Monetizar o hacer dinero de la música: ¿Es lo mismo?

Estar de vuelta en el Blog es reconfortante, después de una breve pausa para atender algunos proyectos interesantes para ustedes. Conviví estos días con personas interesadas en el tema del music business y me di cuenta que existe un gran problema de percepción general.

Cuando hablamos de "hacer dinero" con la música, la sensación de rechazo es inmediata. Pero cuando cambiamos el concepto por "monetizar" las actividades musicales, suena mucho más sugerente y real.

Para los expertos en capitalismo, esto podría parecer la misma expresión, pero disfrazada o endulzada por un término menos agresivo. Sin embargo, hay una diferencia abismal entre la interpretación entre ambos conceptos

¿Hacer dinero de la música?

Es desafortunadamente, el concepto más aceptado, porque se percibe un interés o abuso en prejuicio de las artes, en nuestro caso la música. Se entiende que a pesar de la inversión en tiempo, aprendizaje, técnica y materiales, se utiliza al arte como producto a cambio de simples monedas. 

También es el concepto más utilizado para definir la toma de decisiones por parte de disqueras, managers y artistas. Y siendo honestos, existe una gran cantidad de personas, suplantando con acciones orientadas a "hacer dinero", sin conocimiento alguno del negocio musical.

En México tenemos a la figura de los "representantes" artísticos, el "caimán" del grupo o el "dueño" del proyecto. No hablo en sentido general, sino que es fácil reconocerlos porque son figuras que han trascendido durante años y que intentan aplicar técnicas de hace 30 años para el Music Business. 

Piden dinero sin dar recibos, se dicen conocedores y estar "conectados" con las palancas fuertes ("yo conozco al promotor tal..."). Negocian presentaciones en lugares donde no pagan más que con cervezas y aparte llegan con amigos a ver a sus "descubrimientos". 

Afortunadamente esta figura está desapareciendo y desafortunadamente algunas prácticas se han preservado en áreas del Music Business que urge erradicar.

¿Monetizar la música?

En realidad creo que utilizar este concepto también es inadecuado. Una forma más real sería decir "monetizar tus actividades musicales". Independientemente cual sea la manera de obtener un recurso a cambio de servicios en el Music Business, sonorizar, renta de equipo, bar karaoke, grupo musical, grabación, producción, mezcla DJ o imitación, monetizar significa recibir un beneficio económico a cambio de tu actividad.

Incluso cuando tu objetivo principal no es obtener recursos económicos, necesitas tener una idea clara de quien hace que, cómo hacer que se alcancen los objetivos y cuantos costos están comprometidos.

Esto implica que debes saber que haces cosas que están legalmente permitidas y quien tomará las responsabilidades si algo sale mal. Más allá del concepto de libertad artística que merece un tratamiento aparte, debes entender que no todo el arte es para todas las personas.

Siempre que hay dinero involucrado, se debe poner atención no sólo de cuanto ganarás o no, sino que a pesar de no ganar algo a cambio de tus actividades, tampoco estás perdiendo algo importante.

Conclusión

Monetizar tus actividades musicales va más allá de la obtención de recursos. A veces me preguntan si hacer una banda es buen negocio. La mejor manera de evaluar esto es saber cuantos recursos económicos, personales, tiempo y esfuerzo requiere ese proyecto en particular. 

Obtener una ganancia no es siempre el objetivo de algún proyecto. Si se vuelve sustentable basta para hacerse viable. Es decir, puede ser que simplemente se mantenga en actividad el tiempo necesario para cumplir un objetivo clave. Monetizar ganancias puede no ser su objetivo principal, pero monetiza recursos que le permiten seguir viviendo.

Por el contrario, monetizar para obtener ganancias también puede ser viable siempre y cuando se vuelva rentable. Ganar 1 peso o 200 pesos es una ganancia, pero pocos nos preguntamos ¿es rentable ganar 1 peso o 200? 

Este tema de la rentabilidad requiere de un post adicional, pero baste decir que para comprender mejor al entorno del Music Business, debes dejar de pensar en "hacer" dinero, a cambio de "monetizar" tus actividades musicales.

Rafa Mendoza realiza producción en Ad Libitum

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Las 7 inversiones irrenunciables para el Music Business

Cuando inicias una banda o proyecto, existen elementos en la era digital que son fundamentales para alcanzar peldaños más altos. 

Es un poco contradictorio para la mayoría de los músicos, defender su arte interpretativa sin tomar en cuenta que la única manera de posicionarlo es invirtiendo adecuadamente en ello.

Muchas bandas, intérpretes y músicos, creen que el Music Business solamente existe en lo que llaman "grandes ligas". Sin embargo, lo único que cambia entre su proyecto y uno presentado en el Auditorio Nacional, es el tamaño proporcional del espectáculo que se presenta.

Si deseas trabajar en un entorno mejor del Music Business, debes tomar en cuenta 7 inversiones clave para su desarrollo. Ahorrar para utilizarlas en su momento, no debe ser problema para una banda, organización o proyecto bien organizado.

1.- Fótografo o videógrafo profesional: Está bien que puedas ocupar el talento de tus amigos o conocidos para realizar un video a un costo bajo. Pero de la vista nace el amor y finalmente, todo lo que haces es para incentivar a tus fans a seguirte. Un fotógrafo profesional experimentado en Music Business, sacará lo mejor de tu banda sin siquiera incluir imágenes en movimiento. Un videógrafo profesional, aportará calidad creativa fundamental en la era del video digital. 

2.- Diseñador gráfico: Es increíble la cantidad de material bien trabajado que goza de un arte en sus plataformas y portadas realizadas por un miembro de la banda que le sabe al PowerPoint. A menos que seas un artista nato que puede pintar la Mona Lisa en Paint, ceder este trabajo a un diseñador gráfico profesional especializado en los conceptos de tu música, es la mejor inversión que puedes hacer.

3.- Promocionales creativos: Una de las estrategias en Marketing de Guerrilla para el Music Business, es utilizar materiales promocionales de forma creativa. Mandar imprimir una lona de 2 x 1 metro no es suficiente para hacer que tu banda se vuelva memorable. Combina el uso de estos promocionales con tu performance onstage y convierte a extraños en fans incondicionales. Inicia con objetos pequeños pero significativos.

4.- Publicidad en redes sociales: Existen oportunidades enormes para incrementar el número de fans. Uno de los grandes errores al pagar redes sociales es invertir cuando no hay material nuevo o algo que promover de inmediato. Invertir en ads en las redes adecuadas, puede incrementar la difusión del material. No esperes recuperar dinero en ventas. Las estrategias en redes sociales son para generar productos de información valiosos para el desempeño de tu proyecto.

5.- Press Kit Profesional: Acompañado del diseñador adecuado, un EPK o Press Kit Electrónico, es la herramienta clave para abrir tus opciones a fechas, eventos, mamparas culturales y puntos de venta de tu material. Invertir en su forma, empaque y diseño gráfico es una forma inteligente de invertir recursos más que unas baquetas luminosas o amplificadores vintage que no sacarás nunca de tu casa por lo raros que son.

6.-Asesoría Legal: Tarde o temprano se necesitará contar con asesoría legal dentro del proyecto. Los lanzamientos, acuerdos de distribución o negociación para todas las partes, implica un aseguramiento de voluntades. Lamento decir que los acuerdos sin punto legal son oportunidades inestables. He visto disqueras quebrar simplemente porque ha firmado bandas que no están organizadas legalmente. El talento no lo es todo. 

7.- Mantenimiento en instrumentos: La responsabilidad del sonido o impacto de tu proyecto, proviene de la calidad de ejecución y el instrumento que lo genera. Hay bandas o proyectos muy talentosos con baterías y platillos rotos, parches marcados, cuerdas oxidadas, pastillas en mal estado, amplificadores con potenciómetros flojos o rotos, teclados con teclas sin funcionar, bajos mal alineados... Aparte de la mala imagen que proveen, su sonido siempre está afectado por dejar el mantenimiento para después... ¡Ahora creo que sabes porqué no es bueno cobrar solo cervezas en un evento!

Conclusión

Music Business es un negocio que necesita un enfoque de inversión, promoción, administración, capacitación y muchas otras áreas que lo complementan.

No basta con invertir en un instrumento y lanzarse al estrellato. No hablamos de los profesionales involucrados en otras áreas que también contribuyen a mejorar el negocio del Music Business. Pero si te interesa sobresalir, ninguno de estos aspectos es negociable si quieres destacar dentro de tu zona, región o país.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Fracking Musical en México

El término "fracking" está de moda. Una forma de explotar y obtener recursos no renovables de los suelos inyectando agua, químicos y sustratos. Esto posibilita la fracturación del terreno para liberar elementos energéticos como gas o petróleo. Sin embargo, también posibilita la contaminación del agua, problemas de estabilidad de terreno y una serie de complicaciones a la región donde se realiza.

Reflexionando un poco sobre ello, me parece que la industria musical en México, ha vivido intensamente un proceso similar al fracking energético. De ser así, simplemente hemos visualizado la punta del iceberg en muchos sentidos.

Los datos de Amprofon

De acuerdo a la Amprofon, el 59 % de las ventas digitales durante el primer semestre de 2014 fueron ventas digitales. Los formatos físicos representaron el 41%. Es decir, 32.4 millones de dólares fueron ingresados durante este periodo, siendo un 13.87% del mismo periodo.

Los datos de streaming, alcanzó un triunfal crecimiento de 130%, que finalmente representa el 41% de las ventas digitales.

Se consolidaron en nuestro país, plataformas como Spotify, Deezer y Rdio. 29% de las ventas fueron sencillos, 15% álbumes completos, 8% contenido móvil, 5% ringtones y solamente el 1% de videos musicales.

83% de las ventas en música física fue en CD; 12% DVD audio y 4% DVD video. el 1% restante se integró por plataformas de vinil, cassettes, minidisc y blue ray musical.

Los más vendidos fueron artistas mexicanos con el 34%, Internacional en inglés con 29%, internacional español con 24%, compilaciones de artistas con 6%, regional español 3%, regional anglo 2% y música clásica 2%.

El gran truco

A simple vista, parece que el mercado musical en México es fuerte. Sin embargo, lleva años desgastándose y degradándose ante nuestros ojos. La Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas (AMPROFON), dejó de ser una entidad nacional a finales de los años 60.

Poco a poco cedió su participación de mercado a las nuevas transnacionales en crecimiento. Sony, EMI, Warner y BMG, tomaron poco a poco el control del mercado mexicano durante los años 70. 

Actualmente, las cifras arrojadas por Amprofon, son números de la industria transnacional, es decir, este dinero se va al exterior, dejando empobrecido el mercado mexicano. Las Majors se apropiaron de las maquinarias de producción para CD durante los años 80 y ahora están impulsando el consumo digital en la zona. México junto a Brasil, son los principales consumidores de streaming y descarga digital de Latinoamérica.

¿Dónde están las políticas de resurgimiento para el mercado nacional? En México existen incontables productores y conocedores del Music Business que han dejado su vida en la lucha de subsistencia de nuestro mercado. Algunos han cedido ante la presión económica y cierran estudios, productoras y disqueras.

El monopolio creativo impulsado por INDAUTOR, apoyado en las representaciones de artistas monopólicas en México, no ayudan en absoluto a detener este "fracking" musical.

Conclusión

A mi forma de ver, el fracking musical que vivimos en México, es una de las principales causas que obstruyen el desarrollo de una industria más sana en nuestro país. Se ha cedido el control desde siempre y la distribución digital se convierte en una forma más amplia de sometimiento al mercado nacional.

¿Dónde están las oportunidades para las empresas culturales en los principales foros como la Semana del Emprendedor? ¿Qué apoyos se brindan en las instituciones financieras para proyectos viables de producción interna de contenidos musicales? ¿Basta con los fallidos intentos de capitalización a través del crowdfunding en México? 

Muchas respuestas son necesarias. ¿Cómo participamos de esta situación?

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¿Porqué compramos piratería?: 5 factores clave

La piratería es un problema de la industria, que ha causado mella significativa en los modelos de negocio tradicionales. Ha sido nombrado como una de las causas principales de la crisis, aunque como hemos analizado en otros temas del blog, es tan solo uno de ellos.

La piratería siempre ha dividido los argumentos a favor y en contra. Sin embargo, pocas veces tenemos la oportunidad de analizar a profundidad, cuales son los factores clave que permiten a la piratería convertirse en una opción viable.

Aquí los 5 factores clave que transforman a la piratería en una opción viable.

1.- Precio: Vinculado directamente a la economía, es el factor principal en nuestro país. Más el precio no se basa en la cantidad de dinero a pagar, sino en el beneficio obtenido del producto. Para algunos, un disco de Kiss a 180 pesos puede ser un precio demasiado alto. Para los fans de Kiss, vale la pena pagar hasta 250 por una edición platinum o especial de cierto producto. 

2.- Entorno específico de la industria local: Se refiere principalmente a lo que es considerado "costumbre cultural" de piratería. Es decir, en México se piratea mucho más la música folcklórica (banda, norteño, mariachi) que otros géneros de origen extrangero. Tiene que ver más con los gustos musicales y la distribución del ingreso potencial de los usuarios.

3.- Ingreso y entorno económico: Ligado al concepto de precio, el poder adquisitivo de la persona le orientará a obtener aquello que le permita subsanar su necesidad. Para un trabajador que obtiene de 1 a 2 salarios mínimos, repartidos entre las necesidades más básicas, la posibilidad de obtener un CD original o pagar un servicio de streaming al mes, se vuelve compleja. Sin embargo, pagar un porcentaje de su salario a cambio de 200 canciones en un disco CD se vuelve una opción más accesible que compagina con sus necesidades primarias. 

4.- Susbstitución de otras formas de entretenimiento y medios de soporte: La industria establece precios base de sus productos, pero los canales de distribución digital requieren de otras plataformas para llegar al consumidor. Tener Spotify gratuito no sirve de mucho, si la conexión a internet requerida no existe. Esto trae como consecuencia otras alternativas como pagar 50 pesos por la instalación de software que permite el robo de señal wi-fi en dispositivos móviles (principalmente android) o la descarga directa de productos musicales en servidores de almacenamiento tipo nube (Mega, Mediafire, etc). La música también se ve y sitios como YouTube o Tu.TV permiten acceder a videos musicales o conciertos completos en línea.

5.- La calidad de la música: Recientemente este aspecto se ha puesto sobre la mesa. ¿Vale la pena pagar 185 pesos por un producto que provee una calidad excepcional pero con un contenido pobre? Uno de los grandes argumentos de las disqueras es presumir la calidad de producción en sus productos. Decir que el artista grabó el material en los estudios Abbey Road, con uno de los productores más renombrados de los últimos 10 años, no significa que el producto cuente con una calidad de contenido que justifique su costo.

Conclusión

Existen muchos estándares en la música que se vuelven subjetivos al momento de evaluar estos factores. Sin embargo, si se analizan desde el punto de vista socioeconómico, es sencillo encontrar que algunos géneros siempre serán pirateables y buscados de forma gratuita principalmente por la capacidad de ingreso y entorno económico. En México, el IMPI (Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial) es el encargado de crear la ejecutoria legal para INDAUTOR ante un delito de piratería. Sin embargo, ha pasado más tiempo persiguiendo a los consumidores y revendedores finales, que estableciendo políticas de formación e inclusión del respeto a los Derechos de autor en las políticas educativas del país. 

La prevención de la piratería, no comienza con el cierre de puestos o los ataques masivos al barrio de Tepito, sino estableciendo soluciones a los 5 factores clave que favorecen el uso, distribución, venta y comercialización de piratería a nivel nacional.

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Recalentado creativo:¿Qué hacer con proyectos sin terminar?

Para quienes no conocen el término "recalentado", es una expresión muy mexicana que se refiere a utilizar aquella comida que ha quedado de una fiesta grande, el sobrante del desayuno del miércoles o los 3 kilos de pavo pendientes de la Cena de Navidad o Año Nuevo.

Cuando terminamos un proyecto, un tema musical o una maqueta, siempre sobran algunos elementos que descartamos por no encajar en la idea general. En mis inicios, una de las cosas que más molestaban a los dueños de estudios o productores con quienes trabajaba, era que me negaba a borrar los tracks de tomas previas durante la producción.

Esos "molestos" tracks...

La limpieza en la maqueta final es fundamental para hacer fluir el proceso de mezcla. Sin embargo, los sobrantes de ideas (líneas melódicas, fraseos de guitarra, remates de batería, jams de sintes o presets de efectos modificados) pueden constituir un gran arsenal de ideas para otras ocasiones.

Muchos clientes me dicen a veces, "¿recuerdas como le pusiste los efectos a la voz en el disco anterior y que la cambiamos al final?... ¡encajaría perfecto en este nuevo tema!".

Entonces abro mi carpeta de ideas y extraigo el preset tal cual. Al escucharlo aplicado, sus ojos se iluminan, nos abrazamos y todos lloramos de felicidad... Broma.  En realidad se muestran sorprendidos de que pueda conservar aún esa combinación de efectos. Algunas tomas antiguas de voz, han servido para recrear nuevos coros en temas remix. 

Los riffs de guitarra limpios, pasados por una caja directa, han permitido muchas veces complementar ideas para jingles, musicalización de proyectos en video y en alguna ocasión han provisto samples muy bonitos para maquetas de sonido en videojuegos flash.

Y es que todo ese material se puede transformar en una librería de ideas, sonidos y presets que podrían rescatarnos del estanco creativo en muchas ocasiones.

Creando una librería de producción o "recalentado creativo"...

Lo más importante es hacer una lista de lo que puedes salvar. Debes recordar que es una colección personal de ideas, sonidos, presets, loops, fraseos, remates y riffs.

Puedes categorizar en carpetas tu librería ordenando primero por tipo de archivos MIDI o Audio.

Extrae todas aquellas partes que necesites. Genera loops y stems que consideres ideas importantes. No todo debe ser rescatado. Tu sabrás reconocer aquello que tiene potencial y que decidiste quitar porque era tan diferente, que sería mejor desarrollar su propio tema.

Las ideas de proyectos que no se concreten (canciones sin terminar pero con un avance significativo, versiones alternativas de temas o ideas de jingles), deberás considerar reducirlos a su mínima expresión. Aquí es donde trabajar con MIDI para hacer maquetas se vuelve mucho más práctico que usar archivos de audio.

Los presets de fx, debes guardarlos en carpetas por tipo de procesamiento (reverb, delay, phaser, compresión) y luego por instrumento (Batería, guitarra, Piano, voz femenina). Recuerda que no todo encajará a la perfección, pero son buenos puntos de arranque. También los puedes combinar entre sí y extender tu paleta de colores.

Conclusión

En nuestro día a día existen muchos subproductos que se generan durante la etapa de pre-producción, producción y Post- Producción. A veces yo guardo sonidos de batería procesados para loopear o líneas de bajo que permiten hacer ediciones rápidas en tonalidades muy comunes para jingles.

Optimizar nuestros "residuos" creativos nos ofrece una gran gama de posibilidades, que no podemos dejar pasar en estos tiempos tan acelerados de la producción musical.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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3 razones importantes para seguir promoviéndose en CD...

A pesar de que las cifras del IFPI indican que los servicios de streaming digital y descargas por transferencia, han equiparado a la venta del material físico, existen 3 razones para interpretar que no basta con enviar archivos MP3 para promoverte.

Aquí te presento mis 3 razones importantes para promoverte en CD...

1.- Es un formato universal: Aunque pienses que tu mp3, iphone, ipad o smartphone son una utilería que todo mundo tiene, la realidad es que pocas unidades se han distribuido masivamente para el mercado musical. Mucha gente todavía utiliza y aprecia el CD como una forma tangible de obtener música.  Ahora puedes maquilar las piezas necesarias para tu promoción sin que pagues un millar.

2.- Es más fácil de reseñar: Si acompañas tu cd con un kit promocional, llamará mucho más la atención que simplemente enviar un frío link por internet. Las bandas creen que esa "sencillez" de tener un archivo con un click, es la mejor forma de distribuir su material. Imagínate que quiero conocerte en persona y recibo en la puerta de mi casa un papel con una mano tuya impresa en actitud de saludo. Esa misma percepción ocurre con un email y un link pegado.

3.- Generas expectativa de venta: Está comprobado con los videojuegos, que enviar un CD demo a clientes potenciales, incrementa el número de piezas en pre-venta y en fecha de lanzamiento. La mayor parte de la gente olvida que somos seres sensoriales. Escuchar la música no basta con un bonito diseño 2D traducido en Pixeles. Usar un CD acompañado de un ligero arte y hasta tu autógrafo es mucho más significativo que buscar 5000 likes, 2000 views y 30,000 descargas en iTunes.

Conclusión

Crear sensaciones sonoras va más allá de un sencillo archivo de sonido. Ponlo en una plataforma, hazle arte al CD, imprímele tu visión y llévalo a las personas indicadas. No pienses que solo la distribución digital es importante, porque en realidad es tan sólo una manera de hacer llegar algo a tus fans.

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