una compensación a la excitación estéreo a través de las frecuencias graves. Esto crea una coloración espectral que hace sonar el material, excesivamente cargado de un rango de frecuencias predeterminadas y que varían con cada material.

Compresión Multibanda y Limitación: En la cadena, algunos fabricantes de estos equipos, añaden todavía una opción más de compresión y limitación al proceso. Es ideal tener componentes en la cadena, ¡pero no hay un operador que lo esté ajustando con cada material!.

Pre-énfasis y Limitación en frecuencias altas: La radio FM es pre enfatizada dependiendo el país donde se encuentre. Normalmente se le da un ajuste en altas frecuencias de 3 dB en 2.1 Khz o 3,2 khz. En algunos casos, cuando el pre-énfasis es de 75 milisegundos, se  aplica un correctivo de hasta 17 dB en los 15 Khz. Esto para garantizar que las frecuencas agudas lleguen con suficiente intensidad a los radio receptores.

Estación de Clipeo: Por si fuera poco, se aplica un limitador general, que a grandes rasgos, se encarga de producir la señal final para ser transmitida. En realidad, es el único procesamiento que podría justificarse en los tiempos del CD sobre saturado. Simplemente para guardar la relación dinámica del material.

Conclusión

Los detalles técnicos y razones de ingeniería para este proceso, no son develados a fin de simplificar un tema que de entrada parece excesivo y ridículo.

La cadena de compresión en radio, tiene una práctica de más de 40 años y debió simplificarse en los años 80 y 90. Sin embargo, a las disqueras y directores de estación les ha parecido más divertido mantener los niveles de sus productos en la distorsión.

La próxima vez  que quiera ahorcar a su ingeniero de mezcla o masterización, porque su material no suena como se escuchan los demás en radio, primero suba su material a una antena radiotransmisora y escuche el resultado.

No sólo tendrá un sonido comprimido y bastante procesado, sino un remanente digno de cualquier basurero municipal.

No se pierdan el programa de mañana en "Control Room" sobre el Loudness War.. ligerito pero conciso.

Rafael Mendoza lucha todos los días en Ad Libitum Estudio contra el Loudness War

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Viernes de video: Cómo se fabrica un Disco Compacto

Se dice que el CD está a punto de desaparecer, sin embargo, su maquilado no ha reportado bajas sensibles por necesidad directa del medio.

Es decir, se producen menos CD's por falta de proyectos terminados que por demanda directa.

Somos uno de los países con mayor requerimiento de maquilado en CD por una razón específica.
Sustentamos nuestro dinero en un medio físico. Le damos valor al objeto.

La cultura del MP3 todavía no desarraiga del todo al  CD. Es importante conocer el proceso por el cual se desarrolla un CD maquilado

En el viernes de video veremos una cápsula sobre la fabricación de este soporte que sigue gozando de popularidad en todos los ámbitos.

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Reggaetón: ¿Es musical?

Reggaetón: ¿Es musical?

Este post puede llegar a ser un poco polémico e incómodo para la mayoría, considerando que de entrada existe mucho desconocimiento de la industria sobre este género musical. 

Todos los argumentos tanto de quienes están a favor  o en contra son válidos para mí. Sin embargo, no pienso hacerla de réferi entre ellos.

Para abordar este tema tan espinoso en lo musical, cultural, económico y social no hay otra forma de abordarlo más que desde su esencia.

Antes de llamarse reggaetón se denominaba Reggae en español, pues debido a la migración Jamaiquina a Panamá por la situación del conflicto del  Canal en los 90's, muchos Jamaiquinos no pudieron volver a su tierra. 

Panamá es el punto de partida hacia países como Puerto Rico, Cuba y Estados Unidos, gracias a la presencia norteamericana en la zona.

Ahora si... la pregunta de oro ¿El Reggaetón es musical?

Todos los géneros han sufrido

Tocar al reggaetón desde un punto de vista visceral, nunca permitirá entender objetivamente que se trata de una corriente que ha ganado popularidad por diversos motivos. Ningún género musical pide ser popular. Cuando decimos que el reggaetón es basura o crack musical, nos referimos no solamente a la música, sino al entorno en el que se desarrolla. 

Pero aparte de ello, debemos comprender que es una fusión de música reggae, soca panameña, salsa, bomba, hip hop y rap. 

Voy a hacer una comparativa que puede no gustar pero que ayudará a establecer la misma regla para todos los géneros.

El rock, es una derivación de mezclas entre el jazz y el blues, principalmente este último. La forma de canto abierto de este género en su tiempo, fué igual de reprimidio y considerado basura.

Muchos dirían en aquellos tiempos, que el jazz no debía ser ensuciado por el blues negro, pues al blues, se le consideraba un ritmo barato, de bajo nivel social y tocado por negros parranderos y sucios... ¿Les recuerda algún argumento sobre el reggaetón?.

En México tenemos la música de Danzón o bailes de salón como el Mambo, la Rumba, El Son y bolero, que en sus inicios se consideraban música de cabaret, alcohol, pachucos y bailarinas de mal vivir.  ¿Han escuchado algo parecido con el reggaetón?.

Todos estos juicios van cargados de una moralina social que es como la cubierta de mermelada sobre un pan tostado. En realidad, se debe comprender que se trata de un fenómeno sociocultural que puede gustar mucho a unos, menos a otros o completamente rechazado por muchos.

Si seguimos la lista, tenemos al Punk, Metal, Speed Metal, Trash Metal, Death Metal, Rap, Hip Hop y como ya vimos hasta el Jazz. 

Mozart no fué bien recibido al utilizar armonías y cadencias rápidas, Rachmaninov tampoco fué un héroe en su tiempo al considerarse exagerado para la armonía tradicional. 

Y hasta John Cage, que intentó liberar a la música de su espacialidad limitada por la orquesta, se le consideró un loquito que hacía sonidos con una jarra de agua, una maceta, o cualquier otra cosa que tuviera enfrente.

Comparativa musical

En diversos foros de las redes sociales donde se ataca al reggaetón basándose en la complejidad rítmica y comparándola con una partitura de Mozart, queda fuera de toda proporción la intención por comparación.

La mayoría ignora que el ritmo base que tanto hacen referencia en una partitura rìtmica, se llama "Dem Bow Riddim".  Proviene de una base del calypso (género jamaiquino) y la soca (ritmo caribeño). Si profundizamos en su estructura encontraremos que su base rítmica se considera un 3+3+2 o ritmo atresillado y combinado con un ritmo en 4/4. En pocas palabras... tiene estructura musical.

Se construye electrónicamente a partir de esta base y obtenemos el resultado que tanto odian unos y tanto alaban otros.

¿Letras polémicas o ideas sin sentido?

El argumento sobre las letras del reggaetón para muchos, está limitado a la connotación sexual que incluye. Este ha sido uno de las principales razones por las cuales se le ataca directamente .
Sin embargo, la sociedad está viviendo una transculturización global, donde se está sensibilizando y acoplando a las ideas moralistas gringas.

Por un lado se ataca al Hip Hop cuando habla de drogas y mamis, al reggaetón cuando pide que muevan el "cuchi cuchi", pero no se sanciona cuando vemos a adolescentes en desarrollo como Demi Lovato, Selena Gomez, Anahí, Belinda y demás artistas por el estilo, ser proyectadas como lolitas caras o finas.

Las letras de cualquiera de estos intérpretes masculinos o femeninos (One Direction, Justin Bieber, Alejandro Fernández, Chino y Nacho) rayan en la hipersensibilidad emocional y sirven para un mismo propósito. Crear audiencias por millares para venderles discos por millares...

Ya hemos hablado antes, que una disquera no le compra el éxito y talento a sus artistas, sino las audiencias que estos generan, los clientes a quienes pueden vender discos, DVD's, playeras, posters, plumillas, instrumentos signature, boletos carísimos y experiencias tras bambalinas.

En eso, el reggaetón masivo es igual de comercial y como producto, cumple la misma función que cualquier otro artista de nivel mundial.

Por ello, es irrelevante si las letras son buenas o malas, si tienen mensaje y contenido, es como las pasitas en un panqué... tienen que ir ahí para llamares panqué con pasas. Las letras tienen que ir ahí, simplemente porque tienen que completar el concepto de canción.

Formas de vestir y accesorios para perreo.

No hay mejor argumento de venta que la identidad con el producto. Cuando nos ofrecen una licuadora, no nos venden las velocidades, la estructura, el color. Nos venden la rapidez de preparación en salsas, caldos, licuados. El no ensuciarnos las manos para hacerlo y como plus, un bonito color que encaja en la cocina.

Recordemos que hasta este momento, hemos hablado de un producto denominado reggaeton y que hemos dicho su origen musical para comprender sus raíces y derivaciones.

El baile, la actitud, el entorno sexual, los tipos de evento y demás aspectos sobre el género, yo los consideraría como un complemento comercial.

Un argumento de venta para un sector específico y de identidad que son causa de otro tipo de análisis y donde tendría que intervenir un sociólogo, un antropólogo y un publicista.

Una sociedad reprimida no sólo por la religión (latinoamérica específicamente), con un concepto invasivo moralista desde el punto de vista estadounidense, con conflicto de identidad (tomo tequila y lo muestro en redes sociales con mi Ipad), con carencias económicas, no tiene más refugio que sus emociones más profundas, en las drogas, el fútbol, la televisión.

Cuando se dice que el reggaetón es música de malvivientes, déjenme decirles que los Beatles eran igual de chochos que Chino y Nacho o Pitbull. Todos conocemos el caso de Kurt Cobain, Jimmy Hendrix, Louis Armstrong, José José, Alejandro Fernández, Miley Cirus y la lista sigue y sigue.

Conclusión

En cualquier género se dice que para entender la música se debe vivir en ella. La idea que el rockero tiene que subir pasado o drogado para tocar mejor, es una constante en pleno siglo XXI. Que para sentir la interpretación de Kiss debes ir maquillado como Simmons y arrojar sangre al parejo. Que para entender el Reggae de Marley debes estar mariguano, o probar LSD con Pink Floyd.

Estos ciclos musicales se han repetido durante la historia, venden discos y merchandasing de una industria que no es nada ética en ese sentido. EMI, SONY, VIRGIN, WARNER y muchas más independientes, viven del recurso que provee el artista.

La sociedad juzga muchas veces con criterios diferentes. No defiendo al reggaetón porque en lo personal no me motiva su forma musical ni su criterio de proyección. Pero no puedo desaparecerlo simplemente apagando la tele o cambiando el canal. Soy fan del blues, del danzón, de la música de arrabales, pero no llevo mi vida como pachuco.

Cada quien tiene su nivel de tolerancia, aceptación, rechazo y criterio sobre la música. El reggaetón llegó, para algunos moda, para otros permanente. Vive su boom, como otros géneros. Hacerle la guerra a la música nunca ha sido opción. Evolucionarán otras formas musicales y con ello nuevas oportunidades.

Hasta ese momento, prefiero decir, conozco el reggaetón, conozco su origen, no es algo que produciría porque desconozco el proceso,  aunque no me desagradaría conocer a los que sí lo hacen de manera profesional. Finalmente es parte de un mundo que es mi vida; la música.

Espero sus comentarios y gracias porque ya rebasamos los 1700 visitas en casi un mes de trabajo en este blog.

Nos vemos mañana

Rafael Mendoza

Ad Libitum Estudio

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10 tips para grabar bandas inexpertas...

10 tips para grabar bandas inexpertas

Por Rafael Mendoza

tópico puede crear divergencias de opinión, sobre todo a niveles superiores, donde ser considerado para un lanzamiento discográfico tiene que ver con la calidad de las bandas.

Aunque decir "banda nueva" tiene muchas implicaciones, para producción considero más adecuado el término "banda inexperta".
Este primer contacto de la banda con los procesos de producción, normalmente está orientado a la novatada y el hastío. Porque para muchos, grabar una banda inexperta, puede significar sufrimiento.

Aquí es donde entra en juego el critero más que la experiencia y sobre todo, es un momento donde nuestro ego debe quedar guardado en el cajón donde yace el último grammy o la review de nuestro último disco.

Aquí los 10 tips más importantes a considerar si eres un novato atendiendo novatos en la producción.

1.- Planeación es la clave: No esperes que la banda se sepa comportar como un profesional ante la expectativa de su primer grabación. Sobre todo, están pagando la experiencia de sentirse artistas en vías de plasmar su obra en un CD. Lo que si puedes hacer es platicar con ellos lo suficiente durante el proceso de contratación, para que les informes cómo es tu forma de trabajo y que la relajación es parte del proceso de producción, no significa que deba rebasar un 10 al 15 % del tiempo en el proyecto.

2.- Estructurar los temas: La mayoría de las bandas inexpertas carece de conocimientos musicales profundos. No esperes que lleven su partitura y recuerden cuántas vueltas lleva el coro. Durante las pláticas de producción, ayúdales a estructurar el orden de su material. Basta que tracen con rectángulos en forma lineal, similar a la pantalla del multitrack, el orden en que entran los instrumentos. Tampoco esperes que lo hagan. Este argumento te servirá cuando demostrarles que falta mucho por aprender y que sus decisiones pueden llevar al éxito sus proyectos.

3.- Letras impresas y por triplicado: Aunque parece obvio, la mayoría de las bandas no lleva sus letras impresas y bien redactadas. Muchas veces llevan sus libretas originales y es muy romántica la idea de que obtienen el "feeling" de este material. Pero cuando va escrita en pluma, con mala caligrafía y aparte encimando dibujitos de demonios o flores, la estructura no parece clara y es un escape a la realidad. Las letras por triplicado deben ser, una para el cantante, una para tí como ingeniero y otra para el productor o director musical.

4.- Tonalidades de los temas y tempos: Como lo explicamos más arriba, no esperes que sepan de cadencias, armonías encontradas o técnicas de Wagner. Sin embargo, puedes colaborar con ellos informándoles que tonalidad tienen sus temas y llevar un registro de ello. Algunos grupos utilizan el cifrado de forma incorrecta. Ayúdales a comprender mejor sus alcances y háblales de las ventajas que incluyen saber música.

5.- Batería de 10 piezas, 5 micrófonos: Apantallar a la banda con el argumento de que puedes microfonear su kit pieza por pieza puede ser peligroso. Este tipo de estrategia de "venta", crea una falsa expectativa sobre el sonido del instrumento y te obliga a invertir mucho tiempo en corregir la fase o ubicación de los micrófonos. Simplifica las técnicas para tí. Tú mejor que nadie sabes que obtener el sonido "Bonham" de una batería, requirió de 4 micrófonos, un cuarto y un baterista musicalmente impresionante.

6.- Tus amplis o los míos: Todas las bandas quieren usar sus pedales y amplificadores en el proceso. Si tienes opciones para ofrecer, prefiere tus amplis que ya te son familiares para obtener un sonido adecuado. No quites sus pedales del set, porque los harás sentir incómodos, desprotegidos y vulnerables.

7.- Listas de presets en teclados y pedaleras: Este va de la mano al punto número 3. Increíblemente, con  la presión y falta de experiencia, el guitarrista olvida el preset exacto en donde dejó ese sonido impresionante para el solo. Y el tecladista sin querer, dejó guardado un preset muy parecido al pad 67, y de oído parece no encajar. Pide a los tecladistas, guitarristas y todo aquel que vaya a usar presets, que anote claramente en computadora, el tema, los presets utilizados y las partes donde las usa. Por ejemplo, Tema: La piedra musical, Preset 57 Distorsión con chorus Intro; Preset 78 Guitarra rítmica I, Preset 34 Distor con Comp Coro. Esto debe ser por instrumentista.

8.- Celular apagado: Es divertido te tomen fotos durante la sesión, pero justo cuando el cantante está en plena frustración no es lo más sano. Restringe el uso de celular dentro de la cabina, dales un momento antes de iniciar, durante el proceso (preferentemente antes de salir a comer) y al cierre. Coméntales que es importante para el proceso creativo mantener la concentración.

9.- Realiza pocas sesiones y realiza descansos cada 3 horas: Esto es como el estudio, si no estás acostumbrado te aburres, te inquietas, empiezas a evadirte. Una sesión corta les permite conocer de primera mano lo que es posible y no en una producción. De esta manera, evitas que el trabajo quede como una idea tuya o tu responsabilidad completa. Y también obtienes más por tu trabajo.

10.- Cierra la sesión con un aplauso: Si ellos se han comprometido a trabajar contigo y les brindas un aplauso al final, sabrán que hicieron un trabajo de forma correcta y ordenada. El aplauso también es tu alimento. Es una manera de reconocerte tu esfuerzo, pero sobre todo, que has iniciado un cambio en las nuevas generaciones de músicos y con ello, el crecimiento de una mejor forma de producir a futuro.

Quien sabe... tal vez estos van en serio y te llamen en 5 años a grabar su álbum debut...

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Rafael Mendoza es productor en Ad Libitum Estudio... Actualmente está promoviendo el arte de la audio producción.
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10.-

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MP3 : Un problema de salud global...

 MP3: Un problema de salud global

La transferencia de datos por internet, ha permitido el intercambio de información más importante de las últimas décadas. Sea lo que se comparte, envía, distribuye o transfiere por la red, ha mejorado la posibilidad de esparcir conocimientos y otras cosas no tan verdaderamente importantes.

A fines de los años noventa y principios del nuevo milenio, el MP3 se estandarizó en el mercado popular, como una opción barata de compartir música y audio producción.

Pero no todo es miel sobre hojuelas.. estamos empezando a pagar un alto precio por el uso de este y cualquier formato de compresión en sonido.


Guarde 200 canciones en un CD

En sus inicios, el mp3 no era tan popular. Descargar una canción con módems a 56kbps era una eternidad. Dejar la computadora encendida toda la noche, era una manera de obtener los preciados archivos. La terrible pesadilla del día siguiente era descubrir que los vínculos estaban rotos, puesto que una los módems telefónicos fallaban constantemente. Sin embargo, tener música sin pagarla era la meta.

Por aquel entonces, quemar un CD en casa era una tarea cada vez más sencilla y accesible. Los piratas, son los primeros en utilizar el mp3 quemado en un CD y comercializarlo para quienes querían evitarse el problema de la descarga. Hasta eso, podías conseguir unas 130 o 140 canciones de "calidad" buena por CD.

Sin embargo, la cosa empeoró cuando todos hacían negocio del MP3. La solución fué incluir archivos más comprimidos por el mismo precio.

La venganza es sorda

Desde siempre se ha creído que bajar música en lugar de pagarla, es una forma de recuperar el dinero que se ha dado durante años a las disqueras. También se mira como la liberación del arte a través de la democrática forma de difundir.

Ojalá así fuera... Es ilógico pensar en democracia artística, cuando lo más bajado, es también lo más comercial.

El ser humano se comporta de maneras muy raras y responde bien a la manipulación mediática, social y económica. No importa lo que se tenga, como se tenga si me va a permitir encajar en un grupo específico.

Tener un dispositivo con MP3 (o MP4, es casi lo mismo) es un requerimiento para cualquier dispositivo personal o de nivel consumidor actualmente.

La compresión de datos que se genera durante la creación del MP3. no sólo lo hace más pequeño, sino también más peligroso.


Un archivo normal de sonido a calidad standard de CDcon duración de 1 minuto, pesa aproximadamente 10 MBytes... Por el contrario un archivo del mismo tamaño pesa 1 MB... y se puede comprimir hasta unos 650 kbs.. Esto significa que la compresión aproximada estándar es de 1:10...

Este resultado pareciera no ser relevante hasta que lo visualicemos desde otra perspectiva.

Fantasmas sonoros

Todos conocemos a los fantasmas, esos seres supuestamente venidos de otra dimensión a jalarnos los pies en las noches o molestarnos para darse a conocer. Suponiendo que estos entes existan, una característica principal de ellos es la transparencia.

Se puede ver a través de ellos de acuerdo a su presencia. Algunos más marcados y otros más tenues, pero finalmente puede verse un fondo cualquiera detrás de ellos.

Podríamos decir que su imagen está diluída lo suficiente como para poder reconocer si se trata de una mujer, niño o animal. También podemos distinguirlo mejor de cerca que a una distancia de 10 metros, donde parecen sombras o simples espectros amorfos.

Cuando un archivo de audio profesional es comprimido en MP3, estamos diluyendo su espectro sonoro. Omitiendo detalles como la profundidad, la intensidad y nitidez de ciertos rangos. Estamos escuchando un fantasma del sonido original.

Entre más compresión exista, más sonido fantasma percibimos. 

Claro, eso que tiene de malo. Así caben más mp3 en mi CD, memoria usb o teléfono de última generación.  Nada.. a menos que aprecie sus oídos.

Al igual que con los fantasmas, los sentidos tienen que trabajar más para asegurar que lo que usted mira en un fantasma està ahí.. Tiene la forma, tiene los rasgos, pero habrá detalles de los que tenga que forzar su vista y cerebro para asegurar lo que ve.

El fantasma es visible por algunos segundos... pero imagine distinguirlo por una exposiciòn mayor de 1 hora promedio, que es lo que normalmente tenemos encendidos nuestros dispositivos móviles para escuchar música... El daño auditivo es paulatino, constante y con el tiempo irreversible.

Las empresas "responsables"

Todos los manuales de los dispositivos reproductores traen una advertencia sobre la pérdida auditiva por volumen (amplitud del sonido). Pero ninguno tiene una etiqueta médica contra los contenidos del archivo o condiciones anormales de estos. El formato MP3 y sus características de pobreza armónica son un problema de salud severo que nadie parece atender ni observar. Lo terrible es que desde el punto de vista legal, estas empresas se lavan las manos por el uso y soporte de este formato de compresión en sus aparatos. Todo, dicen ellos, es responsabilidad del usuario.

Apple es una de las principales industrias que quiere hacer dinero a cambio de los oídos de las personas. Evite comprar música en formatos comprimidos. Cómprela en línea pero prefiera archivos WAV o AIFF. De esta forma no sólo cuida sus oídos, también obtiene más por su dinero.

Conclusión

No hay estudios próximos sobre el daño auditivo de las personas por el MP3 y formatos de compresión. Tampoco las empresas se responsabilizan al dar soporte a un formato que simplemente debería ser de baja exposición o delimitar su uso a propósitos diferentes al entretenimiento.

La gente debe crear conciencia del daño que se está haciendo con el uso de estos dispositivos. Somos la generación con más jóvenes que pierden la escucha a edades tempranas. La democratización musical tiene un precio y está sucediendo en los oídos de las personas.

Este es un problema de salud que se debe atender urgentemente. Lo que puedo recomendarle es, dejar de consumir archivos mp3 para su uso diario. Descanse sus oídos por cada hora de exposición a bajo volumen por lo menos unas 2 horas. Rechace archivos de alta compresión como MP3, MP4 y WMA para uso doméstico. Aunque sea un estandar, no significa que esté bien.




Seguimos en el blog mañana

Rafael Mendoza

Productor de Ad Libitum Estudio

rmh@adlibitumestudio.com

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¿Un hit en una hora?: Anatomía de un proceso de mezcla

¿Un hit en una hora?

Anatomía de un proceso de mezcla

Finalmente el día llegó... Después de hacer arreglos, composición, trabajo en el estudio y muchos ánimos levantados por la experiencia, es día de mezclar.

La mezcla es uno de los procesos más influyentes en el acabado de un material. Sin embargo, al mismo tiempo es uno de los procesos que más evaden las "pseudodisqueras" con sus paquetes de proyectos de 25 horas, discos y éxito total a un sólo precio.

Estas prácticas pueden ser rentables para muchas "pseudodisqueras" que ofrecen estos servicios a un costo bajo del mercado. Pero es una de las prácticas más comunes y que afectan al medio en estos días.

Si vas a desarrollar un proyecto, te recomiendo cambiar tu mentalidad y considerar contratar tiempo de mezcla por separado o adicional para que el proyecto tenga un sonido más adecuado.

Cuánto tiempo se lleva una mezcla

Una mezcla puede durar desde 10 minutos hasta 13 horas. Pero entre menos tiempo se lleve, más problemas puede tener para ser una buena mezcla.

Las "pseudodisqueras", obligan a sus ingenieros a mezclar un disco de 13 temas en máximo 10 horas o 2 días. Es importante comprender que el proceso de mezcla puede llevarse a cabo por un experto en poco tiempo. El resultado simplemente "suena" porque hay sonido ahí que se escucha.

Una buena mezcla se lleva entre 7 y 15 horas para terminarse. Permite conocer el balance general del tema, aplicar diferentes formas de ecualización y compresión para cada instrumento, reorientar la mezcla, ajustar voces y limpiar defectos. El tiempo máximo de una sesión de mezcla es de entre 4 y 5 horas, pues la fatiga auditiva producemalas mezclas.

Entre los elementos que entorpecen el proceso de mezcla están:

Un mal arreglo musical: La distribución mal asignada de los instrumentos en sus rangos, por ejemplo, un bajo tocando en el rango de la guitarra sobre una parte completamente grave.  O una sección de violines tocando en el rango agudo de las violas.

Una mala orquestación: Obtener una base rítmica estable es difícil cuando se espera que la flauta sea quien guíe a la sección rítmica. No es imposible de hacer, sin embargo es difícil agregar frecuencias graves a la flauta con las que un escucha identifica la sensación de poder.

Una técnica deficiente : Los músicos sin técnica son los principales causantes de retrasos en el proceso de mezcla. Deberíamos evaluar cobrar más ante este tipo de contingencias. Así que músicos ¡Ha trabajar su instrumento!

Una mala selección de efectos, pads o presets en instrumentos electrónicos: Definir si se usa un overdrive o una distorsión, utilizar un pad muy chillante, o elegir un sonido combinado en el teclado que no ajuste bien en la mezcla. Es común que quieras hacer sonar ese bonito sonido de Hammond que tienes en tu sinte... pero no sirve en medio de una sección de cuerdas, 2 guitarras eléctricas y una armonía de coros a 4 voces.

Cómo saber si una mezcla está bien definida

Descartando la posibilidad de uno o todos los elementos arriba definidos, el ingeniero en audio utilizará su capacidad técnica y herramientas para obtener el mejor resultado a partir del sonido obtenido.

No es obligación del ingeniero en audio, mejorar, construir, reconstruir, corregir y armar a una banda que no está siendo honesta con su sonido y sus deficiencias.

Las características de una buena mezcla son:

• Sentir claramente el ritmo del tema, aún siendo instrumental, sin batería o elementos percusivos, se puede diferenciar el compás y se puede tener la sensación de tempo en el tema en forma adecuada.

• Mantener cada sonido en su lugar, definido y claro. Si no puedes escuchar lo que hace la voz cuando suenan los toms, entonces hay que corregir la mezcla.

• Cada frase o nota en los solos y la línea vocal deben comprenderse a la perfección. Mucho de esto se logra en la grabación. En la mezcla solo se retoca lo necesario. Mucho retoque en una ejecución así, hará sonar artificial al instrumento o voz.

• La mezcla debe sonar un poco ponchada. Esto es, una serie de ecualización, compresión y soporte adecuado de los sonidos graves.

• Las mezclas tienen elementos importantes. Asegúrate que estos elementos sean obvios para el escucha.

• Utiliza mezclas de referencia para comparar el sonido. Nunca será igual, pero si te acercas lo más parecido a algo que te guste, entonces lograste tu objetivo.

Conclusión
Recuerda, una buena mezcla empieza con un buen arreglo, una planeación de la producción y SUFICIENTES horas de post-producción.
Si tu "disquera" te ofrece un paquete para grabar en 50 horas, darte 1000 discos y lanzarte al estrellato, puedo decirte que estás permitiendo un daño irreparable a tu carrera.
En promedio, un proyecto bien alineado, planeado y calculado se lleva entre 70 y 90 horas de producción y post producción. He visto paquetes de hasta 25 horas. Tal vez son suficientes para un solista que cante acompañado de un cuarteto y con sus partes bien ensayadas. Pero para el tipo de producción actual, hará falta mucho más que eso.
 La mezcla es la parte más importante del proceso. Dale tiempo a tu ingeniero a que haga su trabajo y tengo opciones para desarrollar su creatividad. Vale la pena invertir dinero en un producto mejor acabado, que 1000 discos difíciles de distribuir o vender que te van a durar 5 años hasta acabártelos.

Rafael Mendoza Hernández

Productor en Ad Libitum Estudio

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Disqueras gigantes contra disqueras independientes...

Disqueras gigantes contra disqueras independientes...

¿Son necesarias o basta con el hágalo usted mismo?

Últimamente, existe un odio generalizado hacia las grandes corporaciones discográficas por la manera en que se manejan sus tendencias y líneas de trabajo.

Y aunque el criterio sobre que se escucha y que no es una dificultad para las compañías independientes, tampoco significa que todas las opciones estén perdidas.

La misma comunidad musical tiene en este sentido muchos prejuicios y falta de información sobre porqué aunque no lo queramos, hasta cierto punto una disquera gigante puede aportar algo a la industria independiente y a la inversa.

El pez grande...

Más del 70% del mercado musical está siendo manejado por las grandes disqueras, es un mercado muy grande y esto les permite manejar las tendencias de compra del consumidor. Sin embargo, no pueden alcanzar a cubrir la demanda de mercados específicos y locales de forma concreta.

Aunque Lady Gaga acapare el mercado en las ciudades donde se puede entender mejor su concepto (se puede pagar más caro), no cumple las expectativas particulares de un pueblito remoto en la España rural. 

Pero hasta cierto punto, el pez grande (la disquera transnacional) no siempre devora al pez pequeño...

Cuando un mercado es interesante para el pez grande, distribuir, producir y tener un espacio en el anaquel de discos para un artista campirano sale mucho más caro. Las ventas por volumen son las prioritarias para este segmento de la industria. La disquera independiente sale al rescate por estos artistas y los mantiene en desarrollo por algunos años.

Las disqueras no miran tu talento... 

Cuando una disquera firma a un grupo, no visualiza principalmente su arte o talento... no es que sea nuevo o genial... su campo de acción tiene que ver  con la venta masiva de discos... Pero tampoco le es conveniente crear un ejército de seguidores invirtiendo en publicidad... Algunos artistas de plastilina que todos odian, llevan años cultivando lo que la disquera en realidad compra a un artista... sus seguidores.

Belinda por ejemplo, tiene una audiencia creciente desde que inició su carrera como "actriz"... el número de niñitas que la siguió a través de las telenovelas dependía de que sus papás le compraran su disco. Ahora más crecidita (aparte de la cirugía), Belinda proyecta no solo al mercado de entre 18 y 20 años.. sino que sigue impactando en las niñas más pequeñas.

Esto es más rentable para una disquera que tomar una banda que nadie conoce, que tiene mucho talento pero que a sus presentaciones acuden siempre los mismos 50 amigos... o que cuando lanzan un disco llegan siempre los 20 fans familiares que los conocen de años... Una disquera debe distribuir entre 25 y 50 mil copias para notar una ganancia sustentable... Sin audiencia no hay negocio... mucho menos crearla a partir de un artista nuevo.

Quieres vender discos o ser famoso...

El ego del artista es tan inmenso como el lo quiera. Cuando entra a este negocio debe dejarlo en la entrada de la disquera porque en ese momento y en base a lo que fué firmado, debe cumplir con lo pactado en el contrato.  Ser reconocido por una disquera no significa que infle tu ego para hacerte estrella, significa que va a exprimir hasta el último centavo a tus seguidores porque es comercialmente viable y resulta ventajoso.  Ser famoso por vender discos no es tan satisfactorio para el artista como ser reconocido por la obra. Tenemos muchos casos de los que se abandonan físicamente porque estàn en huelga con sus cuerpos para autoflagelarse de las situaciones que no tomaron en cuenta.  Si quieres seguir haciéndolo por tu cuenta, conseguirás un mejor margen de trabajo y libertad.

Trent Reznor oficializaba su posición anti disquera durante los últimos álbumes de NIN. Pero ahora regresa a Columbia. La audiencia de Nine Inch Nails es importante porque todavía hacen giras con gente importante. Sin embargo, en la cuestión de ventas no fué lo mismo. Y es que un grupo como este tiene que tener un soporte grande que pocas disqueras independientes apenas alcanzan a lograr.

Conclusión

Muchos dirán que el capitalismo triunfó sobre Reznor y así fué desde el punto de vista comercial. Sin embargo consiguió mantener su independencia creativa, dejando la venta de discos y promoción a quien puede hacerlo mejor que el.

 Tal vez pierda algunos seguidores por esto, pero no afectará significativamente su ingreso y mercado de riesgo.

Efectivamente las disqueras son un mal necesario a ciertos niveles.. pero si prefieres ser un artista independiente, entonces las masas no son para tí. Produce creativamente y justo lo que necesitas.

Tal vez después de todo, no necesites un disco de oro por millones de copias vendidas.

Nos vemos el lunes y mañana no olviden que se estrena el sitio de Ad Libitum. www.adlibitumestudio.com

Feliz fin de semana.

Rafael Mendoza

Productor de Ad Libitum Estudio

blog@adlibitumestudio.com

 

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