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viernes, 9 de septiembre de 2016

Franquicias musicales: Juan Gabriel Versión Extendida...



Todavía no terminan los homenajes al Divo de Juárez y ya tuvimos de todo para comentar.

Desde la renuncia y disculpa pública de Nicolás Alvarado, hasta las teorías conspiratorias sobre la desaparición forzada de Juan Gabriel para evadir al fisco. (Después dirán que por eso hicieron renunciar a Aristóteles Nuñez).

Pero el mercado no deja de moverse con las etapas de luto. Ya es tradición la gran contradicción que todo músico o imitador propone en estos casos. Muere un ícono e inmediatamente se busca la manera de monetizar esa "inmortalidad, iconicidad y genialidad" a través de la venta de boletos, eventos artísticos y homenajes.

Esto no ocurre solamente en México. Sin embargo, analizando de fondo la psique mexicana, podemos decir que este gran disfraz del "homenaje artístico" es tan solo una visión inmaculada del negocio.

Murió Selena e inmediatamente empezamos a ver en las fiestas y salones de México, una gran cantidad de imitadores. Elvis, Beatles, José Alfredo Jiménez, Michael Jackson, Luis Miguel, José José... Ninguno se salva.

Hasta los que no han muerto, tienen asegurado ya su nivel franquiciatario. Es común ver en ciertos bares a grupos diversos nombrándose Cadetes de Linares, intérpretes de La Voz México que nunca participaron (o que pasaron en las eliminatorias), bandas tributo a Kiss y trovadores que pasan horas sentados en cafés recitando todas las noches los mismos temas que hicieron inolvidables a Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Luis Eduardo Aute, Fernando Delgadillo, Mercedes Sosa, Alberto Cortéz y una que otra de Mecano (no nos íbamos a olvidar de Nicho Hinojosa ¿eh?).

La gran contradicción

Este ánimo por hacer las cosas funcionar, debería ser suficiente para encaminar un mercado más estable dentro del campo del Music Business. Sin embargo, su gran contradicción es caer en la ilegalidad dentro de la legalidad.

No malinterpretemos el hecho. De acuerdo a la Ley Federal de Derechos de autor, una marca o personificación artística, tiene derecho a una retribución por uso de licencia. Una cosa es el homenaje artístico sin lucro (que tiene hasta cierto punto un respeto de tipo moral y social) y otra cosa es disfrazar el lucro a manera de homenaje.

Los imitadores, ofrecen una derrama económica importante y evaden infinidad de regalías por derechos de autor. En algún momento, Roberto Cantoral intentó certificar a los bares y grupos musicales por los derechos de sus canciones. La comunidad musical y la sociedad, pegaron el grito en el cielo y el autor de El Reloj desistió del intento. Sin embargo, a través de SOMEXFON, este giro al cobro de regalías en bares y restaurantes ya se está implementando.

Emular a Juan Gabriel, Luis Miguel, Arjona, Emmanuel o cualquier artista parecido en imagen y obra, bien podría servir de base para el cobro de regalías y derechos de uso. A la fecha, no he encontrado a ningun imitador preocupado por derivar en sus pagos de Hacienda, un porcentaje de regalías a la editora o al personaje en cuestión.

Con Juan Gabriel ocurrirá lo mismo. Ya desde ayer, la Orquesta Filarmónica de las Artes, anunció que le rendirá tributo el 11 de septiembre a modo de homenaje con entradas desde los 200 y 300 pesos para apoyar su causa. Y así veremos en bares, fiestas, salones, plazas públicas, festivales, ir y venir los temas de Juan Gabriel. ¿Pero que tal se regodeaban los artistas de alto nivel cuando los Ángeles Azules lanzó su disco con Orquesta Sinfónica?

En nuestro post "Ganancias Post Mortem: ¿Se puede vender más muerto que vivo?", hablamos de la rentabilidad que la "pérdida" sensible de un artista ofrece como ingreso a la industria. Juan Gabriel hoy más que nunca, se hunde en esta trama enmarañada de la ilegalidad. Aunque las bases técnicas, legales y fiscales existen para su comprensión, todavía no ha llegado una autoridad que aplique este concepto.

"¿Y porqué la queja entonces?" dirán ustedes...

Conclusión

El negocio de la música en México, necesita aplicar encausadamente los recursos humanos, legales, fiscales, sociales y políticos para generar un entorno adecuado que impulse su florecimiento. 

Mantener las posibilidades de comercializar lo no comercializable (en todos los sectores), ha llevado al país a una crisis económica dependiente de la palabra, la promesa y la inestabilidad práctica. Negociamos a la mexicana, esperando beneficios de economía europea o americana.

Son infinitas las voces que claman mejores oportunidades para el negocio de la música, pero de ellas muy pocas estarían dispuestas a entrar en los esquemas que delimiten el entorno y lo ayuden a florecer.

"Queremos una mejor industria" clama el sector... ¿Y cuántos sobrevivirían de ponerse todo en orden?... Después de todo, si Juan Gabriel ha significado tanto para la cultura mexicana, ¿no deberíamos reconocerle también en lo legal y fiscal su aportación?

Si tu respuesta es "las cosas así son y nunca van a cambiar", entonces tenemos nuestro propio epitafio.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
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lunes, 29 de agosto de 2016

Juan Gabriel: 45 años de negocio musical...



Todo mexicano tiene su historia con Juan Gabriel. Recuerdo a mi madre poner sus discos de "15 Grandes Éxitos" muchas veces durante mi infancia. Una portada azul con varias fotografías del cantante.

Su presencia en el hogar molestaba a mi padre, afecto a los boleros y la música folcklórica mexicana. Mi madre por el contrario, aprovechaba que su marido no estuviera en casa para escuchar a Juan Gabriel, Napoleón, Vicky Carr, Estela Nuñez.

Eran comunes las colecciones musicales de "Selecciones de Reader's Digest" (nunca pude entender quien era ese señor hasta que aprendí inglés), pero siempre estaba presente en el tocadiscos alguno de sus álbumes.

Eran discos tan utilizados, que se colocaban monedas sobre la pastilla (antes de quitarle 3 ceros al peso) para que la aguja sentara mejor y no saltara con los rayones provocados por el uso y las caídas de los brazos automáticos de las tornamesas. El desgaste de cada pasada, hacía necesario pensar en la compra de una copia más.

Juan Gabriel se insertó en el imaginario colectivo utilizando una estrategia diferente a otros intérpretes. Es una de las pocas mentes inteligentes del negocio de la música en México.

¿La clave? Su propuesta de valor como artista lo hizo diferenciarse de sus competidores y ubicarle facilmente en un entorno saturado por propuestas repetitivas que llenaban las estaciones de radio y programación de TV.

No buscó equiparar a José José en calidad vocal, agregar presencia a lo que Vicente Fernández estaba proponiendo o la clásica aparición de smoking y frack que acostumbraba Manolo Muñoz.  Su propio vestuario lo distinguió durante los 80's, 90`s, 00's y 10's.

En una época donde Siempre en Domingo se perfiló como el programa monopólico de la televisión mexicana, Juan Gabriel supo aprovechar la explotación de los íconos mexicanos desde sus inicios.

Cantaba al lado de Lucha Villa y Lola Beltrán, íconos de la música mexicana de aquellos años, para identificarse y mimetizarse con el público. Se le entregó a María Félix con su tema "María de todas las Marías" y con ello sembró un antecedente en el arte de las estrategias de marketing musical. Se dejaba "ver" con los grandes y eso le generó mucha simpatía.

Sus letras bajaron el tono de los intrincados arrumacos y dramas que proponían artistas como Raphael, Alberto Cortéz o Vicky Carr, para volverse cotidianos, simples, alegres y sin caer en el choteo de los cantantes de finales de los 60's que ya empezaban a descarrilar sus carreras cantando géneros "más maduros". Esas letras que hablaban tan parecido a como el resto de la gente siempre habló, es un sello que caracterizó los temas de Juan Gabriel.

Habló del amor prohibido, del amor sin condiciones, del Noa Noa, de no nacer para amar, del amor eterno (himno icónico para las madres en México) y todo aquello que siempre le rodeó. Apoyó a nuevas propuestas, porque sabía que seguiría atravesando las generaciones con esas referencias. Esos artistas son los que hoy llevan la palabra de "Juanga" a los nuevos públicos.

Estos elementos colaboraron a vender millones de copias en México y habla hispana, colocándolo como un artista vigente. No hay mexicano que haya dejado pasar la oportunidad de sentirse particularmente atraído por la música de Juan Gabriel.

Su relación con su madre siempre fue un mito que acompañó su carrera y que vinculó a una gran cantidad de seguidores con lo más sagrado que tiene el mexicano. Una identidad que se estimulaba por si misma.

Siempre existirá el debate con respecto a la calidad de sus arreglos musicales, su popularidad y su fama, pero en la industria discográfica, pocos artistas consiguen volverse icónicos y sumergirse en la piel de la memoria mexicana. 

Sea cual sea la razón por la que Juan Gabriel se haya sostenido en 45 años de carrera, es un hecho que no hubiese sido posible sin una visión del negocio en la música que recopiló de todas las entidades que conoció y aprovechó una red de contactos clave para posicionarse como uno de los ejemplos más exitosos en la industria.

Hoy, pocos artistas se dan cuenta de las sutilezas del negocio de la música, compitiendo en las mismas canchas, las mismas líneas o los mismos conceptos. Juan Gabriel pudo entender mejor que nadie a su audiencia y acercarle exactamente lo que quería. No tuvo reparos en identificarse con ellos y para ellos. Los escuchó, los siguió y atendió sin las herramientas que las redes sociales procuran en estos tiempos y que se han vuelto un mal necesario en el negocio de la música.

Viene la segunda pelea.. ¿Quién albergará los restos del cantante?.. ¿Parácuaro o Ciudad Juárez?... ¿Cuánta derrama económica podría dejar Juan Gabriel con su legado musical?... ¿Cuánto dinero podrían generar sus restos mortales asentados en alguna de estas ciudades?... Un capítulo sustancioso para analizar los próximos años...

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum Incubadora
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lunes, 8 de agosto de 2016

Río de Janeiro 2016: Blindaje Digital


El viernes pasado comenzó la XXXI Olimpiada en Río de Janeiro. El evento ha significado un suerte de contrariedades políticas, económicas y sociales al interior del país. Para muchos, es un espectáculo internacional que ocurre cada 4 años. 

El aprendizaje de fondo en estos eventos nunca deja de sorprender. Más allá del despliegue logístico, técnico y tecnológico, los Juegos Olímpicos de Río 2016 está dejando claro que todavía queda mucho que aprender y todavía mucho más que enseñar.

Un evento de estas proporciones ofrece de fondo un despliegue interminable de subproductos, como el contenido, resultados, estadísticas y específicamente para nuestro deleite, los conceptos creativos aplicados a elementos artísticos, invenciones, diseño gráfico e industrial que requieren protección en materia de propiedad Intelectual.

¿Cómo blindar intelectualmente en una era digital donde la información es la moneda de cambio del futuro?

Los acuerdos digitales

Existe un documento llamado "Normas de Acceso a la Información para la Difusión de los Juegos de la XXXI Olimpiada, Río de Janeiro 5-21 de 2016", que establece una serie de políticas fundamentadas en el Convenio de Bruselas sobre la distribución de señales portadoras de programas transmitidas por satélite (1974) y el Tratado de la OMPI sobre Derecho de Autor (WTC) de 1996.

El primero establece las bases para la distribución de contenidos limitados a las zonas de distribución en los diversos países que se conforman y el segundo sobre los derechos de distribución, alquiler y comunicación pública a través de los medios digitales.

Estos elementos son clave para blindar los servicios de comunicación para los Juegos Olímpicos a través de los medios digitales.

Gracias a ello, el material olímpico no se puede difundir en servicios de información contínua o información deportiva On Demand. Todo el material que sea aplicado a formatos de animación gráfica cono GIF, GFY, WebM o Vines no se pueden transmitir regionalmente o generar su transmisión sin autorización por escrito.

Quien lo realice puede hacerse merecedor de multas y revocación sobre las autorizaciones de acceso a las instalaciones olímpicas.

"Los juegos de todos": El gran debate

El COI ha sustentado como titular de los derechos de autor contemplando:
  • Los juegos olímpicos y todos los actos relacionados con éstos
  • El valor adicional asociado con los mismos
  • Cualquier derecho, título o interés de todo tipo y relación con la organización
  • Difusión cobretura y exhibición de los Juegos Olímpicos
  • Explotación, representaciòn, grabación, comercialización, reproducción, acceso y divulgación por cualquier medio o procedimiento existente y de nueva creación con fines de lucro directo e indirecto.
La identidad gráfica también está protegida en:
  • Bandera
  • Lema
  • Identificaciones (el término Juegos Olímpicos y Juegos de la Olimpiada en todos sus idiomas)
  • Designaciones
  • Emblemas
  • La llama Olímpica
  • Las antorchas
  • Símbolos olímpicos colectivos o individuales
 Solamente se pueden difundir libremente las ruedas de prensa y eventos señalados por el COI.

Aplicación en Internet

En los últimos años, el tema de la difusión de contenidos sobre los Juegos Olímpicos había minimizado el interés de cubrir el evento y pagar los derechos de transmisión, porque la disponibilidad digital había disminuido el valor económico y publicitario.

La presión de los medios se hizo presente en los Juegos de Londres, referidos como los Juegos del "Ambush Marketing" o Marketing de emboscada. Este tipo de marketing implica cosechar beneficios de marketing a partir de "emboscar" los eventos más representativos y aprovecharse de sus beneficios, sin estar autorizado de forma directa para comercializar publicidad a partir de ello. Desde los Juegos de Atenas se anticipó el uso de  derechos para internet, sin embargo, en esta edición de los Juegos Olímpicos, se ha concretado el uso de aplicaciones y controles más estrictos para el acceso a los contenidos digitales y su difusión.

En México, Claro Sports aprovechó la infraestructura de Telecomunicaciones y los servicios Infinitum que provee América Móvil a través de Telmex en los distintos territorios que cubre su infraestructura.

El control de la publicidad está restringida a cada zona y su venta previa asociada a las zonas económicas y niveles de mercado estratégico que consumen el concepto de Juegos Olímpicos.

Conclusión

La estrategia de medios digitales aplicada por el Comité Olímpico International sienta las bases para el control de eventos masivos y su comercialización concreta. Aunque es difícil que se pueda promover a niveles inferiores de usuarios, es acertado crear una estrategia de seguridad y control bien recibida, aceptada y entendida por el mercado objetivo en este tipo de eventos.

Las aplicaciones móviles y los servicios de restricción a contenidos generados por las centrales de servicios como América Móvil en México, han demostrado que la segmentación de audiencias se puede controlar y con ello la publicidad se ve mejor retribuida.

Los dilemas éticos y morales sobre el control de los Juegos Olímpicos siempre serán debatibles, pero es una realidad que la hermandad, el deporte y la publicidad se suman en un producto que sigue atrayendo a millones de seguidores alrededor del mundo. El internet nunca ha sido gratis y hoy nos acercamos a una etapa más estable en la captación de recursos.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
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martes, 2 de agosto de 2016

Pokémon Go: Cachetada con guante blanco para el Music Business...




¡He vuelto!... Nos enfocamos en hacer realidad la Primer Edición de nuestro Curso-Taller "Cómo emprender un proyecto para el Music Business".. ¡Ya vamos por la segunda edición!...

Entremos en materia. La Pokemanía se ha vuelto un fenómeno tecnológico, social y cultural. Tanto sus detractores como sus impulsores, han dejado claro muchas oportunidades clave para el negocio de la música.

¿Qué podemos aprender de una aplicación como Pokémon Go en el negocio de la música?

1.- La tecnología puede cambiar un modelo de negocio: Estamos en la era del streaming y en lo personal creo que la tecnología disponible, puede ofrecer una dimensionalidad diferente para el negocio de la música. No hablo de dimensionalidad simplemente espacial, sino de marco económico y cultural que no se puede obtener simplemente de los modelos tradicionales aplicados al Music Business. La realidad aumentada ya empezó a ser aplicada a los productos de la música y la creatividad e innovación van implícitos en esta nueva realidad que la tecnología nos ha vuelto inmersos.

2.- La música está 20 años en atraso tecnológico: Si, tener DVD-Audio, DTS y grados de audiófilo para equipos digitales, no significa que el negocio de la música haya evolucionado. Esta particularidad del mercado por ser espectadores pasivos, poco exigentes con los contenidos y experiencias que el negocio de la música puede proveer, ha permitido al mercado preservar su modelo de negocio arrancado desde la era del CD. El consumidor mismo prefiere vivir atado a una librería de contenidos digitales que retomar la experiencia consiente de la música en todos los niveles. ¿Quién puede dar una solución desde la vía digital a la pasividad del consumidor?

3.- Desperdicio de emociones y sensaciones en el Music Business: La realidad aumentada ha existido desde tiempos inmemoriables en la industria. Transporta y genera entornos realistas en quien la escucha. ¿Sabías que el mercado de la música sirve como plataforma de prueba para medir el impacto de productos audiovisuales en las grandes marcas?... Es tiempo de sacar a la música de su sagrado bowl de cristal y dejar a las audiencias que lo palpen a través de todos sus sentidos...

4.- Realidad aumentada como experiencia de la música: Pocos se han aventurado a desarrollar realidad aumentada para el Music Business... Pero si consideramos más allá las oportunidades que brindan los sentidos, no necesitas desarrollar una aplicación y generar una red de servers alrededor del mundo para proveerla.. Pokémon Go ha gastado millones de dólares en su desarrollo para despertar a usuarios dormidos en su consumo... ¡Todo desde sus sentidos!...

Conclusión

La experiencia Pokémon Go ha dejado un mundo de posibilidades para el negocio de la música.. En estos momentos se me ocurren infinidad de formas para despertar a un mercado somnoliento y enganchado al mundo de las librerías sonoras, cuyas experiencias como consumidor de la música se van a volver intensas los próximos años. 

La tecnología ha invadido al mundo económico, cultural, social y político desde hace años, pero se nos olvida que somos seres con sensibilidades únicas que un dispositivo móvil nunca podrá imitar.

La pregunta clave es: ¿Estás preparado para imaginar la innovación y creatividad aplicada a la música durante los próximos 20 años?

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lunes, 27 de junio de 2016

10 reglas de etiqueta básica en redes sociales...



Las redes sociales son un área importante para un proyecto del negocio musical. Sin embargo, aún existen muchos involucrados dentro del Music Business, que olvidan reglas de etiqueta básica para contactar a sus fans.

No todas las reglas aplican a los mismos conceptos, por ejemplo, si tienes una banda de punk, será difícil alejarte del discurso rebelde del género de forma radical. Pero eso no significa que debas tratar a todos tus visitantes con la punta del pie o con ofensas. Hay géneros que se prestan y otros que nunca deben incurrir en faltas a la etiqueta.

Por eso, aquí te dejo 10 reglas de etiqueta básica en Redes Sociales...

1.- Perfil profesional: Es inevitable... un día tendrás que generar una cuenta de facebook para tu perfil profesional. Tu red debe estar bien definida y sobre todo, que permita desarrollar diálogos con otras personas, debatir y sobre todo dar opiniones constructivas.

2.- Crítica constructiva: Tal vez algún género musical no sea de tu agrado. Todos tenemos derecho a expresar nuestra percepción personal sobre algún tipo de música en particular, pero no significa que debamos utilizar todo nuestro repertorio de ofensas. La clave es preguntarse ¿qué tanto conozco sobre el origen de este género y su papel en la industria?

3.- Imágenes de mal gusto: Puedes tener muchas cosas que deseas compartir con tus amigos (finalmente es una red social y está hecha para eso), pero debes ser selectivo con las imágenes que compartes en redes. Inclusive debes evaluar a quien le compartes imágenes aunque lo hagas por inbox, email o whatsapp... Nunca sabes que uso le podrá dar quien esté del otro lado... Una imagen en internet se vuelve dominio público.

4.- Responde con cortesía a los comentarios negativos: Es común caer en las manos de Trolls... Estas personas intimidantes abundan en las redes sociales y encuentran siempre el lado sensible de las personas.. Supongamos que te agrada el tema de los perros como mascotas... El Troll sabe que es una debilidad emocional que tienes y hará comentarios muy desagradables al respecto. Si respondes demasiado rápido, el Troll sabe que tiene tu atención... No te lo tomes personal.. deja pasar unos 10 a 20 minutos antes de responder.. Una conversación sin interacción en redes sociales pierde efectividad con los segundos... Responde con mucho tacto sobre el eje de tu interés y haz el cierre de la conversación a modo de conclusión.. ¡Es todo!

5.- Etiquetar por vender: Es común que pongas un evento, propaganda y promoción de tu proyecto. Caer en la tentación de etiquetar a todo mundo es molesto y con el tiempo, quienes simpatizan contigo podrían desesperarse y bloquear tus invitaciones de forma intempestiva. La tendencia es bloquear al usuario que etiqueta. A menos que alguien de forma explícita y directa, te haya manifestado ser etiquetado en una imagen, evita hacerlo para ganar likes o presencia.

6.- Aceptar "amistades" por likes: Si conoces bien tu proyecto, sabes que no todas las personas son tus clientes, seguidores o soporte. Agregar amigos sin verificar de quien se trata puede sonar duro y poco sensible. No es discriminación en ningún sentido porque es lo mismo que elegir con quien relacionarse y con quien no en el mundo real. Se piensa que debes aceptar a cuanta persona ingrese a tu perfil, pero desafortunadamente no puedes controlar siquiera a 30 amigos de forma continua.. ¡Imagínate a 3000 o más!!!... Tómate el tiempo necesario para verificar las solicitudes de amistad y descarta aquellos perfiles que no coincidan un 60 a 70% con tus intereses personales.

7.- Solicitar ingreso a grupos: Agregarte a un grupo siempre deberá anteceder con un mensaje introductorio. Existen grupos muy exclusivos en redes sociales que permanecen pequeños para que la interacción sea más integral. Si eres aceptado, no olvides enviar un mensaje a la comunidad y por supuesto, debes hacer lo propio con el administrador que te permitió el acceso. Sobre todo, compórtate y aplica las reglas para que no seas baneado o considerado un troll en el grupo.

8.- Compartir y publicar responsablemente: Puede ser muy tentador pegar un video gracioso donde alguien se hace daño... Desafortunadamente es una práctica que puede dañar tu reputación en redes constantemente. Existen perfiles que comparten este tipo de videos en busca de ganar audiencia, igual que las televisoras o emisiones radiales. Normalmente la ética profesional de estos sitios es inexistente y compartiendo todo ello podría gustar a una gran mayoría de seguidores, pero podría disgustar a tus VERDADEROS CONSUMIDORES (perdonen las mayúsculas, pero había que acentuar) ¿Ahora comprendes porqué es importante saber quienes son tus consumidores?

9.- Colaborar socialmente responsable: Por si no te habías dado cuenta, eres una empresa cultural. Como tal, debes devolver a la sociedad aquello que te ha brindado. Apoyar una causa siempre será bien recibido, siempre y cuando lo hagas sin apasionamiento, sentimiento de verdad absoluta y sobre todo basada en poco conocimiento. Apoya aquella causa que realmente conoces como problema de fondo y en vez de compartir una imagen viral o video controversial, elige si debes o no participar del debate, analiza si te hace falta información y verifica que comprendas correctamente todas las perspectivas que lo integran. Apoyar una causa no es sumar difusión, sino poner el debate a nivel público de forma objetiva y respetuosa para encontrar una solución viable y tangible.

10.- Por favor y gracias siguen siendo tu mejor rostro: Parece que las redes sociales han establecido reglas independientes para estas palabras. Pero es un hecho que siguen siendo las mínimas reglas de atención y cortesía que una persona puede ofrecer a otros. Hay que saber utilizarlas como apertura y cierre en conversaciones, debates, reclamos y hasta comentarios ofensivos. Después de todo, tienes la oportunidad de comenzar un nuevo debate y dejarlo abierto o cerrado con un excelente sabor de boca.

Conclusión

Existen muchas reglas importantes para un posteo en redes sociales. Hemos considerado las más comunes y dañinas a tu reputación, pero sobre todo a tu imagen como persona responsable en las redes sociales. Vigilar estos detalles contribuyen a un cambio personal que se ve reflejado también en la vida cotidiana. 

Nunca desperdicies la oportunidad de atender mejor a tus seguidores, fans, clientes y sobre todo a una comunidad entera que tiene la posibilidad de felicitarte o condenarte en masa por alguna regla de etiqueta que hayas dejado pasar.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
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martes, 21 de junio de 2016

6 actividades clave de los sellos discográficos...



El fin de semana pasado asistimos a la Feria de Disqueras Independientes en el Centro Cultural de España en México.

El objetivo principal de la Feria, es mostrar las ofertas y proyectos con que una disquera independiente trabaja durante el año. Tuve la oportunidad de platicar con el personal de los stands y recordé que una de las dudas más comunes es comprender las actividades clave de un sello discográfico, particularmente por el tamaño que ocupa un sello discográfico independiente.

Las disqueras Majors (Sony, EMI, Warner y BMG/Universal) poseen estructuras mucho más complejas en las que desarrollan múltiples tareas complementarias, así que me limitaré a integrar a los sellos independientes y Majors de forma general.

Actividades clave

¿Hasta donde queda la delgada línea entre lo establecido y lo real? Las siguienes actividades son subjetivamente vistas por cada sello y una forma de reconocer las diferencias entre cada uno es comprender que una gran parte de ellas es un esfuerzo compartido.

Anteriormente se creía que el sello discográfico manejaba al 100% al artista y lo ponía bajo su cobijo. Hoy los tiempos han cambiado, la mejor forma de integrar, colaborar y desarrollar un proyecto con disqueras es la obligación compartida. Algunos de las actividades clave son

1- Desarrollo de Talento: La disquera promueve y ofrece como marca un apoyo al artista. Esto se llama en la terminología inglesa "Talent Development", pero no significa que sea responsabilidad de la misma hacer que un artista crezca como tal. El desarrollo de talento tiene que ver más con la estrategia a seguir, que ofrecerá un camino comercial adecuado al artista durante su estancia en el sello. Esto incluye la dirección musical, comercial y en algunos casos del espectáculo.

2.- Marketing del Producto: Terminado el disco debe comercializarse para recuperar los costos. Aquí es el punto donde la mayoría de los conflictos entre disquera y artista se generan, puesto que no queda claro quien vende que, durante cuanto tiempo, en que forma y cuanto recupera el artista por ello. En esta etapa es donde el abogado debe negociar (con pleno conocimiento) en busca de un equilibrio ganar-ganar para sus clientes. 

3.- Manejo de los aspectos legales en la producción musical: Recordemos que el Derecho de autor es innalienable e irrenunciable. La disquera solo puede actuar dentro de los límites que el artista aprueba y pacte a través del contrato discográfico. A menos que la obra se maneje por encargo, es la disquera la que obtiene el control total sobre la reproducción, comercialización, distribución y ejecución pública de la obra

4.- Proveer el servicio al artista: En esta eterna lucha de quien hace que, algunos sellos dejan de proveer servicios a algunos artistas en desarrollo, simplemente porque absorben de una manera u otra el riesgo de su trabajo. El artista no debe olvidar que está trabajando en colaboración de alguien más para obtener un beneficio conjunto. Dice un proverbio africano, "Si quieres llegar rápido, ve solo... Si quieres llegar más lejos, ve acompañado"... Aplica de la misma forma en una interacción con el sello. Es otro de los puntos críticos en las relaciones discográficas.

5.- Ventas y distribución: El manejo y administración de las ventas de un artista es obligación directa del sello. El artista debe tener las manos despejadas para seguir creando productos que beneficien a ambas partes. Algunos sellos parecen presionar a los artistas a crear más canciones en menos tiempo a modo de proveer vigencia en las ventas, sin embargo es una práctica que cada vez más está dejando de ser aplicada, simplemente porque un buen producto debe tomarse el tiempo para desarrollarse, posicionarse y comercializarse extendidamente. Más vale calidad que cantidad.

6.- Promoción y Marketing: Es importante promover y mercadear adecuadamente los productos que un sello genera. No puedes poner todo en todos lados simplemente esperando que la exposición venda lo que tienes. El artista a veces entra en desesperación sabiendo que otras distribuidoras entregan producto en Mixup y su disquera sigue poniendo su material disponible solo en sus centros de distribución. Depende mucho la estrategia de ventas de cada sello el que define su producto. Antes de firmar, asegúrate de conocer sus estrategias de promoción y marketing para que te sientas satisfecho. La clave es saber como artista quien, donde y como consumen tus fans el producto que ofreces.

Conclusión

Existen muchas variantes al momento de comprender cuales son las actividades clave de un sello discográfico. Vale la pena hacer un comparativo de los sellos que conoces y establecer cuales de ellos ofrecen más ventajas para ti como artista y cuales ofrecen alternativas novedosas y disruptivas a tu proyecto. El sello discográfico tiene múltiples características que vale la pena conocer antes de firmar con alguno en particular.

Conocer el negocio de la música es importante para asegurar un mayor porcentaje de éxito en la industria. La cultura de los negocios es una habilidad importante para los artistas en nuestros tiempos. Es una necesidad importante y un complemento que ofrecerá ventajas infinitas a tus proyectos.

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lunes, 13 de junio de 2016

5 frases clave para inspirar a la creatividad...



¡Que tal!... Gracias por leernos de nuevo. Hicimos una breve pausa para impulsar nuestro proyecto Ad Libitum Incubadora y vienen grandes sorpresas por delante.

Uno de los temas más interesantes sobre el negocio de la música, es la creatividad. La materia prima que mueve a la industria y que normalmente restringimos en beneficio de acelerar los procesos del mercado.

En el Music Business todo urge, nada puede estar quieto.Y aunque parezca que esta dinámica es la que transforma nuestra realidad como negocio, la realidad es que correr a alta velocidad no es necesariamente una estrategia viable para una gran parte del mercado.

Si crees que ser creativo necesita demasiado trabajo, es importante reconocer cuales actividades son más productivas al momento de generar un producto creativo.

He compilado 5 frases clave para inspirar a la creatividad de tu proyecto, emprendimiento o visión personal. Si tienes alguna que consideres debería estar aquí, por favor inclúyela en los comentarios.

1.- "Nada se crea, ni se destruye... solamente se transforma": Ningún proyecto musical o emprendimiento en el negocio de la música se ha desarrollado de la nada. Existen factores que implican una mejora, mejor posicionamiento, diversificación y concentración de la creatividad, que facilitan la introducción de un producto al mercado. En pocas palabras, crear también es "robarte" ideas de otros para complementar las tuyas. 

2.- "Todas las ideas importan": Nunca descartes una idea, simplemente porque a alguien no le pareció buena. Las ideas son momentos creativos clave, que al ser generadas impactan soluciones inmediatas a problemas sencillos. Tal vez no aplica para el problema que presentas, pero se convierte en alternativa que puedes usar en otra circunstancia.

3.- "La creatividad se construye": Al principio, tus ideas pueden parecer muy básicas. Compartirlas te permite visualizarla desde distintos enfoques y generar ideas más complejas, aterrizadas o interesantes. La creatividad es un músculo que se ejercita todos los días y con el tiempo, desarrollas la capacidad de interpretar una oportunidad donde puedes aplicar esa idea tan interesante.

4.- "Toma notas todo el tiempo": Hazte acompañar de una libreta y pluma para anotar las ideas que cada momento creativo pueda ofrecerte. La clave es reconocer cuales son aquellas que pueden ser implementadas en el mundo real. Algunas necesitarán más tiempo, otras más habilidades. Al final del día podrás reconocer cuales pueden interactuar entre sí y generar una idea más profunda.

5.- "La creatividad es infinita": Cada cosa de este mundo que es útil para el hombre, ha sido creado por alguien. Desde un pañuelo desechable hasta el boleto del metro, ha tenido que ser pensado, ingeniado, desarrollado, puesto a prueba y apropiado por quien lo utiliza. Así que siempre existe la forma de ser creativo. Nunca dudes de lo que una simple idea puede mejorar o generar una chispa de cambio.

Conclusión

La creatividad no tiene horario, ni fecha en el calendario. Un destello creativo se vuelve más efectivo cuando se tangibiliza a través de un lápiz y papel, porque el simple hecho de aterrizarlo en un medio físico, lo convierte en una oportunidad. En el negocio de la música, siempre existen oportunidades para generar creatividad y compartirla con otros.

Cada canción, secuencia de acordes, idea sobre la promoción, concepto visual y hasta la forma en que administras los recursos de tu proyecto, son muestra tangible de que la creatividad se integra a cada movimiento, oportunidad y solución que tenemos frente a nosotros. Nunca dejes de ser creativo, porque podrías estar privando a tu comunidad, gremio, localidad o inclusive al mundo de una solución u oportunidad para hacer de este mundo un lugar mejor.

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jueves, 19 de mayo de 2016

6 pasos clave para resolver problemas en la banda...



Las relaciones interpersonales son muy complejas. En la mayoría de los casos, conocemos la parte más sociable posible de las personas, pero tarde o temprano, una molestia, comentario fuera de lugar o consenso desequilibrado, producen roces que van desde un simple reclamo básico mezclado con una sonrisa, hasta peleas y conflictos de trabajo internos que producen rupturas en la banda.

Aunque siempre debe existir una cabeza mediadora en el asunto(que normalmente es el líder de la banda), la mayoría de las veces se aplican los criterios menos adecuados y se presentan rupturas.

Aquí te damos 6 formas de manejar problemas severos en la banda.

1.-  Centra una visión de líder, no de jefe: Tradicionalmente pensamos que el líder de la banda, debe ser un personaje que ponga en orden todos los problemas que se generen en la banda, pero es demasiada responsabilidad para uno solo. Cultivar en la visión de los integrantes una responsabilidad compartida es base para poner las circunstancias difíciles en la ruta correcta a una resolución.

Dependiendo el grado de compromiso que tenga tu banda, pueden establecer un código de conducta, un acuerdo legal (recomendable que sea certificado) y algún procedimiento de resolución ante un problema grave.

2.- Nunca interiorizes el problema, aunque afecte al proyecto: Debes considerar que los problemas, frustraciones, roces y discusiones provienen de cada parte afectada. No des peso a ninguna de las partes hasta haber hablado por separado y en igualdad de circunstancias con las partes.

Construye acuerdos y soluciones de menor a mayor grado. Siempre queremos resolver el problema central, cuando la realidad es que los estallidos provienen de pequeñas fallas e inconformidades que no se atienden a largo plazo.

3.- Acepta el enojo de las partes y no los minimices: Escuchar una discusión es importante. Aunque se levante la voz, es una forma de algunas personas para sacar la frustración, miedo, dolor o desesperación que condujo al problema. Dispersa de inmediato algún intento de contacto físico, sin usar la fuerza. Pide tiempo fuera y conduce a la persona más molesta a un diálogo por separado. Déjalo que se tranquilice y si es necesario, suspende el ensayo o actividad inmediata.

4.- Evalúa una manera de resolver a corto, mediano y largo plazo: Algunos miembros de la banda pueden resultar difíciles de manejar con el tiempo. Esto se debe a que existen circunstancias de su entorno que están cambiando (un divorcio, fallecimiento, expectativas de crecimiento). Si notas algún tipo de apatía, no lo confrontes con reclamos. Espera el momento adecuado y platica con la persona lo que has visto. Conocer sus necesidades te permitirá negociar a corto, mediano y largo plazo. La comunicación es fundamental en cualquier relación.

5.- Acepta que no todas las cosas son posibles: A veces tienes que abandonar una banda o un proyecto por diversas circunstancias. Como toda relación, es mejor hablarlo claro en grupo. Seguramente habrá planes que deberán retrasarse y fechas que cubrir. Negociar la salida de integrantes o cambios de fecha repentinos son momentos que generan demasiada tensión. En esos momentos nunca pierdas de vista la meta y si necesitas ayuda de los demás integrantes, pídeles apoyo para salir adelante.

6.- Terminar el proyecto en el momento adecuado: La mayoría de las veces, pensamos que una relación se termina cuando todos han dicho que ya no deben o quieren continuar y marcamos ese momento como el momento del fin. Lo cierto es que los proyectos, como las relaciones, pasan por un periodo de declive paulatino. Pueden ser semanas, días o meses. Lo cierto es que acaban siempre mucho antes de lo que pensamos. 

Las señales más comunes pueden ser que el cantante faltó a dos ensayos sin justificación aparente, que se repitieron errores graves más de una vez (como una pelea o discusión intensa entre 2 personas) o que se omitieron cadenas de responsabilidad continuamente.

Resolver un proyecto con conflictos terminándolo, en algunos casos suele ser la solución a problemas más severos y a evitar perder tiempo en circunstancias difìciles.

Conclusión

Como en toda enfermedad, es mejor atacar el problema con prevención, evitando llegar a estos puntos en el proyecto. Si ya estás inmerso en un problema con tu banda, evalua que tan recuperable puede ser. Cambiar integrantes debe ser la última instancia, después de implementar los primeros 5 puntos.

Evalua la situación actual de tu proyecto y comienza a tomar acciones que le ayuden a recuperar el rumbo. Una banda sana y contenta, produce mucho bienestar a su alrededor y vale la pena mantenerlas crecientes.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
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miércoles, 18 de mayo de 2016

¿Podemos construir un mejor negocio de la música?...



¡Que tal!.. Me da mucho gusto volver a escribir para el Blog de Ad Libitum.

Han pasado algunas semanas desde nuestro último post, principalmente porque me enfoqué en apoyar el lanzamiento de la Plataforma Educativa Ad Libitum. 

En cada videosesión apareció una pregunta constante, en diferentes versiones pero con un mismo enfoque... ¿Podemos construir un mejor negocio de la música?...

Daré mi respuesta en la conclusión, aunque de entrada me gustaría decir que existen muchas variables a tomar en cuenta.

Modelo Tradicional Vs. Modelo Moderno del Music Business

Muchas cosas han cambiado desde aquel momento a inicios del siglo XX donde la música pasó de ser una experiencia a convertirse en producto mercadeable.

Así se constituyó una industria naciente dedicada a pagar por una sesión de interpretaciones para generar un disco maestro, que servía para hacer múltiples reproducciones. No había un sistema bien organizado de regalías. El artista cobraba su sesión y se retiraba hasta que se le volvía a requerir para expandir el catálogo.

Durante la Segunda Guerra Mundial, empresas como Decca, apostaron a crear entornos más cómodos de grabación y salas de conciertos acondicionadas, interesándose en el desarrollo de nuevos equipos como la cinta análoga (irónicamente una invención alemana para guardar registros de información y mensajes en código).

Los sistemas de pago y remuneración de los artistas se esquematizó de formas más complejas, pues la protección de Derechos de Autor estaba más vigente.

Esta cualidad de propiedad intelectual, siempre se ha manifestado a favor de las disqueras principalmente porque de forma tradicional, absorbían el costo total de la grabación y lo descontaban de las ganancias del artista, después de materiales, prensa y proceso de producción.

El nuevo modelo a través de streaming y descarga digital, no dista demasiado del modelo tradicional. Las quejas contra Spotify, Deezer, iTunes Music o Pandora por el pago de regalías y distribución digital se han incrementado por el descontento del artista al crear su obra.

Es discutible pensar que Justin Bieber puede cobrar lo mismo que una compilación de Von Karajan o como recientemente ha sucedido con The Beatles, cuya disquera decidió limitar el acceso a ciertos álbumes y contenidos, reservando la exclusividad en soportes físicos.

¿Cuáles cosas debemos cambiar en México?

Primero que nada, fijar el concepto de una justa retribución al creativo, principalmente en soporte y desarrollo en compensación por el modelo económico.

Hoy más que nunca, la audiencia está abierta a escuchar nuevas propuestas y se han establecido segmentos de mercado muy específicos en concentraciones clave, que pueden servir para explotar de manera más efectiva las oportunidades de proyección. 

También es indispensable iniciar en las generaciones más tempranas, el gusto por encontrar "su" música, más allá de alinearlos a los estilos particulares del entorno. 

Aquí la parte educativa es fundamental en el fomento al derecho de libre elección y respeto por los derechos de autor, una suma de esfuerzos entre diversas instancias gubernamentales, pero también de una sociedad más participativa y abierta que apoye la difusión de nuevas propuestas.

De la misma manera que se abren espacios a nuevas propuestas, también debe cultivarse una mayor responsabilidad por parte de los artistas. Exigir algo implica respaldar algo. El clásico argumento de que la música fluye por si misma en el negocio de la música, ha fomentado hasta cierto punto la falta de responsabilidad y compromiso por las disqueras independientes. 

Es un riesgo muy alto contratar o respaldar a una banda o solista que no tiene control artístico, más si está fundamentado en altas dosis de Redbull combinado con otras sustancias. O la ausencia de caracter profesional, limitándose a los 12 acordes que se aprendió con el círculo de sol en la preparatoria. Estas nuevas generaciones necesitan soñar menos y centrarse en su preparación. Muchos ya lo están haciendo y serán los músicos que se preserven durante la siguiente glaciación musical 4.0.

Conclusión

Mi respuesta final es que si, es posible construir un mejor negocio de la música en nuestro país. 

¿Sencillo, rápido e instantáneo?... Sin duda hay que romper con muchos paradigmas culturales, candados mentales y apatía por trabajar proyectos de fondo. 

Hay que apostarle a una transición paulatina en todas las áreas del Music Business, más incluyente, sobre todo, real y activa. Nada es gratis y este proceso no lo será en ningún sentido. 

Algunos músicos ya están visualizando nuevas alternativas de negocio, promoción, difusión y participación en mercados diversos. Por otro lado, una gran mayoría sigue buscando el sueño de fama que la industria tradicional impuso para preservar el Status Quo del momento.

Si vamos a crecer, entonces hay que dejar esos sueños atrás y trabajar conjuntamente en la reestructura paulatina desde dentro de la industria. 

Hay que volver a lo básico, al punto donde la música se convirtió en producto para devolverle el valor cultural, social y económico que se merece, trazando nuevas rutas, opciones y sobre todo, evitando negarle el compromiso que más allá de lo estético se merece.

Nadie va a cambiar al mundo solo... pero puedes convertirte en un agente de cambio y empezar a trabajar en aquello que puedes cambiar a tu alcance.

Gracias por leerme y nos vemos en el siguiente post.


Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
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domingo, 15 de mayo de 2016

Videoconferencia "¿Porqué emprender en el Negocio de la Música?"