10 errores comunes al registrar temas musicales

En estos tiempos donde los registros son vitales para asegurar la Propiedad Intelectual, existen errores comunes y omisiones varias al llenarlos.
Ayer me pidieron ayudar a generar un registro ante Indautor y me dió la idea para escribir este artículo.

Aquí los 7 errores más comunes al registrar ante Indautor.

1.- Nombres correctos: Hay gente que en su vida ha visto su acta de nacimiento y descubre tiempo después con horror que su apellido va junto y con zeta. Suena ilógico, pero sigue siendo uno de los problemas más comunes en el registro.

2.- Información de contacto correcta: Ha sucedido que Indautor manda una carta de requerimiento para ingresar el registro por una falla y nunca llega a su destino porque el número de la calle no existe, le falta el interior o está mal el código postal. Ahora se notifica por email, pero es el mismo problema. Teléfonos que consideren de contacto seguro, sobre todo si cambias de celular como de camisa.

3.- Registrar todos los autores: Siempre existe una omisión por parte de quien registra. Tener los nombres completos y porcentajes de autoría exactos. La mejor manera de realizar este porcentaje es el común acuerdo y se sugiere hacerlo real. Si existe una comunión de grupo, poner el 33.33% entre 3 personas puede funcionar. Pero eviten asignar porcentaje de más por ser hermano, tío, sobrino, novia etc.

4.- Especificar los títulos en el orden correcto: A veces el tema se llama "Siete destinos" y se registra como "Los Siete Destinos".  Revisar la letra y preguntarle a quien la escribió permitirá problemas de interpretación.

5.- Registro como obra general, derivada o individual: Si registras una obra general, recuerda que si tienes 10 temas, eso se considera obra general. Si alguien usa un tema, te pagará proporcionalmente regalías a tu obra general. Es decir, en el ejemplo, te pagará sólo el 10% de regalías porque una canción es la décima parte de tu obra original. Las ventajas de registrar los temas individualmente son muchas. De ser posible, no escatimes por economía

6.- Asegurarse de marcar la parte sampleada: Si usaste un loop, tu tema es una obra derivada y debes reconocer el porcentaje que consideres apropiado para el reconocimiento de la obra original. Es mejor ceder un poco de porcentaje a recibir una demanda mayor por decir que el "waka waka" es totalmente idea tuya..

7.- Nombres sencillos de registrar: Parece mentira que haya gente que desea registrar un tema llamado "La inmortal tristeza de Julia convertida en rosa del infinito: Historia de una mentira verdadera". Analiza tu letra y encuentra el elemento clave para definirla.

8.- Firma autógrafa original: Parece mentira, pero algunas veces he visto registros hechos con el ¡autógrafo del artista!... Tu firma del INE es necesaria. Si no tienes una firma única, tu huella digital es legalmente más poderosa que tu mismo puño y letra.

9.- Formato de entrega de evidencia: Un CD es accesible para todo mundo. Si no tienes forma de crearlo, ve a un café internet y pide que te ayuden a quemarlo. Algunos demos o temas se siguen grabando con Karaoke o secuenciadores MIDI. Antes de llevarlo, escucha el disco, asegúrate de que se reproduzca adecuadamente en un estéreo, una laptop y no descartes la idea de llevarla contigo en una USB.

10.- Fotocopiar el acta de recepción: Inmediatamente que obtengas el comprobante de registro, fotocópialo y dale uno a cada autor presente. Saca un par más para tu soporte y entrega 2 más a personas de confianza. ¿Excesivo? .. Sí... Pero si supieras cuanta gente ignora los folios de sus registros o los pierde en una situación extrema, no dudarías en hacerlo

Conclusión

Asegurar la Propiedad Intelectual en nuestros tiempos, colabora al desarrollo de una nueva corriente creativa y sobre todo la cultura de la protección a las ideas.
Tampoco se trata de ponernos paranoicos si de Derechos se trata. Lo mejor es escribir en una hoja todos los campos antes de llenarla y compartir las opiniones antes de hacer el registro final, sobre todo si lo hiciste en colaboración de otras personas.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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5 razones para fallar como artista independiente..

Muchas de las razones por las que se falla como artista independiente, tienen diferentes implicaciones.
En México, pocos músicos o artistas consiguen establecerse como una opción viable para disqueras o empresarios simplemente porque tienen ensamblado un plan de trabajo.

Muchas veces se quejan de que artistas como Belinda, Jenny Rivera o La Banda Limón posean mejor éxito que muchas bandas que llevan 15 años en el espectáculo y tal vez con mejores letras, música o performance.

Si tienen todo para triunfar (aparentemente), entonces... ¿porqué fallan como artistas independientes?.

Aquí 5 razones para tomar en cuenta. Estas razones aplican a cualquier proyecto en Audio Producción, sustituyendo los elementos clave.

1.- Falta de estudio del mercado musical: Un artista es un proveedor de servicios. Nada se le regala y todo lo compra. Su guitarra, su batería, su teclado. Todo esto tiene un costo que se debe ver reflejado en su trabajo. Pero la gran mayoría de los artistas que inician y muchos otros que están viviendo de los eventos versátiles, caen en su zona de comfort, no deseando saber sobre el mercado de la música.

No necesitas ser erudito para comprender porqué el mercado digital se ha levantado los últimos años. Pero hacer a un lado esta información es como mantenerse ciego en un juego donde muchos corren y puedes salir atropellado.

2.- No tomarse en serio la etapa creativa (escribir y componer): Muchos artistas piensan que sus temas no necesitan tanto relajo como un tema de Arjona para ser buenos. Pero aunque no lo quieran creer, Arjona y sus compositores deben tomar en cuenta muchos elementos para poder mantener un criterio de continuidad. Puedes escribir siempre de tu depresión, tu amor prohibido o hasta del color del cielo rosa. Pero de nada sirve si repites el mismo patrón y la misma temática. No habrá elementos para diferenciar.

3.- No tener originalidad y creatividad: Muchas bandas pasan horas enteras tratando de ser Metallica, Bruno Mars o Cristina Aguilera. Eso no sucederá nunca por muchas cuestiones. Cuando leo un anuncio en las tiendas de música como "Busco guitarrista con influencias de (escriba aquí las bandas necesarias) y que quiera hacer música como (escriba otro tanto), lo único que me dice ese proyecto es que está basado en realizar imitadores. Es como ver a los imitadores de Tatiana o Spiderman en una fiesta infantil. Una cosa es que tus influencias te empujen a hacer un grupo y otra que no seas capaz de sacar tus propias uñas para defenderte.

4.- No tener suficiente experiencia en vivo: Pasar horas aprendiéndote el solo de Creeping Death no asegura que alguien vaya a apreciarlo en vivo. Querer cantar como Withney Houston teniendo la voz de Paquita la Del Barrio tampoco es una opción. La imitación colabora mucho en este sentido porque te limita a espacios muy específicos como concursos o plazas donde todos te van a aplaudir nada más por estar participando. Consolidarse como artista implica exponerte no sólo a tu público sino a otros públicos muy diversos.

5.- Falta de profesionalismo: El más crítico de todos. Profesionalismo es tomar clases de tu instrumento, aprender música, renovarte en nuevas tecnologías, estar dado de alta en Hacienda, tener un contrato bien elaborado, planear tus salidas adecuadamente, negociar como profesional, tener una actitud laboral comprometida con tus tiempos y requerimientos, conocer tus límites y tus alcances. No es sólo vestirte como X o Y  para dar el gatazo. Conozco infinidad de artistas que hasta ponen en peligro sus vidas por seguir su "sueño". Es muy bonito y romántico haciéndola en bola.  No necesitas tocar en un Vive Latino para ser un profesional.

Conclusión

Trabajar con artistas no es sencillo, más cuando viven encerrados en la idea de que su material les hará hacer cosas superiores nada más con parecerse a otros artistas. Es como cuando inicias una mentira y después habrá que mentir mucho más para cubrir la primera. Evítate problemas, no dudo que seas el próximo Bruno Mars mexicano. Pero tu preparación llevará años aunque quieras hacerlo "fuera del estándar". Llegar no es problema, sino sostenerse.

Rafael Mendoza produce con enfoque de permanencia en Ad Libitum

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El Productor: Equilibrio indispensable en audio producción

En pre-producción todos los elementos creativos, técnicos y requerimientos son presentados. Hacemos una lista de todo aquello que será indispensable para cumplir la meta, cronometramos los tiempos, hacemos agendas, hablamos y contratamos a la gente, pero nunca tomamos en cuenta el ego artístico generalizado del proyecto.

Las áreas en producción de medios, requieren de atención y enfoque a detalles comunes que pueden salirse de control, simplemente porque hay una delgada línea entre lo posible, lo imposible, lo tolerable y lo intolerable.

El "profesionalismo" a veces desconoce aquellos límites y disfraza acciones o actitudes en favor de presionar o limitar el desarrollo en la producción.

El productor, es el profesional encargado de equilibrar el karma, los presupuestos y los tiempos.

Recursos humanos ante todo

Si bien es cierto que no se puede ser monedita de oro para caerle bien a todos, como productores si debemos anticiparnos a las circunstancias que pueden darse durante la producción, pues es la etapa más crítica del desarrollo en los proyectos.

Conozcamos o no a las personas involucradas en los proyectos, debemos referirnos a trabajos anteriores y preguntar de primera mano situaciones que pueden salirse de control.

Un productor puede ajustar los tiempos y planear con calma si el baterista se cae al pasear a su chihuahua y que no pueda tocar 1 o 2 semanas, pero no puedes prevenir el rompimiento creativo simplemente porque entre al cantante no le gustó la playera floreada que trae puesta el guitarrista líder ese día.

Muchos grupos, cantantes, locutores y artistas en audio producción, no delimitan adecuadamente sus criterios profesionales por encima de sus emociones personales.

Se dice comúnmente que las emociones son plasmadas en los proyectos y que para ello el artista debe utilizar sus emociones como motivación.Coincido totalmente con ello, pero una cosa es motivarse y otra muy diferente descargarse sobre el proyecto.

El productor como impulsor creativo

Anteriormente los proyectos conceptuales tenían un mayor margen de arrancar en partes o cancelarse porque a industria estaba más estable. Por ejemplo, una disquera tenía varios artistas entre los que se podía compartir la responsabilidad de un intento fallido sin problemas.

Actualmente producir un proyecto tiene un riesgo mucho más alto porque depende de la distribución digital, compra directa, originalidad creativa y volumen de producción. Los errores deben ser mínimos.

Esto nos indica que producir algo que no se va a lanzar no es negocio desde cualquier perspectiva y mucho menos si queda a la mitad de algo importante, simplemente porque el baterista quería usar su nuevo kit electrónico para darle profundidad al disco country que ha estado ensayando.

Hay proyectos que permiten materializar todas las sugerencias y por el contrario existen muchas otras donde por el concepto más vale mantenerlas al margen.

La asistencia de un productor es fundamental para equilibrar estas batallas creativas donde pisotear al perdedor de forma aplastante, sólo sumará rencores que pueden estallar en el momento o días después del lanzamiento.

Luchando con las "diferencias creativas"

El productor si bien tiene que trabajar a veces como psicólogo y mediador, debe ante todo evitar los roces y conflictos pues tiene un panorama general de cada individuo dentro del proyecto.
También debe fomentar la creatividad, más que "picar" al artista para que saque lo mejor de él, sin dañar el panorama personal y emocional.

Debe ser duro pero no gritón, sino honesto para que los involucrados conozcan sus limitantes y las superen con sus capacidades. Podrá manejarlo pues antes de tomar el proyecto se ha preocupado por visualizar los posibles problemas a nivel artístico, creativo, psicológico, emocional y técnico de un proyecto.

Dejar en manos de un grupo su destino sin mediar el ego, va a provocar como consecuencia un "rencor creativo". Cuando llegue el momento de externarlo, siempre tendemos a no escuchar un argumento adecuadamente y muchas veces se confunde con crítica en mal sentido.

Una diferencia creativa es salvable cuando la convivencia y compromiso en una banda es compartida. Se deben escuchar todas las ideas pero se debe jerarquizar y dar prioridad aquellas que están más cerca de conformar un proyecto. Si nuestra meta es hacer un licuado de plátano y la disquera nos pide hacer una versión más original, tal vez podamos poner un poco de canela para acompañar, pero no significa que cambiemos la fruta totalmente.

Conclusión

El productor es fundamental en estas etapas y es quien previamente tendrá internamente un perfil (no opinión personal) sobre las personas involucradas. No pedirá algo a alguien que no pueda hacer ni hará competir a los miembros del equipo entre ellos para obtener un resultado adecuado. Los productores han cambiado con el tiempo y se han convertido en verdaderos directores de una orquesta donde no sólo se ejecutan instrumentos, sino se transforma y aterriza una idea creativa en algo palpable para compartir.

Siempre trata en lo posible, de contar con un buen productor. Sobre todo si las vibras son muy diversas durante la planeación del proyecto. Tu producto lo va a agradecer y redituar .

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum Estudio

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