Jingles del IMSS: Salud a ritmo de tribal

Desde hace un tiempo quería tocar el tema de los jingles para las campañas de instituciones públicas.

Las campañas del Instituto Mexicano del Seguro Social basadas en el concepto de prevención (Prevenimss) causaron un revuelo en la comunidad musical.

Varios colegas me hablaban con disgusto sobre la elección del género utilizado para realizarlo. El género tribal estaba en boga durante el desarrollo de la campaña. Recientemente la campaña contra el Chikungunya ha sido acompañada de ritmos reggaetoneros.

¿Se trata de una elección arbitraria?... Veamos un ejemplo del jingle de Prevenimss.

Audiencia target

Un elemento común en la comunicación de masas y el marketing (social en este caso), es la audiencia objetivo o "target". Este dato es fundamental para la realización de cualquier campaña publicitaria independientemente de su objetivo comercial, social o informativo.

La elección de los ritmos tribales y reggaeton para los spots publicitarios del IMSS, obedece a que se debe facilitar la difusión del mensaje, utilizando recursos comunes y mejor aceptados por los segmentos económicos, edad y género que integran la población mexicana.

Seguramente la música tribal no está asociada a un segmento de clase media, que accede a recursos informativos de primera mano como internet o redes sociales. Al utilizar un medio de difusión tan amplio como radio y televisión, debe tomarse en cuenta la diversidad cultural a la que llega la información.

En este caso, aunque la campaña va dirigida a la población general, se optó por utilizar aquellos elementos culturales que alcanzan una difusión mayor. Es decir, no se puede hacer un jingle a la carta para segmentos económicos y culturales superiores. 

El disgusto por parte de algunos colegas obedece a que su educación musical y percepción cultural está por encima del nivel promedio de la población. 

Digamos en pocas palabras que estos colegas son inmunes o difícilmente serán seducidos por una campaña fondeada con música tribal o regaetón.

Debate cultural

Justificada la parte de elección por segmento de la población, el debate pendiente que se han planteado algunos críticos de la política social, es si debemos utilizar los géneros como tribal y reggaetón para enviar mensajes a la población. Principalmente porque estos géneros han sido vinculados con comportamientos sociales no muy bien vistos por la mayoría de la población entre 29 y 69 años.

Los iniciadores de estos debates, han propuesto realizar una regulación o protocolo para la realización de campañas sensibles o importantes para la población. Pero a mi forma de parecer, creo que no es el camino adecuado para ello. Una cosa es el gusto personal o la defensa de las buenas costumbres y otra cosa muy diferente es realizar una campaña efectiva sobre una amenaza de salud.

Conclusión

La campaña de Prevenimss cumple efectivamente con su cometido. El tribal ha permitido insertar un mensaje claro; en mi opinión, "Chécate, mídete, muévete" es una recomendación cada vez más estrecha y mejor dirigida , comparada a la de hace unos años donde se promovía la actividad física en las unidades de salud del IMSS, utilizando una música institucional. Todos queremos evitar el Chikungunya sea cual sea la condición social, económica o cultural, simplemente porque la salud no respeta esa frontera tan humana de la distinción.

Así que no te extrañe, si la próxima campaña para evitar una pandemia como el cólera o H1N1 viene acompañada de un jingle a ritmo de norteño banda (CONSAR ya la utiliza en su spot de "Con 10 pesitos").

Rafa Mendoza produce y escribe para Ad Libitum

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YouTube Music Key: ¿Cómo colarse en la guerra del Streaming?

La guerra del Streaming ha entrado en una recesión temporal los últimos meses. Las compañías que encabezan la lista, han tenido problemas para sustentar sus políticas y expander el mercado, debido a distintas circunstancias clave.

En el caso de Spotify, la salida y quejas constantes de artistas insatisfechos con el modelo de negocio, han parado abruptamente las decisiones de la empresa. En el caso de Apple Music, las metas prometedoras de suscriptores se vieron muy limitadas. El servicio no ha sido lo prometido y las diferencias con otros servicios de streaming, no le han permitido mejorar su captación.

A Deezer, que pensaba saltar al negocio del streaming en video, el mercado lo hizo detener sus posibilidades de entrar a la Bolsa de Valores.

¿Podrá YouTube Music Key aprovechar esa recesión de mercado?

YouTube Music Key: ¿Complemento de Google Play?

El pasado 12 de Novimebre, YouTube Music Key fue oficialmente lanzado en Estados Unidos. El servicio permite configurar las opciones de listado por preferencias y alternar entre modo video o audio solamente.

La eliminación de anuncios durante la reproducción también ha sido eliminada para permitir un flujo constante de música. Se pueden aplicar filtros regionales e información adicional sobre el artista a través de sus canales.

YouTube es el tercer sitio más visitado después de Google y Facebook. Esta unión estratégica entre la plataforma de búsqueda y el sitio de videos, es una de sus grandes fortalezas.

La apuesta es clara. YouTube buscará ofrecer contenido exclusivo dentro de sus canales, de forma similar a Netflix en producciones propias. Conciertos, transmisiones en vivo y eventos especiales serán la propuesta más atractiva del sitio.

Las fortalezas de la plataforma

La plataforma posee un éxito adelantado al tiempo del servicio streaming. La última estimación proporcional a número de videos disponibles es de 120 millones de videos. Esto lo convierte en la plataforma con mayor cantidad de contenidos en diversos géneros y temas.

Se estima que diariamente se suben 50 días de material, aproximadamente 300 horas de video por minuto.

La infraestructura tecnológica que ofrece YouTube, le permite manejar 1 millón de anunciantes distribuidos en los canales autorizados para publicidad, sin contar las posibilidades técnicas de streaming en vivo en video de alta calidad en transferencia.

Ninguna otra plataforma provee contenidos tan amplios en disponibilidad inmediata. Sin embargo, Netflix opera de forma alternativa con materiales de licencia que vuelve compleja su operación.

YouTube tiene la capacidad de transformarse en una plataforma de contenidos musicales On Demand instantánea y ofrecer listados de reproducción a la medida de cada suscriptor.  Estas fortalezas podrían llevar la lucha del streaming musical en formato audiovisual, en donde su único y posibles contendientes pueden ser iTunes, que goza de un 7 % del mercado estadounidense y Deezer que ha tenido que aplazar su lanzamiento por pérdidas económicas.

Conclusión

YouTube entra en la guerra del Streaming bajo favorables circunstancias. En este momento y por lo menos hasta inicio del 2do trimestre del 2016, no se le ve algún oponente enfrente.

Ha llegado primero que nadie a la plataforma del streaming de video y parece que seguirá reinando un buen tiempo. VEVO sentó los precedentes de su operatividad al vincularse Google, Sony y Universal Music en su desarrollo.

Se podría decir que YouTube necesita de los contenidos para subsistir y que las disqueras mayores necesitan su canal de distribución para permanecer vigentes en sus productos. Esta simbiosis podría revertirse con los años y aunque no está confirmado, parece ser que la estrategia clara es crear contenidos, conciertos, artistas y conceptos musicales propios de YouTube. ¿Veremos a Adele firmar un contrato con una subsidiaria de Google?... Sólo el tiempo lo dirá.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum y sigue la guerra del Streaming

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Viernes de Video: Ad Libitum Incubadora de Soluciones para el Music Business

Hoy viernes de video, quiero compartirles el video de lanzamiento para la nueva propuesta de Ad Libitum. 

Comprender el negocio del Music Business es complicado para una generación que ha crecido pensando que ser músico no es rentable. Y ciertamente, las condiciones adecuadas deben confluir para que una industria sana se desarrolle normalmente.

Poner en orden un país entero es una labor titánica. Querer hacerlo con el mundo es imposible. Sin embargo, conocer los pros y contras en toda actividad del Music Business, si permite tomar decisiones que sostengan a los proyectos por años para que rindan su mayor propósito.

El pasado 18 de Noviembre, Ad Libitum expandió sus límites para transformarse en Incubadora de Soluciones para el Music Business.

Comparto el video de lanzamiento a continuación

Desde una perspectiva de incubación, la propuesta se centra en el desarrollo de emprendimiento en proyectos del Music Business. 

Asimismo, también busca complementar a proyectos establecidos y el reconocimiento de empresas ligadas a esta actividad en México.

He tenido el placer de participar en este proyecto desde su inicio y ver su desarrollo paso a paso me sigue permitiendo saber que de todos los escenarios posibles, siempre existe uno que abre las oportunidades para quienes intervenimos en la industria.

Ya puedes integrarte a este proyecto visitando su sitio web www.adlibitum.com.mx y registrándote para dejar tus datos de contacto. 

Habrá una serie de pláticas informativas en línea próximamente, así que participa lo antes posible para que ingreses a ese grupo de forma directa.

Pasen un bonito fin de semana y compartan este link para quien pueda interesarle. Nos ayudaría mucho.

Rafael Mendoza produce para Ad Libitum

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4 formas efectivas de auto sabotearte en redes sociales...

Regresando al blog de una corta temporada, recobrando bríos y muy contento de seguir en este proyecto de Ad Libitum.

El día de ayer se publicó el inicio de Ad Libitum Incubadora de Soluciones para el Music Business y hemos podido atender a las primeras preguntas sobre Music Business. Les invito a integrarse en www.adlibitum.com.mx para que conozcan más detalles.

El día de hoy vamos a revisar 5 formas efectivas de cerrar la puerta a nuestros proyectos, personas y objetivos de forma personal. 

Existe una delgada línea entre la parte personal y profesional en los humanos creativos. Aprender a reconocerlas puede evitarnos perder oportunidades importantes para avanzar. 

1.- Comentar temas controversiales, sin información suficiente: A veces seguir las tendencias de un evento o situación viral en redes sociales, se convierte en una ventana por donde todos pueden mirar tus pensamientos y formas de interpretar el mundo. No es menor la cantidad de artistas que ante su legión de admiradores, se sienten capacitados para emitir comentarios como líderes de opinión. 

En temas delicados, es mejor evitar malas interpretaciones. Si quieres participar del debate, infórmate de las dos caras de la moneda y señala solamente aquello que puedas manejar.

2.- Compartir videos virales de mal gusto o fuera de proporción: Puede parecer muy tentador poner en tu muro el video de Edgar con la versión remix de Street Fighter... pero si tu banda o proyecto se vincula directamente con un sector infantil, puede ser un gran error. Las redes sociales están plagadas de ejemplos contradictorios como bandas de rock ofendiendo a los seguidores del Reggaetón y en su siguiente post declararse abiertamente humanos del mundo libre y la paz mundial.

3.- Quemar o quemarse profesionalmente ante otros: El Music Business está plagado de oportunidades de revancha, descalificaciones, desmotivaciones y críticas destructivas. Caer en este juego y fomentarlo con seguimiento extenso en una sección de comentarios, puede acabar con oportunidades reales de contacto con nuevos clientes, productores, compositores y disqueras. Aunque libras la batalla contra uno, recuerda que hay miles observando... y podría ser una gran oportunidad.

4.- Confundir tu yo real con tu alter ego: Es imposible que dentro del Music Business, no intentemos destacar nuestros logros y esfuerzos. Para el alter ego, cualquier cosa que rompa con su ilusión, debe ser destruido y aniquilado en cualquier forma. Tal vez nos conozcan con una imagen tierna y segura dentro de la banda, pero si no reconocemos donde inicia nuestro alter ego, las cosas se pueden poner feas ante la mirada de todos. 

Conclusión

Las redes sociales se han convertido en grandes aliadas para la nueva industria 4.0. Saber trabajar una imagen y visión para tu proyecto, es fundamental para obtener una herramienta clave en situaciones de crisis. Recuerda que las redes sociales son una ventana a la intimidad que otros saben aprovechar muy bien para sabotear tus esfuerzos.

Recomiendo ocultar tu perfil personal, donde están tus amigos y familia. Crea una segunda cuenta que apoye la visión de tu proyecto y la banda. Maneja ambas con el criterio adecuado y permite que trabaje a tu favor. 

Gracias por seguir leyendo este blog y a partir de hoy, nos seguimos viendo diario. Un saludo.

Rafael Mendoza escribe para Ad Libitum

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Monetizar o hacer dinero de la música: ¿Es lo mismo?

Estar de vuelta en el Blog es reconfortante, después de una breve pausa para atender algunos proyectos interesantes para ustedes. Conviví estos días con personas interesadas en el tema del music business y me di cuenta que existe un gran problema de percepción general.

Cuando hablamos de "hacer dinero" con la música, la sensación de rechazo es inmediata. Pero cuando cambiamos el concepto por "monetizar" las actividades musicales, suena mucho más sugerente y real.

Para los expertos en capitalismo, esto podría parecer la misma expresión, pero disfrazada o endulzada por un término menos agresivo. Sin embargo, hay una diferencia abismal entre la interpretación entre ambos conceptos

¿Hacer dinero de la música?

Es desafortunadamente, el concepto más aceptado, porque se percibe un interés o abuso en prejuicio de las artes, en nuestro caso la música. Se entiende que a pesar de la inversión en tiempo, aprendizaje, técnica y materiales, se utiliza al arte como producto a cambio de simples monedas. 

También es el concepto más utilizado para definir la toma de decisiones por parte de disqueras, managers y artistas. Y siendo honestos, existe una gran cantidad de personas, suplantando con acciones orientadas a "hacer dinero", sin conocimiento alguno del negocio musical.

En México tenemos a la figura de los "representantes" artísticos, el "caimán" del grupo o el "dueño" del proyecto. No hablo en sentido general, sino que es fácil reconocerlos porque son figuras que han trascendido durante años y que intentan aplicar técnicas de hace 30 años para el Music Business. 

Piden dinero sin dar recibos, se dicen conocedores y estar "conectados" con las palancas fuertes ("yo conozco al promotor tal..."). Negocian presentaciones en lugares donde no pagan más que con cervezas y aparte llegan con amigos a ver a sus "descubrimientos". 

Afortunadamente esta figura está desapareciendo y desafortunadamente algunas prácticas se han preservado en áreas del Music Business que urge erradicar.

¿Monetizar la música?

En realidad creo que utilizar este concepto también es inadecuado. Una forma más real sería decir "monetizar tus actividades musicales". Independientemente cual sea la manera de obtener un recurso a cambio de servicios en el Music Business, sonorizar, renta de equipo, bar karaoke, grupo musical, grabación, producción, mezcla DJ o imitación, monetizar significa recibir un beneficio económico a cambio de tu actividad.

Incluso cuando tu objetivo principal no es obtener recursos económicos, necesitas tener una idea clara de quien hace que, cómo hacer que se alcancen los objetivos y cuantos costos están comprometidos.

Esto implica que debes saber que haces cosas que están legalmente permitidas y quien tomará las responsabilidades si algo sale mal. Más allá del concepto de libertad artística que merece un tratamiento aparte, debes entender que no todo el arte es para todas las personas.

Siempre que hay dinero involucrado, se debe poner atención no sólo de cuanto ganarás o no, sino que a pesar de no ganar algo a cambio de tus actividades, tampoco estás perdiendo algo importante.

Conclusión

Monetizar tus actividades musicales va más allá de la obtención de recursos. A veces me preguntan si hacer una banda es buen negocio. La mejor manera de evaluar esto es saber cuantos recursos económicos, personales, tiempo y esfuerzo requiere ese proyecto en particular. 

Obtener una ganancia no es siempre el objetivo de algún proyecto. Si se vuelve sustentable basta para hacerse viable. Es decir, puede ser que simplemente se mantenga en actividad el tiempo necesario para cumplir un objetivo clave. Monetizar ganancias puede no ser su objetivo principal, pero monetiza recursos que le permiten seguir viviendo.

Por el contrario, monetizar para obtener ganancias también puede ser viable siempre y cuando se vuelva rentable. Ganar 1 peso o 200 pesos es una ganancia, pero pocos nos preguntamos ¿es rentable ganar 1 peso o 200? 

Este tema de la rentabilidad requiere de un post adicional, pero baste decir que para comprender mejor al entorno del Music Business, debes dejar de pensar en "hacer" dinero, a cambio de "monetizar" tus actividades musicales.

Rafa Mendoza realiza producción en Ad Libitum

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Las 7 inversiones irrenunciables para el Music Business

Cuando inicias una banda o proyecto, existen elementos en la era digital que son fundamentales para alcanzar peldaños más altos. 

Es un poco contradictorio para la mayoría de los músicos, defender su arte interpretativa sin tomar en cuenta que la única manera de posicionarlo es invirtiendo adecuadamente en ello.

Muchas bandas, intérpretes y músicos, creen que el Music Business solamente existe en lo que llaman "grandes ligas". Sin embargo, lo único que cambia entre su proyecto y uno presentado en el Auditorio Nacional, es el tamaño proporcional del espectáculo que se presenta.

Si deseas trabajar en un entorno mejor del Music Business, debes tomar en cuenta 7 inversiones clave para su desarrollo. Ahorrar para utilizarlas en su momento, no debe ser problema para una banda, organización o proyecto bien organizado.

1.- Fótografo o videógrafo profesional: Está bien que puedas ocupar el talento de tus amigos o conocidos para realizar un video a un costo bajo. Pero de la vista nace el amor y finalmente, todo lo que haces es para incentivar a tus fans a seguirte. Un fotógrafo profesional experimentado en Music Business, sacará lo mejor de tu banda sin siquiera incluir imágenes en movimiento. Un videógrafo profesional, aportará calidad creativa fundamental en la era del video digital. 

2.- Diseñador gráfico: Es increíble la cantidad de material bien trabajado que goza de un arte en sus plataformas y portadas realizadas por un miembro de la banda que le sabe al PowerPoint. A menos que seas un artista nato que puede pintar la Mona Lisa en Paint, ceder este trabajo a un diseñador gráfico profesional especializado en los conceptos de tu música, es la mejor inversión que puedes hacer.

3.- Promocionales creativos: Una de las estrategias en Marketing de Guerrilla para el Music Business, es utilizar materiales promocionales de forma creativa. Mandar imprimir una lona de 2 x 1 metro no es suficiente para hacer que tu banda se vuelva memorable. Combina el uso de estos promocionales con tu performance onstage y convierte a extraños en fans incondicionales. Inicia con objetos pequeños pero significativos.

4.- Publicidad en redes sociales: Existen oportunidades enormes para incrementar el número de fans. Uno de los grandes errores al pagar redes sociales es invertir cuando no hay material nuevo o algo que promover de inmediato. Invertir en ads en las redes adecuadas, puede incrementar la difusión del material. No esperes recuperar dinero en ventas. Las estrategias en redes sociales son para generar productos de información valiosos para el desempeño de tu proyecto.

5.- Press Kit Profesional: Acompañado del diseñador adecuado, un EPK o Press Kit Electrónico, es la herramienta clave para abrir tus opciones a fechas, eventos, mamparas culturales y puntos de venta de tu material. Invertir en su forma, empaque y diseño gráfico es una forma inteligente de invertir recursos más que unas baquetas luminosas o amplificadores vintage que no sacarás nunca de tu casa por lo raros que son.

6.-Asesoría Legal: Tarde o temprano se necesitará contar con asesoría legal dentro del proyecto. Los lanzamientos, acuerdos de distribución o negociación para todas las partes, implica un aseguramiento de voluntades. Lamento decir que los acuerdos sin punto legal son oportunidades inestables. He visto disqueras quebrar simplemente porque ha firmado bandas que no están organizadas legalmente. El talento no lo es todo. 

7.- Mantenimiento en instrumentos: La responsabilidad del sonido o impacto de tu proyecto, proviene de la calidad de ejecución y el instrumento que lo genera. Hay bandas o proyectos muy talentosos con baterías y platillos rotos, parches marcados, cuerdas oxidadas, pastillas en mal estado, amplificadores con potenciómetros flojos o rotos, teclados con teclas sin funcionar, bajos mal alineados... Aparte de la mala imagen que proveen, su sonido siempre está afectado por dejar el mantenimiento para después... ¡Ahora creo que sabes porqué no es bueno cobrar solo cervezas en un evento!

Conclusión

Music Business es un negocio que necesita un enfoque de inversión, promoción, administración, capacitación y muchas otras áreas que lo complementan.

No basta con invertir en un instrumento y lanzarse al estrellato. No hablamos de los profesionales involucrados en otras áreas que también contribuyen a mejorar el negocio del Music Business. Pero si te interesa sobresalir, ninguno de estos aspectos es negociable si quieres destacar dentro de tu zona, región o país.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Fracking Musical en México

El término "fracking" está de moda. Una forma de explotar y obtener recursos no renovables de los suelos inyectando agua, químicos y sustratos. Esto posibilita la fracturación del terreno para liberar elementos energéticos como gas o petróleo. Sin embargo, también posibilita la contaminación del agua, problemas de estabilidad de terreno y una serie de complicaciones a la región donde se realiza.

Reflexionando un poco sobre ello, me parece que la industria musical en México, ha vivido intensamente un proceso similar al fracking energético. De ser así, simplemente hemos visualizado la punta del iceberg en muchos sentidos.

Los datos de Amprofon

De acuerdo a la Amprofon, el 59 % de las ventas digitales durante el primer semestre de 2014 fueron ventas digitales. Los formatos físicos representaron el 41%. Es decir, 32.4 millones de dólares fueron ingresados durante este periodo, siendo un 13.87% del mismo periodo.

Los datos de streaming, alcanzó un triunfal crecimiento de 130%, que finalmente representa el 41% de las ventas digitales.

Se consolidaron en nuestro país, plataformas como Spotify, Deezer y Rdio. 29% de las ventas fueron sencillos, 15% álbumes completos, 8% contenido móvil, 5% ringtones y solamente el 1% de videos musicales.

83% de las ventas en música física fue en CD; 12% DVD audio y 4% DVD video. el 1% restante se integró por plataformas de vinil, cassettes, minidisc y blue ray musical.

Los más vendidos fueron artistas mexicanos con el 34%, Internacional en inglés con 29%, internacional español con 24%, compilaciones de artistas con 6%, regional español 3%, regional anglo 2% y música clásica 2%.

El gran truco

A simple vista, parece que el mercado musical en México es fuerte. Sin embargo, lleva años desgastándose y degradándose ante nuestros ojos. La Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas (AMPROFON), dejó de ser una entidad nacional a finales de los años 60.

Poco a poco cedió su participación de mercado a las nuevas transnacionales en crecimiento. Sony, EMI, Warner y BMG, tomaron poco a poco el control del mercado mexicano durante los años 70. 

Actualmente, las cifras arrojadas por Amprofon, son números de la industria transnacional, es decir, este dinero se va al exterior, dejando empobrecido el mercado mexicano. Las Majors se apropiaron de las maquinarias de producción para CD durante los años 80 y ahora están impulsando el consumo digital en la zona. México junto a Brasil, son los principales consumidores de streaming y descarga digital de Latinoamérica.

¿Dónde están las políticas de resurgimiento para el mercado nacional? En México existen incontables productores y conocedores del Music Business que han dejado su vida en la lucha de subsistencia de nuestro mercado. Algunos han cedido ante la presión económica y cierran estudios, productoras y disqueras.

El monopolio creativo impulsado por INDAUTOR, apoyado en las representaciones de artistas monopólicas en México, no ayudan en absoluto a detener este "fracking" musical.

Conclusión

A mi forma de ver, el fracking musical que vivimos en México, es una de las principales causas que obstruyen el desarrollo de una industria más sana en nuestro país. Se ha cedido el control desde siempre y la distribución digital se convierte en una forma más amplia de sometimiento al mercado nacional.

¿Dónde están las oportunidades para las empresas culturales en los principales foros como la Semana del Emprendedor? ¿Qué apoyos se brindan en las instituciones financieras para proyectos viables de producción interna de contenidos musicales? ¿Basta con los fallidos intentos de capitalización a través del crowdfunding en México? 

Muchas respuestas son necesarias. ¿Cómo participamos de esta situación?

Rafael Mendoza escribe para el Blog de Ad Libitum

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¿Porqué compramos piratería?: 5 factores clave

La piratería es un problema de la industria, que ha causado mella significativa en los modelos de negocio tradicionales. Ha sido nombrado como una de las causas principales de la crisis, aunque como hemos analizado en otros temas del blog, es tan solo uno de ellos.

La piratería siempre ha dividido los argumentos a favor y en contra. Sin embargo, pocas veces tenemos la oportunidad de analizar a profundidad, cuales son los factores clave que permiten a la piratería convertirse en una opción viable.

Aquí los 5 factores clave que transforman a la piratería en una opción viable.

1.- Precio: Vinculado directamente a la economía, es el factor principal en nuestro país. Más el precio no se basa en la cantidad de dinero a pagar, sino en el beneficio obtenido del producto. Para algunos, un disco de Kiss a 180 pesos puede ser un precio demasiado alto. Para los fans de Kiss, vale la pena pagar hasta 250 por una edición platinum o especial de cierto producto. 

2.- Entorno específico de la industria local: Se refiere principalmente a lo que es considerado "costumbre cultural" de piratería. Es decir, en México se piratea mucho más la música folcklórica (banda, norteño, mariachi) que otros géneros de origen extrangero. Tiene que ver más con los gustos musicales y la distribución del ingreso potencial de los usuarios.

3.- Ingreso y entorno económico: Ligado al concepto de precio, el poder adquisitivo de la persona le orientará a obtener aquello que le permita subsanar su necesidad. Para un trabajador que obtiene de 1 a 2 salarios mínimos, repartidos entre las necesidades más básicas, la posibilidad de obtener un CD original o pagar un servicio de streaming al mes, se vuelve compleja. Sin embargo, pagar un porcentaje de su salario a cambio de 200 canciones en un disco CD se vuelve una opción más accesible que compagina con sus necesidades primarias. 

4.- Susbstitución de otras formas de entretenimiento y medios de soporte: La industria establece precios base de sus productos, pero los canales de distribución digital requieren de otras plataformas para llegar al consumidor. Tener Spotify gratuito no sirve de mucho, si la conexión a internet requerida no existe. Esto trae como consecuencia otras alternativas como pagar 50 pesos por la instalación de software que permite el robo de señal wi-fi en dispositivos móviles (principalmente android) o la descarga directa de productos musicales en servidores de almacenamiento tipo nube (Mega, Mediafire, etc). La música también se ve y sitios como YouTube o Tu.TV permiten acceder a videos musicales o conciertos completos en línea.

5.- La calidad de la música: Recientemente este aspecto se ha puesto sobre la mesa. ¿Vale la pena pagar 185 pesos por un producto que provee una calidad excepcional pero con un contenido pobre? Uno de los grandes argumentos de las disqueras es presumir la calidad de producción en sus productos. Decir que el artista grabó el material en los estudios Abbey Road, con uno de los productores más renombrados de los últimos 10 años, no significa que el producto cuente con una calidad de contenido que justifique su costo.

Conclusión

Existen muchos estándares en la música que se vuelven subjetivos al momento de evaluar estos factores. Sin embargo, si se analizan desde el punto de vista socioeconómico, es sencillo encontrar que algunos géneros siempre serán pirateables y buscados de forma gratuita principalmente por la capacidad de ingreso y entorno económico. En México, el IMPI (Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial) es el encargado de crear la ejecutoria legal para INDAUTOR ante un delito de piratería. Sin embargo, ha pasado más tiempo persiguiendo a los consumidores y revendedores finales, que estableciendo políticas de formación e inclusión del respeto a los Derechos de autor en las políticas educativas del país. 

La prevención de la piratería, no comienza con el cierre de puestos o los ataques masivos al barrio de Tepito, sino estableciendo soluciones a los 5 factores clave que favorecen el uso, distribución, venta y comercialización de piratería a nivel nacional.

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Recalentado creativo:¿Qué hacer con proyectos sin terminar?

Para quienes no conocen el término "recalentado", es una expresión muy mexicana que se refiere a utilizar aquella comida que ha quedado de una fiesta grande, el sobrante del desayuno del miércoles o los 3 kilos de pavo pendientes de la Cena de Navidad o Año Nuevo.

Cuando terminamos un proyecto, un tema musical o una maqueta, siempre sobran algunos elementos que descartamos por no encajar en la idea general. En mis inicios, una de las cosas que más molestaban a los dueños de estudios o productores con quienes trabajaba, era que me negaba a borrar los tracks de tomas previas durante la producción.

Esos "molestos" tracks...

La limpieza en la maqueta final es fundamental para hacer fluir el proceso de mezcla. Sin embargo, los sobrantes de ideas (líneas melódicas, fraseos de guitarra, remates de batería, jams de sintes o presets de efectos modificados) pueden constituir un gran arsenal de ideas para otras ocasiones.

Muchos clientes me dicen a veces, "¿recuerdas como le pusiste los efectos a la voz en el disco anterior y que la cambiamos al final?... ¡encajaría perfecto en este nuevo tema!".

Entonces abro mi carpeta de ideas y extraigo el preset tal cual. Al escucharlo aplicado, sus ojos se iluminan, nos abrazamos y todos lloramos de felicidad... Broma.  En realidad se muestran sorprendidos de que pueda conservar aún esa combinación de efectos. Algunas tomas antiguas de voz, han servido para recrear nuevos coros en temas remix. 

Los riffs de guitarra limpios, pasados por una caja directa, han permitido muchas veces complementar ideas para jingles, musicalización de proyectos en video y en alguna ocasión han provisto samples muy bonitos para maquetas de sonido en videojuegos flash.

Y es que todo ese material se puede transformar en una librería de ideas, sonidos y presets que podrían rescatarnos del estanco creativo en muchas ocasiones.

Creando una librería de producción o "recalentado creativo"...

Lo más importante es hacer una lista de lo que puedes salvar. Debes recordar que es una colección personal de ideas, sonidos, presets, loops, fraseos, remates y riffs.

Puedes categorizar en carpetas tu librería ordenando primero por tipo de archivos MIDI o Audio.

Extrae todas aquellas partes que necesites. Genera loops y stems que consideres ideas importantes. No todo debe ser rescatado. Tu sabrás reconocer aquello que tiene potencial y que decidiste quitar porque era tan diferente, que sería mejor desarrollar su propio tema.

Las ideas de proyectos que no se concreten (canciones sin terminar pero con un avance significativo, versiones alternativas de temas o ideas de jingles), deberás considerar reducirlos a su mínima expresión. Aquí es donde trabajar con MIDI para hacer maquetas se vuelve mucho más práctico que usar archivos de audio.

Los presets de fx, debes guardarlos en carpetas por tipo de procesamiento (reverb, delay, phaser, compresión) y luego por instrumento (Batería, guitarra, Piano, voz femenina). Recuerda que no todo encajará a la perfección, pero son buenos puntos de arranque. También los puedes combinar entre sí y extender tu paleta de colores.

Conclusión

En nuestro día a día existen muchos subproductos que se generan durante la etapa de pre-producción, producción y Post- Producción. A veces yo guardo sonidos de batería procesados para loopear o líneas de bajo que permiten hacer ediciones rápidas en tonalidades muy comunes para jingles.

Optimizar nuestros "residuos" creativos nos ofrece una gran gama de posibilidades, que no podemos dejar pasar en estos tiempos tan acelerados de la producción musical.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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3 razones importantes para seguir promoviéndose en CD...

A pesar de que las cifras del IFPI indican que los servicios de streaming digital y descargas por transferencia, han equiparado a la venta del material físico, existen 3 razones para interpretar que no basta con enviar archivos MP3 para promoverte.

Aquí te presento mis 3 razones importantes para promoverte en CD...

1.- Es un formato universal: Aunque pienses que tu mp3, iphone, ipad o smartphone son una utilería que todo mundo tiene, la realidad es que pocas unidades se han distribuido masivamente para el mercado musical. Mucha gente todavía utiliza y aprecia el CD como una forma tangible de obtener música.  Ahora puedes maquilar las piezas necesarias para tu promoción sin que pagues un millar.

2.- Es más fácil de reseñar: Si acompañas tu cd con un kit promocional, llamará mucho más la atención que simplemente enviar un frío link por internet. Las bandas creen que esa "sencillez" de tener un archivo con un click, es la mejor forma de distribuir su material. Imagínate que quiero conocerte en persona y recibo en la puerta de mi casa un papel con una mano tuya impresa en actitud de saludo. Esa misma percepción ocurre con un email y un link pegado.

3.- Generas expectativa de venta: Está comprobado con los videojuegos, que enviar un CD demo a clientes potenciales, incrementa el número de piezas en pre-venta y en fecha de lanzamiento. La mayor parte de la gente olvida que somos seres sensoriales. Escuchar la música no basta con un bonito diseño 2D traducido en Pixeles. Usar un CD acompañado de un ligero arte y hasta tu autógrafo es mucho más significativo que buscar 5000 likes, 2000 views y 30,000 descargas en iTunes.

Conclusión

Crear sensaciones sonoras va más allá de un sencillo archivo de sonido. Ponlo en una plataforma, hazle arte al CD, imprímele tu visión y llévalo a las personas indicadas. No pienses que solo la distribución digital es importante, porque en realidad es tan sólo una manera de hacer llegar algo a tus fans.

Rafa Mendoza escribe para el Blog de Ad Libitum

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