5 cosas que la industria musical debe desaparecer

En estos tiempos, las formas de la industria han pasado de complejas a formatos casi irreconocibles.

Los sistemas de producción y distribución se han simplificado para el usuario, pero complicado para quien desea integrarse en las nuevas plataformas.

¿Realmente necesitamos esta complejidad en el medio?

Muchas prácticas se mantienen de forma regular que por las características de los nuevos esquemas han quedado obsoletas e inclusive ahora afectan el ecosistema de producción.

1.- Regalías mecánicas: Basadas en el hecho de que cada reproducción de archivo, CD o vinil representa una ejecución pública, sistemas de regalías como las mecánicas o por reproducción se han convertido en una forma de acoso por parte de los sellos discográficos. En conjunto de las editoriales, organizaciones como la SOMEXFON en México, se están encargando de cobrar estos sistemas de regalías a restaurantes, plazas comerciales, bares. Suena bonito cuando eres músico, pero no tan atractivo cuando sólo se protege a los que han "invertido" en forma estratosférica.

2.- Reducir la calidad de sonido por cantidad (Loudness War): Hasta el cansancio hemos dicho que este vicio de incrementar los volúmenes para garantizar un hit no funciona en ningún sentido. Una regulación sanitaria podría ayudar a establecer un punto de referencia.

3.- Payola: Todos lo niegan pero todos lo ejecutan. En México hasta han encontrado la forma de facturarla por los grandes corporativos. Un tipo de corrupción en todo el mundo que consiste en pagar para que se reproduzca constantemente un "éxito" musical. Protección de inversión para unos pero la desgracia de miles.

4.- Manipular los Charts de popularidad: Este es más ejecutado por la televisión. La industria premia con discos de platino y oro por unidades distribuídas. Pero en realidad, son copias que se han ubicado en tiendas. ¿Cuántos realmente se han vendido?... Nadie puede saber a ciencia cierta que discos tan malos puedan vender 100,000 copias y sostenerse en el número 1 durante semanas.

5.- Hacer pensar al público que la piratería afecta al artista: Absolutamente ningún artista es dueño de su proyecto, pero recibe toda la presión del mismo para entregarlo a la disquera. Los adelantos para la realización de los proyectos sirven unicamente para el pago de la producción. Antes los artistas recuperaban costos de las giras, pero los nuevos modelos de 360 grados de las disqueras los hacen ganar porcentajes diversos. Son como jugadores de fútbol con una carta de pertenencia.

Conclusión

La misma industria mantiene estos conceptos para un mejor control del poder económico. Las alternativas de internet no pueden competir ante las posibilidades económicas de la industria y una organización de las disqueras independientes se ve difícil en estos momentos.

Luchar contra estas prácticas puede ser una larga batalla pero que debe empezar ya.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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The Iron Maidens: ¿La ruta alternativa para preservar conceptos?

Hace unos días me enteré que Bruce Dickinson, cantante del grupo inglés Iron Maiden, estaba bajo tratamiento preventivo de cáncer en la lengua.

Esto me hizo reflexionar acerca de que pasa cuando los conceptos musicales caducan, pelean, desvanecen y que continúan generando ganancias alrededor del mundo.

Pink Floyd ha comenzado a sentar las bases con su banda tributo australiana y Kiss ha dejado entrever la posibilidad de que Kiss continuara sin Simmons o Stanley en algún momento.

Y entonces vino a mi mente de forma instantánea una fórmula tal vez más rentable dependiendo del mercado al que se dirige. 

The Iron Maidens son una banda californiana que ha recibido aplausos de la comunidad metalera y hasta del mismo Steve Harris por su labor.

¿Será este tipo de conceptos  la base para mantener viva la franquicia de Iron Maiden?

Primer argumento: Las ganancias.

La banda sustenta a la Compañía Iron Maiden LLP.  La compañía Inglesa Musicmetric, ha realizado algunos estudios basados en la marca "Iron Maiden" obteniendo resultados sorprendentes.

4 países sudamericanos concentran la mayor cantidad de seguidores por Twitter de Maiden: Brazil, Venezuela, México y Colombia.

Estos son los 4 países donde se ha intensificado la presencia de la banda en sus últimos tours. Simplemente en México ofreció 3 conciertos en sus recientes giras (Monterrey, Guadalajara y Distrito Federal).

La estrategia de Iron Maiden al usar su propio avión para la gira 666, les permitió visitar más zonas durante la gira que en otras ocasiones. Al tener control absoluto de su medio de transporte, la logística se hizo más flexible, permitiendo incrementar los costos de los boletos, las playeras y el merchandising.

Es difícil calcular a cuanto asciende el costo de la marca Iron Maiden, pero solamente la venta de boletos y taquilla neta para su concierto en Sao Paolo Brazil durante la gira pasada llegó a 2,8 millones de dólares.

Esto habla del poder económico de la banda en un nicho de mercado tan específico.

¿A quién le venden The Iron Maidens?

La imagen de esta banda californiana está basada en marketing hacia el género masculino. Los tops, peinados alaciados con rayos y prendas ajustadas son la base de presentación.

Sus vestuarios imitan la forma de vestir de los miembros originales. Está por demás decir que la figura femenina predomina en la escena. 

Son estéticamente lo que llamaríamos, "la novia perfecta del Heavy Metalero". El rango económico que alcanzan estas bandas se ajusta perfectamente a los seguidores de la banda original, lo que garantiza la venta de boletos.

Tradicionalmente ha sido marcada como una banda tributo consistente que ya ha realizado giras en países en los que Iron Maiden ya tiene presencia con anterioridad.

Es un nicho de mercado probado y extendido con el plus de la sensualidad al alcance de un boleto.

Franquicias musicales

Aunque Iron Maiden, específicamente Steve Harris, fundador de la banda, se ha pronunciado a favor de la banda tributo, aún no se ha hecho al parecer una oferta comercial a la banda.

Existen muchos criterios al respecto, el principal, que la banda a pesar de tener 40 años sobre el escenario aún mantiene la energía y vitalidad suficiente para realizar sus propios shows.

Pero todo tiene un límite. La edad y la reciente noticia del tratamiento de Dickinson, podría poner en la mira a The Iron Maidens como una posibilidad rentable.

Para algunos el origen californiano ya tiene sus bemoles, porque el estilo inglés de Maiden se vería alterado por el sonido norteamericano. 

Sin embargo, Pink Floyd ha permitido abiertamente que The Australian Pink Floyd Show se denomine como el mejor tributo realizado. El acento ayuda mucho más que en una banda californiana, más habría que analizar si eso afectaría la compra de un boleto para ver a The Iron Maidens a unos metros de distancia. 

Conclusión

Las bandas tributo son originalmente semilleros de nuevas propuestas musicales. Hasta ahora se han visto limitados a CD's y giras cortas que alimentan el hambre de fans en pequeños clubes como el Kiss Lounge donde la banda Overdrive ayuda a recrear el ambiente.

Una gira se planea años antes y basados en requerimientos de mercado, por lo que las bandas tributo como The Iron Maidens, ofrecen portabilidad, disponibilidad y atractivo visual a estos lugares tradicionales.

¿Cómo elegir a que banda tributo hacer franquicia o si vale la pena crearla desde cero?... Es una respuesta que hasta ahora pocos se han atrevido a hacer. En México la banda Morsa ha covereado y desarrollado un sentido de tributo a The Beatles. Sin embargo, se mantienen como banda independiente y aunque han tocado en The Cavern, no se mantienen bajo contrato de franquicia.

Bastará que una de las bandas grandes se decida a recorrer este camino para que empecemos a mirar una avalancha de bandas continuidad como franquicia. Aunque The Australian Pink Floyd Show es la forma más representativa ahora, no existe un acuerdo de garantía por parte de la banda, aunque seguramente reciben algún tipo de regalía por uso de nombre y ejecución pública.

Estamos pues ante una disyuntiva por tiempo y economía que ningún dueño de una franquicia explotable como Iron Maiden puede dejar perder.

Rafael Mendoza escucha a Iron Maiden en Ad Libitum

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10 formas de perder a tu Booking Manager y tu gira

Después de mucho buscar, enviar correos, Press Kit, tocar puertas aquí y allá, finalmente tienes la oportunidad de tocar en un evento principal para poner en arranque a tu banda.

Hasta aquí el esfuerzo valió la pena y por fin ves materializado el sueño musical. Un lugar que te pagará por un evento de tu música.

El trabajo apenas comienza... Sí... El Booking Manager puede abandonarte sino reaccionas con profesionalismo. Aquí las consideraciones básicas para no perteder a tu promotor o gira

1.- No proveer los teléfonos correctos: La banda entera te da su número y cuando tienes duda si el baterista llevará timbales o no, ninguno contesta, ninguno sabe la respuesta y el baterista olvidó cargar su celular. ¡¡UN NÚMERO LOCAL PARA GOBERNARLOS A TODOS!!

2.- Firmar acuerdos sin leerlos: Es mejor perder al Booking Manager porque no te gusta la letra chiquita, a perderlo por incumplimiento de contrato de tu parte. Leer con asistencia de un abogado es indispensable. Un buen promotor agradecerá una negociación adecuada donde sepa que garantías obtiene de tí y cuales obtienes de él.

3.- Falta de preparativos: Me ha pasado que cuando conozco una banda y que quiere mi opinión sobre el equipo que quiere llevar en vivo, descubro que no saben que es un Stage Plot, un Input List.. bueno... ni siquiera saben cuanto espacio necesita. Apóyate en un Ingeniero de Sonorización experimentado e inclúyelo en tu press kit o facilita esta información a tu Booking Manager.

4.- No seguir instrucciones: El Booking Manager requiere de flexibilidad para poder agendar y calendarizar con tiempo sus eventos. Pero si la banda no quiere viajar de noche porque el guitarrista tiene síndrome de Kurt Cobain, entonces habrá que hacer cambios en la banda. Su trabajo es tocar y hacer el performance, no complicar a su promotor.

5.- Responder con lentitud a las peticiones: Hay bandas que quieren pensar si van a tocar a la playa o al bar de acuerdo a su estado de ánimo, o porque será el cumpleaños del abuelito del baterista. Si no van a profesionalizar su esquema, será mejor que ni siquiera busquen un Booking Manager y toquen como ustedes sientan sea mejor para sus intereses.

6.- Mentalidad "Nosotros Vs. Promotor": La idea de que el amor fraternal entre miembros del grupo es más importante que el negocio, tiene origen en las películas de hollywood. En el mundo real, el acuerdo entre músicos y Booking Manager es indisoluble y carente legalmente de visiones morales. Por algo, el abogado les apoya en desarrollar su propuesta de trabajo y se llega a un acuerdo legal.  Hay que tener los pantalones bien puestos para dejar de lado la amistad si es que vas a hacer negocios con amigos.

7.- Entender el valor de tu mercado: Los primeros Booking Manager pagarán costos mínimos que te servirán para cubrir los gastos de desplazamiento y viáticos principalmente. Tal vez sobre un poco para comprar unas cuantas bolsas de palomitas para el ensayo. En la medida que las garantías como artista se incrementen, el promotor podrá obtener mejores foros y tratos que incluyan promoción en radio, tv e internet. 

Llegar a la cima se basa en profesionalismo y un equipo de trabajo que reme hacia el mismo objetivo.

8.- Demandar necesidades irreales: Hay una gran controversia sobre lo que puedes pedir y no para tu banda en un evento. Nuevamente dependerá del valor de tus garantías como artista las que dicten que tanto puedes pedir o no. Al principio busca en esencia poder moverte con tranquilidad al evento, tener comida suficiente y preveer algún imprevisto básico como poder rentar una o dos habitaciones para la banda si viajan lejos. 

La alimentación no es siempre un común denominador, pero si negocias adecuadamente el anfitrión del evento podría ofrecerte tal vez un refrigerio durante el evento. De ahí para arriba dependerá de tu esfuerzo profesional.

9.- Dejar que el Booking Manager haga todo el trabajo: Tu también puedes colaborar en el desarrollo de tu proyecto. Habla donde estarás, escribe en tu facebook, tuitea lugares y fechas, llama a estaciones, consigue entrevistas. De ti depende que el lugar se llene tanto como de la buena negociación del Booking Manager. ¡Involúcrate!

10.- Hacer todas las preguntas necesarias: Antes de firmar o iniciar cualquier fecha, haz todas las preguntas necesarias a tu Booking Manager a tu abogado, a tus papás, a tu perro, a tu novia y a todos aquellos que puedes afectar con tu gira. No estás en un negocio donde todo pase por sentado. ¿Quieres un ejemplo de que preguntar?... "Querido Booking Manager, si durante el evento sucede un fenómeno natural como un temblor o un cierre sorpresa porque el dueño del establecimiento no tiene los permisos.. ¿Está incluido en el contrato?.. ¿Qué obtenemos a cambio?"...  

Conclusión

Perder un Booking Manager y una gira es cosa fácil cuando estos elementos se dejan de lado. El Booking Manager está para ayudarte a proyectar tus necesidades de artista, así como asegurar las fechas que pueden beneficiar a ambas partes. 

Si quieres presionar a tu Booking Manager, la única manera es firmar un contrato de exclusividad, pero dudo que al inicio tengas los recursos financieros para hacerlo. Más que un empleado estás negociando con un aliado. Estamos hablando de un Booking Manager con ética y profesionalismo. 

Hay muchas personas por ahí que creen que consiguiendo tragos gratis y lugares abiertos pueden llamarse "promotores". Ignoran siquiera como se maneja un pago de impuestos en este rubro y mucho menos conocen los acuerdos por contrato con las bandas. Si los ves, aléjate, cuida tu proyecto y cuéntaselo a quien más confianza le tengas.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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5 señales claras de pérdida auditiva y 5 formas de prevenirla

Uno de los riesgos más comunes del ingeniero en audio y músicos es la pérdida parcial o total del oído. Cualquiera de ellas es igual de peligrosa porque una es señal de alerta y la otra cambiará totalmente la vida.

Existen muchas otras enfermedades que inician un proceso de pérdida auditiva, que van desde resfriados sin cuidados hasta golpes contusos o de consideración en el oído, cráneo y lóbulos sensoriales.

Sin embargo la más común es la alta exposición a volúmenes desconsiderados.

Etica profesional, la primer prevención

La ética profesional es la que debería dictar antes que otra cosa, los límites de volumen que podríamos recibir o emitir para nuestros clientes.

En este punto ya no se trata de cuidar los oídos de otros, sino los nuestros primero. Desde las plataformas de perifoneo hasta los puntos de venta en centros comerciales, no existe una ética o cuidado especial que se tenga por los niveles de intensidad auditiva.

Ojalá estos procesos se queden simplemente en estos lugares, desafortunadamente la televisión no tiene aún estándares que limiten el nivel de los comerciales. Basta encender un rato la transmisión para detectar esta práctica fuera de control en los principales canales abiertos y de paga.

La contaminación auditiva está presente en las grandes ciudades. Es sorprendente ver como la gente se acostumbra a los altos niveles producidos por el tráfico de las ciudades. La Ciudad de México es una de las más ruidosas del mundo.

Señales claras 

Las principales señales de pérdida auditiva son:

• Dolor en los oídos, picazón e irritación
• Escuchar el entorno y sonidos fuertes con poca claridad o intensidad.
• Pus o fluídos que salgan del canal auditivo
• Tinitus persistente (ruidos o zumbidos al interior del oído)
• Dificultad para entender palabras a corta distancia (menos de 30 centímetros)

Ante cualquiera de estos síntomas acude a una revisión especializada.
 Si te golpeaste recientemente debes visitar también a un neurólogo y especialista auditivo en conjunto.

Cosas que puedes hacer para evitar perder el oído

Sobreexposición: Los altos niveles de intensidad se pueden reducir alejándose de la fuente. Si a la media hora de estar en el concierto o antro sientes mareos, dolor de cabeza, tinitus y sientes que tu habla no es tan presente como antes de llegar, es momento de salir a tomar un respiro auditivo.

Altos niveles de audífonos: Aparte de ser un riesgo para cruzar una calle o manejar con precaución, debes bajar el volumen a nivel de poder escuchar normalmente una conversación tradicional.

Usar tapones para oídos en eventos: La gente no los compra porque se le hace caro pagar entre 800 y 2000 pesos por unos tapones personalizados. El costo de la pérdida auditiva no existe porque no hay manera de recuperarla. Los aparatos auditivos son más caros. La prevención es la clave.

Usar casco en montajes: Un golpe fuerte puede provocar pérdida parcial o total del oído. Usar casco minimiza el riesgo a menos que se trate de un impacto directo. Usar orejeras bajo algunas circunstancias no está de más.

Visitar al otorrinolaringólogo cada 6 meses: Al igual que los tapones, esta visita puede hacer la diferencia. La audiometría es la manera real de saber como afecta tu audición un problema de sordera parcial. Visítalo cuanto antes.

Conclusión

La salud auditiva es indispensable en el campo de la audio producción. Sabemos que el oído no es duradero a mediano y largo plazo, porque sufre desgaste natural como cualquier órgano. Una estadística reciente demostró que el 70 % de las personas con pérdida auditiva están entre los 23 y 68años. De ellos, el 21 % son jóvenes entre 18 y 21 años. Las mujeres son más saludables auditivamente que los hombres.

Recuerda, exponerte más de 100 dB por más de 15 minutos genera pérdida auditiva. Una cortadora de madera alcanza este nivel sin problemas.

Cuidar el oído es tu responsabilidad. No permitas que se dañen

Rafael Mendoza cuida sus oídos en Ad Libitum

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8 cosas que pocos dueños de bares y clubes con música en vivo hacen por sus clientes....

Hace unos días me pidieron visitar un espacio para analizar su viabilidad para hacer música en vivo. Cualquiera pensaría que sólo se trata de poner un pequeño escenario y que agregando un equipo de sonido decente la situación está bajo control. La primer pregunta que le hice al dueño fue ¿Qué tipo de clientes quieres tener?... Su respuesta me dejó helado... "gente que pague".

De entrada ya sería difícil explicar muchas cosas necesarias para su espacio de música en vivo. Desde hace tiempo he querido abordar un tema así de espinoso y duro porque sé que no será bien recibido por todos.

Decidí escribir este post con la finalidad de aportar un elemento clave para la experiencia del cliente en un lugar en vivo. La gran mayoría de los bares culpa al músico o al ingeniero en audio de la experiencia del cliente. ¿Pero realmente el dueño sabe lo que tiene en sus manos como negocio?

1.- Espacio real: Muchos dueños de clubes tienen en mente crear pequeñas "The Cavern" en espacios apretados con poca ventilación y muchos clientes. Se limitan a vender cerveza por montones y se olvidan de lo primordial... El Cliente. Esto merece un post totalmente aparte porque tiene que ver con modelo de negocio e interpretación del nicho de mercado. En resumidas cuentas, no todos los bares consiguen esa intimidad entre el cliente, el consumo y la música en vivo. Muchos se quejan del "escenario" de 3 por 2 metros de fondo que han "pensado" para los músicos. Esto es una señal directa y concluyente de un empresario improvisado que no conoce nada sobre experiencia del cliente.

2.- Equipo barato e insuficiente: Todo va de la mano. Si no vendes un determinado número de cervezas, el negocio sufre. Se quejan del costo de mantenimiento de equipo y prefieren que la banda lleve su propio set porque se cansaron de mandar reenconar el bello par de bocinas "Mitzu" que compraron hace 3 años. Nunca se asesoran de lo que significa costo-durabilidad. No hay preocupación por tener un ingeniero base porque "hay muchos por ahí" o que la banda traiga el suyo. Mal audio es pérdida de ventas, porque el cliente no vive su experiencia realmente. Los clubes y bares basan ahora más que nunca su reputación por recomendación.

3.- Promoción insuficiente de los eventos: Cacarear el espectáculo una semana antes no sirve. No da cabida a la planeación al cliente. Si mi banda favorita está en la zona y me entero que es pasado mañana, replantear mi salida con mi novia y cancelar la comida con la suegra es imposible. Crear calendarios mensuales es fundamental para conseguir una continuidad de clientela. Siempre va a variar el número de visitantes, pero por lo menos debes buscar una meta real para fechas importantes. Planeación es la clave.

4.- Iniciar los eventos de forma temprana: Anunciar a las bandas a partir de las 8 pm y retenerlas hasta las 10 para iniciar la música en vivo, es síntoma de un negocio mal administrado y contemplado. El argumento siempre es "para que se llene". ¿Usted esperaría a que le atendieran de una muela hasta que se llene un consultorio? Si me contesta que es diferente, le aseguro que ambos cubren algo común... UNA NECESIDAD.  En un consultorio las necesidades pueden ser dolor, prevención, atención, corrección dental. En un bar puede ser diversión, convivencia, relajamiento, seguir a la banda. Le ha preguntado a sus clientes con honestidad, ¿porqué visita su bar regularmente?.  No se sorprenda si en ningún motivo aparece su negocio como la causa principal.

5.-Número excesivo de bandas: ¡Algunos bares ofrecen hasta 10 bandas en vivo en una sola noche!... Los tiempos de cambio entre bandas resultan mortales. La banda no tiene tiempo suficiente de preparar su sonido con un tiempo tan restringido. Las pausas no ayudan al consumo. La rotación se mantiene cerrada y la gente llega a escuchar bandas comprando una sola cerveza para toda la noche. ¿Le suena eso a negocio?... Dos bandas pueden hacer un mejor trabajo y conseguir una mejor fuente de consumo que 10 bandas de garage. ¿Quieres tener más días abiertos? Distribuye tus 10 mejores bandas en distintos días de la semana.

6.- Bandas vende boletos: Hasta el cansancio y agotamiento lo repetiré cuanto sea necesario: LAS BANDAS NO SIRVEN PARA VENDER BOLETOS. Su trabajo es practicar, mejorar su técnica, su música y su interpretación para ofrecer entretenimiento y su visión artística a una audiencia cautiva entre 4 paredes. Los bares que usan los boletos como medio de ingreso definitivamente no tienen claro para que tienen un negocio de este tipo. Hay mil maneras de generar ingresos en conjunto con la banda.

7.- Volumen dentro de los estándares: Para el dueño, altos volúmenes representa menos interacción entre clientes y vender más tragos. Pero de nada te sirve si siempre dependes del volumen de venta. La fatiga auditiva causa dolor de cabeza, nauseas, aturdimiento. ¡LA GENTE DEJA DE CONSUMIR PORQUE PIENSA QUE YA SE LE PASARON LAS CERVEZAS¡. Añade elementos a tu menú que permitan la permanencia de consumo. Menos sacaborrachos y más atención al cliente.

8.- Haz negocios con las bandas, no consumidores: Te parecerá barato negociar con la banda tocadas por tragos para evitar pagar efectivo. Ahora imagina a un cliente negociar contigo pagar la cuenta una parte en efectivo y la otra con varias cajas de bujías porque eso es lo que vende. ¿Ilógico? 

Asesórate para que puedas reconocer el potencial de aquellas bandas que podrían aportar algo a tu lugar. Imagínate que una banda consiga cierto éxito con el paso de los años y hablen de tí como un verdadero impulsor de su propuesta. ¿O prefieres aparecer en su libro de memorias como el hoyo de mala muerte del que tuvieron que emigrar a uno mejor donde las oportunidades se abrieron por su respaldo?... Ahí está la diferencia entre "The Cavern" y tu negocio.

Conclusión

La reputación de un lugar ahora es medible en múltiples sentidos. Los sitios web para recomendaciones son cada vez más populares y distribuíbles vía móviles. De boca en boca se van cubriendo nuevos lugares de gloria y otros van sacando a relucir sus fallas que los han condenado. 

En México está por demás decir que las fallas de un negocio a ciegas, se convierte en argumento para pagar menos a las bandas a pesar de su esfuerzo. Imagínense a un paciente decirle a su doctor que no le gustó la operación de apendicitis que le hizo porque le resultó dolorosa e incómoda. La gran pregunta sería ¿Tiene la culpa el doctor de que el paciente hubiera consumido irritantes con un mal manejo de estabilidad psicológica y personal?

Un lugar para la música en vivo es maravilloso, porque simplemente se integra de otras industrias que significan oportunidades claras de negocio. Las bandas son portavoces ante personas que pueden iniciar no sólo el consumo sino la reputación adecuada para tu negocio. 

El cliente puede comprar el disco de esta banda y visitar regularmente un bar o club donde por 6 horas no se preocupó por la cuenta. El disfrute personal estuvo a su alcance y al día siguiente recordará la experiencia posteándola en Facebook, sacando imágenes de tu bar y no sólo 20 selfies de ellos en diversas etapas de embriaguez.

No te limites a vender cervezas y alcohol como tu negocio. Piensa en la experiencia del cliente. ¿Cómo te gustaría que te trataran a tí en un bar?,¿Crees que la amabilidad y atención es costosa?
Mejores lugares significan mejores bandas, mejores negocios, mejores clientes, mejores ingresos. 

Abre tu panorama y saca a tu negocio de estos vicios. Sobre todo, piensa en que tipo de cliente quieres tener...

Rafael Mendoza realiza soporte en Ad Libitum

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Las 5 cosas que nadie te cuenta sobre el Mastering Automatizado Online...

Ya tienes un super tema que creaste para lanzar en tu cuenta de SoundCloud. Ya conseguiste la tarjeta de crédito para pagar el servicio en línea que viste en Facebook y sólo te falta hacer un click para dar en pagar... ¿O es demasiado tarde?

Los nuevos sistemas de masterización online, responden a criterios de volumen de servicios. Es decir, es fácil, directo, instantáneo, pero no significa que sea la mejor opción.

Aquí las 5 cosas que nadie te cuenta sobre el Mastering Automatizado Online.

1.- Es un algoritmo matemático: Un algoritmo trabaja en base a un promedio de resultados posibles de acuerdo a datos estimados. Hasta donde sé, ningún oído experto se basa en promedios, sino en referencias, experiencia de años y resultados concretos. 

2.- Colabora con el Loudness War: Si tienes un buen material, donde las dinámicas son importantes, géneros como el jazz, clásico, interpretativo o en vivo no pueden beneficiarse de este proceso. Una buena canción no necesita altos volúmenes. Un buen arreglo basta.

3.- Procesa un archivo de alta resolución a partir de un mp3: Algunos sitios te dan la opción de subir el archivo sin compresión. Pero obtenerlo "masterizado" en mp3 es una gran contradicción. Envía a la lavandería un pantalón viejo y obtén uno nuevo al regreso... ¿Imposible verdad?

4.- Realizan 3 procesos de degradación: El digital se degrada produciendo jitter digital. Suma una codificación de subida, una de proceso y una de bajada. 3 procesos que si los combinas obtienes un bonito archivo modificado.

5.- No agrega nada nuevo que no puedas hacer tu mismo: Los resultados parecen sorprender a quienes utilizan este servicio. Sin embargo, los expertos han comparado el resultado contra presets de plugins (tampoco muy recomendable) que existen en el mercado como T-Racks o Soluciones todo en uno y al parecer el resultado es más aceptable en estas plataformas.

Conclusión

Aún estamos por ver como evolucionan estos servicios online, pero por el momento ofrecen lo que dan. No todo lo que lleva la palabra profesional lo es y no todo lo que dice Mastering suele serlo.

Tal vez sea caro comprar un TRacks para "pulir" tu material un poco, pero si lo contrastas con las posibilidades, aprenderías un poco mejor sobre el uso de compresión, expansión, compresión multibanda y algunas técnicas básicas de procesamiento. 

No descarto estos servicios para quien no quiere nada técnico, pero esperar que obtengas un material limpio y bueno a partir de un algoritmo online ya suena bastante pretencioso.

Rafael Mendoza envía a masterizar proyectos de Ad Libitum con expertos en su campo

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Press Kit: Inicia la batalla...

En la era digital, la velocidad de entrega es fundamental para mantener informada adecuadamente al usuario.

El Press Kit es la carta de presentación a cualquier nivel de un proyecto. No importa el número de integrantes o si eres solista. Tampoco si tu proyecto utiliza un pandero y castañuelas para crear música. 

Iniciar con un buen press kit va más allá del diseño gráfico, pues aunque contribuye enormemente, es el contenido lo que puede apoyar tu enfoque y empuje como artista.

Aquí las consideraciones básicas para crear un Press Kit

¿Que es un Press Kit?

Fundamentalmente es un conjunto de documentos que hablan sobre el origen, identidad, sentido y dirección de un proyecto específico.

Es una guía y carta de presentación para quien desee entender tu concepto. Beneficia al book manager a dar la idea principal de tu proyecto.

Existen dos tipos de Press Kit: el impreso y el electrónico o EPK

Ambos son válidos aunque se utilizan de diferente forma. El press kit impreso sirve más como respaldo para el Booking Manager, una presentación más formal ante medios más grandes y apertura en festivales de mayor captación de audiencia. Radio, TV y Prensa especializada son el objetivo primordial.

El EPK por el contrario, es información inmediata que se puede colgar en internet. Normalmente es una versión más corta que el Press Kit impreso. 

¿Que datos debe llevar?

Aunque varían debido a los géneros y estilos, el Press Kit contiene datos fundamentales que son el punto de arranque para un proyecto.

Biografía: Recuerda que el Press Kit es una base de conocimiento rápido. Quien quiera contactarte hará las preguntas necesarias una vez que te presentes a acordar algo. Así que menciona solamente a los integrantes de la banda y como visualizan su pasión por la música que crean. Si la configuración ha cambiado recientemente, menciona la fecha de integración de los últimos integrantes y al final puedes mencionar a los compañeros anteriores como forma de reconocimiento y respeto. Datos relevantes de la producción como Productor, Sello discográfico, patrocinios etc.

Fotografías: La mejor calidad posible debe ser utilizada en el Press Kit. Aquí es donde te puede servir nuestro post "Cómo sobrevivir a una sesión fotográfica " o utilizar solo aquellas fotografías que valen la pena mostrar. 

Si no sabes que fotos usar, elige aquellas que creas convenientes (nada de fotos de fiesta o en estado inconveniente, alcohol, cigarrillos, actitud fuera de control) y preséntalas a 10 personas que no conozcas al azar. Aquellas que sean mejor señaladas serán la base de tu búsqueda.

Reviews y Entrevistas: Menciona estos datos como parte de la experiencia que tienes. Linkea vínculos en el EPK de fácil acceso. 

Fechas de Tours o eventos importantes: La experiencia es la que marca la diferencia. Menciona los eventos más relevantes en los que se ha presentado tu proyecto. 

También puedes utilizar fechas próximas. No importa si has abierto conciertos para conocidos o desconocidos. Saber en que foros te has presentado le indica a quien revisa tu press kit, la experiencia que has acumulado en estos años.

Formas de contacto: Aquí puedes poner todas las vías de acceso que tienes disponibles.

• Nombre del contacto, quien atiende las llamadas. No pongas más de 2 personas para que coordinen una sola agenda. Aquí va el nombre del Booking Manager o Manager Personal

• Teléfono celular o fijo

• Correo electrónico: si no tienes aún página web, por lo menos crea un correo único para el proyecto que lleve el nombre del mismo. No muy largo, por ejemplo, si la banda se llama "17 saxofones y 20 manzanas blues" puedes crear uno que diga 17y20blues@hotmail.com... listo

• Página de Facebook: Asegúrate de tener un poco de rotación por lo menos cada 3 días. No compartas nada que no tenga que ver con tu proyecto. 

• Cuenta de Twitter: La oficial, no la personal.

• Links de You Tube: Elige uno o 2 videos representativos. No importa el sonido, sino como desarrollas tu proyecto y quien eres.

• Cuenta de redes sociales musicales: Spotify, My Space o cualquier otra red donde se aloje tu música: Asegúrate de personalizarla adecuadamente.

• Redes sociales alternas: Aunque tengas pinterest y cuanta red social se conozca, si no tienes un community manager será mejor que te limites a las 3 grandes, Facebook, Twitter y YouTube.

Carta personal: Incluir una carta personal como punto de presentación, es un buen aperitivo para iniciar una conversación a cualquier medio. Agradece la oportunidad y tiempo asignado a tu press kit y haz crecer el interés en tu proyecto. Más de 10 líneas es excesivo. 

Es como si fueras a escribir un comercial para tu proyecto de 30 segundos. ¿Que dirías aparte de dar las gracias por mirar el comercial?.

Empaque y presentación: Está de más decir que se debe trabajar con un diseñador gráfico de la mano. Si estás en la onda DIY (hágalo usted mismo) por lo menos aplica algún apoyo de alguien que tenga toque para crear una plantilla en Word. Utiliza formatos de texto conocidos y mantén la lectura limpia y en orden.

Si no tienes logo por lo menos utiliza una tipografía que distinga a tu nombre del resto del texto.

Para el Press Kit impreso investiga papeles, folders, costos en materiales fuera de lo tradicional. Considera ingresar un CD de audio (no datos) que contenga 2 o 3 temas fundamentales. 

Para el EPK, reproduce lo más fiel posible en un documento PDF. Utiliza las herramientas de formato de texto. Más de 3 páginas en EPK son demasiadas. Una vez que estés frente al interesado puedes llevarle tu Press Kit Impreso y hacerlo un poco más extenso. 

El empaque debe facilitar su apertura y cierre de forma sencilla. Olvídate de broches, botones, ligas, cordones y todo aquello que puede hacer parecer tu empaque una invitación de baby shower o de boda septuagenaria. Simpleza es la clave.

Rotular el CD de Audio es fundamental. Imprimir una etiqueta puede generar fallas en la reproducción del disco. Busca un servicio especializado y trabaja unas 30 piezas para distribución.

El broche de Oro

Disponibilidad, compromiso, atención personalizada y lenguaje apropiado. Podrá ser una banda de punk rock muy pesada contra el sistema. Pero ante una invitación a participar en un festival o evento siempre debe ser tratada con cortesía. 

Aunque el promotor abra la puerta para llevarse de a cuartos, debes delimitar tu lenguaje y presentarte como un profesional.  Ningún press kit por caro y bonito que sea te va a salvar de no devolver una llamada, un correo, un saludo, una mención de Facebook o un Tuit. Sigue siendo la carta máxima de presentación.

Conclusión

Hay muchas consideraciones más al momento de hacer un Press Kit. Estos pasos te sirven como una guía si estás bajo una situación de bajo presupuesto, emergencia o inicias estos caminos de la producción musical. Deberás substituirlo en lo posible y a mediano plazo. Siempre ve por la calidad de diseño, imagen visual y contenido.

El sentido del proyecto, su duración, las metas y sobre todo para qué tener una banda son la base para generar un producto rentable, atractivo y de amplia respuesta como lo es tu banda.

Seguiremos hablando de estos temas en otros post.

Rafael Mendoza ha leido press kits en Ad Libitum

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Derechos de autor: ¿Que son los derechos morales y para qué sirven?...

Hemos dejado el tema de derechos de autor un poco olvidados y ahora lo retomamos  porque en estos días se han estado produciendo menciones constantes a las particularidades del derecho de autor.

La mayor parte de las personas que se preocupan por derechos de autor piensan en los procedimientos de bloqueo para evitar el fenómeno de la piratería, cuando lo relevante es reconocer sus derechos morales. Si no estas familiarizado con el tema de derechos de autor puedes leer nuestros post anteriores Derechos de Autor: 10 Elementos Clave y 10 errores comunes al registrar temas musicales para que comprendas mejor este tema,

¿Qué son los Derechos morales en Derechos de Autor?

Son todos aquellos derechos que protegen la voluntad y personalidad del propietario de los derechos. En sí, protegen su voluntad de acción y de decisión más que de la obra misma.

En ellos se incluye el Derecho al reconocimiento de la paternidad de la obra, y el derecho de autor a preservar la integridad de la obra. Es la conexión entre el autor y su obra para evitar el plagio.

Desglosaremos los artículos del capítulo II de la Ley Federal de Derechos de Autor en su Capítulo II. Pondremos al final de cada artículo una interpretación básica para ofrecer un panorama más digerido. Estas interpretaciones básicas son puntos de referencia para preguntar a un abogado experto en Derechos de Autor.

Capítulo II
De los Derechos Morales

Artículo 18.- El autor es el único, primigenio y perpetuo titular de los derechos morales sobre las obras de su creación.  

Interpretación Básica: Ninguna otra persona está habilitada para obtener beneficio directo de los derechos morales mas que el autor registrado.

Artículo 19.- El derecho moral se considera unido al autor y es inalienable, imprescriptible, irrenunciable e inembargable. 

IB: Ninguna disquera, editora, publicadora, representante artístico, manager, productor, musico, familiar o descendientes pueden recoger por ningún motivo expresado en documentos o no para reclamar el derecho moral.

Artículo 20.- Corresponde el ejercicio del derecho moral, al propio creador de la obra y a sus herederos. En ausencia de éstos, o bien en caso de obras del dominio público, anónimas o de las protegidas por el Título VII de la presente Ley, el Estado los ejercerá conforme al artículo siguiente, siempre y cuando se trate de obras de interés para el patrimonio cultural nacional.

IB: Ojo con este, una cosa es que sean descendientes y otra que sean HEREDEROS, ante lo cual solamente aquellos y el autor podrán ejercer el derecho de ejercicio para que se cumplan los requerimientos de derechos de autor.

Artículo 21.- Los titulares de los derechos morales podrán en todo tiempo:

Determinar si su obra ha de ser divulgada y en qué forma, o la de mantenerla inédita;
 IB: Si quiere que se sepa de su existencia, por que métodos, electrónica, digital, oral etc. O no

II. Exigir el reconocimiento de su calidad de autor respecto de la obra por él creada y la de disponer que su divulgación se efectúe como obra anónima o seudónima;
 IB: Derecho a que se reconozca su obra y recuperar ese derecho si es necesario como anónima o bajo seudónimo

III. Exigir respeto a la obra, oponiéndose a cualquier deformación, mutilación u otra modificación de ella, así como a toda acción o atentado a la misma que cause demérito de ella o perjuicio a la reputación de su autor;
 IB: Nadie puede meterle mano a la obra u oponerse a ello si se considera que se afecta)

IV. Modificar su obra;
 IB:Permitir que se modifique bajo su criterio

V. Retirar su obra del comercio, y

IB:Proteger comercialmente el producto

VI. Oponerse a que se le atribuya al autor una obra que no es de su creación. Cualquier persona a quien se pretenda atribuir una obra que no sea de su creación podrá ejercer la facultad a que se refiere esta fracción.

IB: Elementalmente es decir cuando una obra no le pertenece y tiene derecho a decirlo.

Los herederos sólo podrán ejercer las facultades establecidas en las fracciones I, II, III y VI del presente artículo y el Estado, en su caso, sólo podrá hacerlo respecto de las establecidas en las fracciones III y VI del presente artículo.

IB: los herederos solo puede aplicar los cuatro primeros puntos y a requerimiento del  Estado solo se pueden aplicar las fracciones  III y VI.

Artículo 22.- Salvo pacto en contrario entre los coautores, el director o realizador de la obra, tiene el ejercicio de los derechos morales sobre la obra audiovisual en su conjunto, sin perjuicio de los que correspondan a los demás coautores en relación con sus respectivas contribuciones, ni de los que puede ejercer el productor de conformidad con la presente Ley y de lo establecido por su artículo 99.

IB: Artículo que integra obras generadas por coautoría como películas, programas de tv o aquellas que integren imagen contra sonido.

Artículo 23.- Salvo pacto en contrario, se entiende que los autores que aporten obras para su utilización en anuncios publicitarios o de propaganda, han autorizado la omisión del crédito autoral durante la utilización o explotación de las mismas, sin que esto implique renuncia a los derechos morales.

IB:Esto debe aplicar en un acuerdo de obras por encargo, porque de otra forma, implica el uso comercial de un derecho de autor ya generado. Un ejemplo puede ser el tema Don't Worry Be Happy de Bobby McFerrin, donde se ocupa el tema para la propaganda de pañales.

Conclusión 

Los derechos morales protegen la voluntad de acción del autor tras el reconocimiento del Estado como creador de la obra. Por eso, muchas veces aunque un tema musical se sepa conocido por todos pero registrado por otro cuesta mucho trabajo se reconozca posterior al registro.

Seguiremos escribiendo sobre la importancia del Derecho de autor y sus implicaciones en audio producción. Si tienes más dudas al respecto, por favor busca un abogado ESPECIALIZADO en Derechos de Autor. 

Y recuerda... Más que defender como se copia una obra, siempre busca defender protegiendo su derecho de autor..

Rafael Mendoza lee sobre derechos de autor en Ad Libitum

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Decálogo básico para comprender emocionalmente al Ing@. en Audio...

Las relaciones humanas en audio producción son indispensables para soportar la mecánica de trabajo del Ingeniero en audio.

Por glamoroso que parezca nuestro trabajo, la carga de responsabilidad, presión en tiempos de entrega, expectativas del cliente y responsabilidad personal (aderezados con un poquito de ego) pueden hacer de las relaciones sentimentales y compromiso de tiempo algo difíciles de sobrellevar para una relación en que se involucre un alguien inmerso en audio producción.

Preparé este post como un pequeño homenaje a aquellas personas que ligadas indirectamente a nuestra industria, brindan su colaboración para que nuestro nivel de tensión, frustración, enojo y angustia se desvanezcan con una sonrisa.

1.- Buscar Tiempo de calidad :Los esquemas de trabajo son a veces demasiado apretados. No queda tiempo ni para comer el lunch y acabamos totalmente rendidos mentalmente. Eso si, cuando hay tiempo de descanso siempre podremos sacar un poco de energía para una llamada, un mensaje y hasta una película de madrugada. Calidad y no cantidad.

2.- Tener mente abierta para la crítica musical: Puede tratarse de la canción más profunda y emocionalmente mas llegadora.... Pero no te compliques si tu amado Ingenier@ empieza a criticarla... Esta en sus venas, en sus cables, en sus neuronas. No es reprogramable.

3.- Entender su independencia laboral: En la realidad económica, el Ingeniero en audio depende de la independencia laboral. Contados son los que basan su trabajo administrativamente hablando. Las previsiones económicas son dependientes de la negociación y oferta de servicios. Huímos de los escritorios por ser asesinos de la creatividad. Clave para una relación de pareja.

4.- Aceptar su extenuantes horarios: Actualmente pocos ingenieros mantienen un horario laboral estable. Debido a que tenemos una industria dependiente de la creatividad, los tiempos son muy variables para laborar. Habrá fines de semana perdidos y días festivos en algunas ocasiones estará terminando una mezcla con ajustes de último momento. Largas horas de mezcla y post producción. Claro que se puede evitar con políticas de servicio, pero a veces es imposible evitar una emergencia.

5.- Reconocer y aceptar su exposición constante a la admiración del sexo opuesto (o el mismo según el caso): es inevitable que en los procesos creativos la empatía e identidad formen vínculos instantáneos entre clientes y productores, ingenieros, músicos, locutores, etc. No me mal entiendan, pero es indispensable muchas veces para desarrollar proyectos de forma más consistente y continua. Los límites de una relación son responsabilidad de cada pareja, pero este elemento siempre esta presente y es un elemento indisoluble  en audio producción

6.- Tomar sana distancia en momentos de crisis : Bajo la presión de un proyecto, una observación fuera de lugar se puede convertir en el punto que haga estallar la bomba. La distancia y comprensión son fundamentales en estos estados de Jeckyll y Hide que presentamos a veces. Den algunos minutos para recomponer nuestra cordura y darnos cuenta de que debimos cambiar el cable desde hace 5 años para que no nos diera lata en este momento de presión.

7.- Utilizar la diplomacia para hablar sobre su trabajo: Todos los involucrados en audio producción sabemos que la mayoría de las veces nuestras personas mas queridas no saben de que se trata nuestro trabajo. Sin embargo y por algún gen raro que no hemos descubierto, siempre les preguntamos su opinión sobre ello. Si esto ocurre, dale una opinión sincera pero no destruyas del todo su visión. Nosotros nos damos bien cuenta cuando alguien abre esa herida de la auto compasión y se toca el corazón para no destrozar nuestro trabajo.... ¡y lo valoramos!

8.- Modificar tu régimen alimenticio: Cada vez mas ingenier@s cuidan su régimen de alimentos. Sin embargo no te extrañes si quiere tacos de huitlacoche con salsa inglesa a las 9 de la noche justo cuando ya van a cerrar o pida una pizza extra queso a las 10 am. Tampoco te molestes si te invita a comer y el termina en 15 minutos o menos su plato. Eso si, come cuanto puedas en ese período de tiempo...

9.- Darle espacio y tiempo para mirar electrónicos con detalle: Somos fans del shopping electrónico, caminaremos 20 cuadras y visitaremos cientos de locales preguntando precios de equipo que nunca vamos a comprar. Miraremos babeantes por vitrinas y catálogos en línea. Verificaremos con lupa cada detalle técnico provisto por el fabricante y aún así buscaremos en la Deep Web el borrador del prototipo en papel para asegurarnos que el transistor de .078 volts haya sido contemplado en el diseño original desde el principio. Vigilaremos cada centímetro que recorra la mensajería y hasta avisamos de baches en la zona para que eviten golpear a nuestros juguetes. ¿Excesivo?.... Si, pero nadie nos entiende.

10.- Aprender un nuevo vocabulario : Es en serio, un nuevo idioma invadirá tu mente y nuevos conceptos de cosas impronunciables. ¿Metadata, FireWire, thunderbolt, multitrack?, personas desconocidas (¿quién es Daisy?) y conceptualización infantil de nuestro ambiente (mi consolita por ejemplo). Te darás cuenta que nuevos miembros de la familia entran y salen con un apodo cariñoso. Y por favor, no se molesten cuando digamos " mi bebé, mis chamacos, mi nena preciosa".. Nos referimos a nuestros proyectos, ecualizadores, micrófonos, instrumentos y fiel computadora de trabajo (Plankton de Bob Esponja es una buena referencia).

Conclusión

Espero haber cubierto lo básico y aligerar un poco la carga de algunos colegas para describirse de mejor forma ante sus parejas, prospectos, novias y familia también. 

No es tarea fácil leer estos puntos y pensar que se sale de toda proporción de una relación tradicional. Creo que hablo por todos cuando digo que ha pesar de todas estas referencias, siempre volvemos a buscar a nuestros seres queridos y nos volcamos por entero en cultivar los lazos emocionales, familiares y de solidaridad.

Quiero dedicar este post a mi familia, mi esposa y mis hijas por aceptar este modelo de locura en su estructura y también a todos aquellos que acogen a un miembro de esta raza tan extraterrestre como lo es el Ingeniero en audio...

Rafael Mendoza es ingeniero en audio en Ad Libitum

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Mezclas de referencia: Criterios para optimizar tu sonido...

Una de las preguntas más comunes para los poseedores de un Home Studio es que se puede hacer para acercar su sonido a los temas comerciales.

Aunque las implicaciones técnicas pueden desglosarse en muchas vertientes, son el gusto personal, la experiencia, criterio, el material con que se mezcla, la actitud, el arreglo musical y otras tantos ingredientes.

A veces pensamos que abordar mejor una mix es tener habilidad para "disfrazarla" y que pase por buena. Obvio que el entorno acústico que utilices lo afectará sobre todo en el home studio. Pero aún así si mezclas a volúmenes bajos puedes obtener resultados aceptables

Aunque si hay especialistas en este concepto, de nada sirve intentar una mezcla si no conoces una buena mezcla. Aquí algunos consejos para conseguirlo.

Referencia base: La búsqueda inicia en los CD's, Lps, cassetes y mp3 que tengas a tu alcance. Hacer un recopilatorio de temas de referencia te podrá recordar constantemente los rangos de frecuencia usados en ciertos instrumentos para ciertos estilos. Puedes hacer discos de referencia en 2 vertientes:

• Por género: Si te quieres especializar en la música techno, tal vez debes iniciar con los orígenes electrónicos de fines de los 80 para comprender la base sobre los que se han construido. Es muy tentador querer imitar el sonido de Skrillex, pero todo tiene un origen y debes ir ahí para no solo copiar el sonido, sino intimar con el género.

• Por época: Suena lógico y es el mejor paso. Para obtener un sonido vintage debes conocer la disponibilidad de equipo de la época, el tipo de producción y las técnicas aplicadas a esa era. En este tipo de mezclas es importante el equilibrio entre vintage y contemporáneo. Las versiones nuevas de temas clásicos también puede ayudar a presentarte puntos de vista para abordar temas populares.

Entrenamiento auditivo: Aquí es donde la gimnasia auditiva da sus resultados. Reconocer timbres, rangos de corte y frecuencias predominantes se vuelve muy útil. Desarrolla un esquema de entrenamiento semanal para que tengas esta habilidad fresca.

Registros escritos: Leer los reviews, entrevistas con el productor, artista o ingeniero que mezcló el tema te podrá dar información o pistas de como se procesó el material. No esperes que te den la cadena completa en sólo unas líneas. Los ingenieros comparten la clave, es tu deber la exploración.

Conocimientos musicales: Comprender armonía y técnicas básicas de composición te ayuda también a tomar mejores decisiones de mezcla. Que puedes dejar, donde puede encajar. A veces me ha resultado mejor quitar un instrumento del coro y pegarlo en partes del verso como respuesta. Los límites son el tiempo que quieras dedicarle. Un mal arreglo te dará pocas oportunidades, aprende a reconocerlo para que evites la frustración

Conclusión

Crear una base de temas de referencia y tenerla disponible es importante para que tu proceso de mezcla no se vea afectado.

Algunas veces será necesario importar el tema en tu área de trabajo para revisarlo constantemente. Para el cliente, la magia ocurre en nuestras manos más que en su creatividad. Hay temas que aunque suenen bien con poco proceso el cliente quiere desarrollarlo con efectos y edición. Si lo pagan adelante. Pero finalmente lo que hace un gran tema es su arreglo musical, las emociones que transmite y la mezcla correcta que no altere ese balance.

La mezcla es un paso subjetivo por muchas cosas. A algunos puede gustarles y a otros no. A algunos les gustará el tema y a otros no a pesar de ser una buena mezcla. Siempre enciende y apaga los efectos para que escuches que estás procesando y que está haciendo en la mezcla

En lo posible, optimiza los recursos de acústica posibles en tu espacio de Home Studio. Es una inversión fuerte pero valdrá la pena porque reducirás tiempos de post producción y comparación.

Pasa muchas horas entrenándote con estas referencias y poco a poco encontrarás ese punto al que deseas llegar. Ningún plugin o sistema de producción puede hacer eso por ti.

Rafael Mendoza mezcla con referencias en Ad Libitum

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