10 reglas de etiqueta básica en redes sociales...

Las redes sociales son un área importante para un proyecto del negocio musical. Sin embargo, aún existen muchos involucrados dentro del Music Business, que olvidan reglas de etiqueta básica para contactar a sus fans.

No todas las reglas aplican a los mismos conceptos, por ejemplo, si tienes una banda de punk, será difícil alejarte del discurso rebelde del género de forma radical. Pero eso no significa que debas tratar a todos tus visitantes con la punta del pie o con ofensas. Hay géneros que se prestan y otros que nunca deben incurrir en faltas a la etiqueta.

Por eso, aquí te dejo 10 reglas de etiqueta básica en Redes Sociales...

1.- Perfil profesional: Es inevitable... un día tendrás que generar una cuenta de facebook para tu perfil profesional. Tu red debe estar bien definida y sobre todo, que permita desarrollar diálogos con otras personas, debatir y sobre todo dar opiniones constructivas.

2.- Crítica constructiva: Tal vez algún género musical no sea de tu agrado. Todos tenemos derecho a expresar nuestra percepción personal sobre algún tipo de música en particular, pero no significa que debamos utilizar todo nuestro repertorio de ofensas. La clave es preguntarse ¿qué tanto conozco sobre el origen de este género y su papel en la industria?

3.- Imágenes de mal gusto: Puedes tener muchas cosas que deseas compartir con tus amigos (finalmente es una red social y está hecha para eso), pero debes ser selectivo con las imágenes que compartes en redes. Inclusive debes evaluar a quien le compartes imágenes aunque lo hagas por inbox, email o whatsapp... Nunca sabes que uso le podrá dar quien esté del otro lado... Una imagen en internet se vuelve dominio público.

4.- Responde con cortesía a los comentarios negativos: Es común caer en las manos de Trolls... Estas personas intimidantes abundan en las redes sociales y encuentran siempre el lado sensible de las personas.. Supongamos que te agrada el tema de los perros como mascotas... El Troll sabe que es una debilidad emocional que tienes y hará comentarios muy desagradables al respecto. Si respondes demasiado rápido, el Troll sabe que tiene tu atención... No te lo tomes personal.. deja pasar unos 10 a 20 minutos antes de responder.. Una conversación sin interacción en redes sociales pierde efectividad con los segundos... Responde con mucho tacto sobre el eje de tu interés y haz el cierre de la conversación a modo de conclusión.. ¡Es todo!

5.- Etiquetar por vender: Es común que pongas un evento, propaganda y promoción de tu proyecto. Caer en la tentación de etiquetar a todo mundo es molesto y con el tiempo, quienes simpatizan contigo podrían desesperarse y bloquear tus invitaciones de forma intempestiva. La tendencia es bloquear al usuario que etiqueta. A menos que alguien de forma explícita y directa, te haya manifestado ser etiquetado en una imagen, evita hacerlo para ganar likes o presencia.

6.- Aceptar "amistades" por likes: Si conoces bien tu proyecto, sabes que no todas las personas son tus clientes, seguidores o soporte. Agregar amigos sin verificar de quien se trata puede sonar duro y poco sensible. No es discriminación en ningún sentido porque es lo mismo que elegir con quien relacionarse y con quien no en el mundo real. Se piensa que debes aceptar a cuanta persona ingrese a tu perfil, pero desafortunadamente no puedes controlar siquiera a 30 amigos de forma continua.. ¡Imagínate a 3000 o más!!!... Tómate el tiempo necesario para verificar las solicitudes de amistad y descarta aquellos perfiles que no coincidan un 60 a 70% con tus intereses personales.

7.- Solicitar ingreso a grupos: Agregarte a un grupo siempre deberá anteceder con un mensaje introductorio. Existen grupos muy exclusivos en redes sociales que permanecen pequeños para que la interacción sea más integral. Si eres aceptado, no olvides enviar un mensaje a la comunidad y por supuesto, debes hacer lo propio con el administrador que te permitió el acceso. Sobre todo, compórtate y aplica las reglas para que no seas baneado o considerado un troll en el grupo.

8.- Compartir y publicar responsablemente: Puede ser muy tentador pegar un video gracioso donde alguien se hace daño... Desafortunadamente es una práctica que puede dañar tu reputación en redes constantemente. Existen perfiles que comparten este tipo de videos en busca de ganar audiencia, igual que las televisoras o emisiones radiales. Normalmente la ética profesional de estos sitios es inexistente y compartiendo todo ello podría gustar a una gran mayoría de seguidores, pero podría disgustar a tus VERDADEROS CONSUMIDORES (perdonen las mayúsculas, pero había que acentuar) ¿Ahora comprendes porqué es importante saber quienes son tus consumidores?

9.- Colaborar socialmente responsable: Por si no te habías dado cuenta, eres una empresa cultural. Como tal, debes devolver a la sociedad aquello que te ha brindado. Apoyar una causa siempre será bien recibido, siempre y cuando lo hagas sin apasionamiento, sentimiento de verdad absoluta y sobre todo basada en poco conocimiento. Apoya aquella causa que realmente conoces como problema de fondo y en vez de compartir una imagen viral o video controversial, elige si debes o no participar del debate, analiza si te hace falta información y verifica que comprendas correctamente todas las perspectivas que lo integran. Apoyar una causa no es sumar difusión, sino poner el debate a nivel público de forma objetiva y respetuosa para encontrar una solución viable y tangible.

10.- Por favor y gracias siguen siendo tu mejor rostro: Parece que las redes sociales han establecido reglas independientes para estas palabras. Pero es un hecho que siguen siendo las mínimas reglas de atención y cortesía que una persona puede ofrecer a otros. Hay que saber utilizarlas como apertura y cierre en conversaciones, debates, reclamos y hasta comentarios ofensivos. Después de todo, tienes la oportunidad de comenzar un nuevo debate y dejarlo abierto o cerrado con un excelente sabor de boca.

Conclusión

Existen muchas reglas importantes para un posteo en redes sociales. Hemos considerado las más comunes y dañinas a tu reputación, pero sobre todo a tu imagen como persona responsable en las redes sociales. Vigilar estos detalles contribuyen a un cambio personal que se ve reflejado también en la vida cotidiana. 

Nunca desperdicies la oportunidad de atender mejor a tus seguidores, fans, clientes y sobre todo a una comunidad entera que tiene la posibilidad de felicitarte o condenarte en masa por alguna regla de etiqueta que hayas dejado pasar.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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6 actividades clave de los sellos discográficos...

El fin de semana pasado asistimos a la Feria de Disqueras Independientes en el Centro Cultural de España en México.

El objetivo principal de la Feria, es mostrar las ofertas y proyectos con que una disquera independiente trabaja durante el año. Tuve la oportunidad de platicar con el personal de los stands y recordé que una de las dudas más comunes es comprender las actividades clave de un sello discográfico, particularmente por el tamaño que ocupa un sello discográfico independiente.

Las disqueras Majors (Sony, EMI, Warner y BMG/Universal) poseen estructuras mucho más complejas en las que desarrollan múltiples tareas complementarias, así que me limitaré a integrar a los sellos independientes y Majors de forma general.

Actividades clave

¿Hasta donde queda la delgada línea entre lo establecido y lo real? Las siguienes actividades son subjetivamente vistas por cada sello y una forma de reconocer las diferencias entre cada uno es comprender que una gran parte de ellas es un esfuerzo compartido.

Anteriormente se creía que el sello discográfico manejaba al 100% al artista y lo ponía bajo su cobijo. Hoy los tiempos han cambiado, la mejor forma de integrar, colaborar y desarrollar un proyecto con disqueras es la obligación compartida. Algunos de las actividades clave son

1- Desarrollo de Talento: La disquera promueve y ofrece como marca un apoyo al artista. Esto se llama en la terminología inglesa "Talent Development", pero no significa que sea responsabilidad de la misma hacer que un artista crezca como tal. El desarrollo de talento tiene que ver más con la estrategia a seguir, que ofrecerá un camino comercial adecuado al artista durante su estancia en el sello. Esto incluye la dirección musical, comercial y en algunos casos del espectáculo.

2.- Marketing del Producto: Terminado el disco debe comercializarse para recuperar los costos. Aquí es el punto donde la mayoría de los conflictos entre disquera y artista se generan, puesto que no queda claro quien vende que, durante cuanto tiempo, en que forma y cuanto recupera el artista por ello. En esta etapa es donde el abogado debe negociar (con pleno conocimiento) en busca de un equilibrio ganar-ganar para sus clientes. 

3.- Manejo de los aspectos legales en la producción musical: Recordemos que el Derecho de autor es innalienable e irrenunciable. La disquera solo puede actuar dentro de los límites que el artista aprueba y pacte a través del contrato discográfico. A menos que la obra se maneje por encargo, es la disquera la que obtiene el control total sobre la reproducción, comercialización, distribución y ejecución pública de la obra

4.- Proveer el servicio al artista: En esta eterna lucha de quien hace que, algunos sellos dejan de proveer servicios a algunos artistas en desarrollo, simplemente porque absorben de una manera u otra el riesgo de su trabajo. El artista no debe olvidar que está trabajando en colaboración de alguien más para obtener un beneficio conjunto. Dice un proverbio africano, "Si quieres llegar rápido, ve solo... Si quieres llegar más lejos, ve acompañado"... Aplica de la misma forma en una interacción con el sello. Es otro de los puntos críticos en las relaciones discográficas.

5.- Ventas y distribución: El manejo y administración de las ventas de un artista es obligación directa del sello. El artista debe tener las manos despejadas para seguir creando productos que beneficien a ambas partes. Algunos sellos parecen presionar a los artistas a crear más canciones en menos tiempo a modo de proveer vigencia en las ventas, sin embargo es una práctica que cada vez más está dejando de ser aplicada, simplemente porque un buen producto debe tomarse el tiempo para desarrollarse, posicionarse y comercializarse extendidamente. Más vale calidad que cantidad.

6.- Promoción y Marketing: Es importante promover y mercadear adecuadamente los productos que un sello genera. No puedes poner todo en todos lados simplemente esperando que la exposición venda lo que tienes. El artista a veces entra en desesperación sabiendo que otras distribuidoras entregan producto en Mixup y su disquera sigue poniendo su material disponible solo en sus centros de distribución. Depende mucho la estrategia de ventas de cada sello el que define su producto. Antes de firmar, asegúrate de conocer sus estrategias de promoción y marketing para que te sientas satisfecho. La clave es saber como artista quien, donde y como consumen tus fans el producto que ofreces.

Conclusión

Existen muchas variantes al momento de comprender cuales son las actividades clave de un sello discográfico. Vale la pena hacer un comparativo de los sellos que conoces y establecer cuales de ellos ofrecen más ventajas para ti como artista y cuales ofrecen alternativas novedosas y disruptivas a tu proyecto. El sello discográfico tiene múltiples características que vale la pena conocer antes de firmar con alguno en particular.

Conocer el negocio de la música es importante para asegurar un mayor porcentaje de éxito en la industria. La cultura de los negocios es una habilidad importante para los artistas en nuestros tiempos. Es una necesidad importante y un complemento que ofrecerá ventajas infinitas a tus proyectos.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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5 frases clave para inspirar a la creatividad...

¡Que tal!... Gracias por leernos de nuevo. Hicimos una breve pausa para impulsar nuestro proyecto Ad Libitum Incubadora y vienen grandes sorpresas por delante.

Uno de los temas más interesantes sobre el negocio de la música, es la creatividad. La materia prima que mueve a la industria y que normalmente restringimos en beneficio de acelerar los procesos del mercado.

En el Music Business todo urge, nada puede estar quieto.Y aunque parezca que esta dinámica es la que transforma nuestra realidad como negocio, la realidad es que correr a alta velocidad no es necesariamente una estrategia viable para una gran parte del mercado.

Si crees que ser creativo necesita demasiado trabajo, es importante reconocer cuales actividades son más productivas al momento de generar un producto creativo.

He compilado 5 frases clave para inspirar a la creatividad de tu proyecto, emprendimiento o visión personal. Si tienes alguna que consideres debería estar aquí, por favor inclúyela en los comentarios.

1.- "Nada se crea, ni se destruye... solamente se transforma": Ningún proyecto musical o emprendimiento en el negocio de la música se ha desarrollado de la nada. Existen factores que implican una mejora, mejor posicionamiento, diversificación y concentración de la creatividad, que facilitan la introducción de un producto al mercado. En pocas palabras, crear también es "robarte" ideas de otros para complementar las tuyas. 

2.- "Todas las ideas importan": Nunca descartes una idea, simplemente porque a alguien no le pareció buena. Las ideas son momentos creativos clave, que al ser generadas impactan soluciones inmediatas a problemas sencillos. Tal vez no aplica para el problema que presentas, pero se convierte en alternativa que puedes usar en otra circunstancia.

3.- "La creatividad se construye": Al principio, tus ideas pueden parecer muy básicas. Compartirlas te permite visualizarla desde distintos enfoques y generar ideas más complejas, aterrizadas o interesantes. La creatividad es un músculo que se ejercita todos los días y con el tiempo, desarrollas la capacidad de interpretar una oportunidad donde puedes aplicar esa idea tan interesante.

4.- "Toma notas todo el tiempo": Hazte acompañar de una libreta y pluma para anotar las ideas que cada momento creativo pueda ofrecerte. La clave es reconocer cuales son aquellas que pueden ser implementadas en el mundo real. Algunas necesitarán más tiempo, otras más habilidades. Al final del día podrás reconocer cuales pueden interactuar entre sí y generar una idea más profunda.

5.- "La creatividad es infinita": Cada cosa de este mundo que es útil para el hombre, ha sido creado por alguien. Desde un pañuelo desechable hasta el boleto del metro, ha tenido que ser pensado, ingeniado, desarrollado, puesto a prueba y apropiado por quien lo utiliza. Así que siempre existe la forma de ser creativo. Nunca dudes de lo que una simple idea puede mejorar o generar una chispa de cambio.

Conclusión

La creatividad no tiene horario, ni fecha en el calendario. Un destello creativo se vuelve más efectivo cuando se tangibiliza a través de un lápiz y papel, porque el simple hecho de aterrizarlo en un medio físico, lo convierte en una oportunidad. En el negocio de la música, siempre existen oportunidades para generar creatividad y compartirla con otros.

Cada canción, secuencia de acordes, idea sobre la promoción, concepto visual y hasta la forma en que administras los recursos de tu proyecto, son muestra tangible de que la creatividad se integra a cada movimiento, oportunidad y solución que tenemos frente a nosotros. Nunca dejes de ser creativo, porque podrías estar privando a tu comunidad, gremio, localidad o inclusive al mundo de una solución u oportunidad para hacer de este mundo un lugar mejor.

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6 pasos clave para resolver problemas en la banda...

Las relaciones interpersonales son muy complejas. En la mayoría de los casos, conocemos la parte más sociable posible de las personas, pero tarde o temprano, una molestia, comentario fuera de lugar o consenso desequilibrado, producen roces que van desde un simple reclamo básico mezclado con una sonrisa, hasta peleas y conflictos de trabajo internos que producen rupturas en la banda.

Aunque siempre debe existir una cabeza mediadora en el asunto(que normalmente es el líder de la banda), la mayoría de las veces se aplican los criterios menos adecuados y se presentan rupturas.

Aquí te damos 6 formas de manejar problemas severos en la banda.

1.-  Centra una visión de líder, no de jefe: Tradicionalmente pensamos que el líder de la banda, debe ser un personaje que ponga en orden todos los problemas que se generen en la banda, pero es demasiada responsabilidad para uno solo. Cultivar en la visión de los integrantes una responsabilidad compartida es base para poner las circunstancias difíciles en la ruta correcta a una resolución.

Dependiendo el grado de compromiso que tenga tu banda, pueden establecer un código de conducta, un acuerdo legal (recomendable que sea certificado) y algún procedimiento de resolución ante un problema grave.

2.- Nunca interiorizes el problema, aunque afecte al proyecto: Debes considerar que los problemas, frustraciones, roces y discusiones provienen de cada parte afectada. No des peso a ninguna de las partes hasta haber hablado por separado y en igualdad de circunstancias con las partes.

Construye acuerdos y soluciones de menor a mayor grado. Siempre queremos resolver el problema central, cuando la realidad es que los estallidos provienen de pequeñas fallas e inconformidades que no se atienden a largo plazo.

3.- Acepta el enojo de las partes y no los minimices: Escuchar una discusión es importante. Aunque se levante la voz, es una forma de algunas personas para sacar la frustración, miedo, dolor o desesperación que condujo al problema. Dispersa de inmediato algún intento de contacto físico, sin usar la fuerza. Pide tiempo fuera y conduce a la persona más molesta a un diálogo por separado. Déjalo que se tranquilice y si es necesario, suspende el ensayo o actividad inmediata.

4.- Evalúa una manera de resolver a corto, mediano y largo plazo: Algunos miembros de la banda pueden resultar difíciles de manejar con el tiempo. Esto se debe a que existen circunstancias de su entorno que están cambiando (un divorcio, fallecimiento, expectativas de crecimiento). Si notas algún tipo de apatía, no lo confrontes con reclamos. Espera el momento adecuado y platica con la persona lo que has visto. Conocer sus necesidades te permitirá negociar a corto, mediano y largo plazo. La comunicación es fundamental en cualquier relación.

5.- Acepta que no todas las cosas son posibles: A veces tienes que abandonar una banda o un proyecto por diversas circunstancias. Como toda relación, es mejor hablarlo claro en grupo. Seguramente habrá planes que deberán retrasarse y fechas que cubrir. Negociar la salida de integrantes o cambios de fecha repentinos son momentos que generan demasiada tensión. En esos momentos nunca pierdas de vista la meta y si necesitas ayuda de los demás integrantes, pídeles apoyo para salir adelante.

6.- Terminar el proyecto en el momento adecuado: La mayoría de las veces, pensamos que una relación se termina cuando todos han dicho que ya no deben o quieren continuar y marcamos ese momento como el momento del fin. Lo cierto es que los proyectos, como las relaciones, pasan por un periodo de declive paulatino. Pueden ser semanas, días o meses. Lo cierto es que acaban siempre mucho antes de lo que pensamos. 

Las señales más comunes pueden ser que el cantante faltó a dos ensayos sin justificación aparente, que se repitieron errores graves más de una vez (como una pelea o discusión intensa entre 2 personas) o que se omitieron cadenas de responsabilidad continuamente.

Resolver un proyecto con conflictos terminándolo, en algunos casos suele ser la solución a problemas más severos y a evitar perder tiempo en circunstancias difìciles.

Conclusión

Como en toda enfermedad, es mejor atacar el problema con prevención, evitando llegar a estos puntos en el proyecto. Si ya estás inmerso en un problema con tu banda, evalua que tan recuperable puede ser. Cambiar integrantes debe ser la última instancia, después de implementar los primeros 5 puntos.

Evalua la situación actual de tu proyecto y comienza a tomar acciones que le ayuden a recuperar el rumbo. Una banda sana y contenta, produce mucho bienestar a su alrededor y vale la pena mantenerlas crecientes.

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¿Podemos construir un mejor negocio de la música?...

¡Que tal!.. Me da mucho gusto volver a escribir para el Blog de Ad Libitum.

Han pasado algunas semanas desde nuestro último post, principalmente porque me enfoqué en apoyar el lanzamiento de la Plataforma Educativa Ad Libitum. 

En cada videosesión apareció una pregunta constante, en diferentes versiones pero con un mismo enfoque... ¿Podemos construir un mejor negocio de la música?...

Daré mi respuesta en la conclusión, aunque de entrada me gustaría decir que existen muchas variables a tomar en cuenta.

Modelo Tradicional Vs. Modelo Moderno del Music Business

Muchas cosas han cambiado desde aquel momento a inicios del siglo XX donde la música pasó de ser una experiencia a convertirse en producto mercadeable.

Así se constituyó una industria naciente dedicada a pagar por una sesión de interpretaciones para generar un disco maestro, que servía para hacer múltiples reproducciones. No había un sistema bien organizado de regalías. El artista cobraba su sesión y se retiraba hasta que se le volvía a requerir para expandir el catálogo.

Durante la Segunda Guerra Mundial, empresas como Decca, apostaron a crear entornos más cómodos de grabación y salas de conciertos acondicionadas, interesándose en el desarrollo de nuevos equipos como la cinta análoga (irónicamente una invención alemana para guardar registros de información y mensajes en código).

Los sistemas de pago y remuneración de los artistas se esquematizó de formas más complejas, pues la protección de Derechos de Autor estaba más vigente.

Esta cualidad de propiedad intelectual, siempre se ha manifestado a favor de las disqueras principalmente porque de forma tradicional, absorbían el costo total de la grabación y lo descontaban de las ganancias del artista, después de materiales, prensa y proceso de producción.

El nuevo modelo a través de streaming y descarga digital, no dista demasiado del modelo tradicional. Las quejas contra Spotify, Deezer, iTunes Music o Pandora por el pago de regalías y distribución digital se han incrementado por el descontento del artista al crear su obra.

Es discutible pensar que Justin Bieber puede cobrar lo mismo que una compilación de Von Karajan o como recientemente ha sucedido con The Beatles, cuya disquera decidió limitar el acceso a ciertos álbumes y contenidos, reservando la exclusividad en soportes físicos.

¿Cuáles cosas debemos cambiar en México?

Primero que nada, fijar el concepto de una justa retribución al creativo, principalmente en soporte y desarrollo en compensación por el modelo económico.

Hoy más que nunca, la audiencia está abierta a escuchar nuevas propuestas y se han establecido segmentos de mercado muy específicos en concentraciones clave, que pueden servir para explotar de manera más efectiva las oportunidades de proyección. 

También es indispensable iniciar en las generaciones más tempranas, el gusto por encontrar "su" música, más allá de alinearlos a los estilos particulares del entorno. 

Aquí la parte educativa es fundamental en el fomento al derecho de libre elección y respeto por los derechos de autor, una suma de esfuerzos entre diversas instancias gubernamentales, pero también de una sociedad más participativa y abierta que apoye la difusión de nuevas propuestas.

De la misma manera que se abren espacios a nuevas propuestas, también debe cultivarse una mayor responsabilidad por parte de los artistas. Exigir algo implica respaldar algo. El clásico argumento de que la música fluye por si misma en el negocio de la música, ha fomentado hasta cierto punto la falta de responsabilidad y compromiso por las disqueras independientes. 

Es un riesgo muy alto contratar o respaldar a una banda o solista que no tiene control artístico, más si está fundamentado en altas dosis de Redbull combinado con otras sustancias. O la ausencia de caracter profesional, limitándose a los 12 acordes que se aprendió con el círculo de sol en la preparatoria. Estas nuevas generaciones necesitan soñar menos y centrarse en su preparación. Muchos ya lo están haciendo y serán los músicos que se preserven durante la siguiente glaciación musical 4.0.

Conclusión

Mi respuesta final es que si, es posible construir un mejor negocio de la música en nuestro país. 

¿Sencillo, rápido e instantáneo?... Sin duda hay que romper con muchos paradigmas culturales, candados mentales y apatía por trabajar proyectos de fondo. 

Hay que apostarle a una transición paulatina en todas las áreas del Music Business, más incluyente, sobre todo, real y activa. Nada es gratis y este proceso no lo será en ningún sentido. 

Algunos músicos ya están visualizando nuevas alternativas de negocio, promoción, difusión y participación en mercados diversos. Por otro lado, una gran mayoría sigue buscando el sueño de fama que la industria tradicional impuso para preservar el Status Quo del momento.

Si vamos a crecer, entonces hay que dejar esos sueños atrás y trabajar conjuntamente en la reestructura paulatina desde dentro de la industria. 

Hay que volver a lo básico, al punto donde la música se convirtió en producto para devolverle el valor cultural, social y económico que se merece, trazando nuevas rutas, opciones y sobre todo, evitando negarle el compromiso que más allá de lo estético se merece.

Nadie va a cambiar al mundo solo... pero puedes convertirte en un agente de cambio y empezar a trabajar en aquello que puedes cambiar a tu alcance.

Gracias por leerme y nos vemos en el siguiente post.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Videoconferencia "¿Porqué emprender en el Negocio de la Música?"

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Derecho de Autor vs. Propiedad Intelectual

El pasado 23 de abril se celebró el Día Internacional del Derecho de autor y el 26 de Abril, el Día Mundial de la Propiedad Intelectual

El 23 de abril, la mayoría de los medios se volcó a hablar sobre el Derecho de Autor y diversas instituciones académicas se refirieron a la Propiedad Intelectual.

Aunque las dos son interdisciplinarias, la verdad es que existe una diferencia marcada entre ambas y aplican a conceptos claros del derecho internacional que vale la pena aclarar. 

Tanto el Derecho de Autor, como la Propiedad Intelectual, tienen asentamiento en la industria musical y hoy aprovecharemos para conocer más acerca de ello 

Propiedad Intelectual

Es el conjunto de Derechos de Autor, personales y patrimoniales, que protegen a sus creadores y autores. Debido a esta expresión, es confundida regularmente con el Derecho de Autor. 

Es importante establecer que la Propiedad Intelectual abarca dos grandes ramas:

Derechos de Propiedad Industrial: Es el concepto que engloba las marcas, patentes, denominaciones de origen, diseño industrial y slogans comerciales. Se aplica normalmente al reconocimiento de procedimientos de orden industrial

Derecho de Propiedad Intelectual: Este concepto, engloba lo relacionado a Derechos de autor y derechos afines. Es aplicado a las actividades artísticas de forma más integral.

La Propiedad Intelectual es el referente internacional para la protección de conceptos y marcas, evitando crear productos y servicios clonados, robo de patentes, piratería y demás consecuencias por la falta de una autoridad regulatoria. 

¿Qué puedo registrar como artista?

Tu logo, el diseño de tu empaque, un slogan comercial. Algunos piensan que pueden registrar su nombre, pero requiere que vaya acompañado de una forma gráfica y leyenda para que sea tomado en cuenta.

Se regula de forma internacional a través de la OMPI (Organización Mundial de la Propiedad Intelectual).

Su representante directo en México es el IMPI (Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial).

Derecho de Autor

El Derecho de Autor, es el reconocimiento que otorga el Estado a los creadores de obras literarias o artísticas, permitiéndole gozar de beneficios personales (derecho moral) y económicos (derecho patrimonial). 

En México, esta protección permanece durante toda la vida del autor y 100 años posteriores a su muerte. En otros países, varía la caducidad de derechos. 

Es importante recordar que el Derecho de autor, nace con el asentamiento de la idea creativa en un medio de soporte físico (hasta una servilleta donde escribes una canción es válida), siempre integrando la leyenda Derechos Reservados y el año de fijación.

INDAUTOR, es la entidad gubernamental mexicana que protege estos derechos y realiza el registro de obras a fin de despejar controversias legales por parte de los creadores. La inscripción a INDAUTOR, es un reconocimiento oficial por parte del Estado, a saber sobre la existencia de una obra y su autoría.

¿Qué puedo registrar como artista?

Los temas musicales, el arreglo, la música, la letra, una obra derivada, el disco como obra sonora, el arte del disco, el reparto de porcentajes en la creación colectiva. No puedes registrar una obra por encargo, pero tienes derecho a ser mencionado en ella y remunerado.

El Derecho de Autor, es una rama de la Propiedad Intelectual que se denomina Derechos de Propiedad Intelectual 

Conclusión

La industria musical se gesta a partir de la Propiedad Intelectual. Sin este respaldo legal, sería muy difícil hacer florecer los productos creativos sin que perdieran su valor de tangibilidad.

Aún en estos días, encuentro bandas, grupos y compositores que dejan el registro en INDAUTOR para después. Las controversias legales son costosas y largas, donde finalmente, ganará el que haya registrado en tiempo y forma un producto creativo, a pesar de no ser el autor original.

Ya hemos hablado del Derecho de Autor anteriormente en el Blog y en Control Room. Te sugiero buscar los programas del Podcast y la etiqueta Derechos de Autor para más detalles.

Celebremos las oportunidades del Derecho de Autor registrando todo aquello que creemos y enriquezcamos el acervo cultural con cada creación.

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La quemazón del Komander: Retrato de una industria cautiva

Los recientes hechos en Hidalgo durante la cancelación de Alfredo Rios "El Komander", iniciaron una respuesta en ámbitos sociales y profesionales de la industria.

Este caso, muestra la realidad de la industria que pocas veces se expone abiertamente y que se padece en distintos géneros en México.

Dejemos a un lado los debates sobre los gustos particulares y aspectos sociales que rodean al intérprete, para centrarnos en la dura realidad que nos precede.

El Komander y la quemazón no son coincidencia...

Hace unas horas, Alfredo Rios aclaró las razones para cancelar su concierto. "No había las condiciones profesionales" alegó el artista. Pues bien. En provincia, particularmente en eventos con poblaciones como el caso de Santa Ana Ahuehuepan, las condiciones para generar un concierto son extremadamente complicadas.

Las instalaciones de montaje no son bien realizadas, principalmente porque se renta el equipo disponible en la zona. No se supervisa adecuadamente los montajes y protocolos de seguridad adecuados. Pero esto no es culpa del empresario o la empresa de sonorización. El mismo artista y su equipo de trabajo, deben reconocer esta falla desde un inicio. 

Si las condiciones nunca serán las adecuadas, ¿porqué vender una fecha sin la verificación previa del lugar?, ¿dónde están los protocolos necesarios para el montaje de espectáculos?, ¿quien es la autoridad que regula el desarrollo de proyectos como conciertos y cuáles son sus capacidades a nivel planeación y organización de eventos que pueda verificarlo?, ¿protección civil realmente conoce los requerimientos de seguridad para este tipo de eventos improvisados?.

Más allá del vandalismo que se quiera alegar alrededor del asunto, hemos visto colapsar tribunas, palenques incendiados por pirotecnia, personas sofocadas y atropelladas con sobrecupo, irresponsabilidad del artista al tomar bebidas alcoholicas sobre el escenario, lanzar improperios a diestra y siniestra durante la presentación... ¿Esas son las condiciones de seguridad que quiere el artista para presentarse?

Una multitud decepcionada va a responder a circunstancias clave, donde todos los elementos se conjuntan para crear una bomba emocional que explotará en cualquier momento. Esto ocurre en todos los escenarios y géneros que abarcan el país. 

El "empresario" de estos eventos, difícilmente entiende que está tratando con un producto cultural y mira al artista como un producto que atraerá comensales hambrientos de su presencia, vendiendo boletos sin respaldo de políticas de acceso impresas al reverso, maquilados en imprentas de baja calidad, sin códigos de seguridad y autenticidad.

Paga al ayuntamiento su cuota y ofrece una tajada para que se le permita realizar el baile en una fecha programada, porque ya apartó al artista sin tener la localidad ubicada.

Porque es más sencillo conseguir gradas de tercera mano al último minuto para optimizar costos y porque es seguro que una pequeña empresa de sonorización, quiera presumir haber ofrecido el sistema de sonido a precio irrisorio (en muchos casos gratuito) para que este artista tan renombrado, lleve a cabo un evento que de entrada le pertenece.

No debemos olvidar que es común en artistas de este género, obtener una buena parte de su fama a base de pagos millonarios para que televisoras privadas y especializadas, repitan hasta el cansancio sus videos y notas, además de presentarse en los espacios de entretenimiento sabatino en cadena nacional.

¿Y la seguridad?

Policía, protección civil y cruz roja, pagan la factura de una cadena podrida de la industria. La seguridad es inexistente desde que se contrata a un artista de este nivel mediático. El artista recibe el anticipo de forma directa y sin preguntar como, donde, cuando y bajo que condiciones estará presente. Firma contrato donde se deslinda de cualquier responsabilidad, ante un empresario que legalmente no tiene mucho que hacer para poder apartar la fecha del artista.

Y ahí empieza la cadena donde la seguridad es lo menos importante. No solo del artista, sino de su staff, el espectador, la infraestructura e inclusive la región.

Ahora, con 2 trailers quemados, cerveza robada, un escenario destruido y el humo del equipo de audio se puede observar tranquilamente la realidad de un sector económico cultural en provincia y su realidad actual.

En esta revuelta, no hubo pérdidas personales que lamentar, como ha ocurrido en otros espectáculos donde las avalanchas de gente han ahogado docenas de personas, gradas que han sepultado a los asistentes y palenques que se han convertido en trampas mortales ante la ausencia de protocolos de soporte adecuados.

Conclusión

¿Alarmista?... Más bien considero que son detalles dolorosos que no han dejado de brotar en nuestros días. Hace poco hablamos del Multiforo Alicia. Esa también es una trampa mortal para un desalojo ante una emergencia. Hay muchos cabarets, salones y espacios culturales en el centro de la ciudad que parecen intrincados laberintos, porque se han acondicionado para aceptar a más gente que la que pueden soportar.

Sus estructuras, están pensadas para soportar el tránsito de una familia promedio y sin embargo, 3 o 4 noches a la semana se ven invadidos por docenas de personas que podrían reaccionar de forma intempestiva ante una emergencia.

Aquí existen 4 culpables... El artista, el empresario, el gobierno y la sociedad misma, deben aprender que la cultura, en cualquiera de sus manifestaciones, requiere un espacio adecuado para su desarrollo.... Es un trabajo conjunto abandonar las prácticas "normales" de la industria; cambiemos el "así con eso y ya", antes de que se repita la frase "otra vez y como siempre"....

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La interminable espiral educativa fast track del Music Business...

Hace unos días se desató un escándalo en redes sociales, donde una de las escuelas más conocidas del medio musical, se vió envuelta en acusaciones directas, haciendo reaccionar a las más altas esferas de la producción en México.

G. Martell es una de las escuelas privadas, que ha enfocado su nicho de mercado en la música contemporánea ofreciendo cursos, talleres y un modelo extendido que denominan "carreras" en aprendizaje musical, producción, radio y otras alternativas vinculadas a la música.

No es la primera vez que este tipo de modelo educativo se ha envuelto en problemas de tipo académico, puesto que escuelas como Fermatta, que en su momento nació como alternativa a G. Martell, también ha quedado expuesta por alumnos y maestros que han cruzado sus aulas.

¿Pero que sostiene a estos modelos que ya se extendieron al TEC de Monterrey y Centros Educativos alternativos?

Un negocio es un negocio

Aunque las críticas hacia los sistemas educativos y modelo de negocio de las Escuelas Privadas enfocadas al aprendizaje musical están cimentados en objetivos académicos,  se vuelve más evidente la ceguera para evaluar las necesidades de este campo por parte de la Secretaría de Educación Pública.

Aquí cabe mencionar, que las instituciones encargadas de administrar los talentos musicales, tienden a hacer permanentes los criterios para evaluar a un aspirante musical, basados simplemente en su talento artístico, proveniente de la cuna y no realmente sobre las necesidades actuales del Music Business.

Tampoco entremos en debates, porque para el músico "el arte no se vende" y es importante entender que para el Music Business "el arte tampoco se vende".

El Music Business se centra en las actividades artísticas y no en el arte como tal. Estas escuelas, responden a la necesidad abierta de recintos que enseñen la música comercial sin entrar al terreno de la música clásica y la exigente formación que esta requiere.

En pocas palabras, su nicho de mercado es para niños, jóvenes y adultos, que no quieren una formación integral, o en su caso, aquellos que no pudieron ingresar a las instituciones públicas debido a los altos niveles de control estético, artístico y en algunos casos a los exagerados requisitos de ciertos instrumentos, (percusión clásica por ejemplo).

De ese tamaño es el mercado que han decidido abarcar y que arroja buenos dividendos.

¿Entonces donde está la confusión?

Varias realidades confluyen para generar la oportunidad que estos modelos explotan directamente como oportunidades.

La identidad musical como estrategia de Marketing, es la constante en cada una de las propuestas educativas en el ramo comercial. Vende mucho más una imagen cercana a Alan Parsons, Dave Weckl, Metallica, Steve Vai, Joe Satriani, John Patitucci, Maddonna, Beyoncé, Nicki Minaj para el adolescente que tiene la intención de aprender y desarrollar una carrera musical. 

Para el cliente de estas escuelas, no es prioridad aprender sobre economía, micro economía, macro economía, índices de consumo, mercado digital, población económicamente activa, PIB, paridad peso-dólar, infraestructura cultural, infoestructura cultural (generalmente no lo es tampoco para el músico clásico)

Aunque existe en la mayoría una vocación por la música, es irresistible el fast track de la fama y la fortuna, les impulsa a delegar la responsabilidad económica al Manager, representante musical y en algunos casos a sus padres.

Para ellos, cada oportunidad cercana a una disquera, promotora, productor o artista reconocido, significa integrarse a una élite exitosa del Music Business. Pero en realidad está por demás decir que los planes de estos centros educativos, no coinciden en tiempo y forma con los cambios, ritmos, diversificación y estabilización del mercado actual.

Otro elemento que ayuda, es la ausencia de referentes significativos independientes sobre cultura musical y poner bajo un telón las necesidades reales del músico como emprendedor y empresario cultural. 

Las ideologías y filosofías del artista proyectadas por los medios masivos sobre el negocio de la música, están muy lejos de las realidades económicas, culturales y empresariales del Music Business. Y peor aún, son totalmente lejanas de la realidad mexicana.

Uno de los argumentos clave para inscribirse a estas escuelas, es la percepción de acortar el camino a través de su educación. Si se pueden comprar peldaños, será siempre mejor que recorrer el largo camino de la práctica, el fogueo y las interminables lecciones de aprendizaje que la vida musical ofrece.  

Para algunos esto signfica un fraude educativo de altas proporciones, mismas que han generado las críticas y protestas de las que hablamos al inicio del post. Sin embargo, lo terrible del asunto es que estas prácticas no se limitan solamente al ámbito musical, sino que se encuentran presentes en la mayoría de las instituciones privadas en México y cuyo análisis merece un libro entero de reflexiones.

Aquí hablamos de posibles carreras artísticas con futuro, en las cuales se desconoce su verdadero impacto económico y social. Hablamos de familias que han invertido miles de pesos en la formación de un miembro confiando al 100% en el respaldo de una marca reconocida, pero que carece de certificación, validez y respaldo de conocimiento real sobre las disyuntivas del negocio de la música.

El Tec De Monterrey, pudiera ser una de las que ha tomado las riendas a un nivel más profesional, sin embargo, es difícil seguir el paso por el alto costo en colegiaturas, preservando las opciones de conocimiento en una élite preferencial. 

Conclusión

Las expectativas para aprender música en México, deberían responder a las realidades económicas existentes. 

La importancia de generar una Ley de Cultura integral, obligaría a otras instituciones gubernamentales, escuelas privadas y a la misma industria musical, a entrar en un diálogo que establezca parámetros económicos, profesionales, jurídicos y sociales con respecto al importante significado de ser músico en un país donde se condena y prefiere incluir en las listas de las carreras menos productivas actualmente.

Es importante revisar los conocimientos clave y extenderlos en proporción de la realidad a la que la industria mexicana se ajusta. Debe fomentar el desarrollo de una industria interna, buscando su propia identidad, recuperando públicos y creando proyectos alternativos más allá de caer en las manos de disqueras internacionales, compitiendo por nivel entre las opciones extranjeras y formando un criterio de autenticidad ante el mercado global.

Tal vez no nos gusten las formas educativas  que estas escuelas promueven, pero de una u otra forma, sin participar en el enfoque real del problema, somos partícipes de la causa que las motiva y preserva.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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7 consejos previos a cantar en vivo...

En post pasados, hemos hablado sobre la importancia de cuidar las cuerdas vocales antes de grabar en una sesión de estudio.

Particularmente, he recopilado algunos consejos de varios vocal coachs y seleccione los tips en que la mayoría han coincidido utilizar y ofrecer a modo de consejo para todos ustedes.

Agradezco a todos y cada uno de ellos para colaborar en este post y próximamente tendremos algunas entrevistas con ellos.

Aquí 7 consejos previos a cantar en vivo (cantantes, coristas y vocalistas)

1.- Vocal Coaching: Es irremplazable si quieres obtener el mejor performance en cualquier situación. Por ahí todavía quedan artistas que prefieren invertir en un Vocalizer o Autotune en vivo, que invertir en aprender a colocar correctamente la voz. Lo único que consigues con ello, es poner en riesgo la inversión que has hecho, porque la voz no se compra en la esquina, ni conozco algún proveedor que la restaure.

2.- Enfermarse: Prohibido exponerse a cambios bruscos de temperatura, bebidas demasiado frías y exposición al clima frío. Tampoco se vale hacerse el/la valiente y decir "échame un tequilita para que se abra la garganta". Podrás exponer a severos problemas que pueden extenderse en la formación de nódulos cordales y requerirás una intervención costosa con el plus de una recuperación más lenta que la Reforma Educativa.

3.- Evitar los lácteos: Esta es la que más me sorprendió se manifestara de forma generalizada. Consumir productos lácteos horas o días antes de una presentación, produce excesiva flema alrededor de las cuerdas vocales. ¡Eliminemos un mito!, el limón con miel debe utilizarse DESPUÉS del evento para  lubricar las cuerdas vocales y NO ANTES...

4.- Comer antes del evento: Puedes comer de forma natural al menos 2 horas antes, para evitar reflujo y flemas alrededor de las cuerdas vocales. Se recomienda no consumir demasiada grasa o picantes e irritantes que puedan lastimar tu estómago.

5.- Bebidas irritantes: Casi me caigo para atrás cuando 2 expertos de vocal coach, uno en técnica clásica y otro en técnica popular me dijeron que no puedes tomar:

• Café
• Té (Aunque usted no lo crea)
• Alcohol
• Refresco de Cola
• RedBull
• Monster

¿La razón? Contienen cafeína en grandes concentraciones, que tiene un efecto DEHIDRATANTE, colaborando con ello a la resequedad de tu garganta y cuerdas vocales.

6.- Tomar agua en grandes cantidades: Tampoco como para ahogarse, pero si recomiendan al menos unos 3 a 4 litros, sobre todo si vives en zonas cálidas o tienes mucha actividad constante. Se recomienda humidificar en zonas muy áridas y utilizar un poco de miel en lugares muy fríos antes de salir al escenario.

7.- Visitar regularmente al médico especializado: Un seguimiento adecuado a tus cuerdas vocales, condiciones respiratorias y comportamiento del aparato digestivo, pueden revelar situaciones que compliquen el desarrollo de tu técnica. Existe en el mercado algunos lubricantes, pero se recomienda sean recetados por tu médico especialista.

Conclusión

Cantar en vivo resulta más complicado porque se desarrolla en un entorno menos controlado y expuesto a la naturaleza. Prevenir complicaciones mayores te permite trabajar en este tipo de entornos.

Entre los consejos no tan constantes están dormir bien, no usar drogas, visitar regularmente al médico y no cantar sin entrenamiento vocal o diagnóstico, porque podrían tener un rango muy bueno que podría perderse con una mala técnica.

Pronto haremos un post sobre como elegir un vocal coach adecuadamente dependiendo el estilo y particularmente nos apoyarán expertos para dejarlo más claro.

A cuidarse y seguir cantando a la vida.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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