Muestra de Microcursos2018 "Edición correctiva en audio digital".. ¡No te lo pierdas!

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Iniciamos la próxima semana! 

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10 tips para actualizar arreglos del pasado...

En estos días he estado muy activo trabajando material de bandas y que han decidido finalizar el producto y regrabar algunos temas.

En algunos de ellos, el tiempo ya ha dictado nuevas técnicas y sonidos que se consideraban demasiado pesados o fuera de lugar para el género.

Tomando en cuenta estos detalles, es importante reconocer que partes son necesarias para el tema y cuales no.

Así que comparto con ustedes 10 tips a tomar en cuenta, que me han ayudado a resolver problemas en estos proyectos.

1.- El tema tiene futuro: Antes de hacer mil y un movimientos, es importante ser honestos con el trabajo realizado y preguntarse si vale la pena reescribirlo. Esto puede ahorrarnos muchas horas de creatividad y post producción. Un ejemplo podría ser la versión "parchada" de la Negra Tomasa de Caifanes. 

2.- Han cambiado de instrumentistas: Las bandas son entes vivos que cambian con las necesidades del grupo. La madurez entre los integrantes, las metas personales y cambios de domicilio, obligan a los músicos a cambiar de instrumentistas. Es importante revisar quien se ha integrado y que posibilidades técnicas y musicales puede aportar al arreglo. La nostalgia es bonita, pero hay partes que deberán regrabarse totalmente, beneficiando al arreglo musical.

3.- Revisar la altura tonal de los acordes: Es común que varios instrumentos se encuentren en la misma zona tonal creando conflictos. Revisar los acordes y probar nuevas variaciones ayudan a refrescar la calidad sonora del arreglo. ¡Los ingenieros adoramos estos cambios!

4.- Existen dinámicas en los instrumentos: En géneros como el rock, es común utilizar una sola línea de intensidad. A veces sucede que la banda quiere retratar cierto estilo proveniente de discos con muy alta compresión durante la masterización (Loudness War). Pero las dinámicas bien distribuídas entre el arreglo ayudan a mejorar la sensibilidad y empatía del arreglo con el escucha.

5.- Afinación de los instrumentos: Es importante revisar que la voz está en la parte adecuada y cantando entre los acordes sin disonancias. Los efectos de sonido pueden agregar distorsión armónica con los efectos aplicados al bajo. El sonido de los sintetizadores podría estar revelando afinación deficiente en los instrumentos de cuerda. Es momento de checar y hacer anotaciones al respecto

6.- Respeto en la duración de las notas: Ocurre que el guitarrista está tocando corcheas con palm mute ligadas y ensucia al bajo o viceversa. La batería podría sonar mejor si el control del ride o contratiempo abierto está bien definido. Son detalles que hacen una gran diferencia.

7.- Base rítmica con buena cimentación: Es muy común que el baterista y bajista toquen con variaciones de tiempo. No es tan malo si los tiempos fuertes y el groove encajan. En vivo es menos notorio, pero en estudio es crítico. A trabajar ambos por separado y juntos con metrónomo para conseguir eso. Bateristas, ¡checar que el remate del platillo sea justo con el bombo!

8.- Tempo real de la canción: En pre-producción encontramos detalles del tempo, principalmente cuando son lentos. Los fans prefieren tempos lentos para disfrutar. Los que desconocen a la banda encuentran más atractivos los tempos rápidos. A tempos muy lentos, el arreglo debe nutrirse un poco más para disfrutar el detalle. A tempos más rápidos, es mejor centrarse en la dinámica del tema. La decisión es conjunta, pero sugiero subir el tempo entre 2 y 5 bpms si existe la duda de acelerar el tema y probar. 

9.- Revisar el rango de los cantantes: Aquí vamos de nuevo. Si cambiamos de voz, será mejor cambiar la tonalidad para que el vocalista principal fluya mejor en el arreglo. La voz secundaria siempre debe trabajar en las dinámicas. Al igual que bajo y batería, el ensayo conjunto entre voz principal y secundarias debe ser crítico. Respetar la duración de nota en el arreglo también es importante.

10.- Revisar la estructura del tema: ¿Necesitamos doble vuelta antes del verso?, ¿se entiende el cambio de compás?, ¿construimos una frase más directa para el pre-coro? Estas son algunas de las preguntas que se deben tomar en cuenta. Es común extender los temas cuando nos agrada el groove, pero la audiencia puede cansarse rápidamente. Checar las vueltas innecesarias.

Conclusión

Actualizar un arreglo del pasado para darle nueva vida no significa que debas modificarlo al 100 %. Si esa es tu meta, tal vez venga bien hacerlo en compañía de otros músicos, inclusive realizando cross overs con distintos géneros. La ayuda de un productor en este tipo de desiciones te ayudará a comprender mejor los estándares de la industria y tu decides si te acercas o alejas de esa percepción.

Yo estoy disfrutando mucho abriendo de nuevo sesiones de hace 10 años y me sorprende el nivel de trabajo realizado contra mis conocimientos actuales. Siempre es enriquecedor  volver atrás a descubrir viejos trucos o técnicas utilizadas para resolver detalles en la producción.

Disfruta mucho la etapa de actualizar tus arreglos, porque por salud propia te recomiendo no intentarlo más de una vez. Pronto compartiré algo de este trabajo con ustedes y será muy importante tener sus comentarios.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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Política mexicana: ¿Porqué nos debe interesar en audio producción?

Se acabó el proceso electoral 2015 y quedan muchos tópicos que abordar en audio producción. no solo porque debemos de crear una cultura anticipada a las propuestas de los candidatos.

Para la mayoría que integramos la industria de forma amateur, profesional o como consumidores, hablar de política se evita simplemente porque no lo contemplamos como parte de nuestras actividades.

Sin embargo, al trabajar dentro de un sector económico que se debe considerar como una empresa cultural, estamos sujetos a las decisiones que los diputados, senadores, presidentes municipales toman en relación a la fuente de nuestra materia prima: la creatividad.

Sin apasionamientos partidistas, saber el entorno político de nuestro país es fundamental.

Pondré sobre la mesa tres aspectos fundamentales que considero relevantes incorporar a nuestro desarrollo profesional del día a día.

Propuestas culturales de los candidatos sin sustento de proyecto

Ningún candidato ofrece un plan real de soporte a la cultura.

No pueden tener una buena estrategia cultural si de entrada no conocemos su propuesta económica por escrito.

Las propuestas culturales de la mayoría de candidatos se centra en hacer bonitas presentaciones el día de las madres, mes patrio y navidades.

Abrir talleres de auto empleo pero ninguna que se desarrolle con un enfoque de generación de la cultura.

Como industria estamos obligados a integrarnos de esa parte, porque la creatividad es fundamental como materia prima de nuestra industria.

Apoyar a un candidato solo porque es músico o artista, tampoco es una buena idea, pues debe tener sentido de administrador y líder de un equipo de trabajo adecuado.  

Hasta ahora nunca he visto nada en ningún partido político a nivel presidencia, gubernatura, municipalidad o siquiera por colonia.

Spots publicitarios con violaciones graves a derechos de autor.

Desde hace tiempo, incorporar covers con la letra modificada para apoyar candidaturas es un hecho relevante que merece ser revisado a profundidad por parte de Indautor.

Y es que no se trata de usar solamente algo ya conocido que pueda ofender a la base de fans de un artista, sino porque limita y contribuye a ahorrar costos de producción en aras de mayor penetracion de conciencia política.

Hacen falta estudios en este sentido, porque seria muy aventurado pensar que influyen directamente en la calidad de voto en el ciudadano promedio. Por el contrario, también sería aventurado decir que no lo hace.

Indautor debería propiciar un ambiente de respeto al derecho de autor y el INE apoyar el uso adecuado de los derechos en campaña. Y propiciar desde su voz la creación de jingles políticos originales.

¿Demasiado pedir?.. En las circunstancias que el país se encuentra, posiblemente sea un sueño guajiro. Señalarlo ahora podría significar poner más atención a ello. Regularlo es fundamental, me parece, en sentido político, económico y cultural.

Usar cuentas de cantantes para promoción electoral

Pocos días antes de las elecciones, algunos cantantes como Aleks Syntek, Belinda,Gloria Trevi, Reik y Yuri,  utilizaron sus cuentas de redes sociales para apoyar las candidaturas inclusive durante el día sábado que la promoción electoral debió cesar.

Esta estrategia de marketing político utiliza un doble fondo que es sencillo de abordar y resolver.

No se puede impedir en México la libre expresión y menos sobre la intenciones voto. Pero no es lo mismo usar tu cuenta con 10 millones de usuarios para decir que eres verde, a usar tu cuenta personal.

Todos los artistas poseen una cuenta de redes sociales para el negocio y otra para su vida personal.

Si deseas apoyar a un candidato, debes hacerlo en tu cuenta de ciudadano, porque de lo contrario corres un riesgo comercial alto al vincularte con un partido político. Esta lección no es sólo para los "grandes", sino también para cualquier nivel de marketing online.

Algunos fans podrían incomodarse y hasta obtener respuestas poco favorables a mediano y largo plazo.

Desde mi percepción personal, no vale la pena el riesgo económico, artístico, de marketing o estrategia de medios involucrarte en una campaña política disfrazada.

Conclusión

Cuando nos dicen que evaluemos todas las posibilidades para elegir un candidato a cargo público, debemos insistir en que presente su propuesta fundamentada en un plan de trabajo durante su gestión y no acompañado de un bonito paquete que incluya tarjeta de autoservicio, playera y banderín electoral.

Ni siquiera las candidaturas panistas, que deberían estar más apegadas por su origen, producen esta información para su elector.
 

Y es que ninguno de nosotros la pide, por lo cual, ninguno de ellos lo promueve.

Morena ha utilizado figuras del arte como estandarte de su propuesta cultural. Sin embargo, muchos de ellos han vivido años apoyando movimientos políticos y viviendo de becas vitalicias de Conaculta y redes culturales estatales.

Si todos somos más críticos cada vez, no dejaremos esta tarea para 2 meses antes de la elección. Recordemos que en 3 años se elige Presidente de la República, Diputaciones, Senadurías, Presidencias Municipales y Gobernaturas.

La tarea es de 3 años. Indistintamente del partido que sea, si su propuesta ha sido escuchada y bien fundamentada, vale la pena poner a prueba una estrategia cultural integral, donde tu voz se vea reflejada antes y no después de que la campaña se haya esfumado. 

Rafael Mendoza produce para Ad Libitum

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10 tips para negociar en audio producción...

Hace poco me encontré en una situación compleja de negociación. Siempre esperas un esquema fundamental para realizar un proyecto donde todo parece ideal. Tienes un cliente con altas expectativas y cuando todo parece fluir llega la etapa de costos y con ello la negociación.

Independientemente del sector en audio producción que te encuentres, existen elementos básicos para realizar una negociación directa.

Aquí los 10 tips para negociar en audio producción

1.- Obtener la MEJOR información: Tener toneladas de información no servirá de nada si no tienes habilidad para distinguir a la mejor información de la mayor información. Eso se refiere principalmente los elementosde servicio prospectados por el cliente. Tu servicio puede ser más barato o caro dependiendo de tu apertura de negocio.

2.- Preguntar hasta el cansancio: Nunca llegarás a un nivel de comprensión entre tu cliente y tú si no preguntas cada detalle importante antes de iniciar un proceso.

3.- La negociación es un hábito: No negociar constantemente te mantiene lejos de las oportunidades. Hay proyectos donde obtienes poco recurso pero a cambio un equipo adicional para probar en tus proyectos. Siempre hay opciones de negociación.

4.- Evita la palabra "entre": Los márgenes económicos son muy variables y dependen de cada detalle. La palabra entre previene al comprador de un posible descuento. Tambièn aplica para el número de horas de estudio, tiempo de mezcla y masterización. Hay clientes que siempre reclamarán el tiempo mínimo aunque en ello el proyecto se quiebre.

5.- Nunca tomes la decisión final por tu cuenta: Al negociar debes pensar que hay parámetros que podrán cambiar inesperadamente... Un clásico es la subida del dólar, que falte la luz por varios días en la zona. Siempre manéjate con la visión de que dependes de varios factores para culminar un proyecto.

6.- Negocia con enfoque sobre tu propuesta: Los clientes siempre sacarán opciones que ya tienen en mano. Presupuestos e información de otros competidores será usada para hacerte sacar conclusiones de forma acelerada. No permitas que eso suceda, mantén tu posición de negociación y pide al cliente que te de unas horas para evaluar en base a la propuesta que le parezca más atractiva de tu competencia. Tal vez nunca realices el proyecto, pero es mejor a dejar entrar al diablo a tu negocio.

7.- Nunca digas una cantidad primero: Evita a toda costa prospectar un precio que te deje fuera de la competencia. El cliente siempre busca un número para decidir de forma inmediata, pero nunca es capaz de tomar unos minutos a analizar propuestas adecuadamente. Si tu opción es viable y más costosa que el promedio ya es decisión del cliente aceptarla o cambiarla. Una cifra debe revelarse hasta el último momento cuando todas las consideraciones necesarias están sobre la mesa.

8.- Bajar el precio es tu última carta: Cuando prospectes adjunta un porcentaje que estés dispuesto a ceder sobre la propuesta. En vez de bajar el costo, ofrece más opciones. Más tiempo de mezcla, algunas horas de edición, traer a tu amigo baterista para que afine el set sin costo. Siempre puedes agregar plus a tus clientes sin bajar el costo.

9.- Negociable no es una opción: Al terminar tu propuesta no cierres con la palabra "negociable", o "podemos platicarlo". La etapa de cierre es donde se libra la batalla final. Es tu posición contra la del cliente. A mi me ha resultado mejor indicarle que estamos en un punto donde podemos ganar los dos y típicamente el cliente no sabe que está ganando aparte del proyecto. Esta es la etapa donde la negociación se humaniza sin perder el valor del proyecto.

10.- Éxito y oportunidad: Si ganas el proyecto, habla del entusiasmo que te produce, agradece la oportunidad de trabajar para ellos e inmediatamente demuestrale la importancia de su nuevo proyecto. Si lo pierdes, hablale de los posibles beneficios que obtendrán en una siguiente oportunidad y que siempre estarás abierto a escuchar sus proyectos y propuestas de negocio. La puerta siempre debe estar abierta independientemente de lo que hayas invertido en la negociación.

Conclusión

A veces negociar nos puede evitar dolores de cabeza con proyectos complicados, mal administrados, carentes de recursos, bajo preción de calendario y sobre todo con reputación personal.

Cuando negocias no pienses solo en dinero, sino en las oportunidades que representan de avance para tu empresa. Todo esfuerzo debe cobrarse porque finalmente tu negocio está ahí para resolver necesidades a tus clientes.

Aprender a negociar no es algo complicado pero si es un ejercicio diario. Negociar mejor te deja una satisfacción profunda personal y un cliente dispuesto a recomendarte.

Rafael Mendoza negocia en Ad Libitum

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8 cosas que pocos dueños de bares y clubes con música en vivo hacen por sus clientes....

Hace unos días me pidieron visitar un espacio para analizar su viabilidad para hacer música en vivo. Cualquiera pensaría que sólo se trata de poner un pequeño escenario y que agregando un equipo de sonido decente la situación está bajo control. La primer pregunta que le hice al dueño fue ¿Qué tipo de clientes quieres tener?... Su respuesta me dejó helado... "gente que pague".

De entrada ya sería difícil explicar muchas cosas necesarias para su espacio de música en vivo. Desde hace tiempo he querido abordar un tema así de espinoso y duro porque sé que no será bien recibido por todos.

Decidí escribir este post con la finalidad de aportar un elemento clave para la experiencia del cliente en un lugar en vivo. La gran mayoría de los bares culpa al músico o al ingeniero en audio de la experiencia del cliente. ¿Pero realmente el dueño sabe lo que tiene en sus manos como negocio?

1.- Espacio real: Muchos dueños de clubes tienen en mente crear pequeñas "The Cavern" en espacios apretados con poca ventilación y muchos clientes. Se limitan a vender cerveza por montones y se olvidan de lo primordial... El Cliente. Esto merece un post totalmente aparte porque tiene que ver con modelo de negocio e interpretación del nicho de mercado. En resumidas cuentas, no todos los bares consiguen esa intimidad entre el cliente, el consumo y la música en vivo. Muchos se quejan del "escenario" de 3 por 2 metros de fondo que han "pensado" para los músicos. Esto es una señal directa y concluyente de un empresario improvisado que no conoce nada sobre experiencia del cliente.

2.- Equipo barato e insuficiente: Todo va de la mano. Si no vendes un determinado número de cervezas, el negocio sufre. Se quejan del costo de mantenimiento de equipo y prefieren que la banda lleve su propio set porque se cansaron de mandar reenconar el bello par de bocinas "Mitzu" que compraron hace 3 años. Nunca se asesoran de lo que significa costo-durabilidad. No hay preocupación por tener un ingeniero base porque "hay muchos por ahí" o que la banda traiga el suyo. Mal audio es pérdida de ventas, porque el cliente no vive su experiencia realmente. Los clubes y bares basan ahora más que nunca su reputación por recomendación.

3.- Promoción insuficiente de los eventos: Cacarear el espectáculo una semana antes no sirve. No da cabida a la planeación al cliente. Si mi banda favorita está en la zona y me entero que es pasado mañana, replantear mi salida con mi novia y cancelar la comida con la suegra es imposible. Crear calendarios mensuales es fundamental para conseguir una continuidad de clientela. Siempre va a variar el número de visitantes, pero por lo menos debes buscar una meta real para fechas importantes. Planeación es la clave.

4.- Iniciar los eventos de forma temprana: Anunciar a las bandas a partir de las 8 pm y retenerlas hasta las 10 para iniciar la música en vivo, es síntoma de un negocio mal administrado y contemplado. El argumento siempre es "para que se llene". ¿Usted esperaría a que le atendieran de una muela hasta que se llene un consultorio? Si me contesta que es diferente, le aseguro que ambos cubren algo común... UNA NECESIDAD.  En un consultorio las necesidades pueden ser dolor, prevención, atención, corrección dental. En un bar puede ser diversión, convivencia, relajamiento, seguir a la banda. Le ha preguntado a sus clientes con honestidad, ¿porqué visita su bar regularmente?.  No se sorprenda si en ningún motivo aparece su negocio como la causa principal.

5.-Número excesivo de bandas: ¡Algunos bares ofrecen hasta 10 bandas en vivo en una sola noche!... Los tiempos de cambio entre bandas resultan mortales. La banda no tiene tiempo suficiente de preparar su sonido con un tiempo tan restringido. Las pausas no ayudan al consumo. La rotación se mantiene cerrada y la gente llega a escuchar bandas comprando una sola cerveza para toda la noche. ¿Le suena eso a negocio?... Dos bandas pueden hacer un mejor trabajo y conseguir una mejor fuente de consumo que 10 bandas de garage. ¿Quieres tener más días abiertos? Distribuye tus 10 mejores bandas en distintos días de la semana.

6.- Bandas vende boletos: Hasta el cansancio y agotamiento lo repetiré cuanto sea necesario: LAS BANDAS NO SIRVEN PARA VENDER BOLETOS. Su trabajo es practicar, mejorar su técnica, su música y su interpretación para ofrecer entretenimiento y su visión artística a una audiencia cautiva entre 4 paredes. Los bares que usan los boletos como medio de ingreso definitivamente no tienen claro para que tienen un negocio de este tipo. Hay mil maneras de generar ingresos en conjunto con la banda.

7.- Volumen dentro de los estándares: Para el dueño, altos volúmenes representa menos interacción entre clientes y vender más tragos. Pero de nada te sirve si siempre dependes del volumen de venta. La fatiga auditiva causa dolor de cabeza, nauseas, aturdimiento. ¡LA GENTE DEJA DE CONSUMIR PORQUE PIENSA QUE YA SE LE PASARON LAS CERVEZAS¡. Añade elementos a tu menú que permitan la permanencia de consumo. Menos sacaborrachos y más atención al cliente.

8.- Haz negocios con las bandas, no consumidores: Te parecerá barato negociar con la banda tocadas por tragos para evitar pagar efectivo. Ahora imagina a un cliente negociar contigo pagar la cuenta una parte en efectivo y la otra con varias cajas de bujías porque eso es lo que vende. ¿Ilógico? 

Asesórate para que puedas reconocer el potencial de aquellas bandas que podrían aportar algo a tu lugar. Imagínate que una banda consiga cierto éxito con el paso de los años y hablen de tí como un verdadero impulsor de su propuesta. ¿O prefieres aparecer en su libro de memorias como el hoyo de mala muerte del que tuvieron que emigrar a uno mejor donde las oportunidades se abrieron por su respaldo?... Ahí está la diferencia entre "The Cavern" y tu negocio.

Conclusión

La reputación de un lugar ahora es medible en múltiples sentidos. Los sitios web para recomendaciones son cada vez más populares y distribuíbles vía móviles. De boca en boca se van cubriendo nuevos lugares de gloria y otros van sacando a relucir sus fallas que los han condenado. 

En México está por demás decir que las fallas de un negocio a ciegas, se convierte en argumento para pagar menos a las bandas a pesar de su esfuerzo. Imagínense a un paciente decirle a su doctor que no le gustó la operación de apendicitis que le hizo porque le resultó dolorosa e incómoda. La gran pregunta sería ¿Tiene la culpa el doctor de que el paciente hubiera consumido irritantes con un mal manejo de estabilidad psicológica y personal?

Un lugar para la música en vivo es maravilloso, porque simplemente se integra de otras industrias que significan oportunidades claras de negocio. Las bandas son portavoces ante personas que pueden iniciar no sólo el consumo sino la reputación adecuada para tu negocio. 

El cliente puede comprar el disco de esta banda y visitar regularmente un bar o club donde por 6 horas no se preocupó por la cuenta. El disfrute personal estuvo a su alcance y al día siguiente recordará la experiencia posteándola en Facebook, sacando imágenes de tu bar y no sólo 20 selfies de ellos en diversas etapas de embriaguez.

No te limites a vender cervezas y alcohol como tu negocio. Piensa en la experiencia del cliente. ¿Cómo te gustaría que te trataran a tí en un bar?,¿Crees que la amabilidad y atención es costosa?
Mejores lugares significan mejores bandas, mejores negocios, mejores clientes, mejores ingresos. 

Abre tu panorama y saca a tu negocio de estos vicios. Sobre todo, piensa en que tipo de cliente quieres tener...

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Decálogo básico para comprender emocionalmente al Ing@. en Audio...

Las relaciones humanas en audio producción son indispensables para soportar la mecánica de trabajo del Ingeniero en audio.

Por glamoroso que parezca nuestro trabajo, la carga de responsabilidad, presión en tiempos de entrega, expectativas del cliente y responsabilidad personal (aderezados con un poquito de ego) pueden hacer de las relaciones sentimentales y compromiso de tiempo algo difíciles de sobrellevar para una relación en que se involucre un alguien inmerso en audio producción.

Preparé este post como un pequeño homenaje a aquellas personas que ligadas indirectamente a nuestra industria, brindan su colaboración para que nuestro nivel de tensión, frustración, enojo y angustia se desvanezcan con una sonrisa.

1.- Buscar Tiempo de calidad :Los esquemas de trabajo son a veces demasiado apretados. No queda tiempo ni para comer el lunch y acabamos totalmente rendidos mentalmente. Eso si, cuando hay tiempo de descanso siempre podremos sacar un poco de energía para una llamada, un mensaje y hasta una película de madrugada. Calidad y no cantidad.

2.- Tener mente abierta para la crítica musical: Puede tratarse de la canción más profunda y emocionalmente mas llegadora.... Pero no te compliques si tu amado Ingenier@ empieza a criticarla... Esta en sus venas, en sus cables, en sus neuronas. No es reprogramable.

3.- Entender su independencia laboral: En la realidad económica, el Ingeniero en audio depende de la independencia laboral. Contados son los que basan su trabajo administrativamente hablando. Las previsiones económicas son dependientes de la negociación y oferta de servicios. Huímos de los escritorios por ser asesinos de la creatividad. Clave para una relación de pareja.

4.- Aceptar su extenuantes horarios: Actualmente pocos ingenieros mantienen un horario laboral estable. Debido a que tenemos una industria dependiente de la creatividad, los tiempos son muy variables para laborar. Habrá fines de semana perdidos y días festivos en algunas ocasiones estará terminando una mezcla con ajustes de último momento. Largas horas de mezcla y post producción. Claro que se puede evitar con políticas de servicio, pero a veces es imposible evitar una emergencia.

5.- Reconocer y aceptar su exposición constante a la admiración del sexo opuesto (o el mismo según el caso): es inevitable que en los procesos creativos la empatía e identidad formen vínculos instantáneos entre clientes y productores, ingenieros, músicos, locutores, etc. No me mal entiendan, pero es indispensable muchas veces para desarrollar proyectos de forma más consistente y continua. Los límites de una relación son responsabilidad de cada pareja, pero este elemento siempre esta presente y es un elemento indisoluble  en audio producción

6.- Tomar sana distancia en momentos de crisis : Bajo la presión de un proyecto, una observación fuera de lugar se puede convertir en el punto que haga estallar la bomba. La distancia y comprensión son fundamentales en estos estados de Jeckyll y Hide que presentamos a veces. Den algunos minutos para recomponer nuestra cordura y darnos cuenta de que debimos cambiar el cable desde hace 5 años para que no nos diera lata en este momento de presión.

7.- Utilizar la diplomacia para hablar sobre su trabajo: Todos los involucrados en audio producción sabemos que la mayoría de las veces nuestras personas mas queridas no saben de que se trata nuestro trabajo. Sin embargo y por algún gen raro que no hemos descubierto, siempre les preguntamos su opinión sobre ello. Si esto ocurre, dale una opinión sincera pero no destruyas del todo su visión. Nosotros nos damos bien cuenta cuando alguien abre esa herida de la auto compasión y se toca el corazón para no destrozar nuestro trabajo.... ¡y lo valoramos!

8.- Modificar tu régimen alimenticio: Cada vez mas ingenier@s cuidan su régimen de alimentos. Sin embargo no te extrañes si quiere tacos de huitlacoche con salsa inglesa a las 9 de la noche justo cuando ya van a cerrar o pida una pizza extra queso a las 10 am. Tampoco te molestes si te invita a comer y el termina en 15 minutos o menos su plato. Eso si, come cuanto puedas en ese período de tiempo...

9.- Darle espacio y tiempo para mirar electrónicos con detalle: Somos fans del shopping electrónico, caminaremos 20 cuadras y visitaremos cientos de locales preguntando precios de equipo que nunca vamos a comprar. Miraremos babeantes por vitrinas y catálogos en línea. Verificaremos con lupa cada detalle técnico provisto por el fabricante y aún así buscaremos en la Deep Web el borrador del prototipo en papel para asegurarnos que el transistor de .078 volts haya sido contemplado en el diseño original desde el principio. Vigilaremos cada centímetro que recorra la mensajería y hasta avisamos de baches en la zona para que eviten golpear a nuestros juguetes. ¿Excesivo?.... Si, pero nadie nos entiende.

10.- Aprender un nuevo vocabulario : Es en serio, un nuevo idioma invadirá tu mente y nuevos conceptos de cosas impronunciables. ¿Metadata, FireWire, thunderbolt, multitrack?, personas desconocidas (¿quién es Daisy?) y conceptualización infantil de nuestro ambiente (mi consolita por ejemplo). Te darás cuenta que nuevos miembros de la familia entran y salen con un apodo cariñoso. Y por favor, no se molesten cuando digamos " mi bebé, mis chamacos, mi nena preciosa".. Nos referimos a nuestros proyectos, ecualizadores, micrófonos, instrumentos y fiel computadora de trabajo (Plankton de Bob Esponja es una buena referencia).

Conclusión

Espero haber cubierto lo básico y aligerar un poco la carga de algunos colegas para describirse de mejor forma ante sus parejas, prospectos, novias y familia también. 

No es tarea fácil leer estos puntos y pensar que se sale de toda proporción de una relación tradicional. Creo que hablo por todos cuando digo que ha pesar de todas estas referencias, siempre volvemos a buscar a nuestros seres queridos y nos volcamos por entero en cultivar los lazos emocionales, familiares y de solidaridad.

Quiero dedicar este post a mi familia, mi esposa y mis hijas por aceptar este modelo de locura en su estructura y también a todos aquellos que acogen a un miembro de esta raza tan extraterrestre como lo es el Ingeniero en audio...

Rafael Mendoza es ingeniero en audio en Ad Libitum

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10 ejemplos de producción donde "algo" falló...

Viernes de relajación como anticipo a los videos de Friedemman Tischmeyer en nuestro canal de Youtube. Iniciando habrá que estudiar así que elegimos un tema para disfrutar.

Para algunos estos temas son ejemplos reales de malas producciones, decisiones, instrumentaciones y singularidades. Para mí simplemente fueron producidos tratando de mostrar formas fuera de lo tradicional.

Si tienes algún otro que desees compartir nos ayudarías a ensamblar un segundo post de este tipo de "fallas" de producción.

1.- Shakira - Hips Don't Lie ft. Wyclef Jean

De entrada tenemos el fusil instrumental de un popular tema de salsa en la introducción que ya se ha ventilado por todos lados. La mezcla inicia en buen nivel, todo parece ir acorde al plan... Hasta que entra la voz de Shakira unos cuantos decibeles por encima de lo normal... ¿Narcisismo?... Sólo el secreto profesional lo dirá en algún momento. 

2.- Rolling Stones - Exile on Main Street

Un disco accidentado de principio a fin... Su historia es hilarante en todo sentido. Los Rolling Stones exiliados por el fisco inglés fueron a parar a una casa en Villa Nellcote, Francia. Un disco rodeado de problemas legales, mala organización y calidad de producción. Aún así, ha conseguido tener su lugar como uno de los mejores discos de la banda. Todos los tracks tienen problemas de mezcla y producción. No seamos puristas...

3.- Iggy & The Stooges - Raw Power

 Otro disco lleno de bonitas historias. El tercer disco de The Stooges fue producido en un principio enteramente por Iggy quien hizo la mezcla en sistema monoaural. La disquera rechazó el acabado y solicitó a David Bowie remezclara el disco para poder publicarlo. Por falta de presupuesto el disco se mezcló en un día y en un estudio barato de California. 

En 1997, el mismo disco se remezcló finalmente en Sony Studios bajo el apoyo ejecutivo de Bruce Dickinson. El disco original se ha convertido en una versión tributo y pocos escucharon los temas mezclados originalmente por Iggy.

4.- River Deep Mountain High - Tina Turner

Phill Inspector estuvo a cargo de este trabajo que desarrolló con su característico "Wall of Sound", una técnica que implica estructurar múltiples instrumentos en diversos rangos tonales. La canción fue grabada hasta el cansancio por Tina Turner en una sesión maratónica.... El trabajo final de Tina es una de las mejores interpretaciones vocales del género... El toque mágico al background musical es lo que ocasionó diversos debates sobre el tema... Aún así, la canción fue integrada al Salón De La Fama del Grammy en 1999.

5.- Sly & The Family Stone - Family Affair

Con 7 diferentes ingenieros de grabación, un autoaislamiento y confinamiento musical por parte de Sly Stone, este disco representa una muestra de las alteraciones que puede sufrir el sonido final por regrabación y edición excesiva de tracks análogos. Su sonido es un poco fangoso y al mismo tiempo un poco desproporcionado. Sin embargo es considerado un album básico para comprender el funk.

6.- Hüsker Dü - Flip Your Wig

En este no hay mucho que decir... el primer álbum de la banda producido a conciencia ( el cuarto en orden de aparición) deja una batería un tanto "alejada" del sonido tradicional del punk... Más allá de ese detalle, es considerado el mejor álbum de la banda...

7.- The Velvet Underground & Nico - Homónimo

Grabado en abril de 1966 y producido en parte por Andy Warhol, este álbum se grabó en 4 días con un presupuesto aproximado de 3000 dólares. Se ha dicho que Warhol tomó decisiones estéticas del proyecto, sin embargo solo se ha conseguido vincular al producirlo financieramente.

El sonido fue concebido por John Cale como una obra acompañante de los performance de Warhol. Sin embargo se frustró mucho con la calidad experimental de la banda. Escuchamos violas usando cuerdas de guitarra y mandolina. 

La influencia de John Cage se hace presente en otros instrumentos. El álbum fue poco conocido y cayó rápidamente en el olvido. Hoy es considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos bajo el concepto de "Classical Alternative".

8.- Kiss - Hotter Than Hell

Seis meses después de su álbum debut Kiss tenía que demostrar que podía hacer algo más por Casablanca. Una tormentosa grabación. El día uno a Paul Stanley le habían robado su guitarra, Ace se reponía de un accidente en carretera y el personal técnico no era lo mejor que se podía conseguir. 

Quisieron captar su sonido en vivo pero desafortunadamente la calidad de grabación fue malísima. Se han hecho versiones remasterizadas del disco, pero nunca un proceso de remezcla. Los fans de Kiss cuestionan la existencia de las cintas multitrack. Sólo Simmons y Stanley develarán esto en algún momento.

9.- Metallica - ...And Justice For All

Originalmente Flemming Rasmussen grabaría el proyecto pero estaba ocupado. Mike Clink, quien grabó Appetite For Destruction de Guns' N Roses grabó inicialmente los tracks demo y fue despedido por diferencias creativas. Flemming volvería a terminar el proceso de grabación de forma urgente y pidió apoyo a su asistente de grabar partes del bajo de Jason Newsted. 

De esta forma, Jason grabó notas dentro del rango de las guitarras.  El disco fue mezclado sin la colaboración de Rasmussen y a ello se debe la falta de pericia en el trato de la línea de bajo. Muchos mitos se han realizado desde entonces sobre este detalle, sin embargo Rasmussen se ha acercado varias veces a la banda pidiendo mezclarlo como el hubiera deseado. Ni Ulrich o Hetfield se han pronunciado en este sentido. Así tenemos uno de los mejores discos de metal mezclado de forma muy "original".

10.- Let it Be - The Beatles

Las cosas no andaban bien entre ellos de un tiempo atrás. Sugerir realizar un documental sobre la grabación de este álbum, sólo acrecentó los desacuerdos. Más allá de la "intervención" de Yoko en el movimiento de The Beatles, este álbum se lanzaría en julio de 1969 bajo el nombre de "Get Back".

A nadie le gustaron las mezclas realizadas y se pospuso hasta que en marzo de 1970, Phil Spector (otravez), realizó las mezclas finales. El disco originalmente sería o totalmente en vivo o totalmente en estudio y terminó siendo una mezcla de ambas versiones. Cortes, overdubs y degradación de generaciones en cinta afectaron el sonido general para la mezcla.

McCartney estaba particularmente ofendido y enojado con el trabajo hecho en The Long And Winding Road" que era una pieza escrita solamente para piano. Spector agregó coros, orquesta y nada de esto gustó al autor.

En algún momento, Lennon defendió a Spector diciendo " Se le dió una enorme carga de mierda grabada con poco sentimiento e hizo algo con ello".  Sea como sea, el disco ha pasado a la historia como un legado final y su testamento musical.

Conclusión

Esta es una muestra de que las cosas pueden ir de muy bien a muy mal hasta para aquellos que consideramos ejemplos dentro de la industria.

Existen muchos ejemplos en idioma español que ya daremos a conocer. Si conoces alguno compártelo para hacer una o dos listas... El límite es la originalidad.

Rafael Mendoza escucha álbumes con "originalidad" en Ad Libitum

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Realitys de Talento: ¿Ayudan a la industria?

La moda de los realitys de talento ya lleva algunos años en nuestro país. Para la mayoría, los Realitys son fraudes bien montados y con motivaciones de control mental. 

En un principio, la motivación tanto artística como del público en general, creó una expectativa en la apertura de estos espacios.

No es nada nuevo puesto que en la radio y televisión mexicana, siempre hemos tenido estos festivales de la canción en todos los rubros. Lo diferente de estos proyectos es la fórmula franquiciataria que manejan.

Esto también es un punto de conversación a parte, así que me referiré principalmente a los de estilo importado (La Voz México, Factor X y American Idol). 

Como nuestro enfoque es audio producción, haré a un lado la crítica social y mediática para centrarnos en la parte sustancial del asunto.

La percepción es todo

Una de las cuestiones más profundas de este tipo de programas es el factor de la percepción.

Un público cautivo reacciona más emocionalmente a lo que tiene enfrente. Este es el primer factor que daña la credibilidad del certamen. 

La fórmula de pre selección y desarrollo de los candidatos parece ser más democrática y basados en un sistema de votación de 3 o 4 jueces.  Sin embargo, son los mismos jueces los que a veces son incapaces de creer sus propias decisiones.

El sistema de The Voice supone que 4 jueces elijan su equipo de competidores "a ciegas". Puede parecer de mucha sorpresa para ellos voltear y encontrar el rostro de aquellas voces que atraen. Sin embargo para la audiencia es obvio que será una respuesta estandarizada.

Cuando a un personaje le dedican pequeños segmentos en el programa sobre su vida, el día a día y saber si tuvieron que vender su computadora para comprarse un micrófono, la percepción lo cambia todo.

Talento... palabra peligrosa...

Aunque existen participantes con voces tratables, la gran mayoría no cuenta con una trayectoria integral. Entiendo que se busque extraer la piedra filosofal para obtener el oro de un participante, pero hay que definir la palabra "talento".

Ya hemos hablado anteriormente de que el talento simplifica y hace más cortos los tiempos de aprendizaje, pero no te vuelve un semidios.

La definición oficial de talento se refiere a una aptitud inteligente... es decir, facilidad para desarrollar una habilidad. Esta habilidad puede ser cantar, pero eso no significa que garantize un buen cantante.

Sin embargo, estos realitys lo manejan como un don divino.

Cuando se habla musicalmente de Mozart, Beethoven, Schubert o Chopin se les reconoce como genios de la música. 

La denominación de genio con respecto a la superioridad humana es "Capacidad mental extraordinaria para crear o inventar cosas nuevas y admirables".

Entonces lo que escuchamos de un intérprete de estos realitys es meramente una definición de aptitud inteligente que les permite desarrollarse potencialmente, mas no creativamente.

Es aquí que el debate se vuelve más encarnizado, porque para un sector, apoyar a estrellas nacientes amateurs con talento es una pérdida de tiempo y para la gente entusiasta de las historias de éxito en estos programas, la emoción es el condimento que le hace permanecer en su sillón por horas observando el televisor.

Reciclando fórmulas para monetizar

¿Ayudan los realitys a monetizar la industria?... Si y no. 

Sí porque son una forma de mantener el estatus de las grandes disqueras y el reposicionamiento de su mercado. Los temas no son nuevos porque es más económico reutilizar derechos de distribución, difusión y comercialización que crear nuevos compositores, arreglistas y músicos a quien deba pagarse por su trabajo.

La forma de comercializar las interpretaciones representan un margen muy pequeño para el participante y para el compositor, puesto que al hacer versiones compatibles se registran derechos por interpretación y arreglo musical.

Aún así, el grueso de estas ganancias va directamente al sello discográfico que tiene los derechos.

La otra ganancia es la monetización de los sistemas de votación, que va directo a la producción del programa, el pago de su regalía por franquicia y tiempo aire del producto.

En estos casos, parece que el dinero es suficiente como para hacer estos pagos y presentar una ganancia. Son fórmulas probadas fuera con la garantía de un sello. Una franquicia.

Ahora pasemos al no...

No ayuda a monetizar la industria en su parte más vulnerable y más importante... el potencial creativo.

Actualmente es posible desarrollar todo tipo de productos auditivos en cualquier parte de forma económica. Sin embargo, existe una crisis creativa que pone en riesgo la industria.

Pocos grupos actualmente se impulsan a realizar producciones más personales sin coquetear con la comercialización. El cover y la fórmula probada son una constante. 

El riesgo parece menor al grabar un éxito e insertarlo en un disco, sin embargo bloquea al artista en un sistema de regalías cada vez más extendido.

Si esto es hecho por un artista, puede no parecer ofensivo, pero puedo probar que en menos de un año grabé 17 veces "Caminos de Michoacán" con diferentes intérpretes, bandas y estilos.

No ayuda a monetizar porque colabora principalmente a incrementar el consumo de los mismos temas que se promueven en los realitys.  

Sin contar que la derrama proveniente de descargas, artículos promocionales y demás funciones del modelo 360 de la industria se queda en la franquicia que lo presenta.

Conclusión

En pocas palabras, los realitys de talento son tiendas de talento "fast food". El modelo operativo genera altas ganancias para las disqueras, la televisora y los productores. 

Poco aporta al desarrollo de nuevos espacios de trabajo, a menos que sea en el área de touring del artista. Los patrocinios son bienvenidos en muchos de ellos y es una fórmula particular de operar principalmente en México (La Costeña en La Voz México).

Los Realitys proyectan la idea que basta aprender bien un tema musical, tener facilidad para ejecutarlo (talento), exponerse a un jurado y hacer una carrera discográfica.

No es un pecado tener talento... de hecho la frase "desarrollar un talento" es totalmente contraria.

El talento es una aptitud. No se desarrolla, se pone a trabajar. Aún para los guitarristas más talentosos, les lleva décadas pulir su arte.

El Reality nos dice a la audiencia y a las generaciones actuales que es posible "comerse" años de desarrollo siempre y cuando podamos repetir con gracia los azotes de La Trevi.

Ambas perspectivas son válidas y obedecen a una meta. Generar ingresos. Los Realitys hacen eso.

Ahora depende de usted decidir de que lado estar.

Rafael Mendoza ha visto Realitys antes de producir

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Patrocinios: ¿Cómo obtener uno?

El sueño dorado del músico, ingeniero o atleta: Un patrocinio.

En el artículo pasado explicamos a grandes rasgos lo que representa un patrocinio y la realidad de los mismos en el país y una gran parte del mundo.

Hoy veremos las 5 razones principales de evaluación para un patrocinio.

1.- Alcance de personas: ¿Cuantas personas tienes de fans?, ¿son constantes?, ¿visitan tus redes e interactúan más allá de un par de comentarios?. Una base de fans se construye con esfuerzo y constancia. Los fans saben que quieren saber de tí y esperan que se los digas. De otra forma se alejan de tus redes instantáneamente.

2.- Espacio de regionalización: Tu base de fans es local, municipal, estatal, nacional. Entre más alcance tengas eres mejor elegible. También interviene el tipo de género al que te integres. ¿Son estos fans capaces de adquirir el artículo de un patrocinador?. Realiza encuestas a tus fans.

3.- ¿Utilizas la marca desde hace tiempo?: Un patrocinador te pedirá demuestres que utilizas su marca y que la conoces bien. Que puedes referirla como una base de desarrollo personal y la forma en que interactúas con ella. Los mejores patrocinios llegan con el uso creativo del producto. Se trata de utilizar creativamente un producto como parte de tu sonido. Tampoco esperes obtener un kit de micrófonos gratis cuando utilizas una serie comúnmente en los instrumentos señalados por el fabricante. Si eres músico, debes tener elementos sólidos que te hayan llevado a integrar un estilo único en base a un producto. 3 años es lo mínimo que podría considerar un patrocinador.

4.- ¿Porqué deberían patrocinarte?: La pregunta del millón tiene miles de respuestas, pero finalmente se trata de explicar si estás conciente del alcance de tu poder de patrocinio. Normalmente se utiliza argumentación de lo que podría ser o ayudarte un patrocinio. Sin embago, el patrocinador espera que le digas que has hecho sin patrocinio y cómo te sientes identificado con la marca. Razones directas y concisas de porqué prefieres su producto y cómo reflejas ese uso en tu persona.

5.- ¿Quien te patrocinaría?: Una pregunta común es si podría patrocinarte alguien más aparte de la marca que estás buscando. La mayoría de las marcas firman convenios de exclusividad y pocas veces usan alianzas estratégicas con otras marcas. Cuando un ingeniero anuncia una consola Yamaha, normalmente se centrará en los productos Yamaha como opciones de soporte. Hablará de opciones en micrófonos y aparatos que Yamaha no produzca, sin embargo, no podrá mencionar otra consola o marcas de consolas contrarias.

Conclusión

Si tienes un gran nombre o estás trabajando con grandes nombres, un patrocinio llegará sin pedirlo. De hecho, el esfuerzo para conseguirlo a veces vale la pena y otras tantas no, simplemente porque puedes estar lidiando con marcas que buscan un posicionamiento más específico de su producto. Algunos patrocinados se quejan que los invitan a pocos eventos, pero están ahí porque la marca que los patrocina los considera solamente para cierto tipo de mercado.

Lo ideal es centrarte en el desarrollo de tu trabajo y dejar que el patrocinador se encuentre un día con algo que hayas hecho, se cuestione si tienes una base de gente que te siga y entonces dará el siguiente paso.

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Patrocinios de marca: Los mitos más comunes...

Si, es toda una aventura. Te levantas y vas a tocar a los mejores escenarios posibles. Puedes tomar aviones y dar entrevistas. Atiendes temprano a tu club de fans vía Twitter y Facebook, llegas al escenario y enciendes todo el reluciente equipo que has obtenido gratis por parte de tu patrocinador.

Sólo hay un pequeño detalle en esta historia... el equipo gratis es una mentira.

Se supone que mucha gente visualiza el patrocinio (endorsment en inglés) como un acuerdo entre dos partes que se ayudan simbióticamente y precisamente se trata de ello. Sin embargo, no significa que sea gratis para una de estas partes.

Entonces ¿qué es un patrocinio?

Es un acuerdo comercial en el que una empresa o marca, utiliza la imagen y nombre de una persona con fines promocionales. La clave para entenderlo es la palabra "utiliza", porque se trata de una opción entre muchas para promocionar. Es decir, el artista o deportista, autoriza a la marca o empresa para incorporarlo a su campaña de publicidad y formas de marketing a cambio de una retribución.

Aunque los patrocinios implican una retribución, no existe una ley que obligue a aportarlo en bienes monetarios. Una de las fallas más comunes es considerar que se puede aplicar de igual forma un patrocinio deportivo a una figura artística.

En los deportes es más común el arreglo monetario porque el mercado lo permite. Sin embargo, estos arreglos se realizan entre empresas. Por ejemplo Nike tiene un arreglo con el Barcelona, lo que implica que todos los jugadores de este equipo deben portar el logotipo en sus camisetas y respetar las políticas de patrocinio.

Las apariciones de Messi en el pan Bimbo no se considera patrocinio sino campaña de marketing. Ahí la cosa cambia. 

¿Pero que ocurre en el mercado de audio producción?

Tanto artistas, intérpretes, músicos, ingenieros y productores, trabajan bajo un esquema menos considerado. Los patrocinios en este sentido se están basando principalmente en el número de audiencia que pueden alcanzar y los beneficios que se obtienen.

Un baterista local, puede influir en una zona comercial predeterminada o consumidores de producto en un género específico. Normalmente un patrocinio se refleja en descuentos sobre ciertos productos, como playeras, cuerdas o modelos específicos de equipo e instrumentos. 

En personajes con más influencia dentro de su mercado, el patrocinio los utiliza como referencia de uso en equipamiento y testimonio de venta. Algunos cuentan con la posibilidad de hacer pruebas sobre los productos y emitir opiniones sobre su diseño, portabilidad, facilidad de uso y mejoras posibles para prototipos posteriores.

Si el artista decide quedarse con el producto, puede obtenerlo en algún periodo de tiempo para liquidarlo con un descuento aplicable sobre ese producto.

Siempre existe una relación comercial y pocas cosas son gratuitas, generalmente artículos promocionales de las campañas de marketing.

¿Que ocurre en México?

En Estados Unidos, esta figura ya está un poco más conceptualizada que en nuestro país. Sin embargo, algunas empresas ya están aplicando cada vez más sobre artistas latinos en busca de mayor identidad y acercamiento a ciertos públicos.

Uno de los principales problemas del mercado mexicano, es que mucha gente prefiere comprar artículos usados o de segunda mano para ahorrar dinero por un objeto deseado. Las consolas de videojuegos, smartphones, computadoras y los instrumentos musicales, caen en esta categoría debido a los problemas recientes en la economía.

Algunas empresas nacientes están impulsando artistas locales. Sin embargo, el patrocinio en productos de audio producción o musicales representan a nivel global un 10 a 12 % respecto al patrocinio deportivo que es más rentable para las empresas por su modelo de negocio.

Los acuerdos en México se complican porque la infraestructura de compra de artículos originales está siendo disminuida por la integración de marcas chinas. Hasta hace un tiempo, empresas como Autec y Coreelo iniciaban la lucha por los patrocinios ante el desaire de las grandes empresas. 

Sin embargo, las políticas económicas han mermado a estos nuevos intentos y en algunos casos, han decidido dejar de producir equipos mexicanos de venta masiva por la reventa de artículos de origen chino.

Conclusión

El patrocinio en audio producción, no es una industria de lo gratuito y representa un acuerdo basado en la experiencia y audiencia de exposición.

En México, la integración de patrocinios está muy reservada y es más grande para estrategia de marketing deportivo. Existen eventos de difusión y clínicas que se están realizando con mayor frecuencia en el interior de la república, pero son eventos aislados y se promueven más en las grandes expos como la Expo Sound Check. 

¿Qué busca un patrocinador?... Bueno, en el siguiente post daremos algunas bases para un acercamiento benéfico a un posible patrocinador.

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Eligiendo la interfaz adecuada... Parte 2

Retomamos el tópico de la entrada anterior. Ya conocemos las características principales para elegir una interfaz de grabación a disco duro. Ahora vamos a proyectar las variantes de interfaces de acuerdo a las necesidades de cada campo en Audio Producción.

Broadcasting (Radio, TV, Cortometrajes, Podcasting,Videoblog)

Requerimientos básicos

2 o 4 entradas de Micrófono XLR/Line

Phantom Power

1 o 2 salidas de audífono (preferentemente)

2 salidas adicionales de las principales

Compatibilidad ASIO y WMD

USB, Firewire o Thunderbolt

Extras

Salida SPDIF

MIDI In/Out

Recomendaciones: Evitar interfaces con salidas RCA, considerar controlador de edición digital, software o plugins de limpieza de tracks y audífonos.

Pre Producción Musical, Diseño de Sonido, Composición, Plataformas MIDI, DJ's Remixing.

2-4 Entradas de Micrófono XLR/LIne

Phantom Power

1-2 Salidas de Audífonos

2-4 Salidas auxiliares adicionales a Main Out

MIDI In/Out

SPDIF

Compatibilidad ASIO,WMD.

USB, Firewire o Thunderbolt

Recomendaciones: Considerar la compra de un controlador MIDI, evitar salidas RCA .

Producción Musical en Vivo y Estudio

8 -32 Entradas de Micrófono XLR/Line

Phantom Power

Pad Atenuador

2 salidas de Audífonos

4-8 Salidas adicionales a Main Out

Midi In/Out

SPDIF

ADAT In/Out

Word Clock

Conectividad (MADI o S/MUX)

Firewire o Thunderbolt (USB limitado a 16 tracks)

Recomendaciones: 

Adquirir 2 interfaces de la misma marca o verificar reviews de compatibilidad entre distintos modelos.

Si existen 2 interfaces distintas, considerar a la más reciente como unidad maestra.

Considerar la compra de un controlador digital de mezcla.

Conclusión

Muchas veces compramos interfases más caras con entradas adicionales "por si se ofrece" en el futuro. Esto de planear crecer es buena opción, sin embargo hay que considerar la compra del equipo para una duración aproximada de 3 a 5 años con la tarea que llevaremos a cabo. Si nuestro sistema maneja solamente edición para sistema broadcast, dificilmente se utilizarán más allá de un par de salidas adicionales al Main Out.

Delimitar el campo de mercado nos servirá más a nuestro propósito. He estado en situaciones donde a pesar de tener una interfase de 8 tracks 24 bits 96 Khz, solamente se ocupa para monitorear spots en sistema monoaural, lo que supone un desperdicio de requerimientos. 

Sea cual sea la finalidad de tu interfaz, considerala una opción base. Es mejor invertir 3500 en una interfase de calidad decente a 2 tracks, que 5000 por una unidad con 8 entradas, malos preamplificadores y compatibilidad dudosa entre software.

Rafael Mendoza produce con interfaces desde hace 16 años... 

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Rammstein: Más allá del music business...

Rammstein lleva 20 años en el negocio musical. Nunca antes una banda alemana (incluyendo Scorpions) había desatado tanta polémica en el terreno del rock metal.

Recientemente, Taylor Swift decidió sacar su catálogo de la plataforma Spotify, bajo lo que consideró como una medida de protección a su marca.

Años antes, Rammstein había tomado la decisión de no integrarse a la plataforma playlist en línea, decisión que también tomaron artistas como AC/DC y en su momento Metallica (después se arrepintió o llegó a un jugoso acuerdo).

La polémica como forma de venta...

Rammstein se caracteriza por incitar las situaciones incómodas de la sociedad y restregarlas de manera cínica ante el espectador. Sus letras "amorosas" donde se resguardan temas como el incesto, la pedofilia, el canibalismo y el amor profundo pero por momentos obsesivo, lo han llevado a ganarse un espacio muy específico en el mercado musical.

Sus decisiones comerciales han superado los esquemas y paradigmas éticos del music business, sobre todo creando una estrategia llena de genialidad mercadotecnica.

Se ha polemizado profundamente la manera en que retratan ciertos hechos sociales y preservando el sentido de izquierda.

Varias veces se ha visto involucrado en críticas por parte de los medios y su forma de mediatizar la información.

Esto hace de Rammstein una franquicia siempre vigente, pues lo oculto, prohibido y hasta brutalmente honesto se ha convertido en una forma de venta en nuestra generación. La televisión no se salva de este esquema al tener programas como Breaking Bad, Dr. House y series de culto similares.

Merchandising y mercados más adultos

Rammstein no es fácil de digerir en cuanto merchandising se trata. Kiss ha rebasado los límites en ocasiones de una manera un tanto "divertida" con el lanzamiento de sus condones y hasta féretros personalizados.

Rammstein ha encontrado un vehículo mucho más permanente y sobre todo más objetivo. De entrada muchos de sus temas hablan al subconciente del adulto promedio. En sus videos ha quedado expuesto  que el placer humano es la fuente de sus acciones.

El estallido provino con el lanzamiento de "Pussy", un tema abiertamente explícito, que siembra las bases para sus posteriores mercados de venta.

Recientemente se lanzó un kit de juguetes para adultos en una caja especial con el nombre del grupo, que se ha vendido como pan caliente alrededor del mundo.

Alarmarse de este tipo de situaciones son las que precisamente, contribuyen a la venta no solo de estos kits, sino de videos, presentaciones y demás merchandising que el grupo maneja.

Conclusión

Rammstein ha sabido mantener su franquicia fresca a través de la incomodidad del que lo desaprueba más que de los seguidores. Utilizar las expresiones morales más inquietantes como modelo de negocio requiere de sutileza y control adecuado. Siempre han negado ese vínculo con lo polémico aunque si han aceptado abiertamente un doble discurso que puede ser interpretado por el consumidor.

Mientras otras bandas se preocupan por hacer conciertos por pedido, giras costosas con vestuarios salidos del futuro y hasta perfumes o muñecos con su imagen, Rammstein ha apostado a un mercado maduro, poseedor de recursos financieros suficientes, que llena sus estadios y compra su merchandising instantáneamente.

Su decisión de no integrarse a Spotify, habla de que para ellos es claro que su música no es el principal medio de ingresos. Es una de las pocas bandas que se ha manifestado por restituir el valor real de álbum para que el artista se beneficie de sus propios proyectos. Ellos mismos financian la mayoría de sus tours y videos, utilizando a la disquera como medio de distribución.

Pocas bandas han podido darse el lujo de participar en sus decisiones discográficas como Rammstein, aunque para la mayoría de los alemanes, la banda no representa sus mejores grupos o intérpretes. 

Rammstein también es muestra de que nadie es profeta en su tierra y que para establecerse como una banda sólida en un mercado competido, ubicar a la franquicia en el lugar correcto hace un gran porcentaje del trabajo.

Tardaremos varios años en encontrar algo similar en el mercado.. mientras tanto Taylor Swift deberá empezar a buscar nuevas formas de comercializar su imagen... Y no dudo que busque salir más allá del modelo 360..

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Cómo sobrevivir a una sesión fotográfica...

Después de largas sesiones de grabación, arreglos, composición y buscar las mejores opciones para pulir el sonido de tu proyecto, llega la pesadilla y la piedra más común en el zapato del músico: La sesión fotográfica.

He visto pasar varios productos por mis manos que suenan increíblemente bien, pero al mirar la fotografía usada en el arte me queda claro que un iphone no es la mejor opción para hacerlo.

Hacer un post sobre fotografía debería quedar a cargo de un fotógrafo profesional y ya estamos trabajando en ello, pero por el momento me pondré del lado de aquellos que no se han enfrentado a esta situación y que sepan lo que se puede esperar.

A) Elige el motivo de la sesión: Por cuestiones de economía siempre pensamos que una sesión fotográfica bastará para tener todo el arte del disco. Lo vimos en los extras del DVD de nuestra banda favorita y hasta pareció divertido. En realidad, una sesión de fotos puede servir para un sólo propósito. Si tu foto estará en la portada del disco, puede llevar una sesión entera obtener la mejor toma, iluminación y diseño de imagen para ello. Las fotos en interiores pueden ser más rápidas, pero dependerá de la línea creativa.  Si harás imágenes en vivo debes asegurarte que el fotógrafo tenga los permisos necesarios en el local o evento para hacerlo.

B) Elige un profesional: Saber elegir al profesional de tu fotografía tiene que estar basado primordialmente en el tipo de proyecto que eliges desarrollar. Busca portafolios de fotógrafos que hayan manejado bandas y estilos similares al que tienes. No te vayas por el tipo de equipo, sino por el uso creativo que tiene el fotógrafo. Obvio debe tener un mínimo de herramientas para hacer un buen trabajo. Negocia con él una sesión adicional de 2 horas para revisar todas las imágenes. También debes preguntar por el tiempo de entrega y si ofrece algún tipo de retoque digital o creativo. Establezcan el acuerdo en un papel que indique la fecha de la sesión, horarios de trabajo, número de fotografías, retoque y tiempo de entrega en físico si es el caso. Formato de entrega y resolución de trabajo. Sería bueno pedirle información sobre obturación, iluminación, velocidad de obturación y presentarlo en su momento si es necesario a un artista de retoque.

C) Utilería, maquillaje y vestuario: 

Utilería: De la misma manera, elegir el tipo de utilería debe ser adecuado pero aquí es donde puede ser más creativo. Cadenas es lo más lógico para una banda de metal, pero también podría ser una guitarra estilo española.

Maquillaje: El maquillaje debería ser aplicado con alguien con experiencia en tv y teatro. No uses demasiado a menos que se trate de un proyecto muy creativo. Si tienes damas en tu alineación, lo mejor será llamar a un artista de maquillaje que colabore a exponer mejor sus expresiones. Polvo para evitar el reflejo no es todo lo que puedes necesitar.

Vestuario: Debes llevar por lo menos 3 cambios de ropa que combinen entre sí. Accesorios que acompañen durante toda la sesión pueden ayudar a crear un enlace de continuidad y cambios a distintos tipos de encuadre. Recuerda negociar con el fotógrafo sobre el tiempo y número de cambios que puedes manejar para la sesión.

D) Tipos de encuadres: Obtén el mayor número posible de fotografías de cuerpo entero, medium shots, grupales, close-ups. No te detengas demasiado en revisar cierto tipo de ideas, lleva algunas referencias que el fotógrafo pueda utilizar.  Si no conoces la terminología de encuadres, date una vuelta por youtube y revisa el material de otros artistas que te gusten. Algunas fotografías grupales fueron tomadas como un full shot y recortadas o procesadas digitalmente.

E) Deja espacio para la creatividad del fotógrafo: Si elegiste bien a tu fotógrafo, el te dará algunas opciones previas a la sesión. Se involucrará en el estilo que buscas y hasta podría comentarte que normalmente utiliza otras técnicas contrarias a las que estás solicitando. El fotógrafo es un creativo igual que tú y está para aportar su experiencia, conocimiento y visión a tu proyecto. Es indispensable hablen un par de veces antes de la sesión para saber si congenian creativamente.

Conclusión

Seguramente te habrás dado cuenta que has subestimado la sesión fotográfica un poco. Tener cuidado en estos detalles permitirá obtener imágenes de alta calidad para tu proyecto. Una foto puede ayudar a a tus fans a sentirte cercano, a identificarse más con tu música y visión creativa.

El fotógrafo es fundamental para este tipo de trabajos. No escatimes pensando que un iPhone o smartphone con cámara de 13 Megapixeles y algunas apps te van a sacar del problema. Invertir en la sesión fotográfica se verá reflejado en la venta de tu material.

Rafael Mendoza desarrolla producción en Ad Libitum

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