Radiografías Musicales Rusas...

 

 

 

 

Cuando leí un artículo que mencionaba dichas radiografías me aboqué a profundizar en el tema. El artículo hacía referencia a una forma básica de piratería en la Rusia de los años 60 y 70's, aunque al parecer la práctica se mantuvo en baja intensidad hasta los años 90.

La música occidental estaba prohibida para la mayoría de los habitantes rusos. Algunas copias lograban rebasar las fronteras de contrabando o bajo pequeños sobornos. En las zonas de la frontera, los jóvenes rusos creaban tardeadas donde sintonizaban estaciones de radio que se colaban de otros países para escuchar a los rockeros europeos y occidentales.

Algunos grababan pobremente las emisiones con grabadoras comercializadas por el contrabando alemán o aquellas que recuperaban adaptando piezas de otros componentes. Estas piezas musicales eran únicas y sus orgullosos poseedores eran dignos DJ's anónimos en aquellos años.

Régimen de control

Cuando alguien conseguía introducir al país un disco de contrabando, las reuniones para celebrar su llegada y establecer verdaderas comunidades "underground", inmediatemente se preguntaron cómo podían realizar réplicas de ellos.

Conseguir un disco era similar a quien ahora tiene acceso o no a comprar un sistema THX casero para su sala, o el iPhone de última generación. Con la diferencia que no existía una industria de distribución homogénea (todavía no se consigue), lo que hacía increíblemente difícil adquirir un disco real.

Piratería cultural

La inventiva humana no tiene límites. El vinil era un elemento poco común durante la guerra fría, pues toda la producción se concentraba en el desarrollo militar. Las pocas piezas utilizadas para la comercialización musical pertenecían a la élite. En algún momento de mi carrera profesional tuve acceso a un disco ruso de música clásica, pesadísimo y con una manufactura tan robusta como para asegurar su durabilidad.

Pues alguien pensó que una buena base para copiar estos discos serían las placas de rayos x sin usar. Una gran cantidad de ellos eran desechadas por hospitales civiles y militares.

Las máquinas cortadoras de vinil eran comunes pero no todos tenían acceso a ellos, así que se turnaban para "maquilar" un limitado número de copias que intercambiaban por privilegios alimentarios, ropa o concesiones de tipo militar.

El proceso para su realización no está muy bien detallado, pero al parecer se realizaba de la misma manera que se utiliza un mimeógrafo, solamente que se utilizaba una aguja para reproducir el disco original y una cabeza cortadora que copiaba sus movimientos simultáneamente.

 

La calidad del mismo era muy inferior al original, pero al parecer era suficiente para transmitir la idea y el disco sólo duraba unas cuantas pasadas, por lo que se utilizaba no muy regularmente y se les cuidaba como verdaderas joyas musicales. Se podría reproducir por sólo una cara. Para el círculo con el que se instalaba en el tocadiscos, utilizaban un cigarro encendido y darle ese exacto calibre.

 

 Irónicamente, esta técnica fue desarrollada muchos años antes de que en occidente se considerara realizar los "discos flexibles" que tan populares fueron a fines de los años 70 y que sirvieron como base de comercialización musical o "demos" promocionales para la industria.

Conclusión

Sigo buscando información sobre este verdadero hito de la historia no contada de la industria. El rock se instaló en Rusia, principalmente gracias a la distribución de estas piezas en aquellos años. Mucha música occidental también consiguió penetrar las fronteras en forma de una radiografía. En estos años donde la industria musical tiene un canal de distribución tan amplio como internet, todavía existen cientos de millones de personas que no tienen acceso a los materiales que necesitan. Este fenómeno mundial de entregar todo por digital, se ha convertido en una necesidad social. Pero esta forma de "piratería cultural", justifica el derecho humano de comunicarse y tener acceso a todo aquello que desconoce.

Prometo encontrar algún archivo que permita escuchar una radiografía musical rusa...

Rafael Mendoza escucha viniles de vez en cuando en Ad Libitum

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Viernes de video: El Pallophotophone

Viernes de video y traigo para ustedes al Pallophotophone.

En los años 20's, la General Electric desarrolló junto a Charles Hoxie este "Fotófono".

Es un sistema de sonido óptico, muy similar al sistema utilizado en las películas para registrar sonido. Utiliza película monocroma de 35 milímetros. Trabaja haciendo rebotar un haz lumínico en una placa vibratoria que refleja sobre la película, trazando la forma de onda.

Es conocido como el primer sistema multipistas efectivo, pues su extensión real llegaría con la cinta análoga en los años 40.

General Electric, experimentó con muchas grabaciones en Nueva York hasta que desarrolló el sistema para su ingreso como sonido para películas.

En aquel entonces, la RCA era subsidiaria de GE y creo un prototipo denominado RCA Photophone.

Se cree que ninguna de las Pallophotophones construidas por GE han sobrevivido hasta nuestros días. Existen algunos rollo de grabaciones de radio.

En 2008, trece carretes fueron re-descubiertos dentro de los archivos del Museo Schenectady por el curador Chris Hunter y el investigador de la GE John Schneiter.

Las películas estaban etiquetadas con el texto "programas de radio de 1929-1930" y contenían características únicas que las diferenciaban de las primeras películas.

Scheniter contactó a Russ DeMuth, un ingeniero mecánico del GE Global Research para ayudarle a descifrar la película misteriosa.

La película carecía de perforaciones para el sprocket del proyector.

Entonces estudiaron las patentes originales y fotografías existentes del Pallophotophone original y construyeron un nuevo reproductor usando componentes modernos, lo que permitió recuperar el audio de los carretes.

Las grabaciones resultaron ser las primeras grabaciones conocidas de la NBC, una transmisión de un partido de basquetbol (considerada la segunda grabación más vieja de una transmisión de deportes) y la histórica grabación de Thomas Edison, Henry Ford y el Presidente Hoover, hablando en el 50 Aniversario de la invención del bulbo incandescente.

Esperamos que esta reseña los transporte a los orígenes de los primeros intentos de grabación multicanal.

Nos vemos el lunes.

Rafael Mendoza escucha material de archivo por la red en Ad Libitum

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Last night a dj saved my life.. (Historia del Dj) Parte II

El nacimiento de la técnica.

Continuamos con este interesante tema de la historia del DJ.

Fue hasta mediados de los sesenta cuando las posibilidades tecnológicas darían la oportunidad al DJ, a crecer técnicamente y dejar de ser solo un animador de fiestas.

Si bien la función del ritmo de una noche de baile va en función de la selección de los temas,  la capacidad de manipular las canciones, daría al trabajo del dj una complejidad que antes no se tenía.

Durante los años sesenta aparecen las primeras mezcladoras para DJ, poner una canción después de otra dejaba ver la poca habilidad del operador. 

La mala fama y decadencia de ciertos lugares que basaban su ambiente musical en música grabada con DJ's deficientes, permitieron a la música en vivo regresar como la preferida en los clubes, tanto por el público como por los empresarios.

Esto no permitió que el personaje de la historia dejara de evolucionar.  Muchas de las  técnicas que hoy conocemos y forman la base del trabajo del DJ, se originaron en este periodo. 

El beatmaching  técnica que modifica las velocidades de reproducción para acoplar o sincronizar discos fue popularizada por Francis Grasso, un DJ americano. 

Otra de las técnicas que aparecieron durante este periodo fue el slip- cueing, técnica  basada en sostener el disco  y soltarlo en el momento exacto  para sincronizar o hacer que un tema entre en escena.

Con estas bases técnicas, la manipulación de los temas se volvió algo más complicado. Se empieza a generar el concepto de mezcla. Generar puntos en el que las canciones se fusionarán compartiendo una misma base rítmica es el fundamento del trabajo del DJ.

70's... El resurgimiento

En los años setenta. El soul y el funk llenaron la escena musical y resultado de esta fusión nace el sonido disco.

Nuevamente, el personaje más importante de cualquier local era el dj. Sin lugar a dudas ,se nos vendrá a la mente el  nombre de Studio 54.

La moda de la música disco fue extendida por  toda Europa y Estados Unidos, la cultura pop y el nuevo fenómeno del  libre comercio, al igual que una  estabilidad económica  impulsó el despegue de la industria discográfic

Las versiones que usaban los disck jockeys para sus sesiones eran producidas con  un mayor tiempo de reproducción, así como con varios compases introductorios, versiones acapella o instrumentales. 

Estos elementos darían mayor libertad  de mezcla y combinación de los temas generando así un sello característico a cada uno de los locales  y sobre todo a los encargados de poner la música.

El disck jockey se volvió el maestro de las fiestas. Si un local se buscaba un buen nombre, debería de tener un  buen maestro de ceremonias, se fue creando un mito similar al de "rock star" alrededor del DJ, y se convirtió en una profesión al igual que ser un músico  de cualquier banda  de rock.

80's y la descarga electrónica

Para los años ochenta, los avances tecnológicos en cuanto a los sintetizadores, sampler y cajas de ritmos ayudaron a en un principio a simplificar y después a enriquecer el trabajo de mezcla.

En la ciudad de Chicago se origina el house,  música basada en un ritmo con un beat constante, generado por las nuevas máquinas pero enfatizando el carácter melódico por  voces femenina.

Por otra parte la cultura del hip hop,  construía otro género musical en el cual la habilidad del dj se basaba en la manipulación de los discos antiguos con figuras rítmicas más complicadas, utilizando técnicas como el back spin o el crossfade, scratch y popularizando las batallas entre los dj’s.

Hay que recordar que el hip hop es un concepto cultural que va más allá del baile y la música. Las caracteristicas sociales y culturales de este movimiento hacían del trabajo del disck jockey una forma de ser famoso, para salir de la pobreza del barrio del Bronx y Harlem.

El Disc jockey  pasó de ser un solo animador de fiesta a convertirse en un artista  de la manipulación y mezcla de sonidos y ritmos musicales para crear un sonido único capaz de identificar a un personaje o a un local creando nuevos géneros musicales.

El próximo jueves la tercera y última parte..

 Raúl Beltrán realiza diseño de sonido en Ad Libitum Estudio

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Himno Nacional Mexicano: Regalías al extranjero

Hace un rato que escribimos sobre la importancia del Derecho de Autor.

Recuerdo que hace un tiempo me enteré de que el Himno Nacional Mexicano, carecía de autoría en suelo mexicano.

Hoy en un foro de Facebook se tocó el tema sobre una nota en broma sobre un nuevo Himno Nacional Mexicano.

No me gusta intervenir el nacionalismo, ni voy a dar una lección de civismo por este asunto. Simplemente me sirve de ejemplo sobre la importancia de la protección de derechos a nivel nacional e internacional.

El hecho confirmado

En 1999, Gabriel Larrea Richerand, Presidente del Instituto Mexicano de Derechos de Autor en aquel entonces, descubrió que una editora estadounidense, podía cobrar las regalías sobre el Himno Nacional Mexicano.

Larrea menciona en un artículo para el Universal fechado el 15 de Septiembre de 2004
( http://www.eluniversal.com.mx/nacion/115679.html ), que un día se presentó Henneman Harry, con registro CAE 99999960 de la BMI (Broadcasting Music Incorporated) a cobrar las regalías correspondientes en la Embajada de México en Washington.

De acuerdo a las instituciones en derechos de autor norteamericanas, Henneman (también conocido como Hill Phil), registró el himno en la editora Edward B. Marks Music Company, como una co-autoría "Henneman Harry- Nunó Jaime".

Adolfo Montoya Harkin, Director del Instituto Nacional de Derechos de Autor declaró en ese momento que los hijos de Jaime Nunó vendieron los derechos de la música pero no de la letra.

Larrea mostró entonces un recibo por 14 dólares de cobro en regalías de 1996 a 1999.


Conclusión

Los derechos de autor en México siguen siendo desconocidos para la mayoría. Casos de disputas entre artistas son bien conocidos en el ámbito público, pero cuando trasciende a una obra de tipo institucional como el Himno Nacional Mexicano, significa que hay mucho por hacer.

A la fecha ninguno de los dos países en disputa ha querido tocar el tema y negociar en base a ello.

Nunó tuvo una oportunidad de legar a sus hijos un bien denominado música a su muerte en 1908. Pero en esa época, los cambios políticos de la nación no estaban como para tomar en serio esta situación.

No podemos juzgar a sus hijos de vender los derechos, puesto que eran una pertenencia válida y reconocida por el Estado.

Hace falta crear legislación que proteja no sólo los derechos de autor, sino aquellos cuyo valor histórico y cívico pueden representar a un país. Y no me refiero solo a los himnos, sino a la música yaqui, otomí, mazahua, huasteca o de cualquier país que contribuya a la identidad de un pueblo.

Rafael Mendoza produce y registra sus temas la SEP , produciendo en Ad Libitum

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Last night a dj saved my life.. (Historia del Dj) Parte I

Al hablar de producción sonora, hemos definido diferentes caminos y múltiples involucrados en el proceso.

 Nuestra profesión no nos permite discriminar a las diferentes expresiones artísticas que permitan mediante el sonido transmitir un mensaje o emociones.

En nuestros días un elemento que se ha vuelto reconocido dentro del audio producción; es la figura del dj o disck jockey por usar el termino correcto. 

A decir verdad  este personaje  es tan viejo como  la historia de la grabación sonora. Sin embargo  todavía se le ve con recelo y se le considera por algunas personas como un artesano más que un artista.

 El origen del DJ

Partiendo del origen de la palabra disck jockey o monta discos,  podríamos definirlo como el responsable de colocar discos para su reproducción, este termino se usó por primera vez  por Walter Winchell en 1935 refiriéndose a un productor de radio llamado Martin Block.

Martin Block tenía la habilidad de organizar los discos de tal manera que la continuidad de la programación de la estación pudiera llevar al escucha a un ritmo agradable haciéndole disfrutar de la transmisión radiofónica.

Durante este periodo de la radio, los programas  casi siempre usaban efectos de sonido creados en el mismo instante por una gran cantidad de artefactos que el locutor tenía a la mano. Los programas musicales eran presentados por los mismos artistas, era evidente que la creciente industria discográfica formaría  parte de la radio.

Por otra parte muchos eran los clubs donde la gente salía a bailar y divertirse con bandas musicales en vivo. Al igual que en los principios del cine,  las limitantes para la reproducción del sonido grabado era una barrera para que los establecimientos pudieran usar a los discos como su acompañamiento  musical. 

 Fue en el año de 1943 cuando Jimmi Savile  convoca a la primera fiesta con un dj, una persona que se encargó de poner discos de jazz, dato curioso si hoy en día  vemos que muchos de los detractores de este personaje son músicos de jazz.

Para 1947 en parís apareció lo que se conoce como la primera Discotheque “Whiskey a Go-Go “   en este local la música solo era presentada de manera de grabación por lo cual las orquestas o bandas dejaron de presentarse en el local. 

Esta moda fue extendiéndose por Europa y los Estados Unidos.  Si bien el uso de los discos en  fiestas particulares  o reuniones familiares era común, la especialización de los locales en presentar géneros de música específicos dio un nuevo enfoque a la comercialización de la música.

Música o discos de vinil

En los años 50's, los locutores cada vez usaban más los discos para presentar a  las nuevas bandas y  seleccionar los temas que  en su opinión eran los mejores. 

Es así como podemos decir que la opinión del locutor o disck jockey validaría lo que el público escucharía.

Esta podría ser la primera etapa de construcción de la figura del dj, aquel que seleccionara los temas musicales para la manipulación de las emociones del escucha. 

Justamente es aquí donde empezara el debate y la lucha entre los músicos y los dj´s. Había gran la cantidad de locales que preferían la música en vivo que las fiestas con dj y muchos locales que cerraron sus puertas a los músicos apoyándose en el uso de discos como un beneficio económico.

En el mismo tiempo en el que podía presentar a una sola banda desconocida  podría escuchar a las bandas más famosas y de forma gratuita.

El crecimiento y formalización de la industria discográfica  tenía como vehículo principal los dj´s  de radio muchos de ellos también vieron al oportunidad de fama al presentarse de manera específica en fiestas.

 Llevaban consigo su selección musical y volviéndose parte de la cultura popular ningún tema que ellos no aprobaran  podría llegar a ser un hit,  una razón más por la cual el creciente recelo por los músicos  sobre los dj´s que no solo se volvían famosos por usar su música, sino que también dependía de su opinión su éxito o su desaparición de las listas de música.

El trabajo del Dj consistía principalmente en poner una canción  hacer un comentario mientras colocaba otro disco, realmente las limitaciones tecnológicas y técnicas, se enfocaban solo al conocimiento y criterio para seleccionar  la música y  convocar a un ambiente festivo. 

El termino de mezcla era prácticamente inexistente, solo se enfocaban principalmente al uso de una tornamesa  hasta el año 1955  Bob Casey fue el pionero en usar  dos discos pero simplemente usando el crossfade para presentar los diferentes temas.

Realmente el dj era considerado como un animador no como un artista, era una figura carismática.

Seguimos el tema en 8 días...

Raúl Beltrán realiza producción y diseño de sonido en Ad Libitum

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El Hobbit: La desolación de los estándares en México

Feliz año 2014... Ya estamos de vuelta con nuevos proyectos y precisamente el día 1ero me dió la pauta para escribir este primer post del Blog en 2014.

Acudí al cine para experimentar la nueva cinta de la trilogía "El Hobbit", producida por Warner Brothers, New Line Cinema.

A cargo de la cinta, Peter Jackson siempre se ha preocupado de todos los niveles de producción para obtener una experiencia cercana. Más allá de la crítica de historia y actuaciones, Jackson recurrió a la ayuda de  Tony Johnson, Dan Morgan, John Simpson y Dave Whitehead para la etapa de Post Producción. La mayoría participaron como diseñadores de sonido y foley artist para películas como Avatar y el Señor de los Añillos.

La música corre a cargo de Howard Shore repitiendo gran parte del trabajo realizado en la trilogía de "El Señor de los Anillos".

Una producción tan detallada se conjunta para proveer una experiencia cercana entre la imagen y sonido, además del cuidado con el nuevo estandar de 48 cuadros para entrar a una experiencia de imagen más nítida, requiere un local adecuado, calibrado y bien realizado.


La realidad de las salas en nuestro país.

No daré detalles de la cadena a la que acudí a ver esta película, sin embargo me parece que si bien no todas las salas carecen de estos requerimientos, una gran mayoría tiene problemas con ello.

La cercanía entre salas ya representa un problema porque ante la mala calibración de sonido, el subwoofer o frecuencias bajas, se hacen presentes en las salas aledañas, rompiendo muchas veces el efecto de suspenso y atención en partes silentes de la película.

Nada como escuchar una explosión lejana durante un diálogo de reflexión entre Bilbo y Gandalf.

El doblaje es bien realizado, desafortunadamente los diálogos se perdían totalmente en el centro cuando la música se compaginaba en las escenas de acción.

Los efectos surround son poco presentes y pierden su efecto cuando de manera un poco mañosa ponía especial atención a los canales traseros. Conté solamente 2 ocasiones donde se pudo percibir el efecto de arribo de una bandada de orcos acercándose. Mi ubicación en el centro de la sala debió permitir una experiencia más equilibrada. No fué así.

El subwoofer presentó algunos crujidos de distorsión y los canales laterales brillaron por su ausencia en escenas clave.

De buena fuente sé que los administradores de cine se ven forzados a apagar algunos equipos para que el consumo de energía baje y se vuelvan más operables en tiempos de bajo ingreso (yo acudí en la mañana).  También tengo entendido que el entrenamiento de calibración no se realiza contínuamente y que se evita en lo posible para no "gastar" en el experto, porque el cliente, solo viene a "ver" la película.

Conclusión

Que un cine tenga un estándar o sello de certificación, no significa que realmente esté ocurriendo. Tampoco hay manera de verificarlo cuando a duras penas, la mayoría de la gente no tiene siquiera el criterio de elección y mucho menos de apreciación cinematográfica mínimo. En las escuelas no nos enseñan a ver el cine por su manufactura, género, mensaje e interpretación.

La mayoría acude al cine a mirar en movimiento un cartel, la extensión de un trailer (que muchas veces están hasta mal diseñados).

Esta peligrosa combinación, permite que películas mexicanas como "Una película de huevos", o "No se aceptan devoluciones", pasen de ínfimas representaciones a "clásicos" mexicanos.

De nada sirve que Jackson utilice un criterio técnico específico para contar una historia, si como audiencia no exigimos y nos preparamos para ver el cine que estamos pagando.

Me divertí con la historia y las imágenes, escuché lo mínimo necesario para comprenderla, pero el cine en esta ocasión, me dejó un sabor amargo por la experiencia non grata. 

Si bien es cierto que no todas las historias requieren este grado de complejidad técnica para crear una experiencia agradable, no significa que se deban evadir los estándares operativos, cuando la misma industria los ha creado para brindar una experiencia diferente.

Es tiempo de preguntarse si pagar un boleto de los más caros del mundo para ir al cine, realmente nos da la experiencia que se puede obtener de origen.

Rafael Mendoza realiza producción de audio y visita las salas de cine regularmente

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El cálido sonido del gramófono..

Durante la semana, escribimos sobre la historia de la Deutsche Gramophone...

Cuando tenemos referencia de grabaciones viejas, normalmente escuchamos archivos digitalizados.

Esos archivos ofrecen una perspectiva auditiva poco real, de mejor calidad sí... pero carentes de la experiencia de escuchar un gramófono...

Emile Berliner, fundador de la Deutsche Gramophone, lo patentó en 1888.

Muchos lo confunden con el fonógrafo (de hecho la popular estación mexicana lo adopta con este nombre).

La diferencia con el Fonógrafo, son los medios de grabación y reproducción... En la invención de Edison es un cilindro... el Gramófono utiliza el ahora popular formato circular de vinil..

Hoy quiero presentarles el sonido directo de un gramófono... hace algunos años, tuve la grata experiencia de darle cuerda a uno y echarlo a andar con un disco de 80 rpm.

Los sonidos que encontramos actualmente de librerías para emular estos aparatos, son reflejos y destellos lejanos de la experiencia otorgada al girar una manivela...

Ojalá disfruten ese bello ruido de fondo, toque de aguja y frecuencias altas en un ambiente tan hogareño como común... acústica indeseable que agrega emociones... Y qué mejor que Duke Ellington..

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Radio Teatro: El arte de construir un escenario en cada mente...

Es casi un arte perdido. Las grandes cadenas radiodifusoras y las pequeñas radios emergentes han relegado este género radiofónico casi al olvido.

La radio durante las primeras décadas del siglo pasado fue el medio de entretenimiento y rey en los hogares. La programación estaba constituida por eventos deportivos y noticiosos, programas de aficionados al canto,  poesía  y alguno que otro talento especial con sus respectivas menciones publicitarias.

Sin embargo, uno de los elementos que hizo de la radio el medio de comunicación por antonomasia fue la producción y trasmisión de historias que se dramatizaban. 

Acompañadas por  efectos de sonido, música y actores, se combinaban en el estudio, un escenario capaz de  atrapar al escucha y volverlo cómplice de secretos, amores y crímenes que día a día mantenían a la familia unida a ese invento electrónico.

Estas historias eran relatadas en tiempo real, es decir, que el oyente las escuchaba en el mismo momento en el que eran actuadas, los efectos de sonido eran creados cuando  el guión los marcaba y en el que la imaginación de los responsables jugaba un papel trascendental para crear el ambiente  y el lugar donde se desarrollaba la acción.

Horas de ensayo como cualquier puesta en escena, recaían sobre los actores que no deberían de fallar durante la transmisión y que de hacerlo deberían de sortear con el arte de la improvisación cualquier tropiezo para no perder el ritmo de la escena.

Su voz era el vehículo para que  la gente sin ver sus rostros imaginara la belleza de la mujer fatal, se enamorara del príncipe azul y odiara al monstruo deforme que ponía en peligro al mundo entero.

A la llegada de la televisión este rey fue perdiendo su imperio. El lenguaje visual, cuya cualidad de síntesis nos quitó la capacidad de construir la curvas de la heroína,nos la presento de carne y hueso, sacó de nuestra mente  los colores de un amanecer y los cambió por el decorado de una pintura enorme.

Al cerrar los ojos y escucharlo  por la radio, cada uno de los escuchas diseñaba su propio escenario, un paisaje. La heroína diferente para cada publico, pasó a ser el mismo para todos.

Si bien muchos de los artistas de los efectos de sonido llevaron su trabajo al cine, en la televisión la capacidad de relacionar lo visual directamente con la acción, dejó que tanto el espectador como el productor no tuvieran un especial interés en los detalles sonoros relegando al espectador a ser un simple consumidor de estereotipos  e ideales visuales.

Este arte al pasar el tiempo se ha ido diluyendo y vuelto como un pedazo de artesanía  difícil de encontrar, casi siempre  en festivales, muestras culturales y concursos, pero sin ser una constante en la programación de las estaciones. Lo cual me parece completamente irónico.

Si podemos recordar  la capacidad creativa y las herramientas que se tenían en la década de los 20’s del siglo pasado y la contrastamos con lo que tenemos en la actualidad, es risible  pensar que se carezcan de elementos para retomar y posicionar de nuevo el radioteatro como un producto rentable.

Entonces, ¿a qué se debe la poca transmisión de programas de esta índole? 

Responder que es a compromisos comerciales  por parte de las radiodifusoras se me hace una salida simple. Creo que el problema está en la falta de creatividad de los productores, en el egocentrismo de los locutores y su falta de creatividad en una recurrente  promoción del “periodista y líder de opinión”. 

Desgraciadamente en mi país, a falta de cultura por la lectura por parte de oyente y del locutor, ha generado una pobreza de lenguaje, que al escudarse en formar parte de la “banda”, ha legitimado el uso de un vocabulario tan limitado que sería imposible compararlo con alguno de los actores de ese radioteatro perdido.

Los avances tecnológicos nos dan la oportunidad de producir y postproducir, cosa que era prácticamente imposible en esos tiempos.

El escenario se montaba en el mismo instante en que empezaba la transmisión. 

En la actualidad, tenemos librerías de sonido, samplers, sintetizadores, programas que nos permiten crear y editar sonidos nuevos, tanto en tiempo real como en una postproducción ¿ cuál es la limitante entonces para no crear nuevos productos?. 

Dinero no lo creo. Las empresas siempre apoyaran proyectos de calidad. Si funcionó hace casi noventa años podría funcionar de nuevo, creo que es falta de creatividad y de ganas de trabajar por parte de los encargados de producción y la comodidad  que generan otro tipo de programas.

Desde nuestros lugares, creo que es tiempo de ser propositivos y de presentar nuevas ideas, a los clientes, a los escuchas. 

A nosotros mismos como productores, ingenieros,  músicos y publicistas, pues todos usamos el sonido para jugar con las emociones, sueños y fantasías del oyente.

Raúl Beltrán desarrolla proyectos en Ad Libitum Estudio

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Deutsche Gramophone: Un clásico de la industria...

En nuestros días, poseer un sello discográfico está al alcance de unos cuantos trámites. Cualquiera puede ahora tener una disquera, pero mantenerla más de 11 décadas trabajando es un reto que muchos abandonan a los 3 meses.

Deutsche Gramophone, es el único sello discográfico que se ha mantenido vivo desde 1898. También es el sello más veterano que existe actualmente.

Su origen inicia en Alemania, fundada por un alemán nacido en Estados Unidos llamado Emile Berliner.

Ubicada originalmente en la ciudad de Hannover, la compañía creó enlaces con la naciente industria norteamericana, a través de la Victor Talking Machine Company (RCA Victor) y la British Gramophone Company (EMI).

En sus inicios creó el hito de un disco redondo grabado y prensado con tecnología americana. Este fue el golpe que sacó a Edison del negocio, pues sus cilindros grabados eran ineficientes, se rompían con facilidad o se rayaban en su almacenaje. Berliner desarrolló tanto el método de prensado como el de reproducción.

El primer artista fuerte de la compañía fue Enrico Caruso, cuando graba en 1902.

Otros importantes nombres que lo siguieron fueron Mattia Battistini, Emma Calvé, Alessandro Moreschi (el ùltimo castratti), Antonio Scotti, Leo Slezak, Francesco Tamagno (El primer Otello de Verdi), Geraldine Farrar, Mary Garden, y Elena Gerhardt.

Otro icónico símbolo se realizó cuando cambió la etiqueta de su angel de grabación por el de "His Master's Voice", donde un perrito escucha atentamente la bocina de un reproductor de discos. Este ha sido el logo oficial de la disquera RCA Victor.

En 1913, Deutsche Grammophon causó sensación con la primer obra de música clásica grabada completa: La 5ta Sinfonía de Beethoven, con la Berliner Philharmoniker bajo la conducción de Arthur Nikisch.

Al finalizar la primera Guerra Mundial, la compañía es acusada de ser una empresa inglesa enemiga y se le obliga a quitar la leyenda "His Master's Voice". También se le restringe el uso de las obras externas por considerarlas antinacionalistas.

Algo similar pasa en Mayo de 1942, cuando la Gestapo le prohíbe crear masters con artistas, músicos o compositores de origen Judío. Con los bombardeos a Berlín, la compañía queda destruída y vuelve a sus oficinas de Hannover para reiniciar su labor.

En 1946, se convierte en la primer empresa en utilizar cinta magnética para realizar sus grabaciones.

Hasta 1950, los discos de 70 rpm, podían contener hasta 7 minutos de música, pero en 1951, la compañía introduce el nuevo estándar de 33 1/3 rpm. La industria dió un nuevo salto con el disco LP (Long Play).

Los años 60 trajeron dos innovaciones más al mercado. Herbert Von Karajan realiza la primer grabación de Beethoven en sonido estéreo.  En 1969, se anticipa a los festejos del bicentenario de Beethoven y saca al mercado la colección de obras completas, compiladas en 79 LP's.

El sello continuaría realizando grabaciones de música clásica hasta que en 1983, introduce el primer CD de música clásica al mercado.  En 1989, comienza a lanzar también videocassetes y el popular LaserDisc con obras clásicas y ópera teatral.

En 1999, Polygram, una subsidiaria directa y principal, es adquirida por Universal Music Group y permanece ahí desde entonces.

Deutsche Gramophone demostró que la música clásica es un producto rentable y ha sabido conservar el enfoque adecuado a ese mercado. Su calidad de grabación y detalle, la han proyectado como la autoridad máxima en el campo de la grabación de música clásica.

Ha hecho saltar a la industria, primero al incluir la versión actual del vinil (dudo mucho pudieran hacer scratch con un cilindro), la creación del estándar 33 1/3, la cinta análoga como soporte de grabación, el soporte al CD y Laserdisc y recientemente la aplicación de descargas digitales.

Múltiples técnicas de grabación, microfonía, sistemas de monitoreo y uso de recintos acústicos se han desarrollado gracias a las miles de horas invertidas en grabación. La introducción de la grabación en 4D es una de sus más recientes aplicaciones y veremos todavía mucho más de esta compañía, que nació en un modesto sector de Hannover y que ha dado al mundo, el registro más amplio y exacto posible de la música clásica...

Rafael Mendoza escucha discos LP de la Deustche Gramophone cuando tiene oportunidad.. 

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Fabricación de los discos de vinilo...

En este Viernes de video veremos como se realiza la producción masiva moderna de los discos de vinilo. Anteriormente se utilizaban otro tipo de elementos para crearlos. Con el resurgimiento del vinil como fuente de difusión, se acerca una nueva ola de difusión y estrategia de comercialización musical.

Para muchos, el vinilo se mantiene vigente y proporciona una experiencia poco  comparable al CD y mucho más satisfactoria que transferir archivos mp3.

Este video es muy ilustrativo y nos ayuda a comprender un proceso que se mantiene artesanal en un buen porcentaje.

Nos vemos el lunes

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Cassettes: Rebeldes de nacimiento...

Mucho se habló durante los años '80 sobre la desaparición de los formatos análogos con la llegada del CD.

El vinil ha demostrado en los últimos años, que es posible mantener viva la tradición análoga en la industria de Audio Producción.

Para el consumidor promedio, el establecimiento del CD y la distribución MP3, pareciera que no hay salvación ni para el formato físico digital.

Entonces, ¿llegará el final de los formatos análogos próximamente, especialmente los de cinta?


El nacimiento de una nueva era

La palabra "Cassete" proviene del francés que significa cajita. Descendiente directo de la cinta de carrete abierto, se utilizó en sus inicios para almacenamiento de datos en computadoras bancarias.

La calidad de su construcción impulsó a Philips a introducirlo al mercado como opción de audio. En 1964 se registró bajo el nombre de "compact cassete".

Un acierto de Phillips fue licenciar de forma gratuita el formato, un antecedente del que Sony aprendería su lección con el formato Beta en los años ochenta.

Por primera vez era posible escuchar música sin el molesto ruido de la aguja y de manera más limpia. Con el nacimiento del sistema Dolby para atenuación de ruido, el cassete se dirigió a convertirse un estándar durante los años 70 y 80.

Otro poder había llegado al consumidor, grabar en casa sus cintas propias para compartir con la familia, enviar mensajes grabados en cassete o crear un demo en una grabadora multipistas.

Un medio rebelde por nacimiento.

Al cassete podemos atribuirle más allá de las posibilidades que ofreció al consumidor, una capacidad que se desarrollaría posteriormente con las grabadoras digitales.

En todos los países, los sistemas políticos, económicos, sociales y Estados, han comprometido la libertad y sometimiento de sus gobernados para mantener el control interno.

El cassete ayudó a promover, difundir, distribuir y establecer la democracia sonora, saltando los primeros filtros del derecho de autor.

En México, grupos como Los folckloristas, Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, llegaban a través de cassetes pirateados en cuba. Los discursos del Ché Guevara, sirvieron de soporte para los cambios más importantes de los años 70. En México reinaba el romanticismo por el bolero, el rock fresa de Elvis y los Beatles, las sonoras y baladistas recetados por el monopolio de Televisa.

Grupos como Sex Pistols, Iron Maiden, Deep Purple, Pink Floyd, llegaban a cuenta gotas o eran distribuidos como copias de aquellos que podían tener la suerte de saltar al otro lado.

Los mismos grupos mexicanos de rock, encontraron su distribución de esta manera. Y así en muchos países como la antigua URSS, donde grupos como Metallica, ACDC, Sepultura y otros, se podían conseguir sólo en esta plataforma ante el bloqueo ruso al mercado capitalista.


¿Está próxima su muerte?

Aunque usted no lo crea, en México y otros países de américa latina, todavía se requiere el maquilado de este formato. Es cierto que la calidad ha decaido mucho y México no ha comprendido del todo que un cassete no es sólo un medio de distribución. Pocas son las disqueras que manejan sus catálogos en cinta de alta calidad como el Cromo y cinta de Metal, simplemente porque consideran que no hay mercado para ellos.

Mucha gente conserva sus viejos reproductores de casettes, grabadoras portátiles, walkmans, estereos del coche.  Me atrevo a decir que ningún reproductor de CD, alcanza la calidez y experiencia que requiere poner una cinta de cassete y voltearlo cuando termina.

Para los ingenieros en audio, es similar a grabar todo un disco en cinta análoga y editarla a la vieja usanza de la navaja, el gis y el frame by frame.

En los paraderos de las carreteras se pueden encontrar títulos todavía disponibles. Compilaciones de éxitos que todavía valen su peso en audio.

Conclusión

El cassete tuvo un declive importante con la llegada del CD, pero todavía no desaparece por una simple razón.... es toda una experiencia cuando se profundiza en este formato.

Tengo clientes que constantemente me llevan cintas de cassete grabadas del radio, porque mucho material está descatalogado y sólo lo manejan algunas radiodifusoras. Los pasamos a CD, sin embargo, prefieren mantener la cinta original para un futuro.

Yo todavía tengo cintas que son imposibles de conseguir en el mercado de Amazon, CD Baby o iTunes. Creo honestamente que nunca las volveremos a ver.  También poseo un Walkman Sony que suena excelente y que todavía utilizo de vez en cuando.

Existen toneladas de demos, diálogos, mesas redondas, entrevistas, música, audiocuentos y experiencias personales puestas en una cinta de magnoferrita en cada casa que podamos visitar.

El vinil está volviendo, simplemente porque la experiencia de aplicar una aguja sobre un disco con surcos, es una pieza de historia que podemos traer a la vida por nuestros propios méritos.

El Cassete tiene la particularidad de contener no sólo una historia, sino poder borrarlas y reescribirlas, algo que ningún humano había podido concebir hasta entonces.

Esta capacidad es predecesora de las interfases caseras que tanto suponen un daño a la industria. Nada más alejado de la realidad que esto

Yo levanto mi mano para pedirle a todos ustedes, que desempolven y limpien como antaño los cabezales de su reproductor de cassette con un cotonete y alcohol. Saquen de la caja del recuerdo algunas cintas y vuelvan a vivir la experiencia ahora acompañados de sus hijos.

El cassete está de vuelta... sólo basta que le demos ese valor que ha perdido a cambio de un disco compacto y la frialdad de bajar un archivo mp3 de baja calidad.

Rafael Mendoza escucha y transfiere cassetes en Ad Libitum Estudio

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Viernes de video: La primer grabación magnética

En el video de este viernes, vamos a escuchar el sonido de la primer grabación magnética.

Lo que escucharán, se grabó el 27 de abril de 1935, en el Teatro Ludwigshaven, usando un prototipo de la grabadora AEG Magnetofónica.

Cuatro prototipos fueron construidos entre 1932 y 1934, pero esta es la última.

Iba a ser expuesta en la Feria de Radio en Berlín de 1934, pero presentaba algunos problemas.

Un error mayor de diseño, rompía la cinta si no se esperaba hasta que la grabadora se detuviera mientras reproducía o rebobinaba.

No había forma de ir rápido hacia adelante y el capstan del motor, era asíncrono, lo que producía una variación de  tono audible.

Este prototipo sirvió para construir el Magnetophon K1.

Los cortes, variaciones de tono y otros defectos de sonido son auténticos. La cinta usada era de Carbón gris, que fue reemplazada por las ferrosas obscuras en 1936. La velocidad de la cinta era de 1 metro por segundo (100 cms./s).

La sonata para piano y cello, se desconoce el autor y nombre.

Esta grabación abriría un nuevo campo de posibilidades para industrias como la discográfica, radio, cine y poca gente sabe que se desarrolló como instrumento de guerra, a fin de captar códigos y descifrarlos rápidamente..

Un saludo y nos vemos la siguiente semana

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Sonido y Cine (Parte III)

El nacimiento del termino diseño sonoro, las grandes inversiones en el mejoramiento de las salas, y los intentos más grande por convertir una pantalla en una burbuja tridimensional son los mejores aportes que nos dejan las siguientes  décadas en el desarrollo del sonido en el cine.

Una inmensa búsqueda por la fidelidad y sobretodo un desarrollo tecnológico imposible de parar y de seguirle el paso,  la digitalización  de imagen y sonido y las nuevas plataformas para la postproducción.

La década de los  70´s

Es una década de las más importantes para el sonido  en el cine. En 1971 es estrenada la Naranja Mecánica de Stanley Kubrick, esta es la primera película  que usa el mecanismo de reducción de ruido inventado por los estudios Dolby.

Para 1972 las curvas de ecualización y de  reducción de ruido Dolby se convierten en estándar. Para 1974, un mejor sistema de reducción de ruido era presentado por Dolby con RCA y Kodak que permitía tener dos canales ópticos en una cinta de 35 mm. 

En 1976, el sistema de sonido estero se convertía en estándar, siendo este utilizado no solo por el cine pues se aplicó en radio FM y  grabaciones a casette, entre otras aplicaciones.

En 1977,  con la película Star Wars se observa una revolución en el sonido de manera creativa. La invención de cientos de sonidos (como es el caso de las espadas láser) diseñados por Bent Burtt, así como el uso del sistema  Baby boom con tres canales centrales para sonido y dos más para reproducir bajas frecuencias,  es el antecesor de lo que hoy conocemos como “subwoofer “ y un salto importante en el diseño de sonido.

En 1979 Walter Murch hace un excelente trabajo en la película Apocalypse Now, el film revolucionó completamente las salas de cine, implementando lo que hoy conocemos como sistema 5.1, un sistema con tres canales detrás de la pantalla, dos canales para surround y un canal central de bajas frecuencias.

El trabajo de Walter Murch no solo se traduce a crear un sistema capaz de situar sonidos alrededor de 
la sala, si no a la creatividad con la que logro la mezcla final.

Para los años setenta, la industria del cine había tomado muchas técnicas de la música, una de ellas era el uso de la grabación multipista para hacer la post producción del sonido, controlando la cantidad de sonidos que se podían grabar y además mezclar para dar una posibilidad creativa enorme. 

Walter Murch  es uno de los que tienen esa visión para  explotar  todas las posibilidades  e inventar todo un mundo de la nada, es por eso que  con su trabajo en  Apocalypse Now se acuña el nombre como “diseñador de sonido”.

En este punto el trabajo del sonido ya no es tomado como una parte técnica nada más, si no que para muchos directores se hace consiente la importancia de tener especialistas en un diseño sonoro.

Digitalización.

Es importante mencionar que muchos de los avances tecnológicos en cuanto al sonido no fueron pensados solamente para el cine; de hecho muchos de ellos no se crearon pensados para ser usados en él, sin embargo, la creatividad de las personas dedicadas al cine los fueron acoplando, como fue el caso de la grabación multipista originalmente usada para la grabación musical. 

La invención de los transistores, hizo posible la invención de aparatos más pequeños, más manejables y más versátiles.  Lo mismo sucedió con los circuitos integrados  con los cuales la digitalización de información fue fundamental.

Otro hecho significativo para la evolución del sonido son las investigaciones en cuanto a la calidad  dentro de las salas. 

A finales de los  70’s y principios de los 80’s, George Lucas contrató a Tomlinson Holman quien hace investigaciones en busca de una mejor calidad de sonido, Tomilson fue contundente al decir que los teatros no estaban a la altura de las proyecciones y que el público recibía una calidad de sonido deficiente. 

Las investigaciones dan resultado una serie de pautas de configuración de las salas para tener un sonido más fiel, más cercano a lo que los estudios post producían, es decir, que las salas reproducen lo que se mezcló. 

Esta serie de pautas fueron usadas por primera vez con el estreno de la película de George Lucas El Retorno del Jedi, dando origen a la compañía THX. Esta empresa, se encarga proveer a las salas de los elementos técnicos y acústicos, para extender la certificación THX,   una serie de disposiciones técnicas para un control de calidad del sonido.

Así como el THX, aparecen nuevos sistemas para la reproducción de sonido dentro de las salas como son el  DTS digital sound.  DTS  es una compañía fundada en 1990 por Terry Beard teniendo como inversionistas a los estudios Universal y a Steven Spielberg.  

Las investigaciones de Beard dieron origen a un formato que almacena la información de audio, no en la cinta cinematográfica si no en un CD ROM, este formato fue usado por primera vez  en 1993 Jurasic Park.

Los laboratorios Dolby también entraron  en la competencia  de los formatos digitales, si bien su sistema de reducción de ruido ya era un Standard en la industria el siguiente paso era entrar en el mundo de los formatos digitales, es así como en 1992 aparece el sistema Dolby Digital usado por primera vez en la película Batman Returns, este formato a diferencia del DTS si almacena la información en la cinta.

Sin embargo, no sólo la digitalización se refiere a nuevos formatos de reducción de ruido o sistemas de reproducción, si no a la posibilidad de almacenar,  y manipular  la información sonora dentro de una  computadora. 

Con esto la post producción reduce sus costos y sobre todo da una comodidad para trabajar con ella. 

Ya que la edición de esta no es más una edición destructiva, como se hacía con  los formatos análogos, por los cortes que se realizaban a la cinta, y que era información que no se podía recuperar. Con la digitalización esta nunca se pierde y tampoco la calidad con la que se grabó.

Esta digitalización no es exclusiva del sonido, también se usa para la imagen, aunque ésta representa una mayor cantidad de información, el proceso que se hace de pasarla de análogo a digital y de digital a análogo tiene las mismas  bases.

 En un principio, era imposible la sincronización del sonido con la imagen, ahora con un DVD (Digital Versátil Disc) o Blue Ray Disc  se tienen varias pistas de sonido en diferentes idiomas almacenadas con la misma calidad y sincronía que la original.

Si bien el sonido ha estado envuelto en un constante desarrollo tecno-lógico, el sobreponerse a sus primeras limitantes, ha resultado que en estos tiempos  el uso de la tecnología sea en base a una búsqueda artística y creativa del sonido como parte de una producción cinematográfica. 

El desarrollo tecno-lógico está muy lejos de llegar a su fin, cada vez  el avance  es más rápido  y  más enriquecedor. Si bien la ciencia no se detiene tampoco la creatividad y la capacidad artística, por lo cual considero que no se debe temer al uso de la tecnología  para buscar nuevas y mejores expresiones.

Raúl Beltrán hace producción y diseño de sonido en Ad Libitum Estudio

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