¿Porqué es importante vender boletos?...

Es un gusto volver al blog después de algún tiempo. Gracias por acompañarme en las sesiones informativas de nuestro Curso-Taller. Pronto tendremos noticias para YouTube.

De un tiempo a acá, vender boletos se ha vuelto una tradición para las bandas emergentes, puesto que es una de las pruebas más difíciles de superar. Pasado algún tiempo, vender boletos deja de ser una actividad propia de la banda para centrarse específicamente en su presentación, concepto y performance.

Pero la venta de boletos es importante como base de negociación para llegar a espacios concretos y sobre todo representativos. El boleto representa un argumento importante, medible y visible de las capacidades de convocatoria para un concepto musical.

Evidencia para el futuro

Vivimos una era donde la tangibilidad física se ha vuelto particularmente volátil. Con ello, la credibilidad se ha ido esfumando, puesto que crear un concepto "virtual" está al alcance de unos cuantos clics y sitios de internet.

Generar likes a partir de anuncios patrocinados ha dejado de ser un referente, porque se conocen bien las estrategias para generar algoritmos de engrosamiento en percepción digital. 

Por ello, los festivales han incrementado el nivel de seguridad y verificación sobre las actividades de los artistas que buscan presentarse en sus escenarios.

Por otro lado, la ética profesional, es un tema olvidado últimamente por los nuevos promotores. Es bien conocida la estrategia de pagar para quedar dentro de un festival simbólico. Y es que analizando las particularidades de cada caso, la música es un mero pretexto para convertir un recinto de gran escala, en bares y tiendas gigantescas por un par de días.

Sin embargo, se deja de medir este impacto a través del boletaje, que normalmente es una forma directa de saber porqué una banda ha tenido éxito con su audiencia.

Cambios que generan cambios

Cambios siempre se pueden realizar. Los dueños de bares y centros de espectáculos deberían comprender mejor el tipo de consumidores a los que llegan. Imprimir boletos con leyendas "Cerveza 2x1", "Cubeta gratis" o "botana incluida" no es necesariamente una estrategia de marketing.

Las bandas deben aprender a identificar quien está tras la organización de un evento. Muchas lecciones se aprenderán en el proceso, principalmente encontrar que son pocos los lugares que se preocupan por presentar un atractivo adecuado para sus consumidores.

Participar en la venta de boletaje y aprender a medirlo de forma conjunta, sienta bases reales de las estadísticas de un concepto musical. En una era tan compleja para cualquier negocio, es imposible dejar pasar la captación de estos datos, que representarán argumentos claros y directos para cualquier negociación.

Físicamente preservar el boleto, también habla de cómo una banda se ha movido, donde ha buscado sus oportunidades y que tan activamente a participado en decisiones de negocio que lo beneficien. 

Conclusión

Vender boletos deja bien en claro los impactos que como propuesta se han ofrecido. Los mismos locales deberían utilizar esta estrategia para medir el éxito de los eventos organizados para generar mejores entornos que propicien el consumo en sus locales. Existe un gran desconocimiento sobre la evidencia clara y potencial que un boleto deja entrever. 

Participar activamente como promotor, agente de booking, artista y dueño del local, como una integración conjunta, puede incentivar mejores oportunidades y estrategias efectivas. Las sinergias no se tratan de repartir trabajo y cobrar conjuntamente, sino de establecer verdaderas estrategias conjuntas que permitan generar una estructura de negocio más robusta en una economía donde navegar solitarios puede significar perderse en las agitadas aguas de la economía. Nos vemos mañana en la siguiente entrada... Literal...

Rafa Mendoza es analista del Music Business y escribe para Ad Libitum

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Franquicias musicales: Juan Gabriel Versión Extendida...

Todavía no terminan los homenajes al Divo de Juárez y ya tuvimos de todo para comentar.

Desde la renuncia y disculpa pública de Nicolás Alvarado, hasta las teorías conspiratorias sobre la desaparición forzada de Juan Gabriel para evadir al fisco. (Después dirán que por eso hicieron renunciar a Aristóteles Nuñez).

Pero el mercado no deja de moverse con las etapas de luto. Ya es tradición la gran contradicción que todo músico o imitador propone en estos casos. Muere un ícono e inmediatamente se busca la manera de monetizar esa "inmortalidad, iconicidad y genialidad" a través de la venta de boletos, eventos artísticos y homenajes.

Esto no ocurre solamente en México. Sin embargo, analizando de fondo la psique mexicana, podemos decir que este gran disfraz del "homenaje artístico" es tan solo una visión inmaculada del negocio.

Murió Selena e inmediatamente empezamos a ver en las fiestas y salones de México, una gran cantidad de imitadores. Elvis, Beatles, José Alfredo Jiménez, Michael Jackson, Luis Miguel, José José... Ninguno se salva.

Hasta los que no han muerto, tienen asegurado ya su nivel franquiciatario. Es común ver en ciertos bares a grupos diversos nombrándose Cadetes de Linares, intérpretes de La Voz México que nunca participaron (o que pasaron en las eliminatorias), bandas tributo a Kiss y trovadores que pasan horas sentados en cafés recitando todas las noches los mismos temas que hicieron inolvidables a Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Luis Eduardo Aute, Fernando Delgadillo, Mercedes Sosa, Alberto Cortéz y una que otra de Mecano (no nos íbamos a olvidar de Nicho Hinojosa ¿eh?).

La gran contradicción

Este ánimo por hacer las cosas funcionar, debería ser suficiente para encaminar un mercado más estable dentro del campo del Music Business. Sin embargo, su gran contradicción es caer en la ilegalidad dentro de la legalidad.

No malinterpretemos el hecho. De acuerdo a la Ley Federal de Derechos de autor, una marca o personificación artística, tiene derecho a una retribución por uso de licencia. Una cosa es el homenaje artístico sin lucro (que tiene hasta cierto punto un respeto de tipo moral y social) y otra cosa es disfrazar el lucro a manera de homenaje.

Los imitadores, ofrecen una derrama económica importante y evaden infinidad de regalías por derechos de autor. En algún momento, Roberto Cantoral intentó certificar a los bares y grupos musicales por los derechos de sus canciones. La comunidad musical y la sociedad, pegaron el grito en el cielo y el autor de El Reloj desistió del intento. Sin embargo, a través de SOMEXFON, este giro al cobro de regalías en bares y restaurantes ya se está implementando.

Emular a Juan Gabriel, Luis Miguel, Arjona, Emmanuel o cualquier artista parecido en imagen y obra, bien podría servir de base para el cobro de regalías y derechos de uso. A la fecha, no he encontrado a ningun imitador preocupado por derivar en sus pagos de Hacienda, un porcentaje de regalías a la editora o al personaje en cuestión.

Con Juan Gabriel ocurrirá lo mismo. Ya desde ayer, la Orquesta Filarmónica de las Artes, anunció que le rendirá tributo el 11 de septiembre a modo de homenaje con entradas desde los 200 y 300 pesos para apoyar su causa. Y así veremos en bares, fiestas, salones, plazas públicas, festivales, ir y venir los temas de Juan Gabriel. ¿Pero que tal se regodeaban los artistas de alto nivel cuando los Ángeles Azules lanzó su disco con Orquesta Sinfónica?

En nuestro post "Ganancias Post Mortem: ¿Se puede vender más muerto que vivo?", hablamos de la rentabilidad que la "pérdida" sensible de un artista ofrece como ingreso a la industria. Juan Gabriel hoy más que nunca, se hunde en esta trama enmarañada de la ilegalidad. Aunque las bases técnicas, legales y fiscales existen para su comprensión, todavía no ha llegado una autoridad que aplique este concepto.

"¿Y porqué la queja entonces?" dirán ustedes...

Conclusión

El negocio de la música en México, necesita aplicar encausadamente los recursos humanos, legales, fiscales, sociales y políticos para generar un entorno adecuado que impulse su florecimiento. 

Mantener las posibilidades de comercializar lo no comercializable (en todos los sectores), ha llevado al país a una crisis económica dependiente de la palabra, la promesa y la inestabilidad práctica. Negociamos a la mexicana, esperando beneficios de economía europea o americana.

Son infinitas las voces que claman mejores oportunidades para el negocio de la música, pero de ellas muy pocas estarían dispuestas a entrar en los esquemas que delimiten el entorno y lo ayuden a florecer.

"Queremos una mejor industria" clama el sector... ¿Y cuántos sobrevivirían de ponerse todo en orden?... Después de todo, si Juan Gabriel ha significado tanto para la cultura mexicana, ¿no deberíamos reconocerle también en lo legal y fiscal su aportación?

Si tu respuesta es "las cosas así son y nunca van a cambiar", entonces tenemos nuestro propio epitafio.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Pokémon Go: Cachetada con guante blanco para el Music Business...

¡He vuelto!... Nos enfocamos en hacer realidad la Primer Edición de nuestro Curso-Taller "Cómo emprender un proyecto para el Music Business".. ¡Ya vamos por la segunda edición!...

Entremos en materia. La Pokemanía se ha vuelto un fenómeno tecnológico, social y cultural. Tanto sus detractores como sus impulsores, han dejado claro muchas oportunidades clave para el negocio de la música.

¿Qué podemos aprender de una aplicación como Pokémon Go en el negocio de la música?

1.- La tecnología puede cambiar un modelo de negocio: Estamos en la era del streaming y en lo personal creo que la tecnología disponible, puede ofrecer una dimensionalidad diferente para el negocio de la música. No hablo de dimensionalidad simplemente espacial, sino de marco económico y cultural que no se puede obtener simplemente de los modelos tradicionales aplicados al Music Business. La realidad aumentada ya empezó a ser aplicada a los productos de la música y la creatividad e innovación van implícitos en esta nueva realidad que la tecnología nos ha vuelto inmersos.

2.- La música está 20 años en atraso tecnológico: Si, tener DVD-Audio, DTS y grados de audiófilo para equipos digitales, no significa que el negocio de la música haya evolucionado. Esta particularidad del mercado por ser espectadores pasivos, poco exigentes con los contenidos y experiencias que el negocio de la música puede proveer, ha permitido al mercado preservar su modelo de negocio arrancado desde la era del CD. El consumidor mismo prefiere vivir atado a una librería de contenidos digitales que retomar la experiencia consiente de la música en todos los niveles. ¿Quién puede dar una solución desde la vía digital a la pasividad del consumidor?

3.- Desperdicio de emociones y sensaciones en el Music Business: La realidad aumentada ha existido desde tiempos inmemoriables en la industria. Transporta y genera entornos realistas en quien la escucha. ¿Sabías que el mercado de la música sirve como plataforma de prueba para medir el impacto de productos audiovisuales en las grandes marcas?... Es tiempo de sacar a la música de su sagrado bowl de cristal y dejar a las audiencias que lo palpen a través de todos sus sentidos...

4.- Realidad aumentada como experiencia de la música: Pocos se han aventurado a desarrollar realidad aumentada para el Music Business... Pero si consideramos más allá las oportunidades que brindan los sentidos, no necesitas desarrollar una aplicación y generar una red de servers alrededor del mundo para proveerla.. Pokémon Go ha gastado millones de dólares en su desarrollo para despertar a usuarios dormidos en su consumo... ¡Todo desde sus sentidos!...

Conclusión

La experiencia Pokémon Go ha dejado un mundo de posibilidades para el negocio de la música.. En estos momentos se me ocurren infinidad de formas para despertar a un mercado somnoliento y enganchado al mundo de las librerías sonoras, cuyas experiencias como consumidor de la música se van a volver intensas los próximos años. 

La tecnología ha invadido al mundo económico, cultural, social y político desde hace años, pero se nos olvida que somos seres con sensibilidades únicas que un dispositivo móvil nunca podrá imitar.

La pregunta clave es: ¿Estás preparado para imaginar la innovación y creatividad aplicada a la música durante los próximos 20 años?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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5 frases clave para inspirar a la creatividad...

¡Que tal!... Gracias por leernos de nuevo. Hicimos una breve pausa para impulsar nuestro proyecto Ad Libitum Incubadora y vienen grandes sorpresas por delante.

Uno de los temas más interesantes sobre el negocio de la música, es la creatividad. La materia prima que mueve a la industria y que normalmente restringimos en beneficio de acelerar los procesos del mercado.

En el Music Business todo urge, nada puede estar quieto.Y aunque parezca que esta dinámica es la que transforma nuestra realidad como negocio, la realidad es que correr a alta velocidad no es necesariamente una estrategia viable para una gran parte del mercado.

Si crees que ser creativo necesita demasiado trabajo, es importante reconocer cuales actividades son más productivas al momento de generar un producto creativo.

He compilado 5 frases clave para inspirar a la creatividad de tu proyecto, emprendimiento o visión personal. Si tienes alguna que consideres debería estar aquí, por favor inclúyela en los comentarios.

1.- "Nada se crea, ni se destruye... solamente se transforma": Ningún proyecto musical o emprendimiento en el negocio de la música se ha desarrollado de la nada. Existen factores que implican una mejora, mejor posicionamiento, diversificación y concentración de la creatividad, que facilitan la introducción de un producto al mercado. En pocas palabras, crear también es "robarte" ideas de otros para complementar las tuyas. 

2.- "Todas las ideas importan": Nunca descartes una idea, simplemente porque a alguien no le pareció buena. Las ideas son momentos creativos clave, que al ser generadas impactan soluciones inmediatas a problemas sencillos. Tal vez no aplica para el problema que presentas, pero se convierte en alternativa que puedes usar en otra circunstancia.

3.- "La creatividad se construye": Al principio, tus ideas pueden parecer muy básicas. Compartirlas te permite visualizarla desde distintos enfoques y generar ideas más complejas, aterrizadas o interesantes. La creatividad es un músculo que se ejercita todos los días y con el tiempo, desarrollas la capacidad de interpretar una oportunidad donde puedes aplicar esa idea tan interesante.

4.- "Toma notas todo el tiempo": Hazte acompañar de una libreta y pluma para anotar las ideas que cada momento creativo pueda ofrecerte. La clave es reconocer cuales son aquellas que pueden ser implementadas en el mundo real. Algunas necesitarán más tiempo, otras más habilidades. Al final del día podrás reconocer cuales pueden interactuar entre sí y generar una idea más profunda.

5.- "La creatividad es infinita": Cada cosa de este mundo que es útil para el hombre, ha sido creado por alguien. Desde un pañuelo desechable hasta el boleto del metro, ha tenido que ser pensado, ingeniado, desarrollado, puesto a prueba y apropiado por quien lo utiliza. Así que siempre existe la forma de ser creativo. Nunca dudes de lo que una simple idea puede mejorar o generar una chispa de cambio.

Conclusión

La creatividad no tiene horario, ni fecha en el calendario. Un destello creativo se vuelve más efectivo cuando se tangibiliza a través de un lápiz y papel, porque el simple hecho de aterrizarlo en un medio físico, lo convierte en una oportunidad. En el negocio de la música, siempre existen oportunidades para generar creatividad y compartirla con otros.

Cada canción, secuencia de acordes, idea sobre la promoción, concepto visual y hasta la forma en que administras los recursos de tu proyecto, son muestra tangible de que la creatividad se integra a cada movimiento, oportunidad y solución que tenemos frente a nosotros. Nunca dejes de ser creativo, porque podrías estar privando a tu comunidad, gremio, localidad o inclusive al mundo de una solución u oportunidad para hacer de este mundo un lugar mejor.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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¿Podemos construir un mejor negocio de la música?...

¡Que tal!.. Me da mucho gusto volver a escribir para el Blog de Ad Libitum.

Han pasado algunas semanas desde nuestro último post, principalmente porque me enfoqué en apoyar el lanzamiento de la Plataforma Educativa Ad Libitum. 

En cada videosesión apareció una pregunta constante, en diferentes versiones pero con un mismo enfoque... ¿Podemos construir un mejor negocio de la música?...

Daré mi respuesta en la conclusión, aunque de entrada me gustaría decir que existen muchas variables a tomar en cuenta.

Modelo Tradicional Vs. Modelo Moderno del Music Business

Muchas cosas han cambiado desde aquel momento a inicios del siglo XX donde la música pasó de ser una experiencia a convertirse en producto mercadeable.

Así se constituyó una industria naciente dedicada a pagar por una sesión de interpretaciones para generar un disco maestro, que servía para hacer múltiples reproducciones. No había un sistema bien organizado de regalías. El artista cobraba su sesión y se retiraba hasta que se le volvía a requerir para expandir el catálogo.

Durante la Segunda Guerra Mundial, empresas como Decca, apostaron a crear entornos más cómodos de grabación y salas de conciertos acondicionadas, interesándose en el desarrollo de nuevos equipos como la cinta análoga (irónicamente una invención alemana para guardar registros de información y mensajes en código).

Los sistemas de pago y remuneración de los artistas se esquematizó de formas más complejas, pues la protección de Derechos de Autor estaba más vigente.

Esta cualidad de propiedad intelectual, siempre se ha manifestado a favor de las disqueras principalmente porque de forma tradicional, absorbían el costo total de la grabación y lo descontaban de las ganancias del artista, después de materiales, prensa y proceso de producción.

El nuevo modelo a través de streaming y descarga digital, no dista demasiado del modelo tradicional. Las quejas contra Spotify, Deezer, iTunes Music o Pandora por el pago de regalías y distribución digital se han incrementado por el descontento del artista al crear su obra.

Es discutible pensar que Justin Bieber puede cobrar lo mismo que una compilación de Von Karajan o como recientemente ha sucedido con The Beatles, cuya disquera decidió limitar el acceso a ciertos álbumes y contenidos, reservando la exclusividad en soportes físicos.

¿Cuáles cosas debemos cambiar en México?

Primero que nada, fijar el concepto de una justa retribución al creativo, principalmente en soporte y desarrollo en compensación por el modelo económico.

Hoy más que nunca, la audiencia está abierta a escuchar nuevas propuestas y se han establecido segmentos de mercado muy específicos en concentraciones clave, que pueden servir para explotar de manera más efectiva las oportunidades de proyección. 

También es indispensable iniciar en las generaciones más tempranas, el gusto por encontrar "su" música, más allá de alinearlos a los estilos particulares del entorno. 

Aquí la parte educativa es fundamental en el fomento al derecho de libre elección y respeto por los derechos de autor, una suma de esfuerzos entre diversas instancias gubernamentales, pero también de una sociedad más participativa y abierta que apoye la difusión de nuevas propuestas.

De la misma manera que se abren espacios a nuevas propuestas, también debe cultivarse una mayor responsabilidad por parte de los artistas. Exigir algo implica respaldar algo. El clásico argumento de que la música fluye por si misma en el negocio de la música, ha fomentado hasta cierto punto la falta de responsabilidad y compromiso por las disqueras independientes. 

Es un riesgo muy alto contratar o respaldar a una banda o solista que no tiene control artístico, más si está fundamentado en altas dosis de Redbull combinado con otras sustancias. O la ausencia de caracter profesional, limitándose a los 12 acordes que se aprendió con el círculo de sol en la preparatoria. Estas nuevas generaciones necesitan soñar menos y centrarse en su preparación. Muchos ya lo están haciendo y serán los músicos que se preserven durante la siguiente glaciación musical 4.0.

Conclusión

Mi respuesta final es que si, es posible construir un mejor negocio de la música en nuestro país. 

¿Sencillo, rápido e instantáneo?... Sin duda hay que romper con muchos paradigmas culturales, candados mentales y apatía por trabajar proyectos de fondo. 

Hay que apostarle a una transición paulatina en todas las áreas del Music Business, más incluyente, sobre todo, real y activa. Nada es gratis y este proceso no lo será en ningún sentido. 

Algunos músicos ya están visualizando nuevas alternativas de negocio, promoción, difusión y participación en mercados diversos. Por otro lado, una gran mayoría sigue buscando el sueño de fama que la industria tradicional impuso para preservar el Status Quo del momento.

Si vamos a crecer, entonces hay que dejar esos sueños atrás y trabajar conjuntamente en la reestructura paulatina desde dentro de la industria. 

Hay que volver a lo básico, al punto donde la música se convirtió en producto para devolverle el valor cultural, social y económico que se merece, trazando nuevas rutas, opciones y sobre todo, evitando negarle el compromiso que más allá de lo estético se merece.

Nadie va a cambiar al mundo solo... pero puedes convertirte en un agente de cambio y empezar a trabajar en aquello que puedes cambiar a tu alcance.

Gracias por leerme y nos vemos en el siguiente post.

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La interminable espiral educativa fast track del Music Business...

Hace unos días se desató un escándalo en redes sociales, donde una de las escuelas más conocidas del medio musical, se vió envuelta en acusaciones directas, haciendo reaccionar a las más altas esferas de la producción en México.

G. Martell es una de las escuelas privadas, que ha enfocado su nicho de mercado en la música contemporánea ofreciendo cursos, talleres y un modelo extendido que denominan "carreras" en aprendizaje musical, producción, radio y otras alternativas vinculadas a la música.

No es la primera vez que este tipo de modelo educativo se ha envuelto en problemas de tipo académico, puesto que escuelas como Fermatta, que en su momento nació como alternativa a G. Martell, también ha quedado expuesta por alumnos y maestros que han cruzado sus aulas.

¿Pero que sostiene a estos modelos que ya se extendieron al TEC de Monterrey y Centros Educativos alternativos?

Un negocio es un negocio

Aunque las críticas hacia los sistemas educativos y modelo de negocio de las Escuelas Privadas enfocadas al aprendizaje musical están cimentados en objetivos académicos,  se vuelve más evidente la ceguera para evaluar las necesidades de este campo por parte de la Secretaría de Educación Pública.

Aquí cabe mencionar, que las instituciones encargadas de administrar los talentos musicales, tienden a hacer permanentes los criterios para evaluar a un aspirante musical, basados simplemente en su talento artístico, proveniente de la cuna y no realmente sobre las necesidades actuales del Music Business.

Tampoco entremos en debates, porque para el músico "el arte no se vende" y es importante entender que para el Music Business "el arte tampoco se vende".

El Music Business se centra en las actividades artísticas y no en el arte como tal. Estas escuelas, responden a la necesidad abierta de recintos que enseñen la música comercial sin entrar al terreno de la música clásica y la exigente formación que esta requiere.

En pocas palabras, su nicho de mercado es para niños, jóvenes y adultos, que no quieren una formación integral, o en su caso, aquellos que no pudieron ingresar a las instituciones públicas debido a los altos niveles de control estético, artístico y en algunos casos a los exagerados requisitos de ciertos instrumentos, (percusión clásica por ejemplo).

De ese tamaño es el mercado que han decidido abarcar y que arroja buenos dividendos.

¿Entonces donde está la confusión?

Varias realidades confluyen para generar la oportunidad que estos modelos explotan directamente como oportunidades.

La identidad musical como estrategia de Marketing, es la constante en cada una de las propuestas educativas en el ramo comercial. Vende mucho más una imagen cercana a Alan Parsons, Dave Weckl, Metallica, Steve Vai, Joe Satriani, John Patitucci, Maddonna, Beyoncé, Nicki Minaj para el adolescente que tiene la intención de aprender y desarrollar una carrera musical. 

Para el cliente de estas escuelas, no es prioridad aprender sobre economía, micro economía, macro economía, índices de consumo, mercado digital, población económicamente activa, PIB, paridad peso-dólar, infraestructura cultural, infoestructura cultural (generalmente no lo es tampoco para el músico clásico)

Aunque existe en la mayoría una vocación por la música, es irresistible el fast track de la fama y la fortuna, les impulsa a delegar la responsabilidad económica al Manager, representante musical y en algunos casos a sus padres.

Para ellos, cada oportunidad cercana a una disquera, promotora, productor o artista reconocido, significa integrarse a una élite exitosa del Music Business. Pero en realidad está por demás decir que los planes de estos centros educativos, no coinciden en tiempo y forma con los cambios, ritmos, diversificación y estabilización del mercado actual.

Otro elemento que ayuda, es la ausencia de referentes significativos independientes sobre cultura musical y poner bajo un telón las necesidades reales del músico como emprendedor y empresario cultural. 

Las ideologías y filosofías del artista proyectadas por los medios masivos sobre el negocio de la música, están muy lejos de las realidades económicas, culturales y empresariales del Music Business. Y peor aún, son totalmente lejanas de la realidad mexicana.

Uno de los argumentos clave para inscribirse a estas escuelas, es la percepción de acortar el camino a través de su educación. Si se pueden comprar peldaños, será siempre mejor que recorrer el largo camino de la práctica, el fogueo y las interminables lecciones de aprendizaje que la vida musical ofrece.  

Para algunos esto signfica un fraude educativo de altas proporciones, mismas que han generado las críticas y protestas de las que hablamos al inicio del post. Sin embargo, lo terrible del asunto es que estas prácticas no se limitan solamente al ámbito musical, sino que se encuentran presentes en la mayoría de las instituciones privadas en México y cuyo análisis merece un libro entero de reflexiones.

Aquí hablamos de posibles carreras artísticas con futuro, en las cuales se desconoce su verdadero impacto económico y social. Hablamos de familias que han invertido miles de pesos en la formación de un miembro confiando al 100% en el respaldo de una marca reconocida, pero que carece de certificación, validez y respaldo de conocimiento real sobre las disyuntivas del negocio de la música.

El Tec De Monterrey, pudiera ser una de las que ha tomado las riendas a un nivel más profesional, sin embargo, es difícil seguir el paso por el alto costo en colegiaturas, preservando las opciones de conocimiento en una élite preferencial. 

Conclusión

Las expectativas para aprender música en México, deberían responder a las realidades económicas existentes. 

La importancia de generar una Ley de Cultura integral, obligaría a otras instituciones gubernamentales, escuelas privadas y a la misma industria musical, a entrar en un diálogo que establezca parámetros económicos, profesionales, jurídicos y sociales con respecto al importante significado de ser músico en un país donde se condena y prefiere incluir en las listas de las carreras menos productivas actualmente.

Es importante revisar los conocimientos clave y extenderlos en proporción de la realidad a la que la industria mexicana se ajusta. Debe fomentar el desarrollo de una industria interna, buscando su propia identidad, recuperando públicos y creando proyectos alternativos más allá de caer en las manos de disqueras internacionales, compitiendo por nivel entre las opciones extranjeras y formando un criterio de autenticidad ante el mercado global.

Tal vez no nos gusten las formas educativas  que estas escuelas promueven, pero de una u otra forma, sin participar en el enfoque real del problema, somos partícipes de la causa que las motiva y preserva.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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Las 5 VERDADERAS cualidades que necesitas para ser un músico exitoso...

Hace unos días me hicieron llegar un artículo de blog llamado "Las 5 cualidades que necesitas para ser un músico exitoso".

Interesado, me senté a leerlo y casi me muero del susto. Es una visión muy encantadora de lo que un posible músico debería tomar en cuenta para su desarrollo. Acierta en algunas cosas y en otras se queda demasiado corto.

Utilizaré su esquema principal para "complementar" y "corregir" algunos detalles que me parecieron importantes. 

1.-"Los músicos exitosos, son seguros y aventureros": En realidad, no se trata de saltar al vacío como afirma el artículo. Una planeación exitosa no siempre lleva un camino al estrellato. El "éxito" de un músico no depende principalmente de su arte, sino de múltiples circunstancias, sobre todo externas. Si deben ser seguros, pero en el establecimiento de sus metas. Aventureros no considero sea una palabra adecuada, sino emprendedores informados.

2.- "Trabajan muy duro": En todas las profesiones, el trabajo intenso (duro no) e inteligente, es el que conlleva a hacer crecer oportunidades en múltiples áreas. Coincido con el artículo en que deben ser multidisciplinarios, pero de ninguna manera son "Todólogos" como afirma el texto. Como músico, debes entender que el éxito de un proyecto depende de múltiples disciplinas y debes conocer sus límites específicos. Tal vez al principio debas hacer una parte tu mismo, pero tarde o temprano necesitarás ayuda para desarrollar tu proyecto.

3.-"Están dispuestos a practicar todo el día": En su momento, como músico practicaba de 6 a 8 horas diarias en el instrumento. Las habilidades se incrementaron potencialmente los últimos años y empezaba a tener cierta flexibilidad. Sin embargo, pasaba muchas horas aislado y con pocos lugares donde presentar mi arte, era frustrante no poder quedar con alguien para salir y despejarse. Después, algunos maestros me dieron la clave de programar mis tiempos de práctica por calidad en vez de cantidad. Pude aprender otras habilidades y conocimientos. Es uno de los mitos más comunes actualmente. La película "Whiplash" exagera demasiado la situación dramática con manos que sangran metidas en hielo.

4.-"Son buenos con el dinero y no les importa vivir de manera modesta": Casi me caigo de la silla con esta propuesta. Entendamos desde el principio que una cosa es el arte que entregas y otra muy distinta la actividad artística que necesitas. Todos pueden elegir la forma de vida que mejor les convenga, pero ser músico puede resultar tan caro como estudiar odontología o diseño gráfico. Sentarte a esperar la oportunidad de tu vida, se puede llevar algo así como ¡tu vida entera!

Expandir tus conocimientos sobre el entorno de la industria musical, tus habilidades, oportunidades y espacio creativo, va a colaborar en la mejora de tu nivel económico a partir de tus habilidades musicales. 

5.- "Un músico exitoso es paciente y no se da por vencido": Esta es tal vez la única que concuerdo con el texto. Una carrera musical puede llevarse entre 4 a 5 años promedio, haciendo un buen plan de negocio personal y buscando las oportunidades realmente valiosas. Hay músicos que llevan 10 o 15 años buscando su "éxito" en el lugar equivocado. Todo tiene un límite y hay que saber comprender a la industria para poder encajar en ella. La industria musical es tan dura como cualquier otro negocio. La paciencia es una virtud, pero también debe tener límites. Si crees que necesitas ayuda, hay que buscarla.

Conclusión

Es un poco aterrador encontrar post así en internet. Lejos de ayudar, ofrecen visiones poco realistas de la industria. Estoy seguro que este artículo fue escrito por un Community Manager sin conocimiento del tema, que interpretó otros artículos para completar su temario del mes. Una de las capacidades actuales de todo músico, es reconocer a través de un juicio crítico, todo aquello que llega a sus manos, ojos y oídos. La educación constante y profundizar en la realidad de su industria, le permitirá reconocer que ya no estamos en tiempos de Bach, Mozart, Beethoven o The Beatles.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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7 recomendaciones para audicionar exitosamente...

Tarde o temprano, todo músico, banda o proyecto se encuentra ante la necesidad de audicionar.

El proceso debería ser sencillo hasta cierto punto. En ese momento confluyen varias circunstancias externas y personales que pueden hacer la diferencia en la elección.

Ser audicionado no debe ser percibido como una crítica o evaluación desventajosa. Muchas veces cuando no obtenemos el trabajo o lugar para tocar, nos sentimos frustrados y decepcionados por la visión que tenemos de nuestro proyecto.

Algo importante a considerar, es que la percepción de quien aplica la audición puede estar bien o mal dirigida. Desafortunadamente, no todas las audiciones cuentan con gente experimentada y que conozca bien su expectativa enfocada al tipo de evento que desea realizar.

Lo que si debe quedarse en tu cabeza, es que existen 7 elementos clave que puedes controlar y que podrían influir positivamente en tu desempeño

1.- Investiga a fondo que está buscando tu futuro empleador: Es la más importante. Recuerda que si conoces cual es tu segmento de mercado y cuales son las principales preferencias de los clientes alrededor de tu empleador, podrás definir si asistir a la audición vale la pena o no. Haz tantas preguntas como te sea posible, que tipo de clientes espera tu empleador, que otros lugares visitan, que bandas escuchan. Esta información te será de mucha ayuda para saber si debes presentarte o no. 

2.- Flexibiliza tu repertorio: Supongamos que estás dentro del perfil buscado, pero tu banda se ha negado absolutamente a tocar éxitos de Los Beatles porque consideras que es un repertorio muy quemado. Si quieres el trabajo, debes presentar algo de lo esperado, dentro de un concepto clásico, pero con tu toque aplicado. Consigue primero el contrato y una vez que estés dentro, podrás demostrar lo que te ha sido posible desarrollar, cuidando las necesidades de tu empleador.

3.- Pon empeño en tu press kit: Si crees que tu press kit necesita actualizarse o modificarse un poco para ajustar a segmento que necesitas, prepáralo con tiempo. Tal vez sea momento de llamar a un buen diseñador gráfico que te ayude a concretar la transición. Redáctalo apropiadamente y utiliza el mismo lenguaje de quien te está prospectando. Con el tiempo llegarás a un punto más afinado y concreto en tus materiales de promoción.

4.- Impresiona con tus habilidades musicales y no con tu currículum: Muchas bandas, músicos e interpretes, presumen de tener el mejor entrenamiento y sonido, pero al dueño de un bar le interesa el "feeling" del artista. Me ha tocado ver bandas de jazz muy experimentadas, que con dificultad tocan Las Mañanitas. Simplemente la elección puede desarrollarse en una forma más sencilla de lo que piensas.

5.- Se honesto con tus debilidades y fortalezas: Con mucho respeto, hay grupos musicales que utilizan como argumento de venta decir que tienen más de 5000 canciones en su repertorio. La pregunta que asalta es ¿Se las saben bien?, ¿Cómo las han ensayado?, ¿A poco si han cantado las 5000?... La audiencia no es tonta y menos tu empleador. Es preferible presentar un set sólido y bien cimentado de 15 o 20 temas. 

6.- Preséntate como candidato solamente si estás listo: En la complejidad del Music Business, ya quedó atrás el argumento aquel que dice "dame la oportunidad de trabajar y demostrarte lo que puedo hacer". Existe solamente una oportunidad de encantar a tu empleador. Si fallas, seguramente ya no habrá una segunda oportunidad en el tiempo presente. Entrenar tu mente, oído, cuerpo y sensibilidad musical es clave para estar listo. Una audición no llega anticipadamente. 

7.- Si todo falla utiliza el momento para aprender: Tal vez tu versión reggae de la cumbia del sonidito no sea lo más especial del mundo. El empleador podrá hacerte una crítica, simplemente porque eres tú quien ha decidido someterte a su juicio en espera de una oportunidad. Si el recibimiento o crítica es hostil desde un inicio, agradece la oportunidad y retírate en silencio. Esto encaja perfectamente con el punto 1. Tu has elegido ser criticado por un dueño fan del metal y le trajiste demasiado bossa nova duranguense que podía soportar. Nunca respondas a la crítica de forma directa. Es un aprendizaje y tómalo como tal.

Conclusiones

Aunque seas excelente músico, artista, banda o intérprete, debes comprender no todo el público de ciertos lugares, estratos sociales y localidades sean tu público. Si el evento es un festival donde entran eskatos, metaleros, gruncheros, indies y tocas rock latino, no esperes quedarte como banda principal o navegar entre la diversidad para distinguirte de otros. 

El empleador siempre tendrá la última palabra. A veces es el empleador y no tu talento el que falle en una audición. Con el tiempo irás comprendiendo hasta donde puedes flexibilizar tus opciones y la negociación puede ayudar a abrir oportunidades para ambos en una situación de ganar/ganar.

En estos tiempos conocer las necesidades del Music Business puede ayudarte a evitar dolores de cabeza y problemas existenciales. Permanece alerta y si se abre una oportunidad has tu mejor esfuerzo. 

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Monetizar o hacer dinero de la música: ¿Es lo mismo?

Estar de vuelta en el Blog es reconfortante, después de una breve pausa para atender algunos proyectos interesantes para ustedes. Conviví estos días con personas interesadas en el tema del music business y me di cuenta que existe un gran problema de percepción general.

Cuando hablamos de "hacer dinero" con la música, la sensación de rechazo es inmediata. Pero cuando cambiamos el concepto por "monetizar" las actividades musicales, suena mucho más sugerente y real.

Para los expertos en capitalismo, esto podría parecer la misma expresión, pero disfrazada o endulzada por un término menos agresivo. Sin embargo, hay una diferencia abismal entre la interpretación entre ambos conceptos

¿Hacer dinero de la música?

Es desafortunadamente, el concepto más aceptado, porque se percibe un interés o abuso en prejuicio de las artes, en nuestro caso la música. Se entiende que a pesar de la inversión en tiempo, aprendizaje, técnica y materiales, se utiliza al arte como producto a cambio de simples monedas. 

También es el concepto más utilizado para definir la toma de decisiones por parte de disqueras, managers y artistas. Y siendo honestos, existe una gran cantidad de personas, suplantando con acciones orientadas a "hacer dinero", sin conocimiento alguno del negocio musical.

En México tenemos a la figura de los "representantes" artísticos, el "caimán" del grupo o el "dueño" del proyecto. No hablo en sentido general, sino que es fácil reconocerlos porque son figuras que han trascendido durante años y que intentan aplicar técnicas de hace 30 años para el Music Business. 

Piden dinero sin dar recibos, se dicen conocedores y estar "conectados" con las palancas fuertes ("yo conozco al promotor tal..."). Negocian presentaciones en lugares donde no pagan más que con cervezas y aparte llegan con amigos a ver a sus "descubrimientos". 

Afortunadamente esta figura está desapareciendo y desafortunadamente algunas prácticas se han preservado en áreas del Music Business que urge erradicar.

¿Monetizar la música?

En realidad creo que utilizar este concepto también es inadecuado. Una forma más real sería decir "monetizar tus actividades musicales". Independientemente cual sea la manera de obtener un recurso a cambio de servicios en el Music Business, sonorizar, renta de equipo, bar karaoke, grupo musical, grabación, producción, mezcla DJ o imitación, monetizar significa recibir un beneficio económico a cambio de tu actividad.

Incluso cuando tu objetivo principal no es obtener recursos económicos, necesitas tener una idea clara de quien hace que, cómo hacer que se alcancen los objetivos y cuantos costos están comprometidos.

Esto implica que debes saber que haces cosas que están legalmente permitidas y quien tomará las responsabilidades si algo sale mal. Más allá del concepto de libertad artística que merece un tratamiento aparte, debes entender que no todo el arte es para todas las personas.

Siempre que hay dinero involucrado, se debe poner atención no sólo de cuanto ganarás o no, sino que a pesar de no ganar algo a cambio de tus actividades, tampoco estás perdiendo algo importante.

Conclusión

Monetizar tus actividades musicales va más allá de la obtención de recursos. A veces me preguntan si hacer una banda es buen negocio. La mejor manera de evaluar esto es saber cuantos recursos económicos, personales, tiempo y esfuerzo requiere ese proyecto en particular. 

Obtener una ganancia no es siempre el objetivo de algún proyecto. Si se vuelve sustentable basta para hacerse viable. Es decir, puede ser que simplemente se mantenga en actividad el tiempo necesario para cumplir un objetivo clave. Monetizar ganancias puede no ser su objetivo principal, pero monetiza recursos que le permiten seguir viviendo.

Por el contrario, monetizar para obtener ganancias también puede ser viable siempre y cuando se vuelva rentable. Ganar 1 peso o 200 pesos es una ganancia, pero pocos nos preguntamos ¿es rentable ganar 1 peso o 200? 

Este tema de la rentabilidad requiere de un post adicional, pero baste decir que para comprender mejor al entorno del Music Business, debes dejar de pensar en "hacer" dinero, a cambio de "monetizar" tus actividades musicales.

Rafa Mendoza realiza producción en Ad Libitum

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Las 7 inversiones irrenunciables para el Music Business

Cuando inicias una banda o proyecto, existen elementos en la era digital que son fundamentales para alcanzar peldaños más altos. 

Es un poco contradictorio para la mayoría de los músicos, defender su arte interpretativa sin tomar en cuenta que la única manera de posicionarlo es invirtiendo adecuadamente en ello.

Muchas bandas, intérpretes y músicos, creen que el Music Business solamente existe en lo que llaman "grandes ligas". Sin embargo, lo único que cambia entre su proyecto y uno presentado en el Auditorio Nacional, es el tamaño proporcional del espectáculo que se presenta.

Si deseas trabajar en un entorno mejor del Music Business, debes tomar en cuenta 7 inversiones clave para su desarrollo. Ahorrar para utilizarlas en su momento, no debe ser problema para una banda, organización o proyecto bien organizado.

1.- Fótografo o videógrafo profesional: Está bien que puedas ocupar el talento de tus amigos o conocidos para realizar un video a un costo bajo. Pero de la vista nace el amor y finalmente, todo lo que haces es para incentivar a tus fans a seguirte. Un fotógrafo profesional experimentado en Music Business, sacará lo mejor de tu banda sin siquiera incluir imágenes en movimiento. Un videógrafo profesional, aportará calidad creativa fundamental en la era del video digital. 

2.- Diseñador gráfico: Es increíble la cantidad de material bien trabajado que goza de un arte en sus plataformas y portadas realizadas por un miembro de la banda que le sabe al PowerPoint. A menos que seas un artista nato que puede pintar la Mona Lisa en Paint, ceder este trabajo a un diseñador gráfico profesional especializado en los conceptos de tu música, es la mejor inversión que puedes hacer.

3.- Promocionales creativos: Una de las estrategias en Marketing de Guerrilla para el Music Business, es utilizar materiales promocionales de forma creativa. Mandar imprimir una lona de 2 x 1 metro no es suficiente para hacer que tu banda se vuelva memorable. Combina el uso de estos promocionales con tu performance onstage y convierte a extraños en fans incondicionales. Inicia con objetos pequeños pero significativos.

4.- Publicidad en redes sociales: Existen oportunidades enormes para incrementar el número de fans. Uno de los grandes errores al pagar redes sociales es invertir cuando no hay material nuevo o algo que promover de inmediato. Invertir en ads en las redes adecuadas, puede incrementar la difusión del material. No esperes recuperar dinero en ventas. Las estrategias en redes sociales son para generar productos de información valiosos para el desempeño de tu proyecto.

5.- Press Kit Profesional: Acompañado del diseñador adecuado, un EPK o Press Kit Electrónico, es la herramienta clave para abrir tus opciones a fechas, eventos, mamparas culturales y puntos de venta de tu material. Invertir en su forma, empaque y diseño gráfico es una forma inteligente de invertir recursos más que unas baquetas luminosas o amplificadores vintage que no sacarás nunca de tu casa por lo raros que son.

6.-Asesoría Legal: Tarde o temprano se necesitará contar con asesoría legal dentro del proyecto. Los lanzamientos, acuerdos de distribución o negociación para todas las partes, implica un aseguramiento de voluntades. Lamento decir que los acuerdos sin punto legal son oportunidades inestables. He visto disqueras quebrar simplemente porque ha firmado bandas que no están organizadas legalmente. El talento no lo es todo. 

7.- Mantenimiento en instrumentos: La responsabilidad del sonido o impacto de tu proyecto, proviene de la calidad de ejecución y el instrumento que lo genera. Hay bandas o proyectos muy talentosos con baterías y platillos rotos, parches marcados, cuerdas oxidadas, pastillas en mal estado, amplificadores con potenciómetros flojos o rotos, teclados con teclas sin funcionar, bajos mal alineados... Aparte de la mala imagen que proveen, su sonido siempre está afectado por dejar el mantenimiento para después... ¡Ahora creo que sabes porqué no es bueno cobrar solo cervezas en un evento!

Conclusión

Music Business es un negocio que necesita un enfoque de inversión, promoción, administración, capacitación y muchas otras áreas que lo complementan.

No basta con invertir en un instrumento y lanzarse al estrellato. No hablamos de los profesionales involucrados en otras áreas que también contribuyen a mejorar el negocio del Music Business. Pero si te interesa sobresalir, ninguno de estos aspectos es negociable si quieres destacar dentro de tu zona, región o país.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Fracking Musical en México

El término "fracking" está de moda. Una forma de explotar y obtener recursos no renovables de los suelos inyectando agua, químicos y sustratos. Esto posibilita la fracturación del terreno para liberar elementos energéticos como gas o petróleo. Sin embargo, también posibilita la contaminación del agua, problemas de estabilidad de terreno y una serie de complicaciones a la región donde se realiza.

Reflexionando un poco sobre ello, me parece que la industria musical en México, ha vivido intensamente un proceso similar al fracking energético. De ser así, simplemente hemos visualizado la punta del iceberg en muchos sentidos.

Los datos de Amprofon

De acuerdo a la Amprofon, el 59 % de las ventas digitales durante el primer semestre de 2014 fueron ventas digitales. Los formatos físicos representaron el 41%. Es decir, 32.4 millones de dólares fueron ingresados durante este periodo, siendo un 13.87% del mismo periodo.

Los datos de streaming, alcanzó un triunfal crecimiento de 130%, que finalmente representa el 41% de las ventas digitales.

Se consolidaron en nuestro país, plataformas como Spotify, Deezer y Rdio. 29% de las ventas fueron sencillos, 15% álbumes completos, 8% contenido móvil, 5% ringtones y solamente el 1% de videos musicales.

83% de las ventas en música física fue en CD; 12% DVD audio y 4% DVD video. el 1% restante se integró por plataformas de vinil, cassettes, minidisc y blue ray musical.

Los más vendidos fueron artistas mexicanos con el 34%, Internacional en inglés con 29%, internacional español con 24%, compilaciones de artistas con 6%, regional español 3%, regional anglo 2% y música clásica 2%.

El gran truco

A simple vista, parece que el mercado musical en México es fuerte. Sin embargo, lleva años desgastándose y degradándose ante nuestros ojos. La Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas (AMPROFON), dejó de ser una entidad nacional a finales de los años 60.

Poco a poco cedió su participación de mercado a las nuevas transnacionales en crecimiento. Sony, EMI, Warner y BMG, tomaron poco a poco el control del mercado mexicano durante los años 70. 

Actualmente, las cifras arrojadas por Amprofon, son números de la industria transnacional, es decir, este dinero se va al exterior, dejando empobrecido el mercado mexicano. Las Majors se apropiaron de las maquinarias de producción para CD durante los años 80 y ahora están impulsando el consumo digital en la zona. México junto a Brasil, son los principales consumidores de streaming y descarga digital de Latinoamérica.

¿Dónde están las políticas de resurgimiento para el mercado nacional? En México existen incontables productores y conocedores del Music Business que han dejado su vida en la lucha de subsistencia de nuestro mercado. Algunos han cedido ante la presión económica y cierran estudios, productoras y disqueras.

El monopolio creativo impulsado por INDAUTOR, apoyado en las representaciones de artistas monopólicas en México, no ayudan en absoluto a detener este "fracking" musical.

Conclusión

A mi forma de ver, el fracking musical que vivimos en México, es una de las principales causas que obstruyen el desarrollo de una industria más sana en nuestro país. Se ha cedido el control desde siempre y la distribución digital se convierte en una forma más amplia de sometimiento al mercado nacional.

¿Dónde están las oportunidades para las empresas culturales en los principales foros como la Semana del Emprendedor? ¿Qué apoyos se brindan en las instituciones financieras para proyectos viables de producción interna de contenidos musicales? ¿Basta con los fallidos intentos de capitalización a través del crowdfunding en México? 

Muchas respuestas son necesarias. ¿Cómo participamos de esta situación?

Rafael Mendoza escribe para el Blog de Ad Libitum

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3 razones importantes para seguir promoviéndose en CD...

A pesar de que las cifras del IFPI indican que los servicios de streaming digital y descargas por transferencia, han equiparado a la venta del material físico, existen 3 razones para interpretar que no basta con enviar archivos MP3 para promoverte.

Aquí te presento mis 3 razones importantes para promoverte en CD...

1.- Es un formato universal: Aunque pienses que tu mp3, iphone, ipad o smartphone son una utilería que todo mundo tiene, la realidad es que pocas unidades se han distribuido masivamente para el mercado musical. Mucha gente todavía utiliza y aprecia el CD como una forma tangible de obtener música.  Ahora puedes maquilar las piezas necesarias para tu promoción sin que pagues un millar.

2.- Es más fácil de reseñar: Si acompañas tu cd con un kit promocional, llamará mucho más la atención que simplemente enviar un frío link por internet. Las bandas creen que esa "sencillez" de tener un archivo con un click, es la mejor forma de distribuir su material. Imagínate que quiero conocerte en persona y recibo en la puerta de mi casa un papel con una mano tuya impresa en actitud de saludo. Esa misma percepción ocurre con un email y un link pegado.

3.- Generas expectativa de venta: Está comprobado con los videojuegos, que enviar un CD demo a clientes potenciales, incrementa el número de piezas en pre-venta y en fecha de lanzamiento. La mayor parte de la gente olvida que somos seres sensoriales. Escuchar la música no basta con un bonito diseño 2D traducido en Pixeles. Usar un CD acompañado de un ligero arte y hasta tu autógrafo es mucho más significativo que buscar 5000 likes, 2000 views y 30,000 descargas en iTunes.

Conclusión

Crear sensaciones sonoras va más allá de un sencillo archivo de sonido. Ponlo en una plataforma, hazle arte al CD, imprímele tu visión y llévalo a las personas indicadas. No pienses que solo la distribución digital es importante, porque en realidad es tan sólo una manera de hacer llegar algo a tus fans.

Rafa Mendoza escribe para el Blog de Ad Libitum

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11 profesionales elementales para crear un disco exitoso...

Estamos en la era del Hágalo Usted Mismo (DIY en inglés). Para que un proyecto sea rentable a ciertos niveles, no queda duda que optimizar recursos y personal pueden hacer el truco.

Sin embargo, también sacrificamos calidad en el proceso. Aunque nuestra capacidad y habilidades pueden darnos para todo, no significa que sea nuestra competencia.

La experiencia es algo que no se puede adquirir más que en dos formas: Lo aprendes y desarrollas por lo menos 3 años, o le pagas a un profesional para hacerlo.

Aquí la lista de los 11 profesionales elementales para crear un disco exitoso:

1.- Músico: Profesional encargado en el arte de combinar ideas a través del uso de armonías, notas, silencios, cadencias, dinámicas e intensidades. Conocedor de la técnica de su instrumento y preocupado por abrir su panorama a las diversas expresiones musicales sin fronteras y barreras. No tiene prejuicios sociales, religiosos, patrióticos y utiliza la música para unificar positivamente. Su ego es siempre minimizado por su compañerismo y trabajo en equipo.

2.-Letrista: Profesional instruido en el arte de combinar palabras, conceptos, ideas, emociones y sensaciones escritas. Habilidades imperativas de redacción, conjugación, métrica y ritmo de las palabras. Facilitador de la dicción y amante del idioma a producir. ¡Podría escribir una canción sobre el ácido bórico!

3.- Compositor y/o arreglista: A veces integrados en la misma persona, el compositor profesional ayuda a mejorar la pieza resaltando sus cualidades musicales. Aporta nuevas cadencias y rectifica las intenciones originales del arreglo base. Codifica la orquestación y ayuda a seleccionar las texturas necesarias para el sonido general de la pieza. Respira, come y bebe teoría musical.

4.- Productor Musical: Su trabajo es literalmente arrearte a que hagas una buena producción. Recibe todas las quejas y es crucificado constantemente por su trabajo. Tiene la responsabilidad de garantizar que tu proyecto se termine dentro del presupuesto, haciéndolo rentable y posible. Muchos artistas consideran al productor musical un precio caro, pero he visto muchos proyectos gastar 3 o 4 veces más en una producción, simplemente porque no quieren "control creativo".  Tienen habilidad sobrenatural para resolver problemas tan raros como comprar tamales de huitlacoche una madrugada de domingo, con tal de que la producción no pare. ¡Vivan los productores!

5.- Ingeniero de Grabación: Profesional dedicado a entrenar sus habilidades técnicas y creativas en la selección de equipos, entornos acústicos y es un conocedor exquisito de la comida rápida. Agiliza el proceso de producción y provee un entorno de fluidez creativa, contundente y ligera. Es el campesino que selecciona los mejores ingredientes para la mezcla. ¡Prepárate, porque él debe hacerte las peticiones!

6.- Ingeniero de Mezcla: Seleccionado por sus habilidades creativas y distorsión neuro-cerebral, provee el talento necesario para tomar las decisiones correctas para la mezcla final. No necesita del artista para cumplir su meta. Facilita el tiempo de post producción, simplificando, extrayendo y dando carácter musical al proyecto. Su trabajo no es arreglar lo hecho, sino presentarlo como un plato exquisito. ¡Envíale un cesto de frutas y déjalo trabajar solo!

7.- Ingeniero de Masterización: Considerado el Oído de Oro dentro de la cadena, descubre con sutileza las micro y macrodinámicas de una canción. Agudiza y pule el sonido general como si se tratase de una piedra preciosa lista para ser engarzada a un anillo. Sus decisiones creativas, brindan una tercera capa de profundidad al proyecto y es enemigo jurado del Loudness War. ¡Dale 3 referencias y déjalo trabajar! 

8.- Fotógrafo Profesional: Relacionar tu concepto a una imagen creativa requiere de la perspectiva correcta. El fotógrafo profesional especializado en producción musical, no requiere Photoshop para decirle a la gente quien eres. La iluminación adecuada, el obturador y velocidad de exposición correctos... ¡Magia pura!... (¡PD: NUNCA le pidas que compare su creación con la de una revista!)

9.-Ilustrador Profesional: Un arte siempre habla bien de una buena producción. El consumidor aprecia algo más que letras y fotografías en un booklet. El ilustrador profesional conectará a tu público con el alma de tu propuesta. Todos recordamos con cariño algún álbum en particular que nos gustaba hojear mientras escuchamos la música... ¡Eso ocurre gracias al ilustrador!

10.- Diseñador Gráfico: ¿Porqué todos se quieren brincar a este profesional?... Yo sé que es como lidiar por momentos con un trozo de alma de Andy Warhol, pero si llegas a conectarte con su visión, entregará su alma a tu diseño. ¿Dónde están las letras, los créditos, las referencias, la continuidad entre páginas, los tamaños de fuente, estilo y colores que resaltan el trabajo de todos?... ¡El diseñador gráfico hace que huelas lo delicioso de un material sin siquiera abrir la caja!

11.- Community Manager: Mientras todos estos profesionales trabajan, el Community Manager es la persona detrás de la información. Su labor es agregar valor a tu proyecto durante su creación. Si nadie sabe que estás haciendo, como lo estás haciendo y porqué te tomas la molestia de hacerlo, la percepción de que tu material es igual a un archivo digital está garantizada. Es impensable para la industria actual dejar de lado al Community Manager.

Conclusión

Aunque la lista parece concreta, existen muchos más profesionales ligados a estos expertos. Pocos proyectos pueden darse el lujo de contar con una cadena de producción de esta magnitud. Pero también somos los principales promotores del Hágalo Usted Mismo. No sólo la calidad final del producto se ve comprometida, sino como eslabones débiles de una cadena productiva más compleja.

No siempre se puede contratar a todos estos profesionales a tu servicio, pero te invito a que consideres por lo menos a 3 de ellos a participar en tu proyecto. Confía en ellos, porque más allá de la justa retribución de sus servicios, ellos también dejan una parte de si mismos en tu proyecto. Siempre existe un espacio dentro del presupuesto para alguno de ellos. 

ADVERTENCIA: ¡En la nueva industria no se trata de restar, sino de sumar!

Incluye sus créditos en tu disco y cuando tengas oportunidad, menciona sus nombres o empresas. Recomienda el uso frecuente de sus servicios. Todos estamos en la misma industria y aprendamos a respetar sus diferentes áreas.

Mención aparte necesitan los profesionales que van durante la promoción, distribución y comercialización... Pero ese es otro post.

Seguramente, en el futuro, tu mismo podrás participar de esta cadena acompañando a un artista nuevo y conocerás la satisfacción de ser reconocido por cada uno de ellos.

Rafael Mendoza dedica este post a todos los profesionales que hacen un esfuerzo monumental en una industria tan encantadora como el Music Bussines

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5 tips fundamentales para el músico contemporáneo...

La música es una arte que goza de una nobleza única. Sea el resultado que sea, la música posee una fuerza extraordinaria como lenguaje entre los seres humanos.

Los músicos amateur, profesionales o inspirados, comparten simultáneamente esta característica, proveyendo entretenimiento y mensaje de forma natural.

Sin embargo, existen diferencias significativas cuando queremos que este proceso se extienda al mercado del Music Business.

Hablamos de ese espacio profesional, donde la música se hace tangible para sustentar la idea creativa y a su creador económicamente.

1.- Estudian y profundizan en sus conocimientos: Estudiar tanto el instrumento, como la lectura, escritura y habílidades técnicas de la música es irrenunciable. A profundizar me refiero a campos donde la música se fusiona con la economía, la administración, la filosofía, antropología... ¡No importa la época que elijas!

2.- Amplían su panorama de ingresos: Tocar e interpretar no es la única fuente de recursos, existen muchas maneras de permanecer dentro de la música e impulsando la industra desde muchos frentes. Si conoces la industria puedes ubicarte muy bien en alguno de ellos y seguir disfrutando de tu aporte.

¿Sabes como controlar tus gastos para que no te falten parches o cuerdas?, ¿Has prevenido la pérdida de tu instrumento?

3.-Hacen un estudio personal con metas personales y financieras: Pocos músicos se preguntan a donde van con la música. El romanticismo natural de vivir por y para la música es inevitable, pero el mundo real mide las expectativas en números. El odio a "comercializarse" se transforma en un tabú porque se desconocen los principios básicos del Music Business. ¿Cuántos hijos quieres tener?, ¿que talleres quieres tomar?, ¿qué nivel quieres alcanzar?, ¿dónde te gustaría vivir?..

4.- Dejan el "así ha sido siempre" por el "hágamoslo diferente": En México, tenemos una cultura por la preservación desmedida. No hacemos nada nuevo porque tenemos miedo a la crítica y el fracaso. Y es que si la regamos, vienen a nuestra mente los regaños familiares y las expresiones negativas. Hay una regla sencilla para evitar caer en la nostalgia eterna... Hacerlo diferente podrá o no funcionar, pero debes fallar hasta encontrar una mejor forma de impulsar tu proyecto.

5.- No olvidan sus raíces: Despegarse del piso no significa solamente éxito comercial. Detrás de ti hay una generación en busca de mejores oportunidades. Es muy común que queramos someter a las nuevas generaciones a penurias para que "aprendan" lo que nosotros "aprendimos a golpes"... Esas nuevas generaciones son las que rinden tributo a sus bandas previas, a quienes los inspiraron con sus historias... Pero no necesitamos golpear sus cabezas para hacerlos mejores músicos. Hay que romper con eso y crear mejores condiciones para todos.

Conclusión

Es una época nueva para mirar a la industria diferente. Los contrastes de nuestro país han ayudado a seguir implementando las viejas estrategias una y otra vez. Podrás ser muy bueno en alguno de estos puntos, pero en estos momentos tienes que desarrollar todas estas áreas para considerarte un músico de la nueva generación. Nunca es tarde para aprender y crecer. México posee una vasta creatividad. Lo que falta es encausarla y dirigirla libre de la educación dirigida para que se convierta en un potencial clave.

Rafael Mendoza desarrolla proyectos para Ad Libitum

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Viernes de Video: Una lección de negocio musical con Frank Zappa...

 En 1984, Frank Zappa había salido de gira por 6 meses y medio. En algún momento, alguien le realizó una entrevista y le preguntó como era que realizaba sus negocios.

Esta entrevista fue rescatada por un director flash, Carl King. Junto a Stephen Cox que puso la música, dieron vida a este momento de origen anónimo, puesto que no se conoce al entrevistador ni el medio.

Zappa refleja los riesgos que tiene todo productor de espectáculos, sin embargo, casi nunca recurrió a apoyo de otras personas.

Zappa consideraba que las obras debían ser fieles en todo momento al artista y por ello abordaba los costos de producción en sus giras.

Habla de la salida de dos músicos de la banda en aquel entonces que serían Ray White (guitarra) y Napoleon Murphy Brock (saxofón).

Una gran enseñanza para todos aquellos que lideran una banda, comandan un proyecto y aparte son los inversionistas principales de todo espectáculo.

Subtitulado en exclusiva por Ad Libitum TV.

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10 tips para negociar en audio producción...

Hace poco me encontré en una situación compleja de negociación. Siempre esperas un esquema fundamental para realizar un proyecto donde todo parece ideal. Tienes un cliente con altas expectativas y cuando todo parece fluir llega la etapa de costos y con ello la negociación.

Independientemente del sector en audio producción que te encuentres, existen elementos básicos para realizar una negociación directa.

Aquí los 10 tips para negociar en audio producción

1.- Obtener la MEJOR información: Tener toneladas de información no servirá de nada si no tienes habilidad para distinguir a la mejor información de la mayor información. Eso se refiere principalmente los elementosde servicio prospectados por el cliente. Tu servicio puede ser más barato o caro dependiendo de tu apertura de negocio.

2.- Preguntar hasta el cansancio: Nunca llegarás a un nivel de comprensión entre tu cliente y tú si no preguntas cada detalle importante antes de iniciar un proceso.

3.- La negociación es un hábito: No negociar constantemente te mantiene lejos de las oportunidades. Hay proyectos donde obtienes poco recurso pero a cambio un equipo adicional para probar en tus proyectos. Siempre hay opciones de negociación.

4.- Evita la palabra "entre": Los márgenes económicos son muy variables y dependen de cada detalle. La palabra entre previene al comprador de un posible descuento. Tambièn aplica para el número de horas de estudio, tiempo de mezcla y masterización. Hay clientes que siempre reclamarán el tiempo mínimo aunque en ello el proyecto se quiebre.

5.- Nunca tomes la decisión final por tu cuenta: Al negociar debes pensar que hay parámetros que podrán cambiar inesperadamente... Un clásico es la subida del dólar, que falte la luz por varios días en la zona. Siempre manéjate con la visión de que dependes de varios factores para culminar un proyecto.

6.- Negocia con enfoque sobre tu propuesta: Los clientes siempre sacarán opciones que ya tienen en mano. Presupuestos e información de otros competidores será usada para hacerte sacar conclusiones de forma acelerada. No permitas que eso suceda, mantén tu posición de negociación y pide al cliente que te de unas horas para evaluar en base a la propuesta que le parezca más atractiva de tu competencia. Tal vez nunca realices el proyecto, pero es mejor a dejar entrar al diablo a tu negocio.

7.- Nunca digas una cantidad primero: Evita a toda costa prospectar un precio que te deje fuera de la competencia. El cliente siempre busca un número para decidir de forma inmediata, pero nunca es capaz de tomar unos minutos a analizar propuestas adecuadamente. Si tu opción es viable y más costosa que el promedio ya es decisión del cliente aceptarla o cambiarla. Una cifra debe revelarse hasta el último momento cuando todas las consideraciones necesarias están sobre la mesa.

8.- Bajar el precio es tu última carta: Cuando prospectes adjunta un porcentaje que estés dispuesto a ceder sobre la propuesta. En vez de bajar el costo, ofrece más opciones. Más tiempo de mezcla, algunas horas de edición, traer a tu amigo baterista para que afine el set sin costo. Siempre puedes agregar plus a tus clientes sin bajar el costo.

9.- Negociable no es una opción: Al terminar tu propuesta no cierres con la palabra "negociable", o "podemos platicarlo". La etapa de cierre es donde se libra la batalla final. Es tu posición contra la del cliente. A mi me ha resultado mejor indicarle que estamos en un punto donde podemos ganar los dos y típicamente el cliente no sabe que está ganando aparte del proyecto. Esta es la etapa donde la negociación se humaniza sin perder el valor del proyecto.

10.- Éxito y oportunidad: Si ganas el proyecto, habla del entusiasmo que te produce, agradece la oportunidad de trabajar para ellos e inmediatamente demuestrale la importancia de su nuevo proyecto. Si lo pierdes, hablale de los posibles beneficios que obtendrán en una siguiente oportunidad y que siempre estarás abierto a escuchar sus proyectos y propuestas de negocio. La puerta siempre debe estar abierta independientemente de lo que hayas invertido en la negociación.

Conclusión

A veces negociar nos puede evitar dolores de cabeza con proyectos complicados, mal administrados, carentes de recursos, bajo preción de calendario y sobre todo con reputación personal.

Cuando negocias no pienses solo en dinero, sino en las oportunidades que representan de avance para tu empresa. Todo esfuerzo debe cobrarse porque finalmente tu negocio está ahí para resolver necesidades a tus clientes.

Aprender a negociar no es algo complicado pero si es un ejercicio diario. Negociar mejor te deja una satisfacción profunda personal y un cliente dispuesto a recomendarte.

Rafael Mendoza negocia en Ad Libitum

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