Data Mining: La respuesta que sopla en el viento de la industria musical...

¿Te has preguntado el nivel potencial del Data Mining en la industria?

En el mundo actual, es importante reconocer que los entornos digitales están presentes en cada aspecto de nuestras vidas. Un acercamiento adecuado al procesamiento de información, es una materia clave para la preparación de cualquier profesionista en el mundo actual. 

Para muchos, el Data Mining podría significar el cambio radical que la industria necesita. ¿Porqué?, simple:

cada acceso y búsqueda que realizamos en internet, está siendo grabado por algoritmos codificados en los navegadores, portales, sitios de acceso y streaming a cada momento. Veamos que sucede en la industria musical.

¿Qué es el Data Mining?

La huella digital que vamos dejando, está siendo constantemente analizada para varios fines específicos. No es coincidencia o magia que mientras navegas en Facebook, veas publicidad referente a tips de mezcla, servicios de streaming y hasta recomendaciones de amistad. Esto ocurre gracias al análisis de datos.

Cuando una gran concentración de información se acumula, se produce la misma situación que si encontráramos una veta de minerales en alguna región del planeta. Hay que determinar primero que mineral y subproductos podemos realizar a partir de la veta. En el caso de los datos, determinaremos que información importante podemos obtener de ella. 

El último paso, es extraer esa información, a eso llamamos Data Mining (Minación de datos).

Esta información será utilizada con diversos fines (algunos buenos y otros no tanto) para implementar estrategias, toma de decisiones y reducir riesgos, potencializando aspectos financieros, expansión y transformación de productos y servicios.

¿Para que sirve el Data Mining en la industria musical?

Principalmente, se basa en la extracción de datos para la generación de productos que potencialmente brindan mejores oportunidades de desarrollo. Siendo realistas, en nuestros tiempos, apostar a una propuesta musical sin comprender mejor su entorno de consumo, preferencias del consumidor y oportunidades de crecimiento, es un albur que ninguna disquera puede sustentar. 

Los conceptos de "apoyar" al artista han cambiado. Ya no es rentable dar dinero a proyectos y propuestas que no cumplen con requerimientos mínimos en rentabilidad y oportunidad. 

Por ello, alternativas como el Crowdfunding y sacar recursos de gobierno no tiene sentido, puesto que en México, los creativos lo usan como forma se sustento económico (a veces hasta comprando cosas en Coppel con ese dinero) y muy pocas veces se aplica para impulsar el proyecto para que fue asignado. 

Hablar de políticas públicas y esta complicidad directa del artista (haces como que me das dinero para desarrollo cultural y hago como que lo uso en ello) es tema de conversación para otro post.

Lo interesante del caso es que son precisamente estas circunstancias las que abren puerta a productos de alto riesgo y con pocas oportunidades para recuperar inversión. 

El Data Mining, ofrece una herramienta poderosa para elegir una audiencia objetivo, su capacidad de consumo, sus preferencias y entornos de consumo, hasta la garantía de elegir adecuadamente una combinación de acordes y sonidos que estimulan al consumidor a seguir un artista.

¿Existen artistas bajo este esquema?

El primer experimento exitoso que ha utilizado al Data Mining es sin duda el artista pop Psy y su tema "Gangnam Style". A partir de un análisis de datos regional, la disquera aplicó el Data Mining sobre un concepto base y luego lo replicó haciendo análisis en otras ciudades clave de consumo en el mundo.

El análisis de datos, ayudó a determinar previamente el alcance conceptual y determinó la campaña promocional a partir de ello. El resultado ahí está para ser cotejado. Hasta hoy, sigue siendo el video más reproducido de YouTube con más de 2,794 millones de visualizaciones.

Este modelo ha representado un éxito para la industria de Corea del Sur. El K-Pop es uno de los géneros mejor implementados y rentables a nivel internacional. Japón y China utilizan estos modelos para sus mercados internos y hemos podido encontrar conceptos como BTS, Baby Metal o Hyuna que han impactado el mercado latino en los últimos años.

No es coincidencia que ocurra en los países potencia en el desarrollo de programación, diseño de hardware y aplicaciones más exitoso del mundo. Estados Unidos ha aplicado este proceso en artistas como Bruno Mars, Daft Punk, Katy Perry y Taylor Swift.

Spotify, Apple, Deezer y Claro Music en México, siguen utilizando la información de sus streamming para determinar las oportunidades de consumo en el mercado mexicano y las majors analizan datos para generar nuevos conceptos en el mercado latino. 

Conclusión

Tendrían razón en pensar que estos sistemas  tan avanzados están fuera del alcance de todo mortal. En realidad no, el Data Mining tiene un origen muy básico que puede ser replicable en diversos entornos creativos para asegurar respuestas objetivas y oportunas para los mercados emergentes.

Todo concepto musical es susceptible de beneficiarse del Data Mining y todo artista tiene acceso a una super computadora en estos días. Un smartphone actual es 100 veces más poderoso que la primer supercomputadora que fue creada en los años 50's. 

La pregunta real y directa sería ¿estás dispuesto a utilizar un proceso de Data Mining en el desarrollo de tu concepto creativo?, ¿bajo que criterio estarías dispuesto a transformar tus obras en mejores temas para tus audiencias?, ¿dejarías que el Data Mining revelara a tu audiencia y aceptarías esa realidad?... Diría que "la respuesta está soplando en el viento"...

Rafa Mendoza analiza el negocio de la música para Ad Libitum Incubadora

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Marketing musical:¿Santo o demonio?

¿Cómo se le hace para tener más fans, llegar a mejores tocadas, vender más productos, entrar a festivales, ser considerado por una disquera, ganar mejores beneficios (el dinero no es todo) con mi música?

Estas son tan solo algunas de las inquietudes que constantemente nos hacen en los talleres de emprendimiento y pláticas sobre el negocio de la música. Y nuestra respuesta siempre es la misma... ¿Has desarrollado una estrategia de marketing?

El músico por naturaleza es emprendedor, sin embargo, es muy sencillo quedar atrapado en la idea que con coraje, determinación, pasión, amor a la música y sacrificio, veremos recompensados nuestros esfuerzos (no lo podemos evitar, somos románticos por naturaleza).

En nuestro blog de hoy, quiero compartirles una visión más clara sobre el marketing en general y algunas consideraciones de su aplicación en el mercado musical.

Percepción generalizada sobre el marketing... (el que sea)

Para la mayoría de los creativos alrededor de la música, el marketing representa hacer ventas y dinero, cuando en realidad, la venta es la conversión de un proceso de marketing. Es la consecuencia directa al desarrollar una estrategia adecuada. 

También es común pensar que el marketing es una estrategia "rara o extraña" de inducción al consumo, es decir, que sirve para "crear necesidades" (Los artistas pop son los más señalados en este sentido).  

Es así que en nuestro país existe un triple rechazo cultural a la mexicana, para implementar una estrategia adecuada, primero porque lleva tiempo generarla (queremos el beneficio ya, para ahorita o dos semanas máximo), segundo; implica trabajo ANTES de empezar a desarrollarla (¿para qué investigamos quien quiere nuestra música si mis amigos dicen que está bien padre?) y tercero, porque se trabaja con mente de "consumidor"(las dos anteriores son resultado de este tipo de pensamiento), incluyendo en ello una gran cantidad de mitos, definiciones equivocadas y expectativas irreales sobre el marketing.

Es cierto que el marketing toma en cuenta principalmente al consumidor y su manera de pensar (entre muchas otras cosas), pero debe delimitar el tipo de necesidad clave, sin derivar en la satisfacción individual, sobre todo en la música, porque es importante encontrar un grupo de personas con intereses comunes en las que su propuesta musical se percibe con un alto valor. 

¿El cliente (o fan) siempre tiene la razón o pierde la razón?

Dentro del área creativa, es común encontrar a proveedores de servicios (estudios de grabación, empresas de sonorización, diseñadores gráficos) dentro de situaciones desgastantes como clientes poco cumplidos, regateo de precios, competencia "desleal", políticas de venta y que son literalmente rehenes de las circunstancias gracias a que han colocado al "cliente" como el poderoso personaje que define su éxito.

Y es que denominar a alguien cliente o fan, es precisamente una de las actividades clave del marketing .

En el caso de los músicos, la situación se vuelve más compleja, porque normalmente replican lo hecho por otros proyectos sin considerar su entorno real de consumo, los obliga a tomar decisiones como aceptar presentaciones lejos de su zona de influencia, aparecer en los medios menos adecuados, abriendo eventos ante público equivocado, lo que desgasta el bolsillo, relaciones y expectativas de su idea original.

En esta nueva era de consumo, posicionar la idea de un negocio rígido (que no le importe nada lo que opinen sus consumidores, entorno y cambios) o uno totalmente flexible (que acceda a cualquier capricho o señalamiento del cliente), genera un desgaste que fulmina a cualquier emprendedor.

La realidad es que aquella persona que denominamos "cliente" (o fan), vive sobre estimulado por las estrategias de marketing masivo y empeora cuando son ávidos consumidores de información en redes sociales e internet, porque acorde a estudios por empresas de análisis, tan solo el 52 % en promedio es información con calidad, una preocupación que Google ha empezado a abordar a través de varios algoritmos para identificar duplicidad en información, interpretación de origen y nivel de consideración ante una fuente más fidedigna.

Es por ello que ser demasiado rígido o flexible, no funciona interpretando a cada cliente, sino el comportamiento de un grupo más específico. En pocas palabras, no todos son tus prospectos y un porcentaje todavía menor en realidad serán tus clientes (o fans). 

Conclusión

El Marketing (mercadeo) es una herramienta indispensable en nuestros días para conseguir que nuestro proyecto o empresa vinculado al negocio de la música, prospere y se establezca como una alternativa que faculte una relación comercial SANA y TANGIBLE, acorde a las NECESIDADES de consumo.

Requiere trabajo, seguimiento, análisis, comprobación, replanteamiento y continuidad. Es por ello que no existe la fórmula mágica para transformar a la rana en príncipe y es muy fácil perderse en el mar de información que es internet, además de los rumores sociales. 

Actualmente el marketing en todas sus versiones (social, musical, institucional, comercial, etc) debe abordarse con un enfoque más inteligente y acertivo. La maraña de conceptos sobre ofertas, precios, promociones, publicidad, entornos de consumo y estimulación de mercado pueden intimidar a cualquiera, sobre todo cuando se inicia la inmersión hacia un terreno tan rodeado de misticismo y rumores, lo que invita a acercarse de manera más abierta a los temas que el marketing aborda para cualquier campo.

Cada proyecto requiere su propia estrategia hecha a medida, porque responde a cubrir objetivos de acuerdo a los alcances y posibilidades tangibles. Siempre hay algo que se puede hacer todos los días para desarrollar un plan de marketing, independientemente de los recursos económicos, humanos e infraestructura disponible.

Pocas propuestas llegan lejos a fuerza de empuje, coraje, pasión, orgullo y determinación, pero hasta esos mismos proyectos pudieran haber alfombrado su camino con la información correcta, una estrategia de marketing bien estructurada y el reconocimiento personal de que no siempre se hace todo lo que se puede, sino solamente lo que se sabe.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum 

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¿Qué son los Supervisores Musicales?...

Las regalías por sincronía, se refieren a los recursos generados al utilizar una pieza u obra musical previamente producida y registrada en el cine, video y otros proyectos audiovisuales.También ocurre en campos como la publicidad, los videojuegos y performances que necesitan el soporte sonoro, muchas veces inspirando nuevos productos.

Existen una gran cantidad de músicos que se dedican a colocar sus composiciones en álbumes, producciones discográficas y pocos consideran a los mercados audiovisuales como una alternativa real.

Múltiples proyectos desconocen el potencial real de su proyecto y desperdician muchas oportunidades, recursos, tiempo y esfuerzo por impulsar su material en el canal menos adecuado.

Aquí es donde entra el Supervisor Musical, una figura profesional poco implementada en México y confundida muchas veces como parte del trabajo de un Manager o Agencias de Artistas.

¿Qué hace el Supervisor Musical?

Hay que pensar en el Supervisor Musical como un aliado del Productor y Director del producto audiovisual. Aunque sus funciones sirven como enlace entre el músico y el proyecto visual, en realidad ayuda a satisfacer la necesidad musical del Director.

Para ello, toma de referencia los presupuestos, derechos posibles en la música, calidad de la producción, inclusive la posibilidad de colaboración por parte del artista musical en la continuidad musical de todo el proyecto.

Normalmente buscan temas muy específicos que construyen el desarrollo argumental que colabora al impacto final que la historia audiovisual tiene.

No solamente entra en juego el proceso musical, sino las letras pueden ser muy específicas. ¿Te ha pasado que escuchas una canción que podrías fácilmente sobre poner al clip de una película y sentir que estás contando mejor lo que ocurre o que podría convertirse en un videoclip completo?. Es la sensación que un director busca y el Supervisor Musical le ayuda a encontrarlo.

La importancia del Supervisor Musical

Existen varias formas de integrar música de sincronía a un proyecto audiovisual. Algunos pueden ser verdaderos retos en cuanto a la consideración de los temas y su uso dentro del proyecto. 

No voy a profundizar en ello porque eso requiere varios post adicionales para explicar adecuadamente cada uno de ellos, pero podemos tomar de referencia que se pueden realizar sincronía por componentes de Diégesis y Sin Diégesis (música que pertenece al entorno o que funciona en partes específicas, posicionamiento y background (cuando domina el entorno audiovisual o cuando se mantiene como soporte de una escena o momento), lo que deriva en una interpretación legal, artística y funcional que sirve de base para la generación y negociación de regalías.

El Supervisor Musical debe navegar entre una variedad de géneros, arreglos y elementos musicales diversos que permitan ofrecer un catálogo de alternativas para el Director o Productor, conocer la función del tema dentro del proyecto y delimitar las condiciones en que se puede acceder al material de sincronía.

Conclusión

El Supervisor Musical tiene una figura bien delimitada y poco respetada como especialidad en algunos países. En México, normalmente ingresar musicalmente a una película, tiene que ver más como una forma de marketing musical o colaboración creativa que potencia al producto final para una colocación más firme, ante una clara desventaja en las preferencias de consumo audiovisual por parte de las audiencias.

Por supuesto que lo ideal sería que la mayoría de los éxitos audiovisuales se eligieran por match creativo que por match de mercado, pero algo importante en muchos países como México, es que las productoras independientes han aprovechado mejor las oportunidades creativas que ofrece utilizar música previamente grabada. El reto en ese sector, es realizar una negociación más profesional en función de los Derechos de Autor y claridad en el pago de regalías.

Los beneficios que el Supervisor Musical ofrece al mercado de la música y los proyectos audiovisuales se interpretan como la realización tangible de una sinergia increíblemente poderosa en tiempos complicados de la comercialización digital.

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum

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Artistas de un solo éxito:¿Son competencia?

Mucho se ha hablado sobre la forma en que las Majors lanzan constantemente artistas sin propuesta, en serie y producidos bajo ciertos criterios que resultan cuestionables desde el punto artístico.

Pero lamento decir que no es una práctica común en las Majors... Las disqueras independientes también replican constantemente estos recursos de explotación comercial.

Una de las quejas más comunes en nuestras sesiones de coaching se relaciona precisamente con la necesidad de saber sortear y comprender estos elementos del mercado musical y la percepción de que se están minando oportunidades.

Lo que debes saber...

Los artistas de un sólo éxito dieron inicio al Mercado fonográfico. En aquellos días, las disqueras buscaban incrementar sus catálogos sin discriminar el potencial de cada material grabado. preferían generar discos de 78 y 80 rpm en varios volúmenes que hacer un LP, porque era más rentable a corto plazo.

El concepto del LP se estableció en los años 50's, utilizando el formato como recopilaciones y no tanto como álbumes conceptuales. Es hasta inicios de los años 60's que generar un LP conceptual era permitido a los artistas que demostraban ser rentables a modo de premio y respeto por parte de la disquera.

Con la llegada de los primeros discos conceptuales, la costumbre de integrar 15 temas o más en uno o varios LP se hizo común. El mercado de los Singles se ha limitado desde entonces a probar productos musicales y el tamaño de su Mercado.

En los 80's, inicia la costumbre de probar varios conceptos en los discos compilatorios de las disqueras independientes. Esta estrategia es la que ayudó a géneros urbanos como el rap, R&B, hip hop e industrial a posicionarse y tomar parte del Mercado.

El MP3 trae consigo un repunte de los sencillos y artistas de un sólo éxito, pues aunque las radiodifusoras tocaban a los artistas, pocas veces había oportunidad para escuchar el disco completo durante una emisión.

¿Afectan al Mercado?

En realidad los artistas de un sólo éxito funcionan para las disqueras ante la constante necesidad de productos nuevos para ciertos mercados. El público masivo requiere constantemente productos nuevos, sin que ello signifique que requiera calidad. Podemos decir que los artistas de un solo éxito son productos de estallido masivo, replicables y poco expandíbles.

Comercialmente, cumplen con la premisa de algo fresco pero poco "nutritivo" artísticamente. Se convierten en éxitos gracias a que el Mercado que los consume no tiene muy altos estándares de nivel cultural y son fácilmente influenciables por las opiniones de masas.

No es malo querer posicionar un Hit en el número 1, pero actualmente esto requiere de mucho conocimiento del sector al que va enfocado, recursos para sustentarlo en promoción y publicidad, o en su caso, deben cumplir con un elemento de "gancho" hacia momentos económicos, políticos, sociales y de identidad que ayuden a su posicionamiento.

Cualquier otro concepto que contenga elementos estéticos, artísticos y específicos de consumo superiores, no debe considerar siquiera pelear un espacio del Mercado, porque de entrada, son consumidores con requerimientos superiores que inclusive no concuerdan con los artistas de un solo éxito.

Es muy atractivo pensar que basta colgar un éxito para vivir de regalías y resolver de un solo tirón el futuro económico, pero de entrada, el negocio de la música ya no se basa en esta premisa. El pago de regalías es fructífero para quienes colgaron sencillos antes de los años 90's. La nueva era musical y el arribo del MP3 desbancó los costos por pagos de regalías.

De ahí que productores como Jay-Z o Trent Reznor han preferido producir varios artistas simultáneamente para tener el control creativo y económico de las regalías en el mercado actual.

Conclusión

Los artistas de un sólo éxito difícilmente replican su potencial y superan el tema musical que les precede. Muchas veces, la falta de pericia en los negocios y tomar la oportunidad del estallido inicial, les hace ceder un porcentaje importante de sus derechos en la negociación, pero deciden sacrificarlo esperando que el público los reconozca como potenciales generadores de éxitos continuos.

Los que superan esa etapa, lo hacen porque se refuerzan artística, legal y organizacionalmente para dar continuidad a ese impulso inicial. Pero una gran mayoría no lo consigue porque confían únicamente en el "talento".

Por eso, es importante contar desde un inicio con un respaldo profesional y legal antes de firmar un contrato para colocar un Hit en los chats nacionales e internacionales.

¿Estás preparado para tener un Hit?

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Reputation Management:¿Está incluido en tu estrategia?

Por Rafa Mendoza

Por difícil que parezca, aunque internet ha facilitado muchas actividades del ser humano, ha complicado y extendido a nuevos horizontes los puntos negativos. 

Mantener una presencia en línea de forma constante y visible en estos tiempos, significa todo un reto para las agencias de publicidad, relaciones públicas y Management. Para los proyectos independientes, se complica aún más cuando el control de las redes sociales, recae principalmente en la asistente general y definitivamente se diluye entre los miembros de la banda tradicional o el solista.

Exponerse "virtualmente" es quedar completamente desnudo de argumentos. Una imagen, un video, un sonido, se han convertido prácticamente en alimento de escrutinio social. Ahí nace el concepto de Reputation Management, un área cada vez más observada por el Community Manager.

"Yo soy quien soy"...

Las redes sociales han rebasado el principal objetivo para que han sido creadas. La comunicación activa entre sus miembros, ha generado nuevas formas de establecer simpatías, diferencias, agrupaciones e inclusive tribus urbanas que permanecían aisladas y separadas en tiempos previos al internet.

Actualmente, es posible conocer fechas de eventos aislados, ofrecer plataformas de exposición a nuevos proyectos y facilitar el contacto directo con los fans. Sin embargo, también ha contribuido a delimitar a cada artista, puesto que es más fácil encontrar contradicciones entre su obra y su personalidad.

No es poco común revisar el perfil personal de algunos miembros de bandas, compartiendo determinados memes que resultan incómodos para la audiencia que persiguen.

Aunque cualquiera puede CONTROLAR una red social, no cualquiera puede GESTIONAR una red social. Esta es la primer premisa que muchos artistas, proyectos independientes e inclusive disqueras independientes dejan pasar por alto. La valoración en la calidad de los argumentos presentados por una persona en redes sociales, siempre pesará en la revisión de una entidad interesada en el perfil del artista.

Increíblemente, muchas de ellas siguen el canon mediático tradicional, aquél que dice "no importa como se hable de uno, sino que se hable sobre uno". En nuestro tiempo, esto significa un "suicidio virtual".

Las disqueras independientes, están haciendo mucha más investigación de Reputation Management, midiendo constantemente el impacto positivo de los contenidos para sus artistas. De esta manera, pueden apoyarse en estos argumentos para extender facilidades, negociar mejor las oportunidades y porcentajes con artistas.

¿Porqué me debe importar?

Al incrementar el impacto positivo de los contenidos en redes sociales, estás creando un seguro de reputación digital para tu proyecto. Ningún perfil de redes sociales está exento de fallar en alguna ocasión. Pasa hasta en las empresas con mayor presupuesto para la gestión de redes sociales, como en el reciente caso de la panadería comercial que se equivocó severamente ante el fallecimiento de Carrie Fisher, haciendo mención a los "bizcochos" tan comentados de su personaje en Star Wars.

Aunque puedes escoger perfectamente el contenido que quieres incluir en tus redes sociales, no puedes controlar la reacción y conversación sobre el mismo. Tal vez opines que las redes sociales han sido creadas para hablar abiertamente sobre todo lo que te rodea, pero desafortunadamente, la única manera de crear una reputación positiva es limitando la información que distribuyes en tu perfil.

¿Debe importarme si no me importa lo que opinen de mi?... Tal vez no. Finalmente, la construcción de una reputación es una decisión personal que como individuo tienes derecho a romper. Pero si tienes un proyecto en construcción y desarrollo, no importa cuanto dinero dediques a hacer marketing, posicionamiento, asistencia y presencia en eventos; tu reputación digital está al alcance de todos y va a precederte en cualquier circunstancia.

Conclusión

Las redes sociales se invaden constantemente de información poco fidedigna. Irónicamente, gozan cada vez de una mayor credibilidad, porque la exposición que ofrecen hace debatible cada aspecto de un contenido, diluyéndose entre las decenas, cientos o miles de opiniones que pueden llegar a generar. 

De acuerdo a Nielsen, empresa especializada en estadísticas digitales, el 53 % de los consumidores fieles siguen a su marca y personajes constantemente en redes sociales. De ellos, el 60% escribe constantemente referencias de sus experiencias de compra, asistencia al cliente y calidad de productos o servicios. 

¿Cuántos fans, audiencia o respaldo podrías perder por publicar, compartir un meme, video, opinión o imagen poco apropiado para tu proyecto?... 

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum 

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¿Ha muerto el negocio de la música?...

Por Rafa Mendoza

¿Pregunta fuerte para iniciar el año?... Antes de comenzar, quiero desear a todos ustedes un creativo y productivo año 2017.  Esta es la clásica pregunta que tiene diversas respuestas desde distintos enfoques. Dicen por ahí que "todo depende del cristal con que se mire"...

La realidad es que no, el negocio de la música no ha muerto.

Y la respuesta es clara basándonos en los resultados ofrecidos en lo económico, en el desarrollo de mejores tecnologías para la grabación, producción de eventos, giras mundiales, servicios de streaming y otros rubros.

Es cierto, existen estudios cerrando en distintos lugares, músicos que abandonan su carrera y cada vez son más los que combinan un empleo fijo para compensar ciertos ingresos. Editoras que están cada vez más limitadas y promotores que se disputan cada vez más la posición de un proyecto. Pero aún así, la industria musical sigue estando activa y aporta una gran parte de los ingresos económicos a nivel global, nacional, regional y local.

¿Entonces, dónde está el dinero?

Si realizamos un análisis integral de la industria, nos daremos cuenta que los principales reclamos emanan dentro del rubro de la participación creativa. Ingenieros, músicos, productores, arreglistas, compositores y un sinfín de personalidades se han estado proclamando sobre la "lenta muerte" de la industria.

Entender el negocio de la música actual, ya no coincide para nada con el criterio generalizado de los últimos 25 años. Es un paradigma difícil de quebrar para el creativo tradicional, que limita su visión e interpretación sobre el negocio de la música a buscar ser escuchado, aceptado, entendido, comprendido y valorado por su música.

¿Tienen los millenials la culpa?... No, simplemente se trata de mercados poco estimulables. No son consumidores perseguibles más que a ciertos niveles. Es impresionante intentar decodificar sus necesidades de consumo tradicional y no encontrar respuesta. Mucho menos se puede interpretar de forma sencilla su forma de interactuar e identificarse con las actividades creativas.

Tampoco es que las disqueras majors, posean el santo grial al respecto. Los mercados de consumo en la música han ido perdiendo valor aceleradamente desde principios de los 80's. Los modelos musicales se replican constantemente en todas las artes, delimitando las oportunidades de mercado y consumo.

"La música no se vende"... Nada más cercano a la razón. Nunca ha sido un objeto de venta viable. Desde que los reyes compartían con sus marqueses a las grandes orquestas sinfónicas (absurdo para genios de la música tener tanta gente reunida), el valor nunca residió en la "calidad" y "apreciación" de la composición musical. 

Siglos más tarde y en medio de una revolución digital, la música posee igual potencial que muchas otros productos primigenios. Un tronco de madera sin trabajar, no incrementa valor hasta que pasa por el proceso de ser diseñado, cortado, retocado, lijado, barnizado, colocado en un catálogo y transportado al aparador de la prestigiosa tienda que lo pone en venta. ¿Es mas caro un librero de pino que nogal?, ¿es sólo la madera el único elemento a evaluar para ponerle precio?, ¿debe ser un diseño único o fabricado en serie para poder resaltar?

Un proyecto musical rentable, debe conseguir desarrollar sus elementos de la misma manera. Contener un origen y un destino, delimitado por la rentabilidad y necesidad de cada mercado. Se puede generar un producto rentable sin miedo a perder credibilidad creativa. Se puede generar un producto que respalde las necesidades de un sector hambriento de conceptos musicales. El artista se desvive por presentar su "nueva propuesta", pero mercado quiere una "experiencia de compra". 

El negocio de la música no ha muerto, ni morirá mientras existan los criterios suficientes para entender que la música, no es la gasolina suficiente que motiva al consumo en cualquiera de sus formas. El consumidor accede a aquello que puede permitirse y arriesga su dinero hasta donde puede arriesgarse. Pero siempre preferirá poner sus monedas en aquello que le satisfaga una necesidad clave.

¿Qué necesidad satisface Paquita La Del Barrio, Lupita D'Alessio, Jenny Rivera?... ¿Qué necesidad satisface Arjona, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés o Bob Dylan?... 

Quien comprende la función que cumplen en el mercado, podrá definir mejor el sello distintivo de cada proyecto, emprendimiento o visión artística que lo acerque a desarrollar su propuesta con mayores oportunidades de acceso al negocio de la música.

Gracias por iniciar conmigo este 2017. A partir de hoy, cada lunes subiré un artículo de opinión en este blog. Envíame tus opiniones en la caja de comentarios y ayúdame a proponer temas de debate para la siguiente semana. Te deseo un año lleno de oportunidades y será un placer crear en esta nueva etapa, las condiciones para un debate más abierto de nuestro entorno del negocio de la música.

Un abrazo fuerte y nos leemos mañana...

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum

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12 propósitos del músico profesional en 2017

Todos anhelamos hacer la lista de deseos y propósitos para iniciar el siguiente ciclo. Aunque los deseos simbolizan todo aquello que pedimos para nosotros, los propósitos son la parte esencial que podemos controlar para alcanzar objetivos. 

Como sabemos que hay mucho por hacer el día de hoy, entraremos en materia para que consideres estos propósitos para cambiar tu desarrollo como músico profesional en 2017.

1.- Trazar un plan de negocios antes del primer trimestre: De nada sirve una lista de própositos si no sabes como utilizarás tu tiempo en ello. Aprender a hacer un plan de negocios anual es la clave para conseguirlo.

2.- Interesarse por la Economía Creativa: En situaciones económicas complejas, solo quien está informado adecuadamente puede comprender los ciclos económicos para una mejor toma de decisiones

3.- Hacer una bitácora semanal de actividades: Al final del año podrás medir que desiciones te hicieron avanzar y cuales detuvieron tu avance

4.- Explorar otras alternativas entorno al negocio de la música: Existen actividades complementarias a la ejecución, docencia y performance de la música ¿Sabes cuales son?

5.- Poner en orden las prioridades de cada proyecto: Los músicos se diluyen muchas veces entre múltiples proyectos para alcanzar la rentabilidad. No todas las opciones son las más rentables.

6.- Desarrollar habilidades gerenciales individuales: No se puede ser líder de una banda sin tener liderazgo con uno mismo. Hay líderes natos, pero aún ellos requieren desarrollar sus habilidades

7.- Olvidar la sensación de que el tiempo es oro: Es muy común encontrarse con esta frase y delimitar el tiempo a algo tan obvio como es el dinero. Son aquellos que administran su tiempo y oportunidades en formas rentables los que consiguen sus objetivos.

8.- Dar seguimiento a los cambios en el negocio de la música: Saber que el MP3 ha sido sustituido por Spotify no basta. Hay que mirar los cambios íntegros en todos los campos del negocio de la música para comprender hacia donde se dirige.

9.- Comprometer ingresos a la construcción interna en otros campos de la música: Invertir en uno mismo es la mejor manera de desarrollar habilidades clave para que un proyecto navegue por varios puertos.

10.- Organizar mejor los recursos para mejorar oportunidades: Va de la mano con el punto anterior. ¿En verdad necesitas el iPhone 7 para impresionar a tus compañeros?

11.- Dividir tus prioridades personales de las prioridades musicales: Hay decisiones basadas más en lo que "yo" quiero que sea, que nublan por completo el criterio para abrirse a lo que "el mercado" quiere obtener. 

12.- Medir cada mes los resultados: El dinero es tan solo una medida cuantificable de los avances, pero existen otros resultados como posicionamiento, desarrollo interno, integración y recursos de negocio que se pueden contabilizar.

Como puedes darte cuenta, realizar estas actividades durante el año implica compromiso propio y personal, antes de que lo integres a cualquier proyecto que estés desarrollando. Es una forma más constructiva y por momentos puede parecer difícil de comprender. Sin embargo, cada uno de estos propósitos sienta la base de una mejor administración personal y de recursos que permite la adaptabilidad a las realidades de la economía nacional y el negocio de la música.

En Ad Libitum Incubadora, cerramos el año con diversos proyectos que tendrán su lanzamiento el próximo 9 de Enero a través de nuestras distintas plataformas. Te invitamos a conocerlos y mantenerte al tanto en nuestras redes sociales. 

Deseamos que el 2017 llegue cargado de oportunidades clave para tu desarrollo y esperamos conocerte en alguna etapa de tu desarrollo. 

¡Un abrazo cordial de todo el equipo Ad Libitum y nos vemos el próximo Lunes 2 de Enero!

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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¡Te deseamos un 2017 próspero!

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2017: Retos de estrategia para desarrollar hacia el 2020...

Se nos viene el cierre de año y con ello, las expectativas para el negocio de la música parecieran por momentos inciertos o más difíciles. Durante el 2016, nuestro país experimentó cambios de tipo económico, político y social, que han modificado el terreno para las industrias creativas.

Aunque parece complicado, estos cambios se han realizado en todas las latitudes y longitudes del mundo, a veces con apoyo de gobiernos, instituciones, asociaciones y la comunidad del negocio. En otros casos, la esterilidad de respaldo en cualquiera de sus formas, ha erosionado severamente el campo de las industrias creativas.

Reconocer anticipadamente los cambios clave de la industria, no significa que sirva para operar el siguiente año de forma óptima.

Te invito a comprender este artículo como parte de una estrategia para tu proyecto, utilizando el 2017 para tomar decisiones clave que puedes aplicar en los próximos 3 años y poner la mira en el 2020.

1.-Streaming: Hace unos días Spotify anunció que está muy cerca de convertirse en la primer Startup dentro del negocio de la música que alcanzará un modelo de negocio sustentable y rentable. Las alarmas y quejas principales de la industria, provienen de los artistas que han pugnado por un mejor pago de regalías. El reto para las propuestas musicales contemporáneas es transformar las oportunidades que los servicios de streaming ofrecen en soportes estratégicos de difusión y no de comercialización.

2.- Tendencia vinil: Aunque los viniles están empezando a crecer en consumo, aún no significan una fuente sustentable de ingresos. Aunados a la problemática de distribución y comercialización, los factores ambientales que podrían derivar, aún no han sido evaluados del todo. La compra de equipos para reproducir viniles ha desacelerado su crecimiento e incluso ha mostrado cierta tendencia a crear un mercado de reventa. El reto es analizar si vale la pena acceder en etapas tempranas de comercialización a una tendencia que comienza a bajar.

3.- Producción Musical: Las necesidades de grabación para un artista han iniciado una tendencia de corte minimalista. Se ha intentado culpar a los Estudios de Proyecto Personales de "minar" las oportunidades a los grandes estudios, cuando los recursos y habilidades creativas (contenido y mensaje) han sido visualizadas como el factor integral de un proyecto. El reto es delimitar mejor las facultades y oportunidades para los estudios, disqueras, productoras y maquiladoras, que las transforme en personajes más activos en la cadena creativa y no solamente espectadores pasivos en los cambios de la industria

4.- Certificación y Premios: Una industria que cambia constantemente es difícil de evaluar y aplicar criterios estables. Lo que para unos representa el mayor logro, para otros significa uno de los pasos recurrentes en su trayectoria. Paralelamente, el reconocimiento no está bien definido en muchos campos de la industria musical. La certificación ha demostrado avalar ciertos perfiles, pero falla en la delimitación de habilidades, criterios y funciones en los procesos de la industria. El reto es encontrar un pleno reconocimiento y delimitación creativa para crear una diferenciación más eficaz, que promueva el desarrollo de cada campo en la industria.

5.- Medios masivos y Redes Sociales: La transparencia es una de las herramientas clave para la industria en estos momentos. Anteriormente, los medios masivos se habían restringido de insertarse en el mundo de la era de información digital. La replicación mediática, ha abierto nuevas posibilidades, pero su crecimiento desmedido, ha diluido más el criterio y conocimiento. No es raro encontrar 25 versiones de una misma nota con preocupantes fallas de origen, que han vuelto más opaco el criterio. El reto es disipar y disminuir el excesivo uso de las redes sociales para la formación de criterios masivos y en lo posible, generar contenidos más integrales y de mejor calidad.

6.- Desempleo Generalizado: No podemos dejar de lado que las tendencias económicas están provocando cambios en productos y servicios de forma generalizada. En general, se están cambiando las políticas de contratación hacia la resolución por habilidades más que por grados académicos. Esta representa una gran oportunidad para las industrias creativas, porque integralmente hacen interactuar todos los potenciales del cerebro para generar respuestas integrales a problemas que anteriormente se veían como "distracciones" en el entorno laboral. El reto es expandir las habilidades creativas en el sector laboral y transformarlas en herramientas de desarrollo que estimulen el uso de las artes para la resolución de problemas complejos.

7.- Conciertos y Festivales: Los altos precios de acceso a espectáculos masivos ha limitado las posibilidades para nuevos Festivales. Indudablemente, los conciertos masivos han sido criticados en los últimos años por no abastecer espacio suficiente para todos los proyectos existentes. Para alcanzar un equilibrio entre la demanda y oferta de productos creativos, es necesario construir mejores redes, vinculación y organización de eventos. El reto, es constituir a los profesionales (gestores, promotores, managers y brokers) en un entorno de desarrollo en infraestructura organizacional, que permita el desarrollo de Festivales locales con una visión más significativa de simplemente brindar entretenimiento.

Conclusión

2017 representa un año de nuevos retos. Los caminos tradicionales en el negocio de la música serán reevaluados durante los primeros meses y en algunos casos veremos conflictos intensos en materia de distribución, producción y medios.

Aunque los puntos aquí expuestos buscan iniciar una reflexión profunda de nuestro entorno, no significa que sea un decreto que refleje simplemente problemas potenciales.

Este panorama tiene más soluciones que restricciones, puesto que hoy más que nunca, es posible generar oportunidades conjuntas, sinergias efectivas y por supuesto, integración humana que ha demostrado navegar y encontrar alternativas a los problemas cambiantes del entorno.

Lo hemos hecho desde la era de las cuevas... ¿Porqué no hacerlo ahora?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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5 elementos clave que definen al músico profesional...

Dependiendo la generación que representas, el enfoque sobre el negocio de la música se vuelve de verdadera pesadilla a un mar de oportunidades.

Invariablemente, una de las cosas que más nos preguntan durante las Sesiones informativas, asesorías y coaching, es porqué el negocio de la música es tan difícil de abordar o tan limitado en muchas formas.

Hoy más que nunca es importante adaptarse a los cambios que han modificado la industria. Anclarse en las prácticas tradicionales puede significar la diferencia entre navegar libremente o esperar que el barco haga agua. 

No está mal realizar los procesos tradicionales, siempre y cuando existan los recursos económicos suficientes para impulsarlo en todas sus etapas. Desafortunadamente, ya no ocurre con tanta frecuencia y decidir que proyectos son susceptibles de hacerlo requiere de muchos filtros.

Entonces, ¿cuáles son los 5 elementos clave que definen al músico profesional?

1.- Organización: Si no te organizas, estarás ante serios problemas para cumplir las metas que como músico te has trazado. No significa saber solamente que día tienes hueso, tocada o evento y sentir que eres extremadamente organizado. ¿Sabes en qué condiciones está tu equipo?, ¿estás practicando lo suficiente?, ¿te has preocupado por revisar tu salud? Aunque parezca que lo haces de forma natural, muchos aspectos del músico requieren atención especializada. Si no has tomado en cuenta esto en tu organización del día a día, abres un gran boquete a tu desarrollo profesional.

2.- Planeación: La ecuación básica del músico es "aprendo a tocar + buscar una banda + escribo canciones + grabo un demo + me presento en vivo + mando mi demo a la radio + la gente me adora = éxito musical".

Si crees que es todo lo que necesitas saber para triunfar, entonces lo único que encontrarás es caminos sin salida que no te llevan a ninguna parte (si no es que ya estás en uno de ellos).

Hacer una planeación efectiva requiere saber como trabaja el negocio de la música, un entendimiento más integral del mercado, conocimiento de las tareas que mejor te lleven a obtener objetivos concretos (no simplemente actuar por actuar), información de situaciones externas que pueden vulnerar a tu proyecto y cientos de etcéteras que seguramente no has contemplado.

3.- Enfoque: Significa que debes comprender desde una vista general cada aspecto de tu proyecto y poder desmenuzarlo a conciencia. Dimensionar aspectos como la musicalidad, performance, grabación, promoción, negocios y situaciones legales reales de tu proyecto te impulsará a tomar decisiones más asertivas.

4.- Comunicación continua: El músico contemporáneo no tiene pretexto para estar parcialmente incomunicado o lejano de los nuevos usos tecnológicos de comunicación. Esto implica saber elegir que medios son los adecuados y cuales son simplemente complementarios. Invertir tiempo en desarrollar fans sin recursos económicos mínimos no significa que estés ahorrando recurso. ¡Podrías estar perdiendo dinero! Escribir adecuadamente y cuidar el lenguaje visual a través de tus canales de comunicación son fundamentales en este proceso. Si no lo separas adecuadamente, estás jugando en contra tuya.

5.- Contactos: Tu red de "Networking" es la base para extender tu planeación estratégica. Tarde o temprano, conocer a la gente clave (no es lo mismo que conocer gente famosa), te permitirá generar alianzas más efectivas. Desarrollar tus relaciones interpersonales y mejorar tu percepción como artista (pavonearse y tener actitud de "rockstar" no te servirá de nada a este nivel) son parte fundamental de este proceso. También hay que aprender el justo equilibrio entre amistad, relaciones más personales y contactos de negocio para obtener el mejor resultado, además de nuevas oportunidades.

Conclusión

Las generaciones antes de los millenials, ven en el negocio de la música una necrosis severa que va consumiendo al mercado, transformándolo en zombie económico. Las generaciones recientes, carecieron del amparo económico que representa crear, distribuir y comercializar un producto musical.

Los tiempos invariablemente han cambiado y con tomar un bote salvavidas tampoco es una opción. Lo ideal es refrendar tus conocimientos para tomar ventaja de tu entorno. El ambiente en el negocio de la música se encuentra cambiando constantemente. 

Muchos músicos entienden por "adaptación" como "agarrarse de donde se pueda".  Nada más falso que esta percepción, porque así como cambia el entorno, el músico evoluciona constantemente, un elemento vital para el desarrollo artístico y la fuente de juventud para nuevos proyectos.

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Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum Incubadora

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¿Quién es responsable del Himno Americanista?...

El Himno Centenario del América trasciende más allá de la polémica. Nos habla de un problema de fondo que arrastramos desde los años 50's del siglo pasado. Una industria que se replica una sola vez por casi 70 años.

México tiene una percepción distorsionada de la creatividad. En el colectivo generalizado se comprende como la habilidad de sustituir, cambiar, aprovechar, descubrir otros usos y hasta saltarse pasos para llegar a un mismo resultado. A estas acciones me gustaría llamarlas "creatividad positiva".

Pero también existe lo contrario, una creatividad que toma el camino fácil, basado en la situación de ventaja, el "nadie se va a dar cuenta" o "que importa, mientras yo salga del paso". Es una realidad que se aplica en todos los campos, niveles socio económicos y entornos sociales.

Copiar o no copiar

En toda actividad artística, nada se crea ni se destruye, solamente se transforma. Para el artista de cualquier disciplina, trascender e imaginar su obra como un parte aguas en el desarrollo artístico de la humanidad, se convierte en la motivación de vida.

La realidad es que siempre encontraremos elementos de otras épocas en cada obra artística de origen contemporáneo o milenario, que atraen por naturaleza a los sentidos humanos. Es la visión del artista la que se convierte en el factor diferenciador, relacionándolo a una época, técnica, cosmovisión y dirección de su obra.

Es una realidad que en México se ha cedido gran parte del trabajo creativo a la replicación desde inicios de los años 60's a la fecha. Musicalmente, hemos copiado en todo lo posible las fórmulas americanas, algunas europeas y desarrollado muy poco una visión más original.

La carencia educativa hacia la enseñanza de las artes, no ha permitido generar un criterio propio a cada mexicano para evaluar y reconocer las diferencias creativas entre las corrientes "clásicas", el folckor y la música popular.

Al contrastar la construcción musical del Himno Centenario Americanista y el Himno Sevillano, es claro que se tomó de referencia para ello. Más allá del reclamo y descarga popular contra el grupo musical "Matute" (grupo cuyo repertorio se centra en covers de los 80's), es importante reconocer hechos importantes que se deben tomar en cuenta para comprender la realidad de la industria musical en México.

Hacerse de la vista gorda...

La directiva americanista entregó un comunicado de prensa afirmando "desconocer" el origen de su Himno Centenario, sin aceptar que existe un tema de cercanía creativa en la construcción musical del mismo.

Para mi, existen 2 partes involucradas que permitieron sucediera la polémica: los responsables institucionales y los responsables creativos.

Por el lado institucional, la Directiva y su cuerpo de manejo institucional, hicieron una gran "omisión", porque no se puede dejar de vigilar un proceso tan delicado como tentar una demanda por derechos de autor en su proceso de identidad a 100 años de su fundación.

El departamento de Marketing se convierte en cómplice al no verificar el origen de la propuesta o en su caso también lo implica en aceptarla. Haya sido bajo presión institucional o corporativa, queda en sus manos aceptar llevar a cabo el proyecto.

Con respecto al lado creativo, el productor musical del tema podría haber descartado el proyecto al encontrar una similitud clara con el himno sevillano, el manager debió haber prevenido al responsable de la banda en cuanto a la exposición que podría significar y evitar caer en la tentación de colocarse en un escalón tan peligroso como este. 

Queda pendiente investigar si del lado creativo, la producción del Himno Centenario se llevó a cabo por órdenes directas de la disquera, la agencia de marketing, la directiva o los contratos con Televisa.

Un país sin memoria... de corto plazo

Trasciende el problema en los medios y se vuelve un polvorín interminable. Hace unos días, las redes sociales se volcaron sobre "Lady Plagio", una artista mexicana que realizó las ilustraciones para el lanzamiento de "Gears of Wars 4" en México. Se evidenció claramente que utilizó la visión de un artista español para generar su versión. XBOX México retiró inmediatamente toda la publicidad y cambió los empaques especiales diseñados para territorio mexicano, especificando que desconocía el origen creativo de la ilustración. 

Aunque no lo menciona, retirar la mercancía y promocionales de las tiendas, es un reflejo claro para evitar ser demandado por autoría intelectual sin retribución y licencia de los mismos.

Conclusión

Ambos hechos califican para probar que en México no existe una cultura sobre el respeto de la propiedad intelectual. Aunque existen peritajes sobre temas de autoría, es muy probable que se asiente una cercanía creativa entre ambos Himnos. No es coincidencia que el Club América haya decidido no volverlo a utilizar.

INDAUTOR (Instituto Nacional de Derechos de Autor) es un mero observador de la situación y no se ha pronunciado al respecto, como en otras circunstancias contempladas en la Ley Federal de Derechos de Autor, puesto que no organiza campañas a nivel nacional sobre la importancia del respeto al origen creativo.

Tampoco incide en sentar estas bases en los programas de estudio en primaria, secundaria, preparatoria y universidad. El caso de la Tesis de Peña Nieto es posible como muchos otros a distintos niveles. Trabajos académicos clonados, investigaciones con datos falsos, obras de teatro robadas, colecciones en museos certificados como auténticos siendo algunas piezas falsas y la lista sigue.

Siempre se ha culpado a la piratería como un cáncer que acaba con la industria, pero se trata de la distribución y comercialización ilegal de un proceso creativo registrado ante INDAUTOR e IMPI.

¿Qué hay entonces de los procesos creativos que son dejados pasar como meras "coincidencias" respaldadas como visiones legales? ¿Dónde está la mano de la Sociedad de Autores y Compositores de México, en cuyos videos promocionales se autonombran como los "únicos" autorizados para cobrar las regalías musicales y que debieron señalar la posibilidad de infracción autoral al Himno Americanista?...

En la industria musical "oficial" hay invariable cantidad de posibilidades... Una industria que permite este tipo de "omisiones" no debe ser renovada... sino sustituída.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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origen de la imagen: http://www.vanguardia.com.mx/articulo/asi-como-el-himno-del-america-otros-plagios-deportivos

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