Codificando para el internet...

Cuando tienes tu material listo y lo distribuyes, existen consideraciones importantes para solicitar al Ingeniero de Mezcla (previo pago de sus servicios), una mezcla más adecuada para la liberación en línea.

Se podría pensar que la compresión del MP3 es la única destructiva, pero debes recordar que toda compresión de datos, modifica drásticamente la respuesta de frecuencia en los graves y agudos.

Se ha especulado mucho si con la velocidad actual de internet, sería mejor distribuir en formatos más completos como el WAV o AIF. Sería lo más recomendable, sin embargo, los fabricantes de aparatos reproductores se han enfocado en la idea de que "más es mejor".

Con esta filosofía en mente, más canciones en un CD, DVD o memoria USB, es mejor aunque su calidad sea tan mala que no podría considerarse siquiera un archivo de computadora.

Si deseas dar una oportunidad a tus temas y distribución en internet, estos consejos pueden servirte:

1.- Empieza con la máxima resolución posible del material: Esto implica que desde que grabes, obtengas una fidelidad adecuada. 24 Bits a 48khz son un buen punto de partida

2.-Filtra frecuencias agudas o graves en los extremos de audición: Una de las pérdidas más comunes y que no colaboran a la compresión adecuadamente se encuentra en estos extremos. En los graves de 35 Hz hacia abajo puede ser un buen punto de partida. Para los agudos prueba desde 15 Khz. A prueba y error, encontrarás un mejor punto de audición, liberando bits importantes para conservar el sonido general.

3.- No todas las mezclas se comportan igual: Las mezclas con muchos elementos tienden a perder punch y profundidad. Las mezclas más ligeras como un trío de jazz, un solista con piano, parecen ser menos selectivas y conservarse en mejor estado después de la compresión.

4.-Asegúrate de tener un buen nivel de volumen: La codificación toma en cuenta la resolución horizontal para proyectar la fidelidad final del archivo. Antes de crear tu mixdown, verifica que el master esté en un punto donde no distorsione y maneje libremente sus dinámicas. De esta manera permitirás al algoritmo tener un mejor rango de trabajo.

5.- No utilices compresión multibanda directamente al codificar: Es mejor hacerlo en dos etapas. Primero aplícalo, guarda tu archivo y posteriormente codifícalo. Estos procesos engañan al códec en su apreciación.

6.- Utiliza el códec más alto posible: Un MP3 de 320kps siempre tendrá mejor presentación que uno a 126kbps.

7.- No uses software mágico: El material codificado siempre sonará menos nítido que el original. Ningún software puede asegurarte que sonará mejor que el original. En lo personal me gustan mucho los algoritmos del Sound Forge de Sony para compresión. Pero un archivo comprimido, siempre será un archivo comprimido.

Conclusión

Nada como un archivo digital de alta resolución. Pero si necesitas utilizar la distribución mp3 o de cualquier otro tipo, estos son los conceptos básicos para obtener un mejor resultado.

Permitir que el sitio web, o plataforma de video codifiquen tu material en línea es un doble riesgo. Te recomiendo visites la sección de preguntas comunes del sitio que has elegido, para indagar sobre las resoluciones y características más adecuadas para el servidor donde será alojado.

Recuerda... Un archivo comprimido, siempre será un archivo comprimido...

Rafael Mendoza codifica en diversos formatos en Ad Libitum

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Sonidos que aterran..."El caso Jean Claude"

Viernes de video y hoy les presento el corto "El caso Jean Claude" (sin parentesco con el arte marcialista), de la serie Diarios del Miedo presentado por el Parapsicólogo Iker Jiménez.

Aunque yo tengo mis reservas sobre lo sobrenatural, el corto ejemplifica un uso del diseño de sonido como intérprete principal dentro de la historia.

Pongamos especial atención a la narrativa y al primer estímulo que recibe Jean Claude en el bosque.

Vale la pena verlo varias veces para desglosar y analizar el uso correcto de la cámara como testigo de la historia, dejando al sonido, provocar la reacción psicológica en el espectador.

Nos vemos la próxima semana. Un saludo.

Rafael Mendoza busca desesperadamente películas con buen diseño de sonido.

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El respeto al trabajo ajeno... es saber producir...

El respeto es la base de una sociedad plena, constante y pacífica. Benito Juárez fue sabio al declarar que "El respeto al derecho ajeno; es la paz".

A esta frase siempre se le ha relacionado política, social y culturalmente. Pero pocos la sabemos aplicar laboralmente.

En los esquemas actuales de la audio producción, un gran declive en contra de los estándares de calidad es la facilitación de los programas de software "DIY" (Hágalo usted mismo).


Caso específico " Video de al lado"

A mi lado se encuentra un compañero de trabajo que es diseñador gráfico. Lo he visto realizar trabajos para su empresa personal miles de veces en horario de trabajo normal. Desde hace unos 4 días se encuentra editando un video de identidad corporativa en Final Cut X.

Desde ayer está creando una música "original" para la empresa usando los Apple Loops de la suite Final Cut.

Hace un momento me ha preguntado que me parece el sonido de su tema. Para no entrar en controversias, puesto que tiene un ego bastante crecidito, decidí decirle que está bien para el video.

La mezcla está hecha en un par de "monitores" Compaq conectados a una iMac.


Sufro, luego existo

1.- El texto: Mi primera impresión es la falta de criterio para el guión. Está lleno de pausas y de palabras redundantes. El elogio para la empresa es impresionante, sin considerar que es un video orientado al acercamiento con el público. El texto se deshace en halagos para los directivos y poco compromiso con el cliente.

La falta de un mercadólogo o un comunicólogo es evidente.

2.- El locutor: Aunque la voz es agradable, el tipo de servicio es tipo asesoría o consultoría. El timbre del locutor es más bien agudo con tendencia a sonar delgada. En una consultoría se esperaría una voz más madura puesto que representa la experiencia de la agencia para afrontar los problemas del cliente.
No hay dirección vocal. El locutor decidió copiar su estilo en cada uno de los párrafos. Suena tan leído que hasta siento que solo es un sonido más entre la música y los efectos de transición.

3.- La musicalización: Los loops de Apple son excelentes, sin embargo, al no haber una dirección creativa en lo musical, se convierte en un ejercicio de "arrastra y suena".
La música está cargada totalmente a lo rítmico, las armonías del bajo no concuerdan con los sintes elegidos y honestamente me suena a un tema de la Rondalla de Saltillo por los intentos de cambio de armonía en el círculo de Sol.

4.- La mezcla: Al no haber una automatización sobre los tracks de audio, la voz aparece plana y poco brillante. La música no es la excepción, suena totalmente opaca, sin profundidad y simplemente son planos sonando simultáneamente.  No hay una línea de soporte para el uso de los fx para transiciones. Creo yo que para un video de identidad están de sobra y musicalmente se puede aportar mucho más.

5.- Niveles saturados: Está demás decir que sin procesamiento, los diversos elementos hacen saltar las dinámicas de la mezcla en más de una ocasión. La solución a todo esto ha sido bajar el master fader hasta -10 db para compensar los "picos que salen" en las "barritas" del video.

Conclusión

Juárez tenía mucha razón en miles de sentidos. En audio producción  están ocurriendo este tipo de problemas cada vez más. Aunque en este caso se trata de un diseñador jugándole al videoproductor, músico e ingeniero en audio, no significa que sea realizado sólo por la nueva ola de "todólogos profesionales".

En el mundo de  Audio producción, cada día el músico hace el trabajo del ingeniero y a la inversa. No establecer sus mercados específicos deberá ser un reto a salvaguardar. No digo que no puedas hacer todo o aprender más herramientas por tu cuenta. Pero creo que cada nivel debe ser respetado.

Si haces un video para una taquería cercana a tu casa, seguramente lo podrás hacer hasta con 100 pesos y un poco de software. Pero al escalar los niveles de profesionalización, deberás delegar mucho más estas actividades a alguien más apropiado.

Las empresas tienen un jueguito muy bonito que se llama "Más barato, mejor calidad". No hay que caer en la tentación de ofrecer todo por unos cuantos pesos. A mí me ha costado dejar ir proyectos interesantes de buenas marcas, porque el presupuesto que ofrecen para realizarlo es ridículo. Todavía te dicen que hay cotizaciones más económicas que lo que propones y que han visto lo que hacen y está al nivel de Hollywood.

Prometo escribir un post sobre los trucos más usados por las empresas para bajar los costos.. algunos le llaman "negociar"... para mí en otros casos son meramente "usura"... Un saludo y que viva Juárez.

Rafael Mendoza respeta el derecho ajeno a producir en Ad Libitum

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El Demo del Locutor...

Por fin ha llegado el momento donde tienes la necesidad de crear un demo de locución para buscar trabajo adicional o representar una marca.

Existen demos creados de forma modesta y con honestidad. He escuchado a cientos de locutores quejarse de la producción del demo que ganó la campaña publicitaria.

Vamos a descifrar para todos aquellso que tienen la duda de como preparar un demo de locución, lo que debería y lo que no se debe utilizar.

Locución: Arte o técnica

Para la audio producción, la voz del locutor es materia prima. Escencialmente, es como una guitarra más en la mezcla, un sinte electrónico o el fx de sonido que permite recrear una bóveda.

El enfoque que normalmente utiliza el locutor amateur o inexperto con los demos se refiere al uso excesivo de fx de sonido y procesamiento de voz. Todo esto se forma a partir de la inseguridad y desconocimiento de las posibilidades reales de la voz.

Elementos de un buen demo de locución

1.- Identifica las posibilidades reales de tu voz: El primer paso es identificar si mi voz es adecuada para el tipo de campaña, producto, programa o serie que se está planteando. Tener la voz de sello radiofónico, no significa que puedas participar en una serie radiofónica, a menos que se trate de un personaje bastante específico.

2.- Elabora una idea argumental: El error común es pensar en "creatividad", concepto que es muy subjetivo, puesto que lo se va a valorar es las posibilidades de impostación, seguridad y transmisión de tu voz, no tus ideas revolucionarias. Debes presentarlo en lo posible como cuando te presentas a una entrevista. Un saludo genérico, nombre, especialidad de locución. Después integra en segmentos de 10 a 15 seg, las posibilidades vocales de tu voz. Si no sabes como se clasifican las voces de locución y sus timbres, investiga a cual perteneces.

3.-  Utiliza pocos efectos y cambios musicales: Me ha tocado editar muchos demos donde hay un cambio brusco de FX de sonido o música diversa en menos de 10 segundos. Puede sonar apantallador para un público bastante impresionable como en las fiestas de XV años o las presentaciones de grupos, pero no para un demo profesional. El uso adecuado y bien elegido de la música es como elegir el atuendo para ir a la entrevista de trabajo.

4.- No utilices impactos radiofónicos: Volvemos al punto 2, se trata de evaluar las posibilidades reales de tu voz. Insertar segmentos de participación en estaciones radiofónicas, es como querer poner fotografías sobre impuestas en tu currículum.

5.-Utiliza un cierre adecuado: Muchos locutores terminan poniendo sus datos de contacto al final del demo como parte del mismo. No habrá productor que quiera tener una pluma para regresar a escribirlo del sonido. Yo recomiendo, realizar un track tipo post data donde aclares la forma de contacto y que puedas leerla con una velocidad más digerible, repitiéndola un par de veces. Será más fácil hacer click sobre una pista que sobre la barra de reproducción.

Conclusión

Los mitos en la locución tienen una fuente aparte que en audio producción, difícilmente se toman en cuenta. Uno muy común es que debes tirar los demos en todas partes para ver cual pega y hacerlo en el sentido de lo comercial. Hay locutores natos que cuando narran un documental se vuelven clásicos simplemente porque cuentan con esta calidad necesaria.

Otro mito es la famosa "versatilidad vocal". Muchos locutores piensan que cambiar de tono como si fueran calcetines es una habilidad bastante deseable.

Abrir el número de opciones, sólo hará que el posible contratante se confunda para que sirve realmente tu voz. A veces, hay locutores con un lenguaje tan fluído que no se utiliza adecuadamente para una campaña de VIH.

La locución es como todo arte, resultado de la práctica y la técnica. La respiración, impostación, entonación deben ir cubiertas de una cultura general bastante amplia, afinidad por la lectura y sobre todo aplicar en el mejor sentido, las limitantes de tu instrumento.

Rafael Mendoza edita demos de locución en Ad Libitum Estudio

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El iPod de 8 billones de dólares...

Viernes de video en Ad Libitum Estudio.

El miércoles pasado, en nuestro podcast "Control Room", en nuestro tema de "Piratería", hablamos sobre el iPod de 8 Billones.. Rob Reid, un comediante estadounidense, hizo cuentas basados en los argumentos de  la MPAA (Motion Picture American Asociation), donde clamaba que la crisis de ventas se debe a la constante descarga de material sin pago de derechos.

Nos preguntaron donde podían encontrar este video y aquí lo tienen.
Los números no mienten y nos da un panorama real, de cómo a pesar de tener el control económico del mercado, no hay una seguridad profesional basada en sus argumentos.

Disfrútenlo, por favor, activen los subtítulos, es la versión mejor descrita en español que encontramos.

Esperen el estreno del Canal de You Tube a las 19:00 de hoy...

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Instantáneas sonoras....

Como bien saben, ando turisteando por un rato, disfrutando de comida maravillosa de un sol radiante y de personas muy amigables.

 Siempre es bueno tomar un respiro de la rutina y conocer cosas nuevas sin embargo cuando comienzas a darte cuenta de todo lo que el mundo te ofrece quedas en estado de shock.

En este blog hace algún tiempo escribí de la importancia de entrenar al oído para entender la cantidad de información sonora que recibimos, al viajar nuestros sentidos y emociones están predispuestos a descubrir y experimentar cosas nuevas y el oído no podía dejar  pasar la oportunidad de ejercitarse.

Estas dos semanas me he vuelto un recolector de sonidos, de diferentes voces y acentos, al conocer nueva gente y después de unos días poder identificarlos pos sus voces o por su acento saber del  país de donde vienen, las frases que usan son determinantes para entender la conversación pero principal mente la entonación  me da a conocer sus estados de ánimo.

Hemos decidido ser  mas visuales a esos momentos y personas siempre los recordamos con una fotografía, ahora se sorprenden al preguntarles si puedo grabar su voz y se sorprenden más al escucharse.

Otro de los aspectos apreciables gracias al sonido es el paisaje mismo de la ciudad, a pesar de que me encuentro en una ciudad enorme y con gran cantidad de vehículos la manera de conducir y el orden de ciertos lugares, me  pinta una imagen diferente a otras  en las que el caos y la descortesía generan una cantidad de ruido  diferente. 

Pensar en la captura del sonido de un parque, la briza del rio,  los motores de la calle y que queden como un recuerdo de un viaje, es algo de lo cual no estamos acostumbrados.

            Por último nunca faltaran las expresiones culturales  como la música, danza, poesía y la canción, que hacen de una ciudad única y siempre con motivos distintos y que logran cambiar su ADN.

             Si bien nuestros dispositivos móviles ya nos dan la oportunidad de recolectar estas expresiones de manera audiovisual, hacerlo de manera sonora nos hará realizar un ejercicio de memoria la escucharlos y retomar el  viaje de nuevo.

            Sí... me he vuelto un fanático de las instantáneas sonoras y reflexiono... "¿porque no hacerlo también en mi ciudad si cada día nos presenta un entorno diferente ya que el sonido cambia a cada instante y se vuelve nuevo?".

Raúl Beltrán se fugó a Argentina lejos de Ad Libitum Estudio

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Argumentos Clásicos para Engañarse como Músico...

La industria musical se mantiene totalmente acomodada. Las estructuras de trabajo no van a cambiar, a pesar de que el modelo económico está girando totalmente alrededor de las ventajas de la distribución digital.

Sin embargo, para las disqueras, el uso de internet y otras tecnologías son sólo nuevas opciones en la forma de vender, distribuir, proyectar y posicionar una propuesta.

Existen 5 argumentos clásicos, sobre los que el músico contemporáneo considera que no necesita siquiera un boleto del metro para llevar su material a cualquier parte.

1.- "Ahora todo lo puede hacer uno mismo": Podría ser importante considerar que eres músico, no diseñador, mercadólogo, comunicólogo, ingeniero en audio, productor, booking manager, tour manager, label manager o algo parecido. Es cierto que podrás hacer algo de cada uno de ellos. Pero un grupo exitoso, aun así sea 50Cent, llegan al top gracias a que se combinaron experiencia y presupuesto en cada uno de estas áreas para llevarlos a donde están. Aquí romperemos otro mito. Esa banda anti-sistema que tanto te gusta y consideras estandarte para tu ideología... también tiene un equipo igual.

2.- "La calidad de la música es más importante": Todo puede empezar con una gran canción o con una medianamente buena. Pero querer impresionar a alguien con lo que tienes de forma profesional, grabado en tu cuarto y mezclado en audífonos, es como querer saltar el Gran Cañón con el impulso de zapatos tenis. Invierte lo suficiente en mejorar tus grabaciones.

3.- "Yo no necesito payola para entrar a la radio": La radio es un negocio que genera audiencias para venderla a sus anunciantes. Shakira, Black Eyed Peas, Metallica, Paquita La Del Barrio y El Buki, entregan sus derechos a la disquera para que pueda negociar libremente en los espacios de medios. Los acuerdos entre disqueras y estaciones de radio o videos de TV, son multimillonarios. Sirven para evadir impuestos y otras movidas de tipo político. Es un fantasma que todos han visto, pero siempre negado. Ninguna radio transmite un producto que no haya pagado su tiempo aire de alguna manera. El romanticismo de los 50's con el rock se perdió en los 60`s con la payola.

4.- "No importa que se regale mi música, nadie está vendiendola y vive de sus presentaciones": Ojalá que las presentaciones puedan asegurar en el artista su futuro. Pero aunque no lo creas 100,000 asistentes al Monsters of Rock, no pagan todas las cuentas. Son muchas las otras opciones para poder obtener recursos de tu música. Pero debes invertir de forma creativa y ordenada para que eso suceda. Este mito es común al inicio. Te va a llevar lejos, pero regresarás sin un centavo.

5.- "El internet equilibró la competencia musical": Es cierto, abrió la puerta para todos, pero no significa que sea la plataforma por excelencia. El internet es solo una opción para proyectar un producto. Es económico pero muy ineficiente. Podrás amasar algunas legiones de fans a través de ella, pero el ritmo tan lento comparado a radio, tv, publicaciones y presentaciones, lo colocan en el último de la lista. Tarde o temprano requerirás tocar la puerta de algo más grande.


Conclusión

La música es arte cuando se mantiene lejos del dinero, pero cuando necesitas 300 pesos para cambiar cuerdas a tu guitarra, o 2000 para reparar el teclado que se te cayó por ponerlo en unas sillas para ir al toquín, se convierte en una pesadilla económica.

Toda la industria está enlazada, nos guste o no, por la economía circundante. El músico necesita comer, tomar agua (no alcohol), curarse, comprar papel, lápiz, goma, enviar mails, tener teléfono de contacto, pagar la luz, agua para bañarse. Todo tiene un costo. Estos argumentos provienen normalmente de músicos que viven de la beca familiar o la paciencia de papá y mamá. Los amigos ayudarán de vez en cuando, pero se cansarán de tirar el dinero en tí, sobre todo cuando no les alcance para comprar ese bello Iphone porque te prestaron 2000 pesos para arreglar tu guitarra eléctrica.

El responsable de hacer que funcione tu proceso musical, eres tu mismo. Búscalo, antes que la realidad te atrape y te obligue a rentar tu vida en una oficina como autómata.

Rafael Mendoza fue músico inexperto y ahora produce en Ad Libitum Estudio

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Management: ¿Estamos preparados?

Como artista sonoro, cualquiera que sea la especialidad, siempre asalta la duda de cuando tomar la decisión de buscar un manager.

Sin embargo, existen varias razones para posponer la decisión. El 70% de los artistas sonoros, conocen parcialmente o desconocen totalmente el trabajo del manager. Mucho menos sabrán negociar con uno adecuadamente.

Te damos 5 parámetros ideales para saber cuando  buscar un manager:

1.- Organización interna fundamentada: Muchas artistas sonoros, arrancan en los cuartos, garages, escuelas y patios de su comunidad. Desarrollan un cierto sentido de empatía. Para el negocio, este tipo de relación es frágil para iniciar una verdadera cruzada con el manager. Es como tener un buen general, pero soldados débiles.

2.- Fortaleza musical: Una banda que no estudia por separado su instrumento, herramientas y opciones creativas, está lejos de establecer un proyecto sustentable. Conocer 12 acordes básicos con sus inversiones, ritmos básicos de un solo género y los presets más usados del teclado condenan al grupo a estancarse más adelante para futuros proyectos.

3.- Percepción grupal sobrevalorada: Las porras son bonitas dentro de la organización. Pero cuando se rompe el eje de la camioneta del bajista, todos salen huyendo. Los problemas se presentan cuando la "unión" esta basada en tardes de fiesta y caguamas, toquines inesperados y poco organizados. Establecer un punto de arranque legal es el primer paso para toda banda de éxito.

4.- Escasos recursos económicos: Una estrategia de Facebook te puede acercar al cielo en unos 130 años. Una estrategia de promoción con buenos costos te dará resultado en 3 a 5 años. El éxito inmediato no existe. Tampoco creas que subiéndote a un escenario para tocar con alguien más o menos establecido te pasará su suerte. La primer preocupación de un manager, no es cuanto le van a pagar o si has tocado con el hijo del hermano del cuñado de Alex Lora, sino de cuantos recursos dispone para sustentar tu presencia.

5.- Plan de desarrollo y vida: Podrás decir que tocar música es tu sueño y que podrías dejarlo todo por amor al arte. Duda de este concepto, porque tarde o temprano te encontrarás sumergido en un mar de desesperación para no tener suficiente para la renta o los pañales. Tampoco creas que una estabilidad económica te garantizará los recursos para el desarrollo del management. Posiblemente Tendrás que vender tu auto o sacar el dinero del banco ante una oportunidad importante. Si dudas en el momento, tu futuro musical puede perderse.  Defínete como persona para que puedas caminar de acuerdo al plan trazado.

Conclusión

El manager será el general que haga andar tu campaña. Tu eres sus soldado y debes estar dispuesto a someterte a sus indicaciones para que la campaña sea un éxito y salgan todos vivos.

Desafortunadamente, el ego es el peor enemigo del manager porque enceguece al artista. El arte deja de ser un producto libre cuando tienes que comprar un juego de cuerdas para la guitarra, un pincel para pintar o una espátula para esculpir.

Requieres de herramientas precisas para desarrollar tu arte. Si vives de la beca familiar o alguna que otra de las más rascuachas del Conaculta, puede ser que te mantengas por un año.  Pero eso no te posiciona y prepara para poder avanzar más adelante.

El Manager te dará instrucciones precisas y razones para crecer. Si no crees poder aceptar sus opiniones, evítate problemas y no le quites el tiempo a él para que pueda manejar proyectos exitosos.

Rafael Mendoza produce audio en Ad Libitum Estudio

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Música, diseño de sonido y proyección 4D

Hace casi un año, Nokia lanzó su versión más reciente de Lumia.

Para este evento publicitario, se realizó un performance de poco más de 5 minutos, en los que un edificio se convirtió en pantalla de proyección 4D.

Deadmau5, un DJ que ha sido polemizado por sus presentaciones y formas de promover su material, fue elegido para musicalizar el acontecimiento.

La ciudad de Londres se iluminó y el lanzamiento fue un precedente para las campañas publicitarias de teléfonos celulares.

El 50% del éxito de este proyecto, se derivó del diseño musical, sonoro y de arte visual. Un segundo de retraso hubiera hecho fracasar la ilusión de que el edificio se derrumbaba o que cambiaba de posición como el celular mismo.

En México, tardaremos mucho en ver este tipo de espectáculos a pesar de haber fabricado la Estela de Luz, que se mantiene sin pena ni gloria a las afueras del Bosque de Chapultepec.

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Home Studios: ¿Son tan malos como parecen?

Los Home Studios están proliferando debido a las facilidades tecnológicas en software y hardware de audio.

Para una gran sector de la industria profesional, el Home Studio es el enemigo a vencer en cuanto a sus políticas de producción se refiere.

Hay argumentos válidos para sostener que el Home Studio no es una plataforma profesional de trabajo, pero no son tan contundentes como para equipararlos a los laboratorios de drogas sintéticas.

Evaluaremos los principales argumentos para minimizar y satanizar al Home Studio por la industria, en la búsqueda de obtener una visión objetiva y realista para todos.

1.- No tienen el mínimo control acústico: Efectivamente, colocar unas bocinas en un cuarto y sentarse a mezclar, no es la solución para un producto para disquera. Sin embargo, el acondicionamiento acústico básico que generalmente tienen, es suficiente para crear productos como podcast, perifoneos y spots para negocios locales.

2.- Problemas de ruido: En un estudio comercial, el ruido no entra ni sale de la instalación. Pero en el Home Studio, los ruidos externos pueden provocar problemas de contaminación y usualmente ensuciar los tracks de instrumentos acústicos. Sin embargo, realizar una maqueta demo es posible con una acústica no tan pulida. Este demo servirá solo como muestra, más nunca alcanzará la calidad de una grabación en un entorno mejor controlado.

3.- Dinero es la palabra clave: Al no contar con un presupuesto y línea de trabajo, las formas de cobrar y subsistir en un home studio, dependen principalmente del dueño. Los costos no alcanzan a cubrir las mejoras o mantenimiento de los equipos y se van quedando obsoletos con el tiempo. Esto no significa que un home studio no pueda producir dinero. Pero estará muy lejos de los estándares tradicionales.

4.- Percepción de baja calidad: El Home Studio siempre creará dudas en el consumidor o usuario, porque el reflejo que produce es y será siempre de un amateur entrenado. Sin embargo, puede ser suficiente para una banda local, un intérprete que inicia o alguien que no espera negociar ampliamente con una producción de esta calidad.

5.- Rechazo por parte de estudios profesionales: Este es un debate muy amplio, sin embargo, es lógico que los estudios sientan una proyección negativa hacia los nuevos Home Studios.
Pero el enemigo no está en la otra trinchera, sino en el consumidor, que se deja llevar por la relación costo-beneficio. Se debe informar mejor al consumidor de audio producción para que comprenda los pros y contras de ambos mundos.

6.- Distracciones mayores: Supuestamente, los estudios profesionales están equipados para no permitir que la creatividad se diluya. Cuentan con espacios abiertos al relax y convivencia, se vuelven verdaderos bunkers creativos. Sin embargo, obedecen a una práctica antigua de la industria. El sometimiento y presión que genera realizar un disco por encargo, no se compara a la libertad creativa del Home Studio. Esto implica que los tiempos se alarguen bastante y a veces efectivamente se diluyen las ideas generales. Por ello es importante comprender, que el Home studio es mejor para pre-producir que para producir.

7.- Cambia los roles de la industria: Efectivamente, el ingeniero de Home Studio, pasa a ser sicólogo, empresario, asistente, secretario, músico. Pero estas habilidades le permitirán en un futuro comprender mejor las necesidades y requerimientos del personal en un estudio mayor. Crea conciencia laboral y aprende a definir las habilidades de nuevos colaboradores.

8.- Equipo de calidad semi pro y consumidor: El Home Studio está limitado a las capacidades económicas que posee. Efectivamente, un micrófono barato, junto a una consola económica y una interfase, nunca alcanzará la calidad de un estudio profesional. Sin embargo, el entrenamiento y horas dedicadas a la práctica en estos espacios, son invaluables cuando se necesita producir dentro de un mejor estudio.

9.- Menos respeto por el tiempo: En la industria como en todas partes, el tiempo es dinero. Una producción de tipo profesional, optimiza los tiempos y costos para obtener el mejor producto, con la mayor calidad posible en el menor tiempo posible. Esto permite garantizar que el producto realizado no exceda los requerimientos para ser costeable, distribuible y comercializable. Pero en el Home Studio, se se puede experimentar y flexibilizar los tiempos en aras de construir un mejor concepto. Muchas bandas pasan por un proceso de aprendizaje importante en el Home Studio.

10.- Nunca terminan de aparecer: Es una realidad que el Home Studio despierta pasión en sus dueños. La idea romántica de poseer un estudio virtual y pequeño al alcance de todos, proviene de las empresas que desarrollan estos productos. Cada día se suman más personas al movimiento del Home Studio y debe abordarse desde el punto de vista creativo más que económico.

Conclusión

El Home Studio no nace como un substituto del estudio profesional. Sería imposible dedicar las horas de trabajo y práctica que requiere un ingeniero en entrenamiento. El Home Studio tiene esta capacidad de desarrollar talentos en audio producción. Estos semilleros proveen un servicio comunitario más que profesional. La industria ha criticado severamente a estos espacios porque a su forma de comprender el negocio no ofrecen rentabilidad, mucho menos calidad. Sin embargo y por irónico que parezca, son los espacios que están nutriendo a las disqueras independientes, que a su vez, alimentan a la industria gigantesca del entretenimiento.

Odiar al Home Studio y colocarlo en un pedestal de la democratización del arte son 2 extremos que debemos evitar.

Si tienes un Home Studio, felicidades, de ti depende crear y desarrollar tus habilidades para dentro de unos años. Si tienes un estudio profesional, recuerda aquellos primeros años donde grabar en un cassete y editar tan sólo con un deck, te producía una fantástica sensación de poder humano que te elevaba por encima de los mortales.

Rafael Mendoza grababa en cassete desde los 9 años capítulos de los Cazafantasmas en una grabadora monoaural. 

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