La insoportable levedad del hacer covers sin licencia....

¿Cuáles son las razones principales para hacer conceptos basados en covers?... ¿Bandas tributo?... ¿Cómo se confunde éxito musical con generación de recursos que infringen derechos de autor?... ¿Es piratería viviente o falta de creatividad?

En lo personal, me ha costado trabajo deshilar este tema porque he encontrado que la falta de una organización en la industria, educación musical y cultural del país, falta de incentivo creativo y la necesidad económica convergen en la realidad de los proyectos basados en la imitación, adaptación y conceptualización de proyectos "tributo" por tener la apariencia de ser más rentables.

Ocurre en todas las latitudes, géneros, propuestas y en diferentes escalas.

Sin embargo, es una realidad en México, que las bandas de covers o tributo, imitaciones, música versátil y ciertos recitales, generan violaciones a la Ley Federal de Derechos de Autor (LFDA) cuando no cuentan con el licenciamiento adecuado, puesto que realizan la ejecución pública de obras registradas y obtienen un lucro directo e indirecto de los mismos. Antes de entrar en pánico, tomemos los elementos necesarios para revisar este aspecto.

¿Qué dice la Ley Federal de Derechos de Autor (México)?

Sabemos que las leyes gozan de interpretación jurídica en base a criterios y precedentes en el tiempo, sin embargo en el artículo 16 Fracciones del I al VI de la LFDA de México, se establecen los derechos de Divulgación, Publicación, Comunicación Pública, Ejecución o representación Pública, Distribución al Público y Reproducción, conceptos que el Estado reconoce de protección para el autor de la obra. Todos ellos convergen al momento de generar una presentación musical sin licencia.

En el artículo 17, se establece que las obras protegidas por la ley, deben ostentar el término "Derechos de Autor" o símbolo del mismo en un lugar visible. Significa el reconocimiento del autor ante la audiencia presente.  Sin embargo, es la siguiente anotación la que nos indica la base para establecer una falta hacia la LFDA:

"La omisión de estos requisitos no implica la pérdida de los derechos de autor, pero sujeta al licenciatario o editor responsable a las sanciones establecidas en la Ley".

Aclarando mejor, el licenciatario sería responsable por su acción y es precisamente el intérprete, representante, banda tributo, imitador, grupo versátil, local comercial, promotor, publicista, disquera, radiodifusora o cualquier otra persona que se beneficie de un lucro directo o indirecto, estaría cometiendo una falta sancionable, conozca o no la LFDA.

El siguiente concepto que debemos interpretar es el "lucro", puesto que en el caso de las obras protegidas, es un elemento de protección exclusiva para el autor. 

De acuerdo al Diccionario Jurídico Mexicano, el lucro es:

"Ganancia o utilidad obtenida en la celebración de ciertos actos jurídicos, que el ordenamiento legal califica de lícita o ilícita, según su exceso o proporción, para atribuirle determinadas consecuencias de derecho."

Es una queja común de las bandas tributo recibir poca o nula paga por parte de los locales, bares y espacios que los contratan para llevar a cabo las presentaciones. Indistintamente de la cantidad, el lucro se genera y se obtiene un beneficio económico tangible. 

El local mismo se beneficia con la venta de cerveza, alcohol, cigarros a través del estímulo de consumo que la música genera. Muchos locales inclusive, rebasan los límites de volumen permitidos, porque así, la gente no platica mucho y si consume más. Este es el argumento base para el reclamo de beneficios derivados de la ejecución y reproducción pública de la música sin licencia.

También debemos reconocer que para la Ley, un acto debe ser demostrable. Por ello, la ausencia de contratos escritos para este tipo de conceptos se convierten en meros acuerdos verbales (válidos para una controversia), pero fáciles de negar ante instancias legales. Es decir, entre menos evidencia haya de ello, mejor. 

¿Existe una instancia que vigile este proceso en México? 

SOMEXFON es la entidad organizacional que se encarga de recabar el cobro de regalías, generación de reportes y protección jurídica para las disqueras que integran la AMPROFÓN (Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas). 

El desempeño de esta entidad ha dejado muchas dudas en el sector, porque al parecer, está centrado en la protección de derechos hacia las Majors que las componen, además de que algunas veces, sus representantes o evaluadores sobrepasan las funciones atribuídas en su actuar. El hecho es que están facultadas para solicitar la recuperación de los beneficios del Derecho de Autor.

Escuelas de Música, Bares, Restaurantes, Plazas comerciales, centros nocturnos y un listado amplio de posibles infractores de la LFDA en modalidad de ejecución y reprodución, son susceptibles de recibir sanciones, multas y en su caso, presentación legal por el montaje y desarrollo de este tipo de eventos sin licencia del poseedor de los Derechos de Autor. Si quieres ver un listado completo, haz click aquí.

Ahora la gran pregunta es... ¿Si hago mi tributo a Juan Gabriel, Beatles, Michael Jackson, Jenny Rivera o música de películas, estoy infringiendo derechos de autor?. La respuesta es SI, siempre y cuando no hayan pasado al menos 100 años desde la muerte del autor. Al no tener un permiso derivado del dueño de los derechos, podrías ser susceptible de amonestación, multa o presentación legal. 

SOMEXFON solo puede generar la controversia y en su momento, bajo la acreditación de un juez, vigilar que se lleve a cabo la sanción. Compete a las instancias gubernamentales correspondientes, la ejecutoria de amonestación, multa o presentación legal del infractor.

En esta categoría caben imitadores, bandas tributo, proyectos culturales (la cultura no es argumento para defender un hecho de lucro legal), DJ's que utilicen samples para remix, sonideros, grupos versátiles, intérpretes con pistas y con ello locales, bares, teatros, restaurantes, promotores, booking agents, centros comerciales, plazas, municipios, ferias e involucrados en el proceso, puesto que no existe de origen un permiso establecido, se podrían fincar responsabilidades al respecto.

¿Entonces hacer covers es malo?... No desde el punto de vista artístico, sin embargo, es importante reconocer que los covers son tan sólo una parte de tu identidad como músico. Existen otras áreas que debes desarrollar como la composición, el arreglo, desarrollar una propuesta de valor, identificar necesidades musicales en tu entorno. Inclusive puedes aprovechar el significado de identidad establecido por un concepto musical para dar continuidad al mismo.

La imitación y uso de obras con registro ocurre en otros campos de las artes escénicas. Conciertos pirata en música de cine, obras teatrales combinadas con títulos como "Bob Esponja en busca de la lámpara de Aladino", "Elsa y su nueva aventura sobre hielo" utilizando personajes de Disney, y hasta en la cultura popular a través de personajes de Lucha Libre como KISS o con maquillaje aplicado al rostro. 

En la música podemos hablar de apropiación de identidad a través de conceptos como Lila Downs, que ya se ha argumentado por todos los medios posibles como una alteración conceptualizada de la identidad mexicana. Es conceptualmente debatible, pero la mayoría de su repertorio son obras de dominio público, una fórmula que Disney supo aprovechar en su momento con Blancanieves, La Bella Durmiente, Frozen, La Sirenita, La Bella y la Bestia, etc.

Al iniciar un concepto musical, podríamos pensar que nadie se va a dar cuenta y que así ha sido siempre. 

Nuestra misión no es prohibir bandas de covers, imitaciones o desanimar estos emprendimientos, sin embargo, nos interesa exponer que este tipo de conceptos, tiene un mercado específico que tradicionalmente diluye el valor de la propiedad intelectual, generando un silencioso impacto negativo en la apertura hacia nuevas propuestas, expansión de orden cultural, optimización de espacios, aprovechamiento de foros y producción de nuevos montajes que benefician de forma integral a la industria en México. 

Conclusión

El derecho de autor ha sido debatido por años como un sentido antinatural del arte por generar el concepto de Propiedad Intelectual mismo. Sin embargo, al momento de aterrizar un concepto susceptible de generar sustento, es necesario para establecer confianza entre todas las partes involucradas.

Más allá del sentido estético o económico que pueden tener las imitaciones, bandas de covers o conceptos creativos en torno a obras con derechos de autor, debemos reconocer que abrir el panorama hacia nuevos conceptos es precisamente el punto de equilibrio en nuestra industria. 

Si tu idea es aprovechar conceptos creativos con Derechos de Autor, te recomiendo veas los espectáculos de Cirque Du Soleil Love y Michael Jackson. Sabemos que requiere una cantidad considerable de dinero 

replicarlo, pero es un buen punto de referencia para comprender que este tipo de producciones implican más negociación de derechos y adaptación de conceptos basados en una licencia que el tiempo necesario para su montaje.

¿Entonces que puedo hacer para cambiarlo? Desarrollar tu propio concepto es mucho más rentable a mediano y largo plazo, artísticamente más significativo y potencialmente más integral que limitar tu creatividad a la parte interpretativa de tu desarrollo personal. El potencial económico dependerá de componer una propuesta de valor significativa que resuelva necesidades en la industria... ¿Recuerdas el concepto de State of Art?... Bueno, aquí te va a servir mucho.

Si te interesa desarrollar con inteligencia creativa tu proyecto, tal vez te interese revisar nuestra propuesta en este link

El tema es bastante extenso y debatible. La retroalimentación es muy importante para mi. Déjame tus comentarios al respecto. Nos vemos en la siguiente entrada del Blog.

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¿Porqué se cancelan demasiadas fechas?...

Esta pregunta resulta un poco incómoda de resolver porque aunque no lo parezca, tiene varios elementos que no son fáciles de aceptar. Normalmente se hace culpable a la situación económica, a  políticas de estado,  autoridades culturales y en mayor o menor grado a las audiencias que "no apoyan a la escena nacional".

Y aunque todas son válidas y significativas, desde el punto de vista del negocio de la música, representan amenazas, es decir, circunstancias externas en las que es poco o nada posible incidir directamente en sus ajustes. 

En este blog, siempre hemos escrito con honestidad y responsabilidad, porque consideramos a estos valores fundamentales para un cambio en la industria. Tal vez esta respuesta sea difícil de digerir para cualquiera de los involucrados, pero reconocer un problema es el primer paso para resolverlo.

Tres tristes tigres...

La cancelación de un evento es resultado directo de la falta de acciones concretas por parte de 3 entidades claves en el negocio de la música: la administración del local (dueños o patrones), promotores (booking managers, representantes artísticos y managers) y conceptos musicales (músicos, bandas y desarrolladores de conceptos). 

Indirectamente, existen muchos otros involucrados en este aspecto, pero es importante separar el hecho de que las acciones gubernamentales, instituciones financieras, patrocinadores y/o proveedores de servicios no participan activamente en estos procesos, porque su finalidad primordial es centrarse en operaciones de gestión y administración de sus propios objetivos. Así que son elementos de los que más vale no considerar como actores principales, sino como posibles apoyos o aliados.

¿Quién no hace y porqué no lo hace?

Una vez que hemos encontrado a los interesados en el desarrollo de un evento, debemos asignar las acciones que cada uno deben realizar como parte de un trabajo conjunto, que genere una sinergia significativa y que proponga una solución creativa e innovadora diferente.

Empezamos con las partes difíciles de abordar y lamento si se hieren algunas susceptibilidades en el proceso.

Administradores de locales: Una situación común que afecta a los negocios o locales de espectáculos, es que no tienen definido su objeto de negocio. Principalmente se dedican a la distribución y venta de alcohol, porque analizan su negocio basado en el número de botellas que venden. Un negocio exitoso no es aquel que determina cuantas botellas o cubetas vendió por noche, semana o mes, sino aquel que fidelizó a un cliente por la experiencia de servicio que lo trajo al local. 

Sabemos que es común para algunos locales "complementar" sus servicios con otro tipo de productos no muy legales y bajo criterios poco regulados, pero hoy más que nunca, estos lugares deben ofrecer condiciones claras de seguridad, experiencia, flujo de clientes y facilidad de servicio que son muy bien valoradas por determinadas clientelas. 

No definir adecuadamente al cliente por sus características de consumo, impide fidelizar clientes que a pesar de tener alternativas por lugares más "grandes", "reconocidos" o con carteles más "atractivos", pueden decidir asistir a su lugar preferido para pasar un tiempo agradable y trayendo a su gente más apreciada con ellos. 

Hay que cambiar el chip de  distribuidor y punto de venta, a generador de experiencias con servicio dedicado y centrado en la necesidad del cliente. Aplica igual para locales que consideran vender simplemente entradas para espectáculos. No es el boleto, sino el significado del acceso.

Promotores: Es típico pensar que cada lugar y bar de este país es una oportunidad de vender una fecha. De hecho, esta es la palabra comúnmente utilizada por bookings y brokers. La palabra "vender" es significativa, porque al igual que las cervezas o botellas de un bar, son cuantificables y se consideran una forma de medir el impacto y éxito de un concepto musical. Es una práctica muy vieja y obsoleta de la industria, pues hasta hace 15 años, vender 1 millón de copias se utilizaba como argumento práctico para definir el éxito de un artista. 

Actualizar la visión de un promotor musical es fundamental para cambiar la palabra "vender" por "colocar" conceptos en su contexto de consumo adecuado. Requiere de habilidades administrativas, gerenciales, marketing, publicidad  y desarrollo de contenidos inmersos en la propuesta. 

Hay que prepararse para entender las nuevas corrientes de conceptualización artística, para saber donde, quien, cómo y porqué consume cultural, tradicional o conceptualmente un producto musical. Debe colaborar en la expansión de visión para los proyectos que representa y trabajar en conjunto con el administrador de locales para definir si los artistas que maneja influyen positivamente en el alcance de metas del negocio. 

¿Quién consume, cómo y porqué en esas condiciones?, son preguntas que el promotor debe ayudar al artista a responder y al administrador del local a conocer.

Artistas: La única forma de hacer reflexión en este aspecto al artista es a través de una emoción típica de estas circunstancias: la frustración. 

La cancelación de un evento resulta en emociones y pequeños lutos en el artista, puesto que considera la oportunidad como cercanía del éxito o meta que lo define como una propuesta exitosa en el medio y los recursos que pudo generarle. 

Sin embargo, este enfoque es un círculo vicioso, simplemente porque hay que entender que un concepto musical se estabiliza cuando existe un plan de negocio bien instrumentado, que identifica tiempos, espacios, entornos y ambientes de consumo que facilitan su posicionamiento en el mercado de la música. 

El artista musical olvida que en esta era, dedicarse de lleno en instrumentar su conceptualización artística (simplemente hacer la música que quiere), depende directamente de sus habilidades de comprensión sobre el terreno del negocio de la música y resulta como consecuencia de sus acciones en el negocio de la música. 

Derechos de autor, análisis de oportunidades, análisis de su propuesta, organización y plan de desarrollo son conceptos que no gustan de comprender, pero que se justifican ante la sensación recurrente de frustración que conlleva cancelar fechas o mirar impávidos como el local se va quedando vacío mientras avanza la noche.

Conclusión

Como emprendedores del negocio de la música, es importante leer entre líneas y utilizar la sagacidad, olfato y criterio basado en los hechos para mirar encima de la barrera mental más importante: el cambio.

Para cualquiera de los actores incluídos en esta historia, resulta importante soltar las viejas prácticas arraigadas culturalmente como válidas en una era y conceptualización de un negocio de la música "por la música".  Como se dice vulgarmente, "cambiar el chip" sin miedo a romper con el límite personal.

Para quienes intervenimos en el negocio de la música activamente, comprendemos que no hay nada más frío que un contrato bien definido y delimitado (contraste importante con un área creativa que se basa en la transmisión de emociones como identidad), pero que centrado en un análisis claro del entorno de la industria, los patrones de consumo y necesidades de cada implicado, representan y construyen voluntad de fortalezas para levantar proyectos que parecen imposibles. Ejemplos tangibles pueden ser las presas hidroeléctricas o los trenes transatlánticos debajo del mar. ¿Porqué no sería posible aplicar algo similar en la industria musical?

Si sientes que cancelar una fecha no te ha afectado , recuerda la frustración que te generó colgar el aviso en Facebook, cerrar la puerta del local pensando si mañana mejorará por el ánimo del cliente o si ha valido la pena mirar la agenda llena de promesas y líneas con compromisos que siguen estando en el aire a criterio de la publicidad que el dueño del local no ha cumplido.

Rafa Mendoza analiza el entorno de la música para Ad Libitum

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Festivales Musicales:¿Está preparado mi proyecto?...

Los festivales, son fuentes importantes de difusión y respaldo curricular para proyectos musicales, relacionados principalmente con aspectos culturales y sociales que definen en primera instancia la demanda cultural de una zona específica.

Constantemente nos preguntan en correos y cajas de comentarios si podemos guiarlos en el proceso de selección para ingresar a festivales musicales. Y la respuesta es mucho más sencilla de lo que parece.

La verdad es que aplicar a un festival es relativamente sencillo si conoces bien tu proyecto y has hecho una labor previa con respecto al seguimiento de tus fans.

La asistencia lo es todo

Lo interesante del caso, es que no siempre existe una respuesta correcta y un criterio para ser considerado en un festival. Muchas son las razones por los que promotores eligen determinados conceptos para ser presentados, sobre todo porque las necesidades de crear Festivales en México, está intimamente ligada al volumen de asistencia.

Un festival se considera exitoso si cumple con las "necesidades" políticamente correctas del entorno que lo genera. Aunque los recursos públicos destinados a ciertos proyectos culturales son totalmente abiertos, son en su mayoría ejercidos por administrativos poco o nada capacitados para la selección, desarrollo y ejecución de proyectos culturales. 

Y es que incompetencia no significa carencia de conocimientos, sino que en una gran cantidad de los casos, se cree que un proyecto establecido (normalmente artistas de radio y tv) garantiza el éxito de un Festival en cuanto a la numeralia. Es más bonito decir 50,000 asistentes en 5 días de festival (aunque no haya generado ningún impacto social, educativo o cultural), que informar de 1000 asistentes a un proyecto sustentable y replicable a mediano y largo plazo.

Por el contrario, los festivales de orden privado (Vive Latino, Corona Capital) tienen un esquema totalmente organizado de acuerdo a una agenda top en cuanto a preferencias y permanencia de mercado. Son los más buscados por artistas emergentes, puesto que son considerados "catapultas", cuando en realidad se requiere de otras estrategias y formas de ingreso (hasta cierto punto muy delimitados).

¿Qué debo saber de mi proyecto?

Con esto en consideración, las preguntas claves para saber si el proyecto está listo para competir en el ingreso a un Festival serían las siguientes:

¿Tenemos un reconocimiento claro en nuestra zona objetivo por parte del público? 

¿Conocemos nuestra propuesta de valor como proyecto y encaja nuestro perfil con el Festival?

¿Entendemos claramente quienes son nuestros fans y podremos encontrarlos en ese Festival?

¿Hemos probado nuestro concepto lo suficiente como para poder replicarlo en el Festival?

¿Necesitaremos recursos adicionales para completar aspectos del concepto que sean necesarios para el Festival? ¿Quienes y como lo financiarán? ¿Alcanzará?

¿Tenemos organización adecuada internamente para afrontar los compromisos de acceder al Festival?

Estas preguntas tienen mucho sentido, porque aunque usted no lo crea, existen muchos proyectos que adoptan deudas, hipotecan casa, coche y vida por alcanzar un sueño personal, más que un objetivo de proyecto. Como resultado del desgaste psicológico y poco estratégico, los integrantes entran en tensión innecesaria y con los bolsillos desgastados, aquello se vuelve un coctél molotov listo para estallar. 

Durante algunos diagnósticos, hemos detectado proyectos en los que ingresar a un circuito de festivales resulta costoso, poco práctico y hasta inconsistente con el respaldo que podría obtener curricularmente

Conclusión y advertencia

Para cerrar este artículo, me gustaría agregar una constante en muchos de los proyectos que desean asistir a Festivales a modo de prevención. 

En México no existe una regulación adecuada hacia los representantes o contactos de acceso a un Festival Musical. Cualquiera con una tarjeta puede auto nombrarse Representante Artístico, Organizador, Jurado o cualquier autoridad que parezca pertenecer a un "círculo" cercano al Festival.

Los proyectos más "ambiciosos" (en realidad es ansiedad cuando no existe un plan de trabajo), caen en las manos de estas personas, que en la mayoría de los casos piden dinero para ingresar al proceso de selección. Entre otras cosas, piden comidas en restaurantes, discos o pases gratuitos para acceder a presentaciones, dicen conocer a "mucha" gente del medio y casi nunca tienen respuestas concretas a preguntas comunes.

Si encuentras a alguien así, lo mejor es llamar a las oficinas del comité organizador y preguntar si trabajan con la agencia mencionada, cuantos años llevan de relación y el nombre concreto de quien dice reconocerlos. La mayoría de los Festivales en México, cuenta con un presupuesto limitado para la realización de proyectos, por lo que demasiada gente trabajando en la organización suena un poco incongruente.

Si decides integrarte a algún circuito, asegúrate de conocer los detalles más profundos de tu proyecto, acércate a conocer aspectos legales y gestión. Ad Libitum ofrece Evaluación Diagnóstica para Proyectos Musicales, que permiten medir varios aspectos que brindan seguridad creativa, financiera y organizacional para la toma de decisiones más adecuada.

Gracias por leerme y nos vemos en el siguiente post.

Rafa Mendoza es Analista del Negocio de la Música

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Data Mining: La respuesta que sopla en el viento de la industria musical...

¿Te has preguntado el nivel potencial del Data Mining en la industria?

En el mundo actual, es importante reconocer que los entornos digitales están presentes en cada aspecto de nuestras vidas. Un acercamiento adecuado al procesamiento de información, es una materia clave para la preparación de cualquier profesionista en el mundo actual. 

Para muchos, el Data Mining podría significar el cambio radical que la industria necesita. ¿Porqué?, simple:

cada acceso y búsqueda que realizamos en internet, está siendo grabado por algoritmos codificados en los navegadores, portales, sitios de acceso y streaming a cada momento. Veamos que sucede en la industria musical.

¿Qué es el Data Mining?

La huella digital que vamos dejando, está siendo constantemente analizada para varios fines específicos. No es coincidencia o magia que mientras navegas en Facebook, veas publicidad referente a tips de mezcla, servicios de streaming y hasta recomendaciones de amistad. Esto ocurre gracias al análisis de datos.

Cuando una gran concentración de información se acumula, se produce la misma situación que si encontráramos una veta de minerales en alguna región del planeta. Hay que determinar primero que mineral y subproductos podemos realizar a partir de la veta. En el caso de los datos, determinaremos que información importante podemos obtener de ella. 

El último paso, es extraer esa información, a eso llamamos Data Mining (Minación de datos).

Esta información será utilizada con diversos fines (algunos buenos y otros no tanto) para implementar estrategias, toma de decisiones y reducir riesgos, potencializando aspectos financieros, expansión y transformación de productos y servicios.

¿Para que sirve el Data Mining en la industria musical?

Principalmente, se basa en la extracción de datos para la generación de productos que potencialmente brindan mejores oportunidades de desarrollo. Siendo realistas, en nuestros tiempos, apostar a una propuesta musical sin comprender mejor su entorno de consumo, preferencias del consumidor y oportunidades de crecimiento, es un albur que ninguna disquera puede sustentar. 

Los conceptos de "apoyar" al artista han cambiado. Ya no es rentable dar dinero a proyectos y propuestas que no cumplen con requerimientos mínimos en rentabilidad y oportunidad. 

Por ello, alternativas como el Crowdfunding y sacar recursos de gobierno no tiene sentido, puesto que en México, los creativos lo usan como forma se sustento económico (a veces hasta comprando cosas en Coppel con ese dinero) y muy pocas veces se aplica para impulsar el proyecto para que fue asignado. 

Hablar de políticas públicas y esta complicidad directa del artista (haces como que me das dinero para desarrollo cultural y hago como que lo uso en ello) es tema de conversación para otro post.

Lo interesante del caso es que son precisamente estas circunstancias las que abren puerta a productos de alto riesgo y con pocas oportunidades para recuperar inversión. 

El Data Mining, ofrece una herramienta poderosa para elegir una audiencia objetivo, su capacidad de consumo, sus preferencias y entornos de consumo, hasta la garantía de elegir adecuadamente una combinación de acordes y sonidos que estimulan al consumidor a seguir un artista.

¿Existen artistas bajo este esquema?

El primer experimento exitoso que ha utilizado al Data Mining es sin duda el artista pop Psy y su tema "Gangnam Style". A partir de un análisis de datos regional, la disquera aplicó el Data Mining sobre un concepto base y luego lo replicó haciendo análisis en otras ciudades clave de consumo en el mundo.

El análisis de datos, ayudó a determinar previamente el alcance conceptual y determinó la campaña promocional a partir de ello. El resultado ahí está para ser cotejado. Hasta hoy, sigue siendo el video más reproducido de YouTube con más de 2,794 millones de visualizaciones.

Este modelo ha representado un éxito para la industria de Corea del Sur. El K-Pop es uno de los géneros mejor implementados y rentables a nivel internacional. Japón y China utilizan estos modelos para sus mercados internos y hemos podido encontrar conceptos como BTS, Baby Metal o Hyuna que han impactado el mercado latino en los últimos años.

No es coincidencia que ocurra en los países potencia en el desarrollo de programación, diseño de hardware y aplicaciones más exitoso del mundo. Estados Unidos ha aplicado este proceso en artistas como Bruno Mars, Daft Punk, Katy Perry y Taylor Swift.

Spotify, Apple, Deezer y Claro Music en México, siguen utilizando la información de sus streamming para determinar las oportunidades de consumo en el mercado mexicano y las majors analizan datos para generar nuevos conceptos en el mercado latino. 

Conclusión

Tendrían razón en pensar que estos sistemas  tan avanzados están fuera del alcance de todo mortal. En realidad no, el Data Mining tiene un origen muy básico que puede ser replicable en diversos entornos creativos para asegurar respuestas objetivas y oportunas para los mercados emergentes.

Todo concepto musical es susceptible de beneficiarse del Data Mining y todo artista tiene acceso a una super computadora en estos días. Un smartphone actual es 100 veces más poderoso que la primer supercomputadora que fue creada en los años 50's. 

La pregunta real y directa sería ¿estás dispuesto a utilizar un proceso de Data Mining en el desarrollo de tu concepto creativo?, ¿bajo que criterio estarías dispuesto a transformar tus obras en mejores temas para tus audiencias?, ¿dejarías que el Data Mining revelara a tu audiencia y aceptarías esa realidad?... Diría que "la respuesta está soplando en el viento"...

Rafa Mendoza analiza el negocio de la música para Ad Libitum Incubadora

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Artistas de un solo éxito:¿Son competencia?

Mucho se ha hablado sobre la forma en que las Majors lanzan constantemente artistas sin propuesta, en serie y producidos bajo ciertos criterios que resultan cuestionables desde el punto artístico.

Pero lamento decir que no es una práctica común en las Majors... Las disqueras independientes también replican constantemente estos recursos de explotación comercial.

Una de las quejas más comunes en nuestras sesiones de coaching se relaciona precisamente con la necesidad de saber sortear y comprender estos elementos del mercado musical y la percepción de que se están minando oportunidades.

Lo que debes saber...

Los artistas de un sólo éxito dieron inicio al Mercado fonográfico. En aquellos días, las disqueras buscaban incrementar sus catálogos sin discriminar el potencial de cada material grabado. preferían generar discos de 78 y 80 rpm en varios volúmenes que hacer un LP, porque era más rentable a corto plazo.

El concepto del LP se estableció en los años 50's, utilizando el formato como recopilaciones y no tanto como álbumes conceptuales. Es hasta inicios de los años 60's que generar un LP conceptual era permitido a los artistas que demostraban ser rentables a modo de premio y respeto por parte de la disquera.

Con la llegada de los primeros discos conceptuales, la costumbre de integrar 15 temas o más en uno o varios LP se hizo común. El mercado de los Singles se ha limitado desde entonces a probar productos musicales y el tamaño de su Mercado.

En los 80's, inicia la costumbre de probar varios conceptos en los discos compilatorios de las disqueras independientes. Esta estrategia es la que ayudó a géneros urbanos como el rap, R&B, hip hop e industrial a posicionarse y tomar parte del Mercado.

El MP3 trae consigo un repunte de los sencillos y artistas de un sólo éxito, pues aunque las radiodifusoras tocaban a los artistas, pocas veces había oportunidad para escuchar el disco completo durante una emisión.

¿Afectan al Mercado?

En realidad los artistas de un sólo éxito funcionan para las disqueras ante la constante necesidad de productos nuevos para ciertos mercados. El público masivo requiere constantemente productos nuevos, sin que ello signifique que requiera calidad. Podemos decir que los artistas de un solo éxito son productos de estallido masivo, replicables y poco expandíbles.

Comercialmente, cumplen con la premisa de algo fresco pero poco "nutritivo" artísticamente. Se convierten en éxitos gracias a que el Mercado que los consume no tiene muy altos estándares de nivel cultural y son fácilmente influenciables por las opiniones de masas.

No es malo querer posicionar un Hit en el número 1, pero actualmente esto requiere de mucho conocimiento del sector al que va enfocado, recursos para sustentarlo en promoción y publicidad, o en su caso, deben cumplir con un elemento de "gancho" hacia momentos económicos, políticos, sociales y de identidad que ayuden a su posicionamiento.

Cualquier otro concepto que contenga elementos estéticos, artísticos y específicos de consumo superiores, no debe considerar siquiera pelear un espacio del Mercado, porque de entrada, son consumidores con requerimientos superiores que inclusive no concuerdan con los artistas de un solo éxito.

Es muy atractivo pensar que basta colgar un éxito para vivir de regalías y resolver de un solo tirón el futuro económico, pero de entrada, el negocio de la música ya no se basa en esta premisa. El pago de regalías es fructífero para quienes colgaron sencillos antes de los años 90's. La nueva era musical y el arribo del MP3 desbancó los costos por pagos de regalías.

De ahí que productores como Jay-Z o Trent Reznor han preferido producir varios artistas simultáneamente para tener el control creativo y económico de las regalías en el mercado actual.

Conclusión

Los artistas de un sólo éxito difícilmente replican su potencial y superan el tema musical que les precede. Muchas veces, la falta de pericia en los negocios y tomar la oportunidad del estallido inicial, les hace ceder un porcentaje importante de sus derechos en la negociación, pero deciden sacrificarlo esperando que el público los reconozca como potenciales generadores de éxitos continuos.

Los que superan esa etapa, lo hacen porque se refuerzan artística, legal y organizacionalmente para dar continuidad a ese impulso inicial. Pero una gran mayoría no lo consigue porque confían únicamente en el "talento".

Por eso, es importante contar desde un inicio con un respaldo profesional y legal antes de firmar un contrato para colocar un Hit en los chats nacionales e internacionales.

¿Estás preparado para tener un Hit?

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum

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Reputation Management:¿Está incluido en tu estrategia?

Por Rafa Mendoza

Por difícil que parezca, aunque internet ha facilitado muchas actividades del ser humano, ha complicado y extendido a nuevos horizontes los puntos negativos. 

Mantener una presencia en línea de forma constante y visible en estos tiempos, significa todo un reto para las agencias de publicidad, relaciones públicas y Management. Para los proyectos independientes, se complica aún más cuando el control de las redes sociales, recae principalmente en la asistente general y definitivamente se diluye entre los miembros de la banda tradicional o el solista.

Exponerse "virtualmente" es quedar completamente desnudo de argumentos. Una imagen, un video, un sonido, se han convertido prácticamente en alimento de escrutinio social. Ahí nace el concepto de Reputation Management, un área cada vez más observada por el Community Manager.

"Yo soy quien soy"...

Las redes sociales han rebasado el principal objetivo para que han sido creadas. La comunicación activa entre sus miembros, ha generado nuevas formas de establecer simpatías, diferencias, agrupaciones e inclusive tribus urbanas que permanecían aisladas y separadas en tiempos previos al internet.

Actualmente, es posible conocer fechas de eventos aislados, ofrecer plataformas de exposición a nuevos proyectos y facilitar el contacto directo con los fans. Sin embargo, también ha contribuido a delimitar a cada artista, puesto que es más fácil encontrar contradicciones entre su obra y su personalidad.

No es poco común revisar el perfil personal de algunos miembros de bandas, compartiendo determinados memes que resultan incómodos para la audiencia que persiguen.

Aunque cualquiera puede CONTROLAR una red social, no cualquiera puede GESTIONAR una red social. Esta es la primer premisa que muchos artistas, proyectos independientes e inclusive disqueras independientes dejan pasar por alto. La valoración en la calidad de los argumentos presentados por una persona en redes sociales, siempre pesará en la revisión de una entidad interesada en el perfil del artista.

Increíblemente, muchas de ellas siguen el canon mediático tradicional, aquél que dice "no importa como se hable de uno, sino que se hable sobre uno". En nuestro tiempo, esto significa un "suicidio virtual".

Las disqueras independientes, están haciendo mucha más investigación de Reputation Management, midiendo constantemente el impacto positivo de los contenidos para sus artistas. De esta manera, pueden apoyarse en estos argumentos para extender facilidades, negociar mejor las oportunidades y porcentajes con artistas.

¿Porqué me debe importar?

Al incrementar el impacto positivo de los contenidos en redes sociales, estás creando un seguro de reputación digital para tu proyecto. Ningún perfil de redes sociales está exento de fallar en alguna ocasión. Pasa hasta en las empresas con mayor presupuesto para la gestión de redes sociales, como en el reciente caso de la panadería comercial que se equivocó severamente ante el fallecimiento de Carrie Fisher, haciendo mención a los "bizcochos" tan comentados de su personaje en Star Wars.

Aunque puedes escoger perfectamente el contenido que quieres incluir en tus redes sociales, no puedes controlar la reacción y conversación sobre el mismo. Tal vez opines que las redes sociales han sido creadas para hablar abiertamente sobre todo lo que te rodea, pero desafortunadamente, la única manera de crear una reputación positiva es limitando la información que distribuyes en tu perfil.

¿Debe importarme si no me importa lo que opinen de mi?... Tal vez no. Finalmente, la construcción de una reputación es una decisión personal que como individuo tienes derecho a romper. Pero si tienes un proyecto en construcción y desarrollo, no importa cuanto dinero dediques a hacer marketing, posicionamiento, asistencia y presencia en eventos; tu reputación digital está al alcance de todos y va a precederte en cualquier circunstancia.

Conclusión

Las redes sociales se invaden constantemente de información poco fidedigna. Irónicamente, gozan cada vez de una mayor credibilidad, porque la exposición que ofrecen hace debatible cada aspecto de un contenido, diluyéndose entre las decenas, cientos o miles de opiniones que pueden llegar a generar. 

De acuerdo a Nielsen, empresa especializada en estadísticas digitales, el 53 % de los consumidores fieles siguen a su marca y personajes constantemente en redes sociales. De ellos, el 60% escribe constantemente referencias de sus experiencias de compra, asistencia al cliente y calidad de productos o servicios. 

¿Cuántos fans, audiencia o respaldo podrías perder por publicar, compartir un meme, video, opinión o imagen poco apropiado para tu proyecto?... 

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum 

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¿Ha muerto el negocio de la música?...

Por Rafa Mendoza

¿Pregunta fuerte para iniciar el año?... Antes de comenzar, quiero desear a todos ustedes un creativo y productivo año 2017.  Esta es la clásica pregunta que tiene diversas respuestas desde distintos enfoques. Dicen por ahí que "todo depende del cristal con que se mire"...

La realidad es que no, el negocio de la música no ha muerto.

Y la respuesta es clara basándonos en los resultados ofrecidos en lo económico, en el desarrollo de mejores tecnologías para la grabación, producción de eventos, giras mundiales, servicios de streaming y otros rubros.

Es cierto, existen estudios cerrando en distintos lugares, músicos que abandonan su carrera y cada vez son más los que combinan un empleo fijo para compensar ciertos ingresos. Editoras que están cada vez más limitadas y promotores que se disputan cada vez más la posición de un proyecto. Pero aún así, la industria musical sigue estando activa y aporta una gran parte de los ingresos económicos a nivel global, nacional, regional y local.

¿Entonces, dónde está el dinero?

Si realizamos un análisis integral de la industria, nos daremos cuenta que los principales reclamos emanan dentro del rubro de la participación creativa. Ingenieros, músicos, productores, arreglistas, compositores y un sinfín de personalidades se han estado proclamando sobre la "lenta muerte" de la industria.

Entender el negocio de la música actual, ya no coincide para nada con el criterio generalizado de los últimos 25 años. Es un paradigma difícil de quebrar para el creativo tradicional, que limita su visión e interpretación sobre el negocio de la música a buscar ser escuchado, aceptado, entendido, comprendido y valorado por su música.

¿Tienen los millenials la culpa?... No, simplemente se trata de mercados poco estimulables. No son consumidores perseguibles más que a ciertos niveles. Es impresionante intentar decodificar sus necesidades de consumo tradicional y no encontrar respuesta. Mucho menos se puede interpretar de forma sencilla su forma de interactuar e identificarse con las actividades creativas.

Tampoco es que las disqueras majors, posean el santo grial al respecto. Los mercados de consumo en la música han ido perdiendo valor aceleradamente desde principios de los 80's. Los modelos musicales se replican constantemente en todas las artes, delimitando las oportunidades de mercado y consumo.

"La música no se vende"... Nada más cercano a la razón. Nunca ha sido un objeto de venta viable. Desde que los reyes compartían con sus marqueses a las grandes orquestas sinfónicas (absurdo para genios de la música tener tanta gente reunida), el valor nunca residió en la "calidad" y "apreciación" de la composición musical. 

Siglos más tarde y en medio de una revolución digital, la música posee igual potencial que muchas otros productos primigenios. Un tronco de madera sin trabajar, no incrementa valor hasta que pasa por el proceso de ser diseñado, cortado, retocado, lijado, barnizado, colocado en un catálogo y transportado al aparador de la prestigiosa tienda que lo pone en venta. ¿Es mas caro un librero de pino que nogal?, ¿es sólo la madera el único elemento a evaluar para ponerle precio?, ¿debe ser un diseño único o fabricado en serie para poder resaltar?

Un proyecto musical rentable, debe conseguir desarrollar sus elementos de la misma manera. Contener un origen y un destino, delimitado por la rentabilidad y necesidad de cada mercado. Se puede generar un producto rentable sin miedo a perder credibilidad creativa. Se puede generar un producto que respalde las necesidades de un sector hambriento de conceptos musicales. El artista se desvive por presentar su "nueva propuesta", pero mercado quiere una "experiencia de compra". 

El negocio de la música no ha muerto, ni morirá mientras existan los criterios suficientes para entender que la música, no es la gasolina suficiente que motiva al consumo en cualquiera de sus formas. El consumidor accede a aquello que puede permitirse y arriesga su dinero hasta donde puede arriesgarse. Pero siempre preferirá poner sus monedas en aquello que le satisfaga una necesidad clave.

¿Qué necesidad satisface Paquita La Del Barrio, Lupita D'Alessio, Jenny Rivera?... ¿Qué necesidad satisface Arjona, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés o Bob Dylan?... 

Quien comprende la función que cumplen en el mercado, podrá definir mejor el sello distintivo de cada proyecto, emprendimiento o visión artística que lo acerque a desarrollar su propuesta con mayores oportunidades de acceso al negocio de la música.

Gracias por iniciar conmigo este 2017. A partir de hoy, cada lunes subiré un artículo de opinión en este blog. Envíame tus opiniones en la caja de comentarios y ayúdame a proponer temas de debate para la siguiente semana. Te deseo un año lleno de oportunidades y será un placer crear en esta nueva etapa, las condiciones para un debate más abierto de nuestro entorno del negocio de la música.

Un abrazo fuerte y nos leemos mañana...

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum

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12 propósitos del músico profesional en 2017

Todos anhelamos hacer la lista de deseos y propósitos para iniciar el siguiente ciclo. Aunque los deseos simbolizan todo aquello que pedimos para nosotros, los propósitos son la parte esencial que podemos controlar para alcanzar objetivos. 

Como sabemos que hay mucho por hacer el día de hoy, entraremos en materia para que consideres estos propósitos para cambiar tu desarrollo como músico profesional en 2017.

1.- Trazar un plan de negocios antes del primer trimestre: De nada sirve una lista de própositos si no sabes como utilizarás tu tiempo en ello. Aprender a hacer un plan de negocios anual es la clave para conseguirlo.

2.- Interesarse por la Economía Creativa: En situaciones económicas complejas, solo quien está informado adecuadamente puede comprender los ciclos económicos para una mejor toma de decisiones

3.- Hacer una bitácora semanal de actividades: Al final del año podrás medir que desiciones te hicieron avanzar y cuales detuvieron tu avance

4.- Explorar otras alternativas entorno al negocio de la música: Existen actividades complementarias a la ejecución, docencia y performance de la música ¿Sabes cuales son?

5.- Poner en orden las prioridades de cada proyecto: Los músicos se diluyen muchas veces entre múltiples proyectos para alcanzar la rentabilidad. No todas las opciones son las más rentables.

6.- Desarrollar habilidades gerenciales individuales: No se puede ser líder de una banda sin tener liderazgo con uno mismo. Hay líderes natos, pero aún ellos requieren desarrollar sus habilidades

7.- Olvidar la sensación de que el tiempo es oro: Es muy común encontrarse con esta frase y delimitar el tiempo a algo tan obvio como es el dinero. Son aquellos que administran su tiempo y oportunidades en formas rentables los que consiguen sus objetivos.

8.- Dar seguimiento a los cambios en el negocio de la música: Saber que el MP3 ha sido sustituido por Spotify no basta. Hay que mirar los cambios íntegros en todos los campos del negocio de la música para comprender hacia donde se dirige.

9.- Comprometer ingresos a la construcción interna en otros campos de la música: Invertir en uno mismo es la mejor manera de desarrollar habilidades clave para que un proyecto navegue por varios puertos.

10.- Organizar mejor los recursos para mejorar oportunidades: Va de la mano con el punto anterior. ¿En verdad necesitas el iPhone 7 para impresionar a tus compañeros?

11.- Dividir tus prioridades personales de las prioridades musicales: Hay decisiones basadas más en lo que "yo" quiero que sea, que nublan por completo el criterio para abrirse a lo que "el mercado" quiere obtener. 

12.- Medir cada mes los resultados: El dinero es tan solo una medida cuantificable de los avances, pero existen otros resultados como posicionamiento, desarrollo interno, integración y recursos de negocio que se pueden contabilizar.

Como puedes darte cuenta, realizar estas actividades durante el año implica compromiso propio y personal, antes de que lo integres a cualquier proyecto que estés desarrollando. Es una forma más constructiva y por momentos puede parecer difícil de comprender. Sin embargo, cada uno de estos propósitos sienta la base de una mejor administración personal y de recursos que permite la adaptabilidad a las realidades de la economía nacional y el negocio de la música.

En Ad Libitum Incubadora, cerramos el año con diversos proyectos que tendrán su lanzamiento el próximo 9 de Enero a través de nuestras distintas plataformas. Te invitamos a conocerlos y mantenerte al tanto en nuestras redes sociales. 

Deseamos que el 2017 llegue cargado de oportunidades clave para tu desarrollo y esperamos conocerte en alguna etapa de tu desarrollo. 

¡Un abrazo cordial de todo el equipo Ad Libitum y nos vemos el próximo Lunes 2 de Enero!

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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¡Te deseamos un 2017 próspero!

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2017: Retos de estrategia para desarrollar hacia el 2020...

Se nos viene el cierre de año y con ello, las expectativas para el negocio de la música parecieran por momentos inciertos o más difíciles. Durante el 2016, nuestro país experimentó cambios de tipo económico, político y social, que han modificado el terreno para las industrias creativas.

Aunque parece complicado, estos cambios se han realizado en todas las latitudes y longitudes del mundo, a veces con apoyo de gobiernos, instituciones, asociaciones y la comunidad del negocio. En otros casos, la esterilidad de respaldo en cualquiera de sus formas, ha erosionado severamente el campo de las industrias creativas.

Reconocer anticipadamente los cambios clave de la industria, no significa que sirva para operar el siguiente año de forma óptima.

Te invito a comprender este artículo como parte de una estrategia para tu proyecto, utilizando el 2017 para tomar decisiones clave que puedes aplicar en los próximos 3 años y poner la mira en el 2020.

1.-Streaming: Hace unos días Spotify anunció que está muy cerca de convertirse en la primer Startup dentro del negocio de la música que alcanzará un modelo de negocio sustentable y rentable. Las alarmas y quejas principales de la industria, provienen de los artistas que han pugnado por un mejor pago de regalías. El reto para las propuestas musicales contemporáneas es transformar las oportunidades que los servicios de streaming ofrecen en soportes estratégicos de difusión y no de comercialización.

2.- Tendencia vinil: Aunque los viniles están empezando a crecer en consumo, aún no significan una fuente sustentable de ingresos. Aunados a la problemática de distribución y comercialización, los factores ambientales que podrían derivar, aún no han sido evaluados del todo. La compra de equipos para reproducir viniles ha desacelerado su crecimiento e incluso ha mostrado cierta tendencia a crear un mercado de reventa. El reto es analizar si vale la pena acceder en etapas tempranas de comercialización a una tendencia que comienza a bajar.

3.- Producción Musical: Las necesidades de grabación para un artista han iniciado una tendencia de corte minimalista. Se ha intentado culpar a los Estudios de Proyecto Personales de "minar" las oportunidades a los grandes estudios, cuando los recursos y habilidades creativas (contenido y mensaje) han sido visualizadas como el factor integral de un proyecto. El reto es delimitar mejor las facultades y oportunidades para los estudios, disqueras, productoras y maquiladoras, que las transforme en personajes más activos en la cadena creativa y no solamente espectadores pasivos en los cambios de la industria

4.- Certificación y Premios: Una industria que cambia constantemente es difícil de evaluar y aplicar criterios estables. Lo que para unos representa el mayor logro, para otros significa uno de los pasos recurrentes en su trayectoria. Paralelamente, el reconocimiento no está bien definido en muchos campos de la industria musical. La certificación ha demostrado avalar ciertos perfiles, pero falla en la delimitación de habilidades, criterios y funciones en los procesos de la industria. El reto es encontrar un pleno reconocimiento y delimitación creativa para crear una diferenciación más eficaz, que promueva el desarrollo de cada campo en la industria.

5.- Medios masivos y Redes Sociales: La transparencia es una de las herramientas clave para la industria en estos momentos. Anteriormente, los medios masivos se habían restringido de insertarse en el mundo de la era de información digital. La replicación mediática, ha abierto nuevas posibilidades, pero su crecimiento desmedido, ha diluido más el criterio y conocimiento. No es raro encontrar 25 versiones de una misma nota con preocupantes fallas de origen, que han vuelto más opaco el criterio. El reto es disipar y disminuir el excesivo uso de las redes sociales para la formación de criterios masivos y en lo posible, generar contenidos más integrales y de mejor calidad.

6.- Desempleo Generalizado: No podemos dejar de lado que las tendencias económicas están provocando cambios en productos y servicios de forma generalizada. En general, se están cambiando las políticas de contratación hacia la resolución por habilidades más que por grados académicos. Esta representa una gran oportunidad para las industrias creativas, porque integralmente hacen interactuar todos los potenciales del cerebro para generar respuestas integrales a problemas que anteriormente se veían como "distracciones" en el entorno laboral. El reto es expandir las habilidades creativas en el sector laboral y transformarlas en herramientas de desarrollo que estimulen el uso de las artes para la resolución de problemas complejos.

7.- Conciertos y Festivales: Los altos precios de acceso a espectáculos masivos ha limitado las posibilidades para nuevos Festivales. Indudablemente, los conciertos masivos han sido criticados en los últimos años por no abastecer espacio suficiente para todos los proyectos existentes. Para alcanzar un equilibrio entre la demanda y oferta de productos creativos, es necesario construir mejores redes, vinculación y organización de eventos. El reto, es constituir a los profesionales (gestores, promotores, managers y brokers) en un entorno de desarrollo en infraestructura organizacional, que permita el desarrollo de Festivales locales con una visión más significativa de simplemente brindar entretenimiento.

Conclusión

2017 representa un año de nuevos retos. Los caminos tradicionales en el negocio de la música serán reevaluados durante los primeros meses y en algunos casos veremos conflictos intensos en materia de distribución, producción y medios.

Aunque los puntos aquí expuestos buscan iniciar una reflexión profunda de nuestro entorno, no significa que sea un decreto que refleje simplemente problemas potenciales.

Este panorama tiene más soluciones que restricciones, puesto que hoy más que nunca, es posible generar oportunidades conjuntas, sinergias efectivas y por supuesto, integración humana que ha demostrado navegar y encontrar alternativas a los problemas cambiantes del entorno.

Lo hemos hecho desde la era de las cuevas... ¿Porqué no hacerlo ahora?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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