Instrumentos virtuales: Herramienta contemporánea

Desde hace unos años, la disponibilidad de los instrumentos virtuales, expandieron las oportunidades de la producción musical.

El avance en la tecnología en aplicaciones musicales se ha desarrollado de forma impresionante y ahora es fácil construir segmentos musicales con la facilidad de arrastra y pega.

¿Significa que la época del músico de sesión ha llegado a su fin?

MIDI... La herramienta primigenia.

A fines de los 70, el MIDI se convirtió en un estándar de maquetación y permitió mostrar un panorama de una producción totalmente terminada, antes de ser grabada en estudio.

En los años 80's, la inclusión de las beatbox y los primeros sintetizadores, ayudaron a crear de forma económica una escena electrónica y que consiguió sus mayores estándares con el pop.

Para finales de los años 90, las computadoras más potentes permitieron incluir instrumentos virtuales para sus primeras plataformas. Existieron formatos tan diversos como softwares de secuenciación.

Los sintetizadores utilizaban tarjetas de expansión con sonidos más realistas y algunos se convirtieron en verdaderas estaciones de trabajo digitales y MIDI.

Las interfases eran bastante complejas, sobre todo porque se requerían conocimientos de lenguaje hexadecimal para realizar modificaciones más realistas. Es aquí que llega la tecnología del instrumento virtual.

Instrumentos virtuales: simplicidad de ejecución

Los instrumentos virtuales utilizaban toda la tecnología MIDI y combinada con soporte de reproducción simultánea (polifonía), permitieron insertar archivos de sonido asignados a módulos programados con interfases de gran realismo para operar. En pocas palabras, pasaron de ser unidades hardware a virtuales dentro de una computadora.

Se enriqueció también de las capacidades de automatización de los secuenciadores existentes, lo que permitió una flexibilidad operativa mayor. Ya no se requería de varios teclados para controlar módulos, sino de utilizarlo como interfase solamente en aquellos que se iba a solicitar.

Las limitantes principales de los instrumentos virtuales de primera generación, eran los tiempos lentos de acceso a disco duro. El peso de los archivos de sonido también requería de un RAM más amplio. Pocas estaciones de trabajo podían darse el lujo de operar de esta manera.

Para principios del año 2000, la mayoría optó por volcarse en los samplers, instrumentos que cargaban solo muestras sin operar con gráficos de alta resolución. Los formatos AKAI, GIG, KONTAKT, SAMPLETANK hicieron difícil la preservación de esta tecnología y estandarización.

Los samplers pasaron de módulos recargables a máquinas de loopeo y fraseos para guitarras, pianos y bases de percusión.

Instrumentos virtuales de última generación

Los instrumentos actuales se han podido posicionar nuevamente ante la facilidad de los nuevos tiempos de carga en disco duro y amplias  oportunidades de expansión RAM.

Los procesadores actuales permiten realizar múltiples operaciones sobre los archivos y ahora incluyen procesadores propios como delay, reberv, armonizadores.

Es posible conseguir librerías orquestales condensadas y algunas muy extensas que abarcan hasta 45 GB en disco duro. Sin embargo, los discos de 3 TB disponibles permiten cargar estas y otras aplicaciones para sistemas operativos más amplios.

Conclusión

Los instrumentos virtuales son esenciales en la producción musical hoy en día. Muchos sonidos de temas contemporáneos, no serían posibles sin estas herramientas virtuales. La operatividad y costo de un instrumento virtual, permite emular sintetizadores y órganos análogos que costarían una gran parte de mantenimiento.

Las baterías virtuales han permitido que técnicas como el drum replacement sean sencillas y rápidas de elaborar.

Han llegado para quedarse, pero para mi forma de ver, sólo el buen gusto permite definir la cantidad exacta de su participación en un proyecto musical, o una interpretación musical en vivo.

Queda mucho terreno por avanzar en la tecnología virtual.

Rafael Mendoza graba y produce con instrumentos virtuales en Ad Libitum

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Efectos de modulación y sus diferencias

En México, la palabra "modulación" se aplica a diversos momentos. Aunque su origen tiene que ver con el procesamiento de señal, muchos músicos todavía utilizan esta palabra para referirse a la operación de equipo.

También se confunde con el proceso radiofónico cuando hablamos de la Amplitud Modulada (AM) y la Frecuencia Modulada (FM), que ya discutiremos en otro post.

Identificar las 5 aplicaciones de la modulación como procesamiento es la meta de este post.


¿Qué es modulación?

La modulación es una señal externa al sonido original, que produce variación en su volumen, tono o tiempo.

Esta modulación controlada, es uno de los efectos utilizados en la mezcla durante momentos específicos y son los menos usados de forma continua.

Tres de ellos van íntimamente ligados al mismo proceso; Phase Shift (Phaser), Chorus y Flanger. Su sonido característico proviene de barridos de frecuencia sobre todo el espectro audible o en la mayoría de los casos, un rango de frecuencia seleccionable. Los Phasers tienden a tener una menor cantidad de filtros. Chorus y flange poseen una mayor cantidad de ellos espaciados de forma armónica.

La diferencia principal entre ellos, radica en el tiempo de ataque del efecto y el sonido resultante con algunas aplicaciones específicas.

Phase Shift: Su principal característica es que no tiene un retraso para iniciar el procesamiento. Elige frecuencias alternas para conseguir su sonido. Estos filtros son muy espaciados. Su uso es muy común en la guitarra eléctrica.

Flanger: Con un retraso entre de 1 ms a 5 ms (milisegundos), su sonido característico proviene del filtrado armónico del sonido.  Tradicionalmente sus sonidos más profundos producen las cancelaciones más fuertes. Utilizado comúnmente en sintes, pads, guitarras y algunas voces.

Chorus: Inicia con un retraso de 5 hasta 25 ms, que se percibe como si el sonido fuera doblado o copiado simultáneamente. Normalmente se adelgaza para obtener un sonido más amplio y abierto entre los canales izquierdo y derecho. También filtra armónicamente. Utilizado ampliamente en guitarras acústicas y eléctricas, sintes, pads, pianos, voces y coros para engrosar la armonía.

Separados de estas características, pero basados en el hecho que la modulación regula la función del efecto, encontramos al Trémolo y Vibrato

Trémolo: Al igual que el Vibrato, no utiliza ningún parámetro de delay. Su función es alternar la intensidad de volumen, produciendo la percepción de acercamiento y alejamiento en el espectro sonoro. Utilizado principalmente en guitarras eléctricas, sintes, órganos y fraseos electrónicos

Vibrato: A diferencia del trémolo, el vibrato, modifica el tono preservando el volumen del sonido. Apliamente usado en la música electrónica sobre conjuntos de instrumentos, percusión y líneas de bajo.


Conclusión

Debemos recordar que la modulación es la variación continua de la señal en frecuencia, amplitud y tono. Los instrumentos referidos son muy comunes en  proceso, pero no significa que no pueda ser utilizado de forma conjunta a otros sonidos para obtener un nuevo proceso.

He utilizado trémolos como disparador de efectos en algunas producciones electrónicas y se obtienen buenos efectos de profundidad sumando chorus con reverb y delay.

Las combinaciones pueden ser infinitas...


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10 errores comunes de la producción...

Producir es el arte de ordenar, organizar y desarrollar un producto que ha sido previamente estructurado, planeado y pensado para un mercado específico.

Cuando hablamos de ideas creativas, siempre se piensa en que plasmar la obra es el único paso necesario para darle vida.

Seremos muy insistentes en decir que pre-producción, producción y post-producción, son las etapas que conforman el desarrollo de un producto creativo en audio producción y otras disciplinas.

Aquí va una lista de los 10 errores más comunes en la producción.


1.- Tiempo insuficiente de producción: Un spot de 20 segundos, puede requerir entre 10 a 20 horas para su desarrollo, producción, edición y ajuste para llegar a su versión final. 20 segundos es el trabajo condensado de una labor dura tras bambalinas. La radio abusa de este concepto para vender espacios publicitarios "regalando" la producción del estudio. Si no vendes, entonces no se vale quejarse de dejar que una estación domine tu negocio.

2.- Hacer cambios al momento: Si bien es cierto que un ajuste de entre un 10 y 20 % de tu producto se realiza en la etapa de producción, no significa que sea necesario realizarlo. Si tu pre-producción está bien hecha, seguramente no alterarás más del 5% del contenido. Cambiarlo en el momento no es una opción, pagas doble y el resultado es bajo presión.

3.- Confianza en internet: No conseguiste una música adecuada, un efecto de sonido, un preset de guitarra. Llegas al estudio esperando que el operador, ingeniero o la secretaria te resuelvan bajar el efecto de un caballo galopando al ritmo de "Sopita de caracol". Nunca confíes que internet te brindará la solución. Ellos están tan confiados como tú.

4.- Grabar "al vuelo" un spot: Todos sabemos que la locución en estos tiempos debería llamarse "imitación". Ya no existen voces que conecten la masa gris con la boca. Esperan que su talento les permita salir avantes repitiendo como pericos la misma frase que les hizo vender a "mamá Lucha".
He visto locutor@s salir llorando de una sesión, porque su ego los azotó contra el suelo para vender un jabón.

5.- Documentos de efectos: El preset 54 en el coro puede sonar bonito en tu guitarra, pero si olvidas apuntarlo para entrar al estudio, vas a quedarte con la duda por unas 2 horas gastando tiempo valioso de estudio. La plumilla, baqueta, cuaderno y pentagrama no son los mejores amigos del músico. El lápiz es tu verdadero héroe.

6.- "Quiero sonar a": Llegar con una expectativa de imitación, hecha por tierra el valor interno y creativo de tu proyecto. Si estás en un estudio es para proponer tu visión cualquiera que esta sea. No lo arruines con miedos de último momento para garantizar que alguien escuche tu propuesta.

7.- "Si ya sabía"..: La frase ganadora que tres minutos después, debes comerte porque te has dado cuenta que olvidaste el cable sobre la carreola de tu sobrinito. También es escuchada cuando la estructura de un tema musical no está claro porque nadie tiene entre sus cosas un boceto básico de la canción.

8.- Bullying por justificación: Todos tocan La menor y el bajista lleva una armonía en La mayor. La mayoría aplastante empieza a "regañar" al caído. Su error fue tocar toda la vida esta armonía que nadie tomó en cuenta durante los altos volúmenes de ensayo. Como resultado, el pobre bajista termina de tocar su rola, sale del estudio y no se le vuelve a ver hasta dentro de 2 días después. El error no es suyo, sino del grupo en conjunto al aplicar "disciplina" en forma de bullying. ¿Te suena?

9.- Calidad por ahorro: Un estudio puede proveer una buena grabación independientemente del presupuesto. Lo que encarece algunos productos y procesos es la falta te preparación del artista o locutor. Un buen productor sabe ganar tiempo de estudio con tiempo de preparación.

10.- "Nadie va a notar los errores": Es la razón número 1 para que tu proyecto no llegue a donde debe. Siempre habrá quien note la falta de planeación, talento, ejecución, producción, costo y desarrollo de tu proyecto. Engañarás fácilmente a la familia y algunos amigos, pero no podrás dormir sabiendo que el 70% de lo que tienes en tus manos, lo desarrolló una herramienta digital.


Conclusión

Todos participamos de estos vicios tanto dentro como fuera de la producción. La mayoría se resuelven con un hecho común. Honestidad. Pagar puede hacer de tus proyectos un éxito, pero de nada sirve si al terminarlo quedas debiéndote a tí mismo una lección sobre ello.

Las clases de canto, digitación, armonía, lectura, respiración y técnica, deben ser retomadas cuanto antes para trabajar a fondo en los detalles de tu producción. Si sobrevives a ello seguramente no volverás a dejar que estos errores se repitan. Si lo haces de nuevo, estás atrapado en un círculo vicioso que absorberá tu dinero y tu proyecto con el tiempo.

Rafael Mendoza diseña producción en Ad Libitum

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Viernes de video: Kantele

Viernes de video y les traigo una interpretación que encontré sobre este bello instrumento finlandés.
El Kantele es nombrado en el Kalevala, poema épico de la región.

Es el instrumento más significativo de Finlandia, posee 38 cuerdas y es diatónico. El cuerpo resonante está diseñado para colocarse en las piernas o sobre una mesa.

Su sonido es parecido al de algunos instrumentos de medio oriente, sin embargo, la organización de las cuerdas es totalmente europea.

La Academia de música en Helsinki tiene un taller para la elaboración y aprendizaje de este instrumento.

En este video lo escucharemos fusionado con el sonido de un Theremin, instrumento de origen ruso.

Se dice que J.R.Tolkien, autor de "El Señor de los Anillos", inspiró muchas de sus ideas para la novela escuchando este instrumento.

Disfrútenlo y nos vemos el lunes en el primer post de la semana.

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Last night a dj saved my life.. (Historia del Dj) Parte III

Continuamos con la tercer y última parte de este recorrido por la historia breve del DJ.

El Disc Jockey  pasó de ser un solo animador de fiesta a convertirse en un artista  de la manipulación y mezcla de sonidos y ritmos musicales para crear un sonido único capaz de identificar a un personaje o a un local creando nuevos géneros musicales.

Tras su evolución, ha ganado un lugar dentro de la cultura popular, a partir de un personaje escondido en la soledad de una cabina radiofónica a estar al frente de millones de personas y ser el amo de sus sentimientos.

Este proceso  llego a sus punto máximo durante la última década del siglo pasado donde  los diferentes géneros musicales basados en la manipulación electrónica y digital del sonido,  crearon una nueva cultura de divertimento musical, donde el anonimato del encargado de la música en la fiesta se convirtió en la razón por la cual acudías a ella.

Un paso al frente. Años 90's

En los años noventa, el DJ dejó  de ser un personaje que jugaba con los temas de otros artistas para convertirse en el productor musical.

Esto basado en los avances tecnológicos que le permitieron no depender de la habilidad de una banda  o de músicos para crear sus propias pistas musicales, basadas en el sampleo, loops y sintetizadores y muchos mas aparatos capaces de manipular el sonido.

Otra razón para menospreciar su trabajo por parte de la comunidad de músicos, fue que a partir de un conocimiento más técnico que musical, podía generar melodías simples y además no dependía del trabajo de toda una banda para poder construir sus bases rítmicas o melódicas, el trabajo de muchos músicos lo podía hacer uno solo.

El DJ pasó de ser solo un mago de  técnicas como el breakbeat, scratch, backspin  basados en la manipulación de los discos a concentrarse en el uso de computadoras para crear sus propios temas  que serían usados en su próxima sesión en la discoteca.

Otra de las cosas que ayudo a crear esta comunión entre el público y el DJ fue la capacidad de distribución de la sesión musical del disc jockey  de manera casi inmediata. Grabado en un cassete, podías preservar el momento.

No es solo que pudieras tener los mejores temas de los diferentes grupos en una sesión, lo que generaba el verdadero valor de esa cinta grabada era la forma en la que el dj mezclaba los temas, no era una canción de estudio,  comprabas la experiencia de una fiesta.

A medida que los nuevos géneros  musicales fueron creciendo, las industrias culturales alrededor de ellas también, eso a nivel comercial crearía un mercado nuevo en los que la estrella seria el DJ.

El DJ se convertiría en la nueva rockstar, en la nueva figura a seguir en el escenario,  crecieron los festivales y las grandes fiestas donde se podía escuchar a los mejores representantes de los diferentes géneros musicales.

Por otra  parte,  los músicos ven la inclusión de los dj´s a manera de experimento, fusionando con ritmos y sonidos que ya existían.

En un principio ,un tema que seleccionaba un dj para programarlo en la radio daría popularidad a un artista ahora que ese tema sea seleccionado para ser remezclado es sinónimo de éxito.

En estos días  no podemos entender la industria musical sin este personaje y aunque todavía hay quien no lo considera como un artista. También hay quienes los han incluido como parte fundamental en su proceso creativo.

Como se escribió al principio de este artículo  no podemos rechazar ninguna expresión sonora, y mucho menos basados en el desconocimiento e ignorancia de los procesos y evoluciones de la misma.

Entrar en un debate inerte entre si la música electrónica y los dj´s carecen de creatividad o cultura musical es juzgarlos desde un punto tan lejano como ciego. 

Simplemente  el respeto al trabajo, con este artículo que en realidad dista de ser un tratado profundo del sobre este personaje  espera servir de introducción y motivación para conocer lo que realmente hay detrás del disc jockey.

Raúl Beltrán produce en Ad Libitum Estudio

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Viernes de video: Documental Dark Side of The Moon...

Hablar de "Dark Side Of The Moon" de entrada es un placer.

Es el único disco que se ha mantenido en las listas Billboard desde que salió.

Se han calculado 50 millones de copias vendidas.

Alan Parson aportó su talento a completar las ideas del grupo en lo que sería un álbum icónico y que marcaría el rumbo del rock conceptual.

No se puede más que hechar una mirada años más tarde a su creación.

Subtitulado en Español, es un buen material para analizar que un buen disco, no fluye espontáneamente.

Excelente fin de semana.. nos vemos el Lunes.

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Last night a dj saved my life.. (Historia del Dj) Parte II

El nacimiento de la técnica.

Continuamos con este interesante tema de la historia del DJ.

Fue hasta mediados de los sesenta cuando las posibilidades tecnológicas darían la oportunidad al DJ, a crecer técnicamente y dejar de ser solo un animador de fiestas.

Si bien la función del ritmo de una noche de baile va en función de la selección de los temas,  la capacidad de manipular las canciones, daría al trabajo del dj una complejidad que antes no se tenía.

Durante los años sesenta aparecen las primeras mezcladoras para DJ, poner una canción después de otra dejaba ver la poca habilidad del operador. 

La mala fama y decadencia de ciertos lugares que basaban su ambiente musical en música grabada con DJ's deficientes, permitieron a la música en vivo regresar como la preferida en los clubes, tanto por el público como por los empresarios.

Esto no permitió que el personaje de la historia dejara de evolucionar.  Muchas de las  técnicas que hoy conocemos y forman la base del trabajo del DJ, se originaron en este periodo. 

El beatmaching  técnica que modifica las velocidades de reproducción para acoplar o sincronizar discos fue popularizada por Francis Grasso, un DJ americano. 

Otra de las técnicas que aparecieron durante este periodo fue el slip- cueing, técnica  basada en sostener el disco  y soltarlo en el momento exacto  para sincronizar o hacer que un tema entre en escena.

Con estas bases técnicas, la manipulación de los temas se volvió algo más complicado. Se empieza a generar el concepto de mezcla. Generar puntos en el que las canciones se fusionarán compartiendo una misma base rítmica es el fundamento del trabajo del DJ.

70's... El resurgimiento

En los años setenta. El soul y el funk llenaron la escena musical y resultado de esta fusión nace el sonido disco.

Nuevamente, el personaje más importante de cualquier local era el dj. Sin lugar a dudas ,se nos vendrá a la mente el  nombre de Studio 54.

La moda de la música disco fue extendida por  toda Europa y Estados Unidos, la cultura pop y el nuevo fenómeno del  libre comercio, al igual que una  estabilidad económica  impulsó el despegue de la industria discográfic

Las versiones que usaban los disck jockeys para sus sesiones eran producidas con  un mayor tiempo de reproducción, así como con varios compases introductorios, versiones acapella o instrumentales. 

Estos elementos darían mayor libertad  de mezcla y combinación de los temas generando así un sello característico a cada uno de los locales  y sobre todo a los encargados de poner la música.

El disck jockey se volvió el maestro de las fiestas. Si un local se buscaba un buen nombre, debería de tener un  buen maestro de ceremonias, se fue creando un mito similar al de "rock star" alrededor del DJ, y se convirtió en una profesión al igual que ser un músico  de cualquier banda  de rock.

80's y la descarga electrónica

Para los años ochenta, los avances tecnológicos en cuanto a los sintetizadores, sampler y cajas de ritmos ayudaron a en un principio a simplificar y después a enriquecer el trabajo de mezcla.

En la ciudad de Chicago se origina el house,  música basada en un ritmo con un beat constante, generado por las nuevas máquinas pero enfatizando el carácter melódico por  voces femenina.

Por otra parte la cultura del hip hop,  construía otro género musical en el cual la habilidad del dj se basaba en la manipulación de los discos antiguos con figuras rítmicas más complicadas, utilizando técnicas como el back spin o el crossfade, scratch y popularizando las batallas entre los dj’s.

Hay que recordar que el hip hop es un concepto cultural que va más allá del baile y la música. Las caracteristicas sociales y culturales de este movimiento hacían del trabajo del disck jockey una forma de ser famoso, para salir de la pobreza del barrio del Bronx y Harlem.

El Disc jockey  pasó de ser un solo animador de fiesta a convertirse en un artista  de la manipulación y mezcla de sonidos y ritmos musicales para crear un sonido único capaz de identificar a un personaje o a un local creando nuevos géneros musicales.

El próximo jueves la tercera y última parte..

 Raúl Beltrán realiza diseño de sonido en Ad Libitum Estudio

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Himno Nacional Mexicano: Regalías al extranjero

Hace un rato que escribimos sobre la importancia del Derecho de Autor.

Recuerdo que hace un tiempo me enteré de que el Himno Nacional Mexicano, carecía de autoría en suelo mexicano.

Hoy en un foro de Facebook se tocó el tema sobre una nota en broma sobre un nuevo Himno Nacional Mexicano.

No me gusta intervenir el nacionalismo, ni voy a dar una lección de civismo por este asunto. Simplemente me sirve de ejemplo sobre la importancia de la protección de derechos a nivel nacional e internacional.

El hecho confirmado

En 1999, Gabriel Larrea Richerand, Presidente del Instituto Mexicano de Derechos de Autor en aquel entonces, descubrió que una editora estadounidense, podía cobrar las regalías sobre el Himno Nacional Mexicano.

Larrea menciona en un artículo para el Universal fechado el 15 de Septiembre de 2004
( http://www.eluniversal.com.mx/nacion/115679.html ), que un día se presentó Henneman Harry, con registro CAE 99999960 de la BMI (Broadcasting Music Incorporated) a cobrar las regalías correspondientes en la Embajada de México en Washington.

De acuerdo a las instituciones en derechos de autor norteamericanas, Henneman (también conocido como Hill Phil), registró el himno en la editora Edward B. Marks Music Company, como una co-autoría "Henneman Harry- Nunó Jaime".

Adolfo Montoya Harkin, Director del Instituto Nacional de Derechos de Autor declaró en ese momento que los hijos de Jaime Nunó vendieron los derechos de la música pero no de la letra.

Larrea mostró entonces un recibo por 14 dólares de cobro en regalías de 1996 a 1999.


Conclusión

Los derechos de autor en México siguen siendo desconocidos para la mayoría. Casos de disputas entre artistas son bien conocidos en el ámbito público, pero cuando trasciende a una obra de tipo institucional como el Himno Nacional Mexicano, significa que hay mucho por hacer.

A la fecha ninguno de los dos países en disputa ha querido tocar el tema y negociar en base a ello.

Nunó tuvo una oportunidad de legar a sus hijos un bien denominado música a su muerte en 1908. Pero en esa época, los cambios políticos de la nación no estaban como para tomar en serio esta situación.

No podemos juzgar a sus hijos de vender los derechos, puesto que eran una pertenencia válida y reconocida por el Estado.

Hace falta crear legislación que proteja no sólo los derechos de autor, sino aquellos cuyo valor histórico y cívico pueden representar a un país. Y no me refiero solo a los himnos, sino a la música yaqui, otomí, mazahua, huasteca o de cualquier país que contribuya a la identidad de un pueblo.

Rafael Mendoza produce y registra sus temas la SEP , produciendo en Ad Libitum

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Remasterización: ¿Porqué es necesaria?

Ultimamente hemos hablado del proceso de masterización. En el medio sobre todo de forma comercial se explota cada vez más el término "Remasterización".

Para poder diferenciar a ambas, es importante reconocer que se está hablando del mismo proceso, pero que se aplica a diferentes niveles.

Algunos de estos conceptos son muy subjetivos, sin embargo, vamos a establecer un punto de referencia claro para ambos.


Aplicaciones en audio producción

La masterización (o premasterización, el debate crece al respecto), es el proceso en que se pule el sonido de un track o álbum antes de realizar el disco matriz para la maquila.

Se incrementa la limpieza y volumen entre programas del producto para mantener su equilibrio acústico. Aunque se considera la varita mágica del sonido final, en realidad son alteraciones mínimas posibles en el programa. La masterización comienza con el arreglo.

Una vez hechos los ajustes adecuados el producto es enviado a maquila.

Sin embargo, cuando las nuevas tecnologías y los procesos lo permiten, muchas veces es necesario llevar más allá la claridad o calidad de un producto masterizado.

Para ello se recurre a la Remasterización. Puede ser que un material se considere de alta importancia para ser revisado con más detalle y/o con fines de preservación del material.

Una remasterización no parte de un master previamente procesado, sino del material más cercano a la primera generación posible.

En una película o fotografía, el negativo sería la fuente principal de un objeto de restauración o retoque digital. En audio, contamos con una cinta análoga de 2 track, un DAT y en generaciones recientes, un CD o CD ROM.

Es apartir de aquí que se tomará el material de referencia para una remasterización. Debe estar lo menos procesado posible después de la etapa de mezcla.

La remasterización combina herramientas tecnológicas junto a procesos técnicos. Los primeros convertidores análogo digitales, realizaban un sampleo de 16 bit a 44.1khz. Actualmente los originales pueden ser sampleados a 24 o 32 bit flotantes a 192 Khz, con la intención de poder crear un master en alta resolución para la preservación del material.

Una vez digitalizado el material, se realiza un proceso de masterización tomando en cuenta las nuevas posibilidades del formato y herramientas digitales disponibles. El material usualmente puede obtener mejores resultados, aunque puede verse arruinado en el proceso de incremento de volumen, donde tradicionalmente la industria se excede en el límite del buen gusto y la distorsión como argumento de venta.

Conclusión

Entonces, ¿porqué es necesaria la remasterización?

La remasterización permite mejorar una versión previa de material, colaborando a una mejor apreciación del mismo basados en su nueva resolución o formato de salida. También se beneficia de la posibilidad de preservar el material para futuros trabajos, tanto procesado como sin procesar.

Desafortunadamente, se ha abusado del término "remasterización" como forma de reventa de ciertos materiales, que obedecen a la inclusión de algún material gráfico o stickers como sustento de una versión mejorada a un álbum clásico o de alto consumo.

La remasterización se confunde normalmente con el "Loudness War"... Es difícil saber si un material remasterizado realmente aporta lo que ofrece hasta que es escuchado y comparado...

¿Vale la pena comprar el mismo disco remasterizado?... Si tiene un tratamiento correcto, por mucho valdrá la pena conseguirlo.

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Efecto Doppler: Ese complejo enigma...

Viernes de video y decidí usar un video muy ilustrativo para aclarar una duda que me hacen mucho en los cursos y talleres.

El efecto Doppler no tiene nada que ver con una mágica afición a los nachos alemanes.

Es muy confundido con el efecto Hass o precedencia. El efecto Hass tiene que ver con el tiempo de arribo, es decir milisegundos.

El efecto Doppler tiene que ver con la frecuencia.

Aunque Christian Andreas Doppler lo propuso en 1842, fue Christoph Hendrik Diederik Buys Ballot (neerlandés) quien investigó la hipótesis en 1845 para el caso de las ondas sonoras.

Originalmente fue planteado para los fenómenos lumínicos en las estrellas y astros.

El siguiente video nos ayuda a ejemplificar este fenómeno. El próximo viernes veremos una aplicación del mismo en el sonido.

Pasen un buen fin de semana y seguimos escribiendo.

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