Música Cimática: Usando el sonido para crear arte

Viernes de video. La Cimática musical, es una técnica utilizada por los artistas plásticos para crear de forma instantánea. Este arte es grabado en video o producido como un performance contínuo.

Los materiales utilizados van desde la arena de colores, líquidos translúcidos o todo aquel que sea capaz de vibrar.

Veremos algunos tipos de reacción por uno de sus máximos exponentes, John Telfer.

Postearemos los temas del Blog de Ad Libitum para este mes venidero ahora con invitados.

Un saludo y nos vemos el lunes.

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Pre-Produciendo: Cómo hacer viable un proyecto

Sin importar el producto que vayas a crear, olvidar la pre-producción es un paso que no debes descartar.

En esta etapa podrás evaluar el costo económico, de trabajo, dificultades y requerimientos técnicos necesarios para desarrollarlo óptimamente.

Ningún bit o centímetro de cinta debe ser grabado hasta realizar esta etapa. Aquí no vamos a evaluar si el proyecto va a vender o no. Eso ocurre en la etapa de mercadeo. Aquí estamos presentando una idea factible de producirse.

Si es factible producirlo, entonces se evalúa su venta y si concuerdan, hay más que razones creativas para realizarlo.


Plasmando la idea creativa

Toma lápiz y papel. De preferencia no utilices computadora, tangibilizar una idea tiene que ver con plasmar directamente tu obra desde el cerebro hasta la punta de tus dedos.

Seguramente tienes 3 o más ideas que quieres aportar para tu proyecto. Por ejemplo, puede ser que desees crear un disco de blues con saxofón, uno totalmente acústico o una fusión con rock.

Utiliza una hoja de papel por cada idea.

Escribe los siguientes tópicos en cada hoja:

Objetivo: Para qué vas a hacer este proyecto. Puede ser que quieras armar un disco con covers de Iron Maiden para un grupo de amigos. O proyectar tus ideas de arte sonoro que realizas con palillos chinos. Es la base para comprender porqué estás motivado a hacerlo.

Requerimientos humanos : Quienes o quién deberá estar en la realización de este trabajo. Hazte preguntas como ¿tiene tiempo suficiente, deberé pagarle para que participe, será gratuita su participación, para qué es bueno, para qué NO es bueno?.  Si consideras indispensable su participación, anótalo en esta lista.

Requerimientos materiales: Si eres un blusero urbano, tal vez pensarás que puedes grabar tu guitarra acústica con la que viajas en el metro. Sin embargo, tu instrumento no puede ser adecuado para realizar una grabación adecuada. Antes de pensar en el estudio, debes conocer la finalidad de tu proyecto. Tal vez consideres que tu guitarra sirve para un demo, pero podrías estar perdiendo una oportunidad clave si el mismo llega a un productor interesado.

Tiempo de producción: Grabar un instrumento o voz en el estudio puede tomar horas. Aún así, en promedio un músico ejecuta correctamente entre 3 y 4 horas por vez. Si vas a grabar varios instrumentos requerirás dependiendo de la habilidad de tus interpretes y calidad musical entre 8 y 10 horas por miembro. Tal vez prefieras la configuración donde todos toquen al mismo tiempo. Abarata los costos y agiliza la producción. Pero no deberías intentarlo si no conoces bien los temas o has ensayado lo suficiente. 2 semanas de ensayo son nada en una hora de estudio de grabación.

Por cada 5 horas de ensayo promedio por tema pueden no ser suficientes. Recuerda que grabarás entre 5 y 10 temas si decides hacer un disco completo. Si no dispones de ese tiempo, graba 2 o 3 temas completos, bien producidos  y ensayados.

Costo de producción: Cuanto va a costar la grabación. Puedes obtener un promedio tomando de referencia varios costos.  Date una idea de lo que va a costarte grabar y mezclar un tema. Si optas por hacerlo en casa puede funcionar. Pero no esperes que entre a la radio con el sonido que puedes obtener en tu cuarto y 2 micrófonos económicos.

Tipo de distribución: CD, KCT o MP3. Cómo vas a vender o distribuir tu producto de audio, define el incremento de costos, personal y materiales. Ahorrarte el CD lo más posible es una opción, pero usar los CDs de sobrecito del Walmart no dan una buena imagen a tu producto. piensa esto también.



Conclusión

Pre- producir va a decirte exactamente lo que tienes entre las manos y si puedes costearlo. Un hitazo o programa de éxito puede hacerse con poco dinero, pero saber cuánto es poco es la clave para que el proyecto se vuelva viable. También te dirá si puedes realizarlo solo o con apoyo financiero.

También debes integrar el tiempo que te llevará pre-producirlo, es decir, tiempo de arreglos, comida, papel, impresión de hojas y todo lo que vayas a necesitar.

Inclusive quien podría patrocinarlo para realizarlo. Es la base de un proyecto de cooperación y desarrollo comercial en pequeña escala.

Si quieres hacerlo a corto plazo, deberás elegir aquel que cueste menos y sea más sencillo de realizar. Si te gusta más el más caro, debes interpretar que llevará más tiempo realizarlo y juntar los recursos. Valdrá la pena aceptar ese odioso trabajo en la ferretería si la meta es tangible. O valdrá mucho más la pena buscar al inversionista por año y medio para obtener un mejor resultado.

Tu plan de trabajo es la vía sobre la que correrás tu locomotora (producción). De tí depende que se estanque o se quede sin rieles en un puente a 19 metros del suelo, tenga un túnel bloqueado o se le acabe el diesel antes de llegar a su destino

Una última cosa. Para cada proyecto evalúa una opción B. Si un guitarrista no podrá participar, quien podría substituirlo. Si una guitarra es cara, que otra opción podrías tener para obtener un resultado más cercano. La habilidad del productor es anticiparse a las crisis, no vivirlas e imaginar como resolverlas.

Nos vemos mañana con el tema del podcast "Ética en la audio producción". Un saludo

Rafael Mendoza hace Pre-Producción en Ad Libitum Estudio

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Viernes de video: Cómo se fabrica un Disco Compacto

Se dice que el CD está a punto de desaparecer, sin embargo, su maquilado no ha reportado bajas sensibles por necesidad directa del medio.

Es decir, se producen menos CD's por falta de proyectos terminados que por demanda directa.

Somos uno de los países con mayor requerimiento de maquilado en CD por una razón específica.
Sustentamos nuestro dinero en un medio físico. Le damos valor al objeto.

La cultura del MP3 todavía no desarraiga del todo al  CD. Es importante conocer el proceso por el cual se desarrolla un CD maquilado

En el viernes de video veremos una cápsula sobre la fabricación de este soporte que sigue gozando de popularidad en todos los ámbitos.

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Una Reforma Educativa En Audio Producción

Antes que nada  pido una disculpa por ausentarme uno días  de este blog, tuvimos un proyecto que nos absorbió el tiempo pero ya estamos de regreso  y con muchas ganas de escribir para ustedes.

Ok  al atajo, esta vez quiero hablarles de algo que afecta directamente al gremio de ingenieros en audio, indirectamente a la calidad de producción.

Evidentemente el mundo en el que vivimos está  generando un  flujo de ideas y de medios, en los cuales la información sonora es  cada día  más importante. De esta manera, la  necesidad de formar  especialistas en  el manejo del sonido creando productos para este mundo multimedia se ha vuelto una necesidad. 

Profesionalizar el audio en nuestro país se ha vuelto una simple forma de comercializar y vender operadores de diferente software.

Muchas  de las universidades que imparten la carrera de comunicación o diseño gráfico en los últimos años se  han dado a la tarea de capacitar a los jóvenes en la operación de equipo de audio,  la calidad de la educación de  estas universidades dista mucho de ser la mejor para  realizar  la actividad de un ingeniero en audio. Desgraciadamente estas escuelas tiene  la ventaja de ser legitimadas  gracias a la certificación de estos programas.

El problema realmente es que no existe una educación formal de ingeniería en audio y muchos de nosotros  que buscamos las alternativas   de educación, nos vimos envueltos en un sistema en el que nuestro estudios no fueron reconocidos y legalizados, por esta razón  muchas plazas han sido ocupadas por licenciados en comunicación. Como un ejemplo, en lo personal me abrió más puertas el título de licenciado que mi diploma de  ingeniería en audio.

El gran problema de esto es que la calidad de los  productos se  ve  mermada porque el nivel de conocimientos de audio que se imparten en estas universidades es mínimo. La mayoría de los que se encargan del proceso   carecen de recursos tanto técnicos como teóricos para  establecer estándares de calidad más altos, e inclusive  solo ven el proceso de edición o grabación de audio como un escalón para llegar a donde está su objetivo real.

¿Qué podemos hacer para solucionar este círculo vicioso, que nos afecta  no solo en los puestos de trabajo, sino también  en el respeto al mismo, en el ser  sub-valorados?

Primero: el gremio necesita unión evidentemente vivimos en una constante competencia  entre nosotros y en ocasiones de manera desleal, por esta razón nosotros mismo somos el primer enemigo  y el primer detractor de nuestro trabajo.

Si estamos unidos podremos formar un gremio en el cual se generen de manera teoría, practica  estándares de producción podremos exigir que nuestro trabajo sea reconocido y sobretodo que se le dé el valor que de verdad tiene.

Segundo: necesitamos dejar el egoísmo  y creer que nuestra caja de secretos profesionales, nos da una ventaja competitiva, creo que lo mejor es justamente documentar esos secretos en forma de tutoriales, manuales, artículos, y cualquier otro tipo de material pedagógico para impulsar la educación, cultura y arte  de  la audio producción.

Evidentemente generar instrumentos que permitan la educación en nuestra área, nos legitimara como expertos en la materia, obligándonos a nosotros a la mejora continua y logrando así un reconocimiento por parte de instituciones académicas.

Tercero: creo que sería importante volvernos vigilantes de las ofertas educativas que se tienen en el mercado, que van desde cursos especializados en software, diplomados, conferencias y programas   que oferten  algún tipo de capacitación en audio.

Con esto no busco generar una pelea entre instituciones y el gremio, simplemente un acuerdo que permita a nosotros trabajar conjuntamente con ellos para el mejoramiento de sus programas y la capacitación de los alumnos.

Se ganará al fomentar líneas y éticas de trabajo  desde adentro de las escuelas y universidades, creo que nuestra experiencia es fundamental para que las nuevas generaciones  puedan usar de la mejor manera los avances tecnológicos pero siempre fundamentados en la  calidad educativa.

 El gremio de ingenieros de audio debe de ser consiente que los esfuerzos individuales,  pueden generar más inestabilidad en el mercado  un esfuerzo  conjunto  ayudara a  ser  valorados por los clientes,  por los patrones, por la sociedad en general y sobre todo por los mismo compañeros.

 Me despido de ustedes dejándoles abierta la puerta al debate de ideas y tratando de buscar las soluciones  a esta problemática educativa. 

Raúl Beltrán, realiza diseño de producción y sonido en Ad Libitum Estudio

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10 actos irresponsables del Ingeniero en Audio

Esta caricatura de Mafalda inspiró el tema de hoy. Hasta ahora hemos platicado con respecto a los factores que alteran el entorno de audio producción.

Pero también ha llegado la hora de escribir sobre los 10 actos más irresponsables de un Ingeniero en audio.

No se preocupen, hay muchos involucrados en el proceso de audio producción. Pero el buen juez por su casa empieza. Así que después podremos tener oportunidad de analizar a los demás involucrados.


1.- Hacer un lado la teoría: El ingeniero en audio que se separa de sus bases teóricas y fundamentos de audio, está condenado a repetir sus errores una y otra vez. El argumento de "eso ya lo sé" se vuelve en la excusa perfecta para no admitir, que no pudimos digerir todo en la época de escuela. Releer sus apuntes, leer libros, revisar los manuales una y otra vez nos permitirá entender mejor la materia prima y elementos con que trabajamos.

2.- Conectarse ilegalmente a los postes de luz: Dejemos a un lado el argumento político de que la luz es  derecho del pueblo. Ponerse o poner a otros en riesgo por una mala instalación "hechiza" es una falta que no podemos dejar pasar por alto. Los argumentos "pues no hay de otra", "el cliente me dijo", "hay que hacer la chamba", se convertirán en el epitafio de nuestros huesos quemados y carne frita cuando dejemos a nuestra familia en total soledad.

3.- Aceptar trabajo en áreas donde no es experto: Este problema es uno de los más comunes y que más daño hacen al trabajo entre colegas. Todos tenemos experiencia en varios campos. El hecho que podamos hacer un trabajo de edición en radio, no nos hace expertos en radio. Existe la corriente del "todólogo". Este personaje es un experto en todo y nada a la vez. Su especialidad queda  abandonada por trabajos más "redituables". Si fueras un experto en algo, sólo te buscarían para eso, tendrías mejores formas de cobrar y sin tanto estrés.

4.- Utilizar la experiencia como forma de humillación: Conocer sobre un tema no nos hace dioses. Ser intolerante con el cliente o la gente que trabaja junto a nosotros, simplemente habla de nuestra incapacidad para ser estables en la auto estima. Podremos ser el mejor ingeniero del Estado o país, pero trabajamos con seres humanos que están haciendo un trabajo que no nos corresponde, para que podamos hacer libremente el nuestro.  Es una simbiosis, es natural y real.

5.- Criticar sin fundamento el trabajo ajeno: Competir hablando mal de los demás estudios, ingenieros o proyectos, es otra desafortunada práctica común. Tiene que ver con el punto 3. A veces criticamos sin conocer el trabajo que representa realizar un proyecto específico. La comparación y resultados saltan a la vista cuando el cliente está satisfecho y agradece nuestro trabajo. Responder por nuestro trabajo es nuestra responsabilidad.

6.- Acomodarse un proyecto a su antojo: Cuando nos ofrecen un proyecto de reggaetón y lo tomamos siendo expertos en  rock, tenemos un problema de estabilidad económica. Peor es cuando el cliente nos visita para remezclar un material y no tenemos una idea del estilo como puede ser la tierra caliente o duranguense. Dinero, dinero, dinero... Sólo estamos aquí por dinero. Pero obligar al artista a "mejorar" su producto puede convertirse en frustración y dañará tu imagen como productor, si es que puedes nombrarte de esa manera

7.- Abusar del volumen en un evento musical: Eres ingeniero, sabes el daño que produce al oído. Eres el experto en obtener un mejor sonido sin que lastimes al público. Pero permitir que el dueño de la empresa de sonorización o grupo musical juzgue tu trabajo basado en volumen, es irresponsable para tiy el gremio. Es cierto que se puede obtener un sonido adecuado con unas cuantas cosas, pero no hacemos milagros.

8.- Desconocer las legalidades y límites de nuestro trabajo: Somos interdisciplinarios, trabajamos constantemente con diversas áreas, especialistas y campos. Desconocer los límites de nuestras acciones como colgarnos del poste, o ser responsables de un sistema de sonorización sin aterrizar son el mejor argumento para decirle a nuestros superiores y clientes que necesitamos un espacio y marco legal en el cual movernos. También sirve para evitar los constantes abusos y establecemos puntos de mejora laboral para todo el gremio. Hay que leer las leyes de nuestros respectivos países, los órganos laborales y asesorarnos en conjunto.

9.- Desconocer nuestra realidad cultural y social: No es posible cambiar el entorno de nuestra industria sino comprendemos el país donde estamos parados. No podemos defender una bandera si no conocemos las otras naciones. Desafortunadamente vivimos en un país carente de educación de buen nivel. Esto nos hace difícil el trabajo porque nuestra opinión no vale como quisiéramos. Pero brincar la barda y decir que sabemos la neta por encima de los demás, nos habla de una evolución en los prejuicios pero no en el juicio. Es muy diferente.

10.- No experimentar con las herramientas disponibles: Saber que tienes una mixer Yamaha te da más seguridad que usar una Peavey. Puedes encontrar resultados diferentes y fuera del estándar si aplicas todas y cada uno de los correctivos a los 9 puntos anteriores. El factor humano es el de más peso. Sabrás que no obtendrás un sonido Midas con una mixer Phonic. pero puedes usarlo a tu favor sin quejarte.


Estos 10 puntos son tarea que debemos poner en práctica diariamente. No podemos intentar cambiar nuestra industria o aceptar los nuevos cambios, si seguimos enganchados a las mismas mañas de siempre.

Este post es una autocrítica de la cual no me excluyo, pero son cosas que pretendo hacer todos los días. Les puedo decir que es abordable rechazar un proyecto cuando sé que no tengo la experiencia necesaria. Cuando me llaman de nuevo es siempre para hacer lo que mejor sé hacer (o eso parece).

Editar es una de las tareas que mejor realizo y disfruto porque es una proceso esencial antes de la mezcla. He conseguido cambiar una letra "a" por una "o", algunas consonantes y producir sonidos complejos sin aplicar efectos antes de la mix.

Las limitaciones como personas, nos limitan profesionalmente. Mejoremos nuestros criterios para que podamos avanzar a las nuevas realidades.

Los espero mañana con el nuevo programa de Control Room.

Rafael Mendoza edita a fondo en Ad Libitum Estudio

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Scoring (composición) de La Pasión de Cristo... (subtítulos en español)

Buen viernes, en el video de hoy me gustaría mostrarles un trabajo que a mi parecer es un excelente trabajo musical pero con un grado de dificultad diferente.

Para la película The Passion Of The Christ (2004), Mel Gibson explotó la idea original de realizarla enteramente en arameo, lenguaje utilizado en aquellos años por los primeros cristianos.

Esto puso en aprietos al compositor John Debney, puesto que no había un parámetro similar al combinar música occidental con un tema tradicional. Aunque pudo ayudarle la visión moderna de la religión, no deja de ser un reto componer sobre una historia tan conocida y hablada en otra lengua.

El video nos muestra esta perspectiva de fondo y como se realizó la selección de temas.

El resultado es uno de los mejores sountracks de la historia que invito comprar y tener en su audioteca personal como una joya de la audio producción para cine.

Los dejo con el video. Si quieren ver el trabajo en acción, vuelvan a ver la película y pongamos atención al trabajo de Debney y el director Nick Ingman. Si pueden hacerlo con audífonos, encontrarán sonidos clave. Usen el DVD, la compresión en línea, rompe con muchos conceptos del material.

Si tienen un Home Theater... vivan la experiencia.

Un saludo y nos vemos el lunes...

Rafael Mendoza edita, post produce y disfruta de Soundtracks en Ad Libitum Estudio

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Microfoneo vocal: Tips para grabar mejores voces en el home studio

Uno de los problemas comunes en las producciones caseras es definitivamente la forma incorrecta de captar la voz. Mientras algunos estilos son muy específicos, si hay puntos de referencia para obtener una mejor calidad vocal.

Una regla de oro sería que el cantante sepa usar mejor la herramienta. Se le deja al ingeniero la toma de decisiones o al productor, sin embargo, bajo ciertas circunstancias, estos consejos pueden ayudar al cantante, locutor o actor de doblaje para hacerlo correctamente en un estudio personal.


Consideraciones importantes

Hay elementos que preceden a la grabación que son inalterables. Es decir, no se pueden modificar a profundidad con software o aplicar plugins "milagro". (Buen tema para otro post).

• La voz tiene un timbre específico. No todas las personas pueden tener la voz grave para anunciar una estación de radio. 
• Engolar la voz es engañarse uno mismo, que ni la mejor ecualización o procesamiento pueden simular. Contrata a un locutor profesional o cambia el enfoque si tu voz es propia para un consultorio dental.
• Un micrófono caro no es el mejor micrófono para grabar. Es posible conocer el color y calidez del sonido en un micro, sin embargo, puede ser que aquel micrófono karaoke te de un mejor resultado para el tipo de grabación que necesitas.
• Mantener el micrófono libre de vibraciones del suelo y lejos de situaciones ruidosas. Es posible filtrar algunos de estos problemas en la mix, sin embargo podría afectar a frecuencias graves deseables y presentes en una voz.
• El pop filter es para eliminar ruidos naturales de la voz en cierto límite. Una voz entrenada reduce considerablemente estos ruidos de forma natural. Aprende a escuchar donde tienes más problemas y aplica ejercicios en ello
• La distancia al micrófono está controlada por el ingeniero en audio, sin embargo, un buen cantante, locutor o actor, conoce mejor la distancia en donde puede escuchar mejor su voz. Practica con audífonos el punto donde sientas más cómodo y natural tu sonido.
• El seseo (pronunciación contínua de la letra "s") debe evitarse en el guión, la letra o texto a leer. Aplicar un deeser puede ser la solución en post, pero lo mejor es modificarlo antes de grabarlo.

Técnica básica de microfoneo para la voz

A) Colocar el micrófono frente a los labios del cantante, locutor o actor, usando de referencia "una mano de distancia", entre sus labios y la cápsula del micrófono. 
Pìdele que cante el verso, lea o interprete la parte más intensa. Escucha con atención si hay popeo (generación de ruido producido por las letras p,t,b,q) o respiración audible.

B) Si existen estos problemas, ponlo a 2 manos de distancia. Ajusta la ganancia de entrada y pídele que lea el mismo pasaje.  Escucha los posibles ruidos y verifica que se hayan minimizado.

C) Mueve al cantante, locutor o actor a su posición de una mano de distancia. Puedes intentar ahora con la mano extendida para mejorar el nivel de respiración. Ahora eleva la cápsula del micrófono hacia su nariz y que vuelva a leer su parte. Escucha si los ruidos se hacen menos evidentes o si cambia el color de la voz, si se hace más presente o menos entendible.

D) Ahora posiciona el micro frente a sus ojos y direcciona la cápsula hacia sus labios. Escucha los resultados de la misma prueba.

E) Con todos estos elementos ya habrás escuchado infinidad de tintes y colores de un mismo micrófono. Posiciónalo donde creas que te ha gustado más el sonido, cambia el patrón polar o la atenuación si es necesario.

Ahora ya puedes elegir tu sonido no sólo en una voz sino en diferentes partes del tema o interpretación cambiando la posición del micro.   Si agregas más voces, estos ligeros cambios ayudarán a crear un entorno o complementar la sonoridad. Digamos que puedes tener voces más nasales en los coros o más sutiles alejandolo de la voz. Experimenta con estos matices o las interpretaciones del artista vocal.

Graba varias tomas y conserva las que te sirvan.. al final tendrás que ir eligiendo los mejores cortes y crear combinaciones. Aunque se considera que un buen artista vocal graba a la primera, en realidad se toman muchas decisiones que pueden ayudar a mejorar la percepción artística y enfoque del autor.

Nos vemos mañana con el video de la semana, un saludo y gracias por sus comentarios sobre el último programa de Control Room.

Rafael Mendoza graba, produce y edita audio en Ad Libitum Estudio.

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¿La música es negocio? Parte I

La música como arte, es una de las posibilidades profesionales hoy en día. Ser músico implica muchas altas y bajas. Como en cualquier otro trabajo, requiere de habilidades específicas y prácticas que se desarrollan con los años.

Sin embargo, pareciera que es tan sólo un pastel de donde se puede extraer una rebanada con respecto a las demás artes.

La situación económica global, ha impulsado a desarrollar nuevas estrategias de promoción y difusión en la música. Algunos modelos en países desarrollados no requieren de vigilancia. Pero en México desafortunadamente no hemos alcanzado a comprender los diferentes espacios que requiere la música.

Escuela sin música...

La carencia de un programa educativo que incluya a la música como una disciplina indispensable e importante junto con las demás artes, genera una visión desproporcionada de los requerimientos e importancia de la música en un entorno.

Aprenderse las "Mañanitas" es tan sólo un acercamiento a la comprensión musical. He visto mejores aplicaciones de la música en nivel preescolar, donde a través de juegos y cantos, los niños aprenden las bases para comprender la aplicación de un instrumento.

Pero al llegar a la primaria, estas manifestaciones se centran en el aprendizaje de cultura popular para los eventos festivos del año. Algunos cumplen con este esquema y otros no, principalmente porque las capacidades de las escuelas se centran en crear pequeñas representaciones corales, sin uso de partituras, instrumentos básicos de percusión o conocimientos básicos de música.

En la secundaria, la música pasa a ser parte del joven en instrumentos como la flauta o la guitarra, sin embargo el número limitado de horas clase no consigue insertar las bases adecuadas para quien ya debería estar practicando un instrumento formalmente.

El abaratamiento de la música online

Que una canción pueda valer 1 dólar en internet, no significa que cueste 1 dólar crearlo. Actualmente, la red es la fuente por excelencia para la búsqueda de opciones musicales. Pero pagar en países como México no es una opción, sobre todo cuando las propuestas a pesar de estar bien producidas, se insertan como éxitos de un tema en canales como Telehit o MTV de forma contínua.

La piratería afecta principalmente al artista masivo, desilusionando al músico para generar sus propios productos.

La mayoría de producciones independientes compite ultimamente basados en éxitos comerciales "covers", que les permiten "garantizar" a las disqueras, la venta de estos productos y recuperar de alguna forma su inversión.

A largo plazo las disqueras fracasan porque no proponen y tampoco se manejan en una línea que desarrolle nuevos productos en un mercado monopolizado.


Conclusión

Este tema es muy extenso y habremos de abordarlo poco a poco, hasta aquí, baste decir que de origen, el problema es relativo a la educación deficiente sobre la música en las escuelas. Pocas escuelas privadas cuentan con un parámetro y forma de trabajo adecuado para estos menesteres, sin embargo no se impulsan más allá porque se minimizan ante la carga comercial que los medios imprimen en los alumnos.

Es así que considerar a la música como un pastel del que podemos compartir, es una ilusión que requiere de una solución en la que todos, tanto la industria musical, productores, creadores de instrumentos, disqueras, sellos y músicos, debemos participar para concretar al arte de la música como el negocio que permita avanzar y no estancado en las ganancias de las que participa actualmente.

Rafael Mendoza produce,graba y mezcla música en Ad Libitum Estudio

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Holofonía: El arte de recrear sonido en 3D

Buena tarde viernes de video, en este caso pondremos a consideración el caso de la Holofonía.

En 1980 Hugo Zucarelli desarrolló la técnica de espacialización sonora. Es similar a la holografía pero aplicada a sonido.

"Ringo" fue el primer prototipo de sonido artificial, por su parecido al boxeador Oscar Ringo Bonavena.

La holofonía es el único sistema con percepción 3D que puede escucharse en mono, puesto que su fase no se anula aún cuando se invierte la polaridad de un canal.

No confundir con el Qsound. que es un sistema por cancelación diafónica.

Les dejo este video demo, les sugiero utilicen audífonos y cierren los ojos para dejar a sus oídos hacer el trabajo correcto.

Un saludo y nos vemos el viernes.

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10 consejos para escribir mejores letras...

En nuestros días todos se quejan de los extremos líricos. Algunos hablan de la "vulgaridad" del Reggaetón y Hip Hop, los narco corridos o los excesos líricos de Arjona.

Entonces, ¿cuáles son las bases para escribir una buena letra?. Aunque no existe un parámetro real de este asunto, si hay puntos de arranque para que puedas crear mejores conceptos.


1.- Utiliza un tema: Crear un entorno donde pueda vivir tu historia es fundamental. "La puerta negra" nos ubica afuera de un zaguán añorando al amor querido. "Strawberry Fields" es otro ejemplo de como un entorno puede ayudar a tu canción.

2.- Salir de la rima perfecta: Que todo rime puede interpretarse como carencia gramatical y emocional. Mezclar palabras como Mezcal con huacal, o amor con calor está por demás en ciertas circunstancias... intenta ir más alla... "Quebranto del corazón... La razón se desquicia".

3.- Dale un contexto más interesante: A todos nos han partido el corazón en pedazos, pero esos pedazos caen en lugares diferentes, la sala, un parque, el puesto de tacos (memorable). Utiliza estas experiencias personales para recrear mejor la experiencia que deseas imprimir a tus temas.

4.- Coloca rimas en lugares innusuales: Esto le da variedad a la letra. " El dragón que domina..calcina.. llevemos esperanza más allá".. ¿La encontraste?.

5.- Cambia los esquemas de la rima: Un ejemplo podría ser "Allá en la fuente, había un conejo.. que daba vueltas... Y se mareó"... Sencillo, simple y abrupto para lo que puede seguir. (Seguro ya tienes uno en mente)

6.- Poner la énfasis en la palabra correcta: Hay un tema de un grupo que grabé que utiliza correctamente esta técnica y sin querer les salió.. "TE des-NU-da-RÈ... LEN-ta-MEN-te"... ahora imagínala así: "te- DES-nu DA-ré... len-TA-men-TE ".. ¿Cuál te llegó más?

7.- Escribe tus coros más genéricos que tus versos: A menos que se trate de una obra dentro del género de la trova y no es una regla de oro, en algunos casos puede ayudarte a cambiar de escenario principal.

8.- Sé crítico y evita los clichés: Estoy seguro que aunque te guste la frase " La amo como a nadie en el mundo", existen muchas formas de escribir esto mismo. Puedes cambiar también una sola palabra y reordenarlas para darles un sentido más profundo.

9.- Escribe varias veces sobre la misma sección: Tal vez la primera versión llena tus expectativas, repasala y reescribe varias veces.. tal vez la 6ta tengas una mejor idea para el coro o la última frase.

10.- No tengas miedo de usar herramientas de apoyo: Un diccionario, un libro de poemas, frases favoritas, novelas, frases publicitarias. Todo sirve y se vale en el momento de la escritura. Dale un sentido propio, piensa en los derechos de autor.

Espero estas sugerencias te ayuden a sacar ese "bloqueo" que sentimos por momentos. La mayoría de las veces, simplemente ayudan a proyectar mejor la idea. Nunca sabes si tu tema podrá ser un hit... pero si puedes hacer que cuando alguien la escuche, entienda perfectamente lo que quieres decir.

Rafael Mendoza produce, edita, graba y escribe en Ad Libitum Estudio

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