Tidal: Las 5 razones clave de su futuro incierto...

Los problemas en Tidal no dejan de terminar. Todavía ayer, la prensa estaba agolpada en los estudios de Jay-Z para obtener una respuesta sobre la reciente demanda por parte del artista Emanuele, que solicita el pago por 17.7 millones de dólares en regalías.

En octubre del año pasado, Tidal había perdido a su primer director de operaciones y hace una semana perdió a su reemplazo Chris Hart.

La plataforma había funcionado para Kanye West y Rihanna, quienes lanzaron sus últimas 2 producciones en exclusiva para Tidal.

En menos de un año, salieron 2 CEOs (Peter Tonstad y Andy Chen, su jefe de inversiones Vania Schlogel, el Director de Marketing y Ventas en USA (David Soloman) y su Jefe de Relaciones Públicas con Sellos y Artistas (Zena Burns).

Con una demanda encima, se espera que en los próximos días más artistas se sumen al colapso de Tidal. ¿Qué puntos clave la han dejado con un futuro incierto?

1.- Un mercado Hi-Fi poco rentable: Nadie mejor que Spotify, sabe que para conseguir la rentabilidad en el modelo streaming debes ser altamente masivo. Los suscriptores de Tidal no rebasan más de 2.5 millones de usuarios posteriores al lanzamiento del nuevo álbum de Kayne West. Apple Music tiene 11 millones y Spotify 27 millones. El costo de Tidal es dos veces más caro que la propuesta de Spotify con una plantilla limitada de artistas.

2.- Dependencia total de las Majors: Desde un inicio, advertimos que el modelo no funcionaría simplemente porque dependerían directamente de las negociaciones con las Majors, puesto que toda su cartera de artistas (Jay-Z, Beyonce, Rihanna, Madonna, Deadmau5, Daft Punk, entre otros) mantenían sus relaciones directas a las majors. Simplemente era un sistema de reventa a costos más elevados.

3.- Constantes despidos en su organización: En menos de un año, Tidal ha despedido a 25 personas clave en su estructura, entre ellos dos CEOs. Cuando una empresa tiene tantas fallas a nivel de organización significa que se levantó de forma acelerada y con rapidez, sin definir realmente las expectativas reales del negocio. Estas empresas no generan confianza en inversionistas, medios y principalmente usuarios.

4.- Ser famoso no significa empresario exitoso: Si Tidal quiebra, será una dolorosa experiencia para Jay-Z. No es la primera vez que se plantean sus estrategias de comercialización, organización y proyección de su plataforma. Era un acérrimo crítico de la plataforma Beat de Dr. Dre. La diferencia entre ellos dos es que Beat fue comprada por Apple y transformada en Apple Music, mientras Jay-Z invirtió 54 millones de dólares para formar Tidal y hoy tiene una demanda por 17.7 millones por un artista.

5.-Experiencia de Usuario: Han sido múltiples las críticas de los usuarios ante la calidad y posibilidades del sistema Tidal. La mayoría de los encuestados ha precisado que tiene la sensación de manejar una plataforma pirata de Spotify. Los tiempos de carga y la indisponibilidad del material accesible en otras plataformas han creado la idea de que Tidal no cumple sus planes de expansión. La mayoría no justifica tampoco su oferta en "mejor calidad de Streaming", debido a que los componentes en que se escucha la música, no tienen la resolución adecuada para justificar el pago extra por una mejor calidad.

Conclusión

Recientemente, Jay-Z fue visto en las instalaciones de Samsung. Rumores de la industria indican que Tidal podría venir incluido como aplicación de base en algunos modelos de gama media alta y alta en los próximos meses. Esta podría ser una estrategia adecuada para rescatar el modelo de Tidal, sin embargo, la demanda que apareció hace unos días podría lastimar o quebrar este nuevo acuerdo con Samsung.

Jay-Z tenía buenas intenciones con la plataforma, pero desafortunadamente está exponiendo su inversión a cambios drásticos y de comportamiento en el consumidor que le están pasando la factura a menos de un año de haber sido creado.

En lo personal creo que Tidal requiere una intervención inmediata a nivel organizacional y la primera cabeza que debería caer, es a mi parecer, la de Jay-Z.

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Viernes de video: 8bit Music Power

Todos conocemos el potencial musical de los 8 bits, más si eres fan de los videojuegos. La producción de música para videojuegos es una de las opciones más rentables hoy en día para los países desarrollados.

Riki Iwasaki nos ha dado un pretexto para desempolvar nuestra consola de 8 bits y por 35 dólares nos promete un viaje nostálgico.

Desde el clásico tema de Mario Bros (del que se han desprendido piezas sinfónicas y arreglos orquestales alrededor del mundo) hasta los intrincadas piezas musicales de juegos como Silent Hill, la música de videojuegos ha logrado abrirse camino en las listas de popularidad.

El pasado 30 de enero, el artista y diseñador de videojuegos Riki Iwasaki, liberó su proyecto 8-Bit Music Power, un conjunto de temas musicales compilados en una plataforma poco común.

Los temas fueron trabajados en la plataforma de Famicom, (en América lo conocemos como NES o Nintendo Entertainment System) y entregados en un cartucho tradicional para la consola.

A este tipo de producto se le llama Chiptune y ha generado muchas expectativas los últimos 2 años. Inclusive, se han generado propuestas a partir de disquetes 3 1/2 que se programan para reproducir secuencias en unidades floppy, generando sonidos aleatorios al estilo de pianolas modernas.

El chiste es que Riki Iwasaki lanzó 1000 piezas en Japón que se terminaron en tan sólo 3 días. Se encuentra como el tercer artículo más solicitado en la lista de espera en Amazon Japón.

Hace unos meses Riki subió a su canal de YouTube un demo del cartucho y la expectativa que generó se puede palpar en estos momentos.

Este producto nos deja una gran enseñanza.. Todavía hay mucho que se puede hacer en la industria de la música... Disfruten el video... 

¡Mil gracias por ayudarnos a acumular 25,000 visitas!

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7 pasos básicos para elegir productor...

Elegir productor para un proyecto puede ser una tarea difícil o sencilla. Algunas agencias eligen al productor basados en sus resultados anteriores, lo cual no significa que sea la elección correcta. En la medida de lo posible, debes pedir que sea una elección de concenso.

Aunque no sea así, es muy común ver artistas visitando a los productores sin las preguntas adecuadas o la visión completa de lo que están buscando. Siempre debes saber que buscas y porqué.

Aquí tienes 10 tips básicos para encontrar primero la ruta de tu proyecto para elegir a tu productor..

1.- Conoce tu presupuesto real: Contratar un productor de alto rango puede ser muy costoso y de nada servirá si no cuentas con los recursos económicos para sustentar los cambios. Muchas bandas se molestan cuando el productor les pide vender su pedalera para rentar unos más apropiados para la grabación. Este tipo de decisiones siempre generan molestia y crean conflictos. Si estás considerando un productor de alto rango, prepárate para este tipo de gastos, como la elección del estudio adecuado También deberás considerar la distribución y equipamiento necesario para recrear tu concepto en vivo.

2.- Debes ser claro en tus necesidades: El productor siempre querrá un panorama claro de lo que va a conseguir con tu material. Primero que nada, debes definir correctamente a que género pertences, en que estilo y cual es el enfoque que deseas aportar. Llegar con el clásico "es una propuesta fresca nueva y diferente a todo lo demás" es síntoma de que no sabes en donde estás parado con tu propuesta. Utiliza material de referencia, habla de tu meta a corto y mediano plazo. Un buen productor, siempre te llevará al siguiente paso inmediato... nunca más allá... ¡No son Sheng Long!

3.- Escucha la mayor cantidad de discos que ha producido: Imagínate tu disco producido de esa manera. No te quedes simplemente en dejar que pasen los tracks uno tras otro. Haz una lista de los temas que más te gustaron y específicamente las partes o instrumentos que te agradaron. El productor observa el conjunto del arreglo para saber sus posibilidades desde el demo. Dale la oportunidad de saber porqué lo has buscado.

4.- ¡Llévale un demo!: Ahora es cuando habrá valido la pena pagar por el estudio y la sesión de fin de semana. Ofrécele escuchar los 3 temas más significativos de la banda y con eso bastará para que sepa la proporción real en que puede intervenir en cuanto arreglos, producción, mezcla y conexión con la banda. No te desanimes si se niega a producir tu producto, seguramente sabe que no es la persona indicada y hasta podría recomendarte a alguien más acorde a tu proyecto.

5.- Haz muchas preguntas: Todo lo que puedas preguntar sobre el manejo de tu proyecto estará bien indicado. Si lo ves interesado, pregúntale que tipo de tratamiento basado en su discografía aplicaría a tu producto. Revisa con tu lista de discos si encajas en su mayoría con el concepto, entonces tienes un candidato fuerte. No compres nombre, sino experiencia, punto de vista y sobre todo estás eligiendo a un artesano para que te ayude a proyectar tu música.

6.- Derechos de producción: Bajo algunos criterios, los productores podrían interesarse en participar de tu proyecto. Es momento de preguntar sobre derechos de producción y aportación artística. Tal vez eleve el precio si decide cobrarte por ello, pero seguramente incluirá seguimiento previo a tu proyecto. Intervendrá en las decisiones del arreglo y hará recomendaciones sobre la técnica de los integrantes. Una cosa es cierta.. Si un productor te guía es porque se identifica con tu proyecto.. ¡Aprovéchalo!

7.- Entrevista directa o a distancia: Actualmente es posible realizar una entrevista vía virtual con el posible productor. Algunos de ellos, tendrán determinados tiempos disponibles para realizar la entrevista. Recuerda que no estás preguntando por credenciales solamente, sino por la interacción de tu material con sus habilidades. Con respecto a dineros, algunos prefieren hacer la propuesta después de la entrevista, porque hay consideraciones de renta en equipo, músicos adicionales, disponibilidad de estudio y requerimientos humanos. No pidas una cifra inmediata. Sé paciente. Si la propuesta económica se sale de tu presupuesto, podrías preguntar por algún ajuste.  Contrasta los diversos presupuestos y elige hasta el final.

Conclusión

Actualmente el productor es una figura que se le ha satanizado por sus procesos, sin embargo, la principal causa de ello es que difícilmente nos acercan a la figura real.

Muchas bandas pagan a productores importantes para realizar su proyecto y no cuentan con un plan de marketing, distribución, difusión y diseño de producción en vivo. El trabajo del productor es entregarte un producto listo para comercializarse. El éxito del proyecto recae más en las decisiones del artista y el plan que previamente se marcó.

No siempre el productor más caro es el más indicado. Pon en tu lista por lo menos 5 o 7 productores y ve tomando notas al respecto.

Al final, la experiencia de trabajo y el tiempo dedicado a la elección del productor, se verá bien reflejado en el producto final.

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5 premisas clave para dedicarse a la música..

Un amigo me preguntó recientemente si debía permitir a su hijo de 14 años dedicarse a la música y cómo podía saber si tendría la capacidad real para abordarlo. Le insistí que la dedicación a la música es como cualquier otra profesión. El "llamado" de la música se trae desde pequeño. 

La industria musical se ha vuelto particularmente complejo. En generaciones actuales y gracias a la tecnología, algunos procesos se han simplificado enormemente. Pero son simplemente herramientas.

La pregunta que realmente debería hacerse es cómo debe afrontar la preparación musical de su hijo, acompañado de la preparación sobre la industria musical que debe tener.

Ser un músico exitoso y talentoso no significa dinero cada 8 días o cada 3. Tampoco significa que exista una ganancia rentable y sobre todo que permita desarrollar otros proyectos. Algunas veces los músicos cuentan con los recursos para iniciar una extensión de su carrera, pero desconocen completamente las bases de la industria musical como para comprenderla.

Así que elaboré 5 premisas clave para el músico profesional contemporáneo

1.- Conocimiento musical teórico y conocimiento sobre la industria musical: Es un aspecto que no debe dejarse de lado actualmente. Las bases musicales y la teoría son fundamentales para generar y adaptar su condición artística a los nuevos retos de la economía global. Ambas necesidades se verán presentes en los mejores niveles de la industria y conlleva un tratamiento constante.

2.- Conocer la técnica sobre su instrumento y la técnica de la producción: Actualmente es cada vez más común encontrar a músicos que hacen su propia música y demos en plataformas software. Algunos pueden lograr cosas muy buenas basadas en prueba y error, otros hacen "funcionar" las cosas pero quedan muy aislados de las configuraciones y oportunidades que les brindan los nuevos softwares. Entender la técnica del instrumento permitirá conocer sus virtudes y limitantes para ciertos usos. De igual manera, la técnica básica en producción es irremplazable para los nuevos tiempos digitales que ya están presentes en apps de dispositivos móviles.

3.- Responsabilizarse del equilibrio personal: Algunos músicos como en cualquier otro empleo, se vuelven adictos al trabajo con el tiempo. Es importante mantener un equilibrio personal del entorno, pues las oportunidades laborales no son siempre la mejor opción. Por el contrario, existen muchos músicos que están estancados en la búsqueda del "éxito" por muchos años, afectando sus relaciones personales, sociales, económicas y con ello su futuro. Mantener el equilibrio requiere de conocimientos clave sobre la industria musical, percepción de habilidades clave y reconocimiento total de sus oportunidades financieras, que servirán para obtener las respuestas reales. Los sueños musicales son maravillosos, pero todos tienen un costo.

4.- Prepararse para el futuro comienza hoy: Pocos aspirantes a músicos comprenden que deben hacer cambios significativos y de compromiso para consigo mismos. Principalmente hablo de mantenerse sano emocional, física y psicológicamente. Esto aplica para cualquier carrera dentro y fuera de las artes, sin embargo, se marca como una particularidad de los músicos acciones como la bebida en exceso, drogas, trabajo sin remuneración, poligamia y un sinfín de bonitas particularidades. Aquí lo único que se puede hacer es realizar un acto de análisis interno honesto y personal, encontrar aquello que no ha sido resuelto del todo y antes de elegir un instrumento, atender oportunamente estas necesidades.

5.- Integrarse al mundo de la música es una transición: En la vieja escuela, ser músico implicaba ser arrancado del vínculo familiar para poder ser "entrenado" desde joven y obtener las habilidades necesarias para ser un músico genio. Pero es precisamente ese tipo de prácticas las que dejaron en su momento aislados a muchos artistas viviendo tormentosas experiencias. Actualmente los esquemas de educación musical se están flexibilizando y se deja más libre el compromiso al músico mismo.

Conclusión

Para concluir me gustaría dejar en claro que dependiendo tu circunstancia, podrías requerir mayor o menor apoyo en ciertas habilidades o necesidades. Lo que es un hecho, es que tu empeño siempre será recompensado y la comunidad musical siempre está abierta a ayudar a quien demuestra esta vocación.

Si estás en la etapa de la educación básica, lo mejor es pedir a tus padres que te acompañen a visitar los centros de actividad musical, educación y aprendizaje, para que tengas un mejor panorama.

Si tienes un empleo fijo y deseas ser músico, realiza un análisis de tus metas a nivel personal, traza un plan y ponlo en marcha con una fecha de término.

Dedicarse al bello arte de la música nunca debe significar un sacrificio, ni aceptar la carga de ignorancia social que le precede. Si estás dispuesto a seguir adelante y tomas en cuenta estas premisas, seguramente podrás sentirte más seguro de iniciar tu carrera musical. No importa si tienes 14 o 74 años, la música es un bello arte que ofrece muchas oportunidades a quien se prepara y fortalece día a día.

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Viernes de video: "Kids react to... Walkmans"

Hoy nuestro video es muy ligero, pero nos ayuda a comprender el desarrollo de la industria y particularmente para analizar los patrones de consumo generacional.

La serie Kids React expone a niños a determinados estímulos visuales o conceptos generacionales previos a niños y jóvenes entre 5 y 16 años.

En algunos episodios, han presentado consolas de videojuegos, videos y series de los 80's, además de juguetes de la generación anterior.

En este episodio en particular, se les presenta la oportunidad de manipular directamente un Walkman, antecedente importante del Discman y que derivaría en la creación del iPod de Apple.

De la misma manera en que ellos ingenuamente participan de la experiencia, vivimos una época de transición en la Industria Musical, donde las nuevas generaciones entienden mejor estos procesos y algunos todavía nos resistimos al cambio.

Les dejo el link para este episodio en particular y los invito a mirar también la serie "Grandpa's React to.." 

No olviden checar que los subtítulos en español estén activados

Un saludo y nos vemos el lunes.

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¿Existe el racismo en la industria musical?

Hoy tocaremos un tema bastante delicado. Lo es principalmente porque aborda una perspectiva de identidad y emoción que influye en diversos estratos sociales alrededor del mundo. Existen otras problemáticas en la industria, como el sexismo (tema que merece artículo aparte), elitismo y discriminación a géneros más propositivos a nivel neutral.

Mi intención de este artículo, no es crear una polémica desinformada, por lo que les pido me ayuden escribiendo sus comentarios de una manera respetuosa y constructiva.

Hace unos días, las redes sociales hicieron retumbar un tema muy poco hablado en la industria. Un incidente ocurrido en el Festival Dimebash, protagonizado por Phil Anselmo, cantante de la desaparecida banda Pantera, volcó una serie de reproches y respuestas viralizadas en internet.

En un video subido por el usuario de You Tube "Chris R" titulado "Phil Anselmo is a Racist! Ruins Dimebash 2016" (¡Phil Anselmo es un Racista! Arruina el Dimebash 2016), se muestra la actitud del cantante en la despedida final mientras grita al público ¡Poder blanco! (White power!). Al mismo tiempo, imita el saludo nazi alemán.

La actitud de Phil Anselmo es tan sólo una expresión particular y que se limita al cantante como proyección personal. Sin embargo, revela una actitud como síntoma de una disfunción social de trayectoria muy arraigada en Estados Unidos.  

Donald Trump ha explotado esta misma disfunción de forma política. Lo difícil es aceptar que está funcionando, puesto que sus resultados electorales son reveladores. 

Pero más que un ataque a las actitudes de Phil Anselmo, sobresale la pregunta obligada: ¿Existe el racismo en la industria musical?

Orígenes

Como es bien sabido, los orígenes de la industria musical inician a fines del siglo XIX. No fue necesario que el fonógrafo llegara. Ya en 1880 existían en Estados Unidos, partituras musicales con el término "Coon", palabra derivada de mapache (racoon). 

Los shows de ministros, fueron la primer forma de teatro musical en el siglo XIX. Durante estas presentaciones, los actores de origen caucásico se pintaban el rostro de color negro, para representar el sufrimiento de los esclavos en las fincas. A estos personajes se les denominaba "Coons" porque aunque su rostro tenía un "antifaz" negro, mantenían su raza por interpretación.

Cabe mencionar que se utilizaba esta caracterización para ridiculizar las quejas de los afroamericanos de la época.

Con el tiempo, esta tendencia se fue disminuyendo, sin embargo, se mantuvo hasta los años 30's cuando el Blues y Jazz se convirtieron en manifestaciones de interpretación americana. El Blues y Jazz aún no se salvan de la referencia étnica, simplemente porque sus mejores exponentes provienen en su mayoría de afroamericanos.

¿Existe demanda para la música con mensaje racista?

Aunque no existe un mercado prolífero como tal, si existen diversas formas de distribución clandestina, principalmente arraigados en los grupos étnicos y racistas que los promueven.

El primer reclamo a Elvis Presley en las estaciones de radio se debía a que no podían concebir a un "blanco" cantar música de "negros".

Hoy en día, manifestaciones como el Black Metal Nacional Socialista, White Power Rock, Punk Nazi y algunas bandas de Death Metal Nordico distribuyen sus discos de forma artesanal o con tirajes bastante bajos.

Algunos brotes de estos géneros se han dado recientemente en América Latina, acompañada de manifestaciones neonazis e inclusive respaldadas y ligadas a grupos radicales de ultra derecha.

En México, la banda Brujería tiene un álbum denominado "Matando güeros", un hecho que ha levantado polémica y apoyo, siempre polarizado por la creencia política y nacionalista de origen.

No digo que sea malo escribir o publicar un disco así, sino que nuestra sociedad tiene muchas carencias de origen educativo, moral, social y espiritual que alteran profundamente la percepción final de un álbum con este tipo de temas.

¿Es la única forma de generar racismo en la industria?

Desafortunadamente, existe una tendencia a mostrar conductas racistas sobre géneros, artistas e inclusive étnicas provenientes de grupos específicos (gitanos, árabes o recientemente los exponentes de la música peruana folcklórica). Si eres metalero, entonces no puedes escuchar cierto tipo de música. Si escuchas banda o música folcklórica, tienes prohibido escuchar géneros extranjeros.

Si gustas de la música clásica, tiendes a rechazar y denigrar géneros como el reggaetón o hacer comparativas técnicas con respecto a las composiciones musicales de "alto" nivel.

Estos hechos han creado divisiones radicalistas y ya hemos visto sus dañinos efectos en la sociedad. 

Hace algunos años, en la Plaza de Armas en Querétaro, un grupo de emos fue golpeado gracias a que una "mente brillante" condenó su instalación en dicha plaza y procedieron a "recuperarla" en el nombre de la "música verdadera". 

Esta convocatoria a través de redes sociales fue minimizada con el alegato de que los "jóvenes" solamente estaban siendo guiados por su sentido de "identidad".

Es claro que actualmente, los emos siguen siendo evaluados en forma discriminatoria por diversas actividades relacionadas con su forma de vida. 

¿Cómo podemos evitar el racismo en la música?

Propiamente dicho, la industria musical ha participado un poco al generar las divisiones de género musical y explotando las costumbres de cada segmento de mercado, para mantener a los fieles dentro de un consumo contínuo.

Sin embargo, es también tarea del consumidor musical, abrir su mente a nuevas posibilidades musicales, entenderlas primero como una manifestación artística y posteriormente decidir si gusta o no de ellas.

Creo importante decir, que si un género musical no es de tu agrado, no significa que se pueda agredir, contradecir y ridiculizar a quien guste de ese género.

Los medios de comunicación, ponen de su parte al abrir foros sobre debates tan absurdos de comparación entre Wisin y Yandel o Arjona versus Juan Gabriel y hasta Paquita la del Barrio.

Conclusión

Ravel decía que música sin sentimiento, no vale el papel ni en que está escrito. La música como núcleo de la industria musical, siempre ha sido libre de especulaciones y divisiones por su naturaleza artística, estética y cultural. Al transformarse en un producto dentro de la industria musical, combina una carga emocional principalmente debido a la experiencia que hace vivir al consumidor. 

En México, tenemos antecedentes como la represión de la Plaza de Armas en Querétaro, las tradicionales golpizas a la banda en eventos de rock urbano e inclusive las manifestaciones en redes sociales pro y anti reggaetón.

Este es un diálogo para todos y es precisamente aquí, que pido su ayuda ofreciendo su enfoque y punto de vista al respecto.

El racismo es un problema tan complejo, que no puede ser abordado de forma individual y solamente a través del diálogo colectivo (desvaneciendo los prejuicios y costumbres que los han arraigado a las sociedades del siglo XXI), será posible atenuar al máximo estas manifestaciones que están a la vista de todos y tan vagamente interpretadas por la indiferencia.

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Patrocinios culturales: ¿Apoyamos al artista, al arte o la actividad cultural?

El objetivo de este artículo es ayudar a comprender el nivel tan complejo que significa interactuar en el medio cultural mexicano en nuestros días. 

Los patrocinios y apoyos culturales ofrecidos en México, gozan de una particularidad única en el mundo. No solamente son entregados bajo criterios bastante irracionales, sino que no reflejan para nada la realidad económica que intentan superar.

Las políticas en educación y comprensión social en materia de cultura, no colaboran mucho al desarrollo económico de las prácticas culturales en México.

Por un lado tenemos exceso de opciones "multiculturales" necesitadas de infraestructura económica para el desarrollo de sus actividades y por el otro una preferencia social por fomentar ciertos proyectos culturales de mayor o menor relevancia.

¿A quién debemos apoyar?

Esta respuesta será válida dependiendo quien la pronuncie. Para el artista, los patrocinios y apoyos culturales van más orientados a cultivarlos principalmente en su manutención, para que puedan crear productos culturales de gran calidad.

Para quien patrocina, significa una inversión de recursos que faciliten la generación de productos culturales en beneficio de una marca, producto, servicio o influencia social que contribuya a su posicionamiento.

En el caso de quien ofrece apoyos (sector público principalmente) se trata de poner al alcance de una localidad, segmento económico y/o social, oportunidades mínimas en productos culturales.

El gran problema de esta dinámica, es que difícilmente cada uno de ellos comprende su papel funcional dentro de una estructura económica basado en la economía cultural.

Apoyando al artista

La prioridad principal del artista, es mantenerse vivo, saludable y propicio para desarrollar actividades culturales que abonen los entornos sociales en que se desenvuelve. 

Un estímulo cultural no debería ser usado para alimentar al artista, sino para proveerle los materiales necesarios y costos oportunos para el desarrollo de su actividad.

Desafortunadamente, los pagos mensuales aprobados para este tipo de estímulos, no cubren las necesidades primordiales del artista, ni las necesidades primordiales en la generación de la actividad cultural. Algunos estímulos llegan al absurdo de ofrecer 500 pesos mensuales por concepto de viáticos y apoyo para fotocopias.

El desarrollo integral del artista, respaldado en un apoyo por parte de empresas e instituciones en áreas de salud, fiscales y equitativas permitiría generar actividades o productos culturales de mejor calidad, alcance e impacto económico y social.

El patrocinador desinteresado

Las empresas tienen una capacidad importante en la generación y apoyo de las actividades culturales. A cambio del dinero invertido, deben obtener una ganancia que permita potenciar los recursos humanos, económicos y comerciales para seguir apoyando proyectos.

Desafortunadamente, el artista difícilmente tiene una visión empresarial sobre sus actividades culturales y mucho menos comprende como ofrecer productos o servicios de primera necesidad para las empresas a partir de una vinculación cultural. 

En pocas palabras, venderle cultura a las empresas es inútil si no se hacen las investigaciones adecuadas sobre las necesidades y oportunidades del sector al que se trata de ofrecer proyectos culturales por patrocinio. Se trata más de una relación ganar-ganar que obtención de recursos para creación de arte.

Las instituciones culturales y sus apoyos insuficientes

De los tres, las instituciones culturales son las más difíciles de enderezar, primero porque sus políticas culturales siguen una línea de satisfacción masiva que dificulta crear objetivos alcanzables a corto, mediano y largo plazo.

Se administran los recursos de forma institucional para aplicaciones del orden cultural. Justificaciones de gastos y costos que son intangibles para las políticas públicas, convirtiéndolas en áreas difíciles de interpretar y regular.

Esta falta de regulación y comprensión de las actividades culturales, crea programas con enfoques de rendición de cuentas. Un ejemplo podría ser una licitación para la obtención de una tonelada de cemento, producto tangible, con valor comercial estable y necesario a muchos niveles de comprensión, contra una solicitud de 10 guitarras clásicas para iniciar un taller de música básica, donde se considera dinero perdido gracias a las políticas públicas y desconocimiento social del impacto inmediato de actividades culturales en localidades con conflictos sociales complejos.

Es por ello que los estímulos se centran en la creación de "cosas" más que en desarrollo potencial de proyectos culturales viables, sustentables y autogestionables. La gran diferencia entre uno y otro en términos económicos, es que una "cosa" puede costar unos 35 mil al año y un proyecto cultural sustentable por lo menos desde medio millón de pesos en su primer etapa.

Conclusión

Facilitar los procesos y enrutar a las 3 partes importantes en un equilibrio real (artista-empresa-instituciones) va a permitir generar procesos creativos rentables y de gran impacto profundo a nivel local, regional, estatal y nacional.

La mejor manera de conseguir este equilibrio, es enfocando los esfuerzos de todos ellos para comprender que las actividades culturales, requieren de un enfoque de empresa cultural para sobresalir en un mundo cada vez más complejo y con mayor necesidad de comunicación no solo verbal, sino económica, cultural, académica e institucional.

Rafael Mendoza reflexiona sobre empresas culturales en Ad Libitum

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10 tips para actualizar arreglos del pasado...

En estos días he estado muy activo trabajando material de bandas y que han decidido finalizar el producto y regrabar algunos temas.

En algunos de ellos, el tiempo ya ha dictado nuevas técnicas y sonidos que se consideraban demasiado pesados o fuera de lugar para el género.

Tomando en cuenta estos detalles, es importante reconocer que partes son necesarias para el tema y cuales no.

Así que comparto con ustedes 10 tips a tomar en cuenta, que me han ayudado a resolver problemas en estos proyectos.

1.- El tema tiene futuro: Antes de hacer mil y un movimientos, es importante ser honestos con el trabajo realizado y preguntarse si vale la pena reescribirlo. Esto puede ahorrarnos muchas horas de creatividad y post producción. Un ejemplo podría ser la versión "parchada" de la Negra Tomasa de Caifanes. 

2.- Han cambiado de instrumentistas: Las bandas son entes vivos que cambian con las necesidades del grupo. La madurez entre los integrantes, las metas personales y cambios de domicilio, obligan a los músicos a cambiar de instrumentistas. Es importante revisar quien se ha integrado y que posibilidades técnicas y musicales puede aportar al arreglo. La nostalgia es bonita, pero hay partes que deberán regrabarse totalmente, beneficiando al arreglo musical.

3.- Revisar la altura tonal de los acordes: Es común que varios instrumentos se encuentren en la misma zona tonal creando conflictos. Revisar los acordes y probar nuevas variaciones ayudan a refrescar la calidad sonora del arreglo. ¡Los ingenieros adoramos estos cambios!

4.- Existen dinámicas en los instrumentos: En géneros como el rock, es común utilizar una sola línea de intensidad. A veces sucede que la banda quiere retratar cierto estilo proveniente de discos con muy alta compresión durante la masterización (Loudness War). Pero las dinámicas bien distribuídas entre el arreglo ayudan a mejorar la sensibilidad y empatía del arreglo con el escucha.

5.- Afinación de los instrumentos: Es importante revisar que la voz está en la parte adecuada y cantando entre los acordes sin disonancias. Los efectos de sonido pueden agregar distorsión armónica con los efectos aplicados al bajo. El sonido de los sintetizadores podría estar revelando afinación deficiente en los instrumentos de cuerda. Es momento de checar y hacer anotaciones al respecto

6.- Respeto en la duración de las notas: Ocurre que el guitarrista está tocando corcheas con palm mute ligadas y ensucia al bajo o viceversa. La batería podría sonar mejor si el control del ride o contratiempo abierto está bien definido. Son detalles que hacen una gran diferencia.

7.- Base rítmica con buena cimentación: Es muy común que el baterista y bajista toquen con variaciones de tiempo. No es tan malo si los tiempos fuertes y el groove encajan. En vivo es menos notorio, pero en estudio es crítico. A trabajar ambos por separado y juntos con metrónomo para conseguir eso. Bateristas, ¡checar que el remate del platillo sea justo con el bombo!

8.- Tempo real de la canción: En pre-producción encontramos detalles del tempo, principalmente cuando son lentos. Los fans prefieren tempos lentos para disfrutar. Los que desconocen a la banda encuentran más atractivos los tempos rápidos. A tempos muy lentos, el arreglo debe nutrirse un poco más para disfrutar el detalle. A tempos más rápidos, es mejor centrarse en la dinámica del tema. La decisión es conjunta, pero sugiero subir el tempo entre 2 y 5 bpms si existe la duda de acelerar el tema y probar. 

9.- Revisar el rango de los cantantes: Aquí vamos de nuevo. Si cambiamos de voz, será mejor cambiar la tonalidad para que el vocalista principal fluya mejor en el arreglo. La voz secundaria siempre debe trabajar en las dinámicas. Al igual que bajo y batería, el ensayo conjunto entre voz principal y secundarias debe ser crítico. Respetar la duración de nota en el arreglo también es importante.

10.- Revisar la estructura del tema: ¿Necesitamos doble vuelta antes del verso?, ¿se entiende el cambio de compás?, ¿construimos una frase más directa para el pre-coro? Estas son algunas de las preguntas que se deben tomar en cuenta. Es común extender los temas cuando nos agrada el groove, pero la audiencia puede cansarse rápidamente. Checar las vueltas innecesarias.

Conclusión

Actualizar un arreglo del pasado para darle nueva vida no significa que debas modificarlo al 100 %. Si esa es tu meta, tal vez venga bien hacerlo en compañía de otros músicos, inclusive realizando cross overs con distintos géneros. La ayuda de un productor en este tipo de desiciones te ayudará a comprender mejor los estándares de la industria y tu decides si te acercas o alejas de esa percepción.

Yo estoy disfrutando mucho abriendo de nuevo sesiones de hace 10 años y me sorprende el nivel de trabajo realizado contra mis conocimientos actuales. Siempre es enriquecedor  volver atrás a descubrir viejos trucos o técnicas utilizadas para resolver detalles en la producción.

Disfruta mucho la etapa de actualizar tus arreglos, porque por salud propia te recomiendo no intentarlo más de una vez. Pronto compartiré algo de este trabajo con ustedes y será muy importante tener sus comentarios.

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Las 5 VERDADERAS cualidades que necesitas para ser un músico exitoso...

Hace unos días me hicieron llegar un artículo de blog llamado "Las 5 cualidades que necesitas para ser un músico exitoso".

Interesado, me senté a leerlo y casi me muero del susto. Es una visión muy encantadora de lo que un posible músico debería tomar en cuenta para su desarrollo. Acierta en algunas cosas y en otras se queda demasiado corto.

Utilizaré su esquema principal para "complementar" y "corregir" algunos detalles que me parecieron importantes. 

1.-"Los músicos exitosos, son seguros y aventureros": En realidad, no se trata de saltar al vacío como afirma el artículo. Una planeación exitosa no siempre lleva un camino al estrellato. El "éxito" de un músico no depende principalmente de su arte, sino de múltiples circunstancias, sobre todo externas. Si deben ser seguros, pero en el establecimiento de sus metas. Aventureros no considero sea una palabra adecuada, sino emprendedores informados.

2.- "Trabajan muy duro": En todas las profesiones, el trabajo intenso (duro no) e inteligente, es el que conlleva a hacer crecer oportunidades en múltiples áreas. Coincido con el artículo en que deben ser multidisciplinarios, pero de ninguna manera son "Todólogos" como afirma el texto. Como músico, debes entender que el éxito de un proyecto depende de múltiples disciplinas y debes conocer sus límites específicos. Tal vez al principio debas hacer una parte tu mismo, pero tarde o temprano necesitarás ayuda para desarrollar tu proyecto.

3.-"Están dispuestos a practicar todo el día": En su momento, como músico practicaba de 6 a 8 horas diarias en el instrumento. Las habilidades se incrementaron potencialmente los últimos años y empezaba a tener cierta flexibilidad. Sin embargo, pasaba muchas horas aislado y con pocos lugares donde presentar mi arte, era frustrante no poder quedar con alguien para salir y despejarse. Después, algunos maestros me dieron la clave de programar mis tiempos de práctica por calidad en vez de cantidad. Pude aprender otras habilidades y conocimientos. Es uno de los mitos más comunes actualmente. La película "Whiplash" exagera demasiado la situación dramática con manos que sangran metidas en hielo.

4.-"Son buenos con el dinero y no les importa vivir de manera modesta": Casi me caigo de la silla con esta propuesta. Entendamos desde el principio que una cosa es el arte que entregas y otra muy distinta la actividad artística que necesitas. Todos pueden elegir la forma de vida que mejor les convenga, pero ser músico puede resultar tan caro como estudiar odontología o diseño gráfico. Sentarte a esperar la oportunidad de tu vida, se puede llevar algo así como ¡tu vida entera!

Expandir tus conocimientos sobre el entorno de la industria musical, tus habilidades, oportunidades y espacio creativo, va a colaborar en la mejora de tu nivel económico a partir de tus habilidades musicales. 

5.- "Un músico exitoso es paciente y no se da por vencido": Esta es tal vez la única que concuerdo con el texto. Una carrera musical puede llevarse entre 4 a 5 años promedio, haciendo un buen plan de negocio personal y buscando las oportunidades realmente valiosas. Hay músicos que llevan 10 o 15 años buscando su "éxito" en el lugar equivocado. Todo tiene un límite y hay que saber comprender a la industria para poder encajar en ella. La industria musical es tan dura como cualquier otro negocio. La paciencia es una virtud, pero también debe tener límites. Si crees que necesitas ayuda, hay que buscarla.

Conclusión

Es un poco aterrador encontrar post así en internet. Lejos de ayudar, ofrecen visiones poco realistas de la industria. Estoy seguro que este artículo fue escrito por un Community Manager sin conocimiento del tema, que interpretó otros artículos para completar su temario del mes. Una de las capacidades actuales de todo músico, es reconocer a través de un juicio crítico, todo aquello que llega a sus manos, ojos y oídos. La educación constante y profundizar en la realidad de su industria, le permitirá reconocer que ya no estamos en tiempos de Bach, Mozart, Beethoven o The Beatles.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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José Alfredo Jiménez: ¿Porqué sigue siendo el Rey?

Hoy se cumplen 90 años del nacimiento de José Alfredo Jiménez. Más allá del recordatorio tradicional de Google y la visita obligada a Wikipedia, analizar la carrera de José Alfredo nos revela uno de los caso más exitosos del Music Business en México.

Tendría unos 12 años cuando "El Rey" impactó mis oídos. Existen muchos mitos alrededor de sus dotes artísticas. Que si escribía en servilletas o que no sabía música. Lo cierto desde un inicio es que demostró que la figura del cantautor es mucho más firme en el público mexicano.

José Alfredo dejó mucho aprendizaje que serviría de guía para otros artistas de la música ranchera en nuestro país. Siempre manejó su carrera de forma profesional y consiguió trascender en un mercado hostil para las disqueras que ingresaban al país a mediados del siglo XX.

Actualmente, los derechos del artista son manejados por Sony Music México y representan uno de los catálogos comerciales más valiosos para la empresa.

Se habla de que escuchaba a Pink Floyd, Fletwood Mac e inclusive en un Festival alternó con Alice Cooper, quedando impresionado de su manejo en el escenario y desarrollo de producción teatral.

Para José Alfredo no había un límite establecido. La radio seguía siendo un motivador en la difusión de los artistas nacionales. La televisión ya estaba disponible para un número importante de mexicanos. 

Sin duda, su mayor acierto fue desarrollarse como cantautor. 

Estableció el rostro detrás de la música y letras. No sabremos si intencionalmente, pero José Alfredo explotó su imagen de un charro más natural, menos extravagante que Jorge Negrete o Javier Solís. Pedro Infante siempre fue de la masa, pero a Jiménez se le consideraba un intelectual de los versos mexicanos.

Reconocer a las voces icónicas del cine de oro se basó en el glamour de su imagen. José Alfredo siempre conservó una forma más natural. 

Siempre que viajaba, traía consigo música de los países que visitaba. Vivía apreciando los placeres de la música. Desafortunadamente falleció joven y dejando un legado que no ha podido ser restaurado.

Sin hacer menor los esfuerzos de intérpretes actuales, la discreción artística y de buen gusto que siempre manejó José Alfredo en sus composiciones, le aseguraron un gusto perpetuo en las nuevas generaciones.

Se ha hablado mucho del machismo en sus letras, incluso la misoginia en algunos casos. Sus principales detractores consideran a los "charros" actuales (versiones extremadamente dulces y diluídas del charro tradicional), como una evolución de la música mexicana hacia el siglo XXI

Sea como sea, siempre habrá quien reconozca la obra de José Alfredo Jiménez y su imagen ha sido llevada al grado de celebridad en distintas épocas.

Hace unos días pude ver la película "En el último trago". Tenía mucho tiempo que no me divertía con una película mexicana. A pesar de los anuncios turísticos demasiado forzados, la trama me llevó a recordar que tarde o temprano, todos los mexicanos hemos sido afectados por un tema de José Alfredo y hemos usado de vez en cuando la frase "no vale nada la vida, la vida no vale nada".

Sería muy agradable toparnos en estos días con artistas que produzcan las mismas sensaciones que un disco de José Alfredo Jiménez y que en esencia impulse al mercado de la música mexicana, renovando los lugares de artistas mayores y que reposicione a la música ranchera con la profundidad que se merece.

Homenajes van y homenajes vienen, pero es una realidad que José Alfredo Jiménez es por mucho uno de los ícono más reconocidos de la música mexicana. 

Hoy José Alfredo tendría 90 años, pero se marchó siendo leyenda.... Se marchó siendo "El Rey".

Rafael Mendoza escribe para Ad Libitum

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