Disqueras gigantes contra disqueras independientes...

Disqueras gigantes contra disqueras independientes...

¿Son necesarias o basta con el hágalo usted mismo?

Últimamente, existe un odio generalizado hacia las grandes corporaciones discográficas por la manera en que se manejan sus tendencias y líneas de trabajo.

Y aunque el criterio sobre que se escucha y que no es una dificultad para las compañías independientes, tampoco significa que todas las opciones estén perdidas.

La misma comunidad musical tiene en este sentido muchos prejuicios y falta de información sobre porqué aunque no lo queramos, hasta cierto punto una disquera gigante puede aportar algo a la industria independiente y a la inversa.

El pez grande...

Más del 70% del mercado musical está siendo manejado por las grandes disqueras, es un mercado muy grande y esto les permite manejar las tendencias de compra del consumidor. Sin embargo, no pueden alcanzar a cubrir la demanda de mercados específicos y locales de forma concreta.

Aunque Lady Gaga acapare el mercado en las ciudades donde se puede entender mejor su concepto (se puede pagar más caro), no cumple las expectativas particulares de un pueblito remoto en la España rural. 

Pero hasta cierto punto, el pez grande (la disquera transnacional) no siempre devora al pez pequeño...

Cuando un mercado es interesante para el pez grande, distribuir, producir y tener un espacio en el anaquel de discos para un artista campirano sale mucho más caro. Las ventas por volumen son las prioritarias para este segmento de la industria. La disquera independiente sale al rescate por estos artistas y los mantiene en desarrollo por algunos años.

Las disqueras no miran tu talento... 

Cuando una disquera firma a un grupo, no visualiza principalmente su arte o talento... no es que sea nuevo o genial... su campo de acción tiene que ver  con la venta masiva de discos... Pero tampoco le es conveniente crear un ejército de seguidores invirtiendo en publicidad... Algunos artistas de plastilina que todos odian, llevan años cultivando lo que la disquera en realidad compra a un artista... sus seguidores.

Belinda por ejemplo, tiene una audiencia creciente desde que inició su carrera como "actriz"... el número de niñitas que la siguió a través de las telenovelas dependía de que sus papás le compraran su disco. Ahora más crecidita (aparte de la cirugía), Belinda proyecta no solo al mercado de entre 18 y 20 años.. sino que sigue impactando en las niñas más pequeñas.

Esto es más rentable para una disquera que tomar una banda que nadie conoce, que tiene mucho talento pero que a sus presentaciones acuden siempre los mismos 50 amigos... o que cuando lanzan un disco llegan siempre los 20 fans familiares que los conocen de años... Una disquera debe distribuir entre 25 y 50 mil copias para notar una ganancia sustentable... Sin audiencia no hay negocio... mucho menos crearla a partir de un artista nuevo.

Quieres vender discos o ser famoso...

El ego del artista es tan inmenso como el lo quiera. Cuando entra a este negocio debe dejarlo en la entrada de la disquera porque en ese momento y en base a lo que fué firmado, debe cumplir con lo pactado en el contrato.  Ser reconocido por una disquera no significa que infle tu ego para hacerte estrella, significa que va a exprimir hasta el último centavo a tus seguidores porque es comercialmente viable y resulta ventajoso.  Ser famoso por vender discos no es tan satisfactorio para el artista como ser reconocido por la obra. Tenemos muchos casos de los que se abandonan físicamente porque estàn en huelga con sus cuerpos para autoflagelarse de las situaciones que no tomaron en cuenta.  Si quieres seguir haciéndolo por tu cuenta, conseguirás un mejor margen de trabajo y libertad.

Trent Reznor oficializaba su posición anti disquera durante los últimos álbumes de NIN. Pero ahora regresa a Columbia. La audiencia de Nine Inch Nails es importante porque todavía hacen giras con gente importante. Sin embargo, en la cuestión de ventas no fué lo mismo. Y es que un grupo como este tiene que tener un soporte grande que pocas disqueras independientes apenas alcanzan a lograr.

Conclusión

Muchos dirán que el capitalismo triunfó sobre Reznor y así fué desde el punto de vista comercial. Sin embargo consiguió mantener su independencia creativa, dejando la venta de discos y promoción a quien puede hacerlo mejor que el.

 Tal vez pierda algunos seguidores por esto, pero no afectará significativamente su ingreso y mercado de riesgo.

Efectivamente las disqueras son un mal necesario a ciertos niveles.. pero si prefieres ser un artista independiente, entonces las masas no son para tí. Produce creativamente y justo lo que necesitas.

Tal vez después de todo, no necesites un disco de oro por millones de copias vendidas.

Nos vemos el lunes y mañana no olviden que se estrena el sitio de Ad Libitum. www.adlibitumestudio.com

Feliz fin de semana.

Rafael Mendoza

Productor de Ad Libitum Estudio

blog@adlibitumestudio.com

 

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La Función Social de la Audio Producción

La Función Social de la Audio Producción

En México, los conflictos sociales son una constante que frena el desarrollo del país, pues aunque es obligación del Estado, proveer oportunamente la distribución de recursos para distintas problemáticas, no se consigue realizar de forma eficiente.

La audio producción es vista particularmente como un negocio, y lo es desde el punto de vista que para el dueño de los medios de producción, sólo se trabaja cuando se paga anticipadamente.

Se puede utilizar a la audio producción como un método de soporte social.

Antecedentes

La radio nace como un medio social, al proveer una forma de comunicación y difusión de contenidos específicos para aquellos tiempos. Su comercialidad ha ido minando las oportunidades de proyectar contenidos y mantenerlos vigentes en los medios. Se crean audiencias para vender cuando su origen es crear contenidos para informar.

La radio internet parece por mucho la mejor opción para este tipo de trabajos, sin embargo, se ha contaminado de la misma tendencia que la radio comercial. Los trabajos que se consiguen realizar, son desarrollados con poca eficiencia a forma de intento por las mismas organizaciones. La calidad de estos productos radica en su contenido, sin embargo, falla en el proceso de atención del mensaje.

Al desconocer los géneros radiofónicos, temas tan discutidos como el SIDA, no basta comprenderlos desde la perspectiva de panel, sino requiere testimoniales (muy discutidos por la confidencialidad), representaciones o documentales.

La obligación moral de la Audio Producción

Al trabajar en conjunto con una organización o asociación civil, la experiencia de aprendizaje beneficia a ambas partes. Por un lado la organización subsana su necesidad de difusión o productos para difundir. Por el otro, el proveedor de la Audio Producción encuentra canales de trabajo más reales y positivos, donde no requiere capacitar a su audiencia para la difusión de los productos.

En pocas palabras... uno tiene la audiencia y el otro tiene el producto específico para esa audiencia.

Es importante desarrollar y plantear adecuadamente las estrategias de ambos frentes para obtener un producto que cumpla con las características y poder permitirse el trabajo conjunto.

Conclusión

Vivimos encerrados en una burbuja interior y personalizada que nos da comfort sobre el día a día. Nunca sabemos en que momento nuestra vida puede cambiar y necesitemos encontrar ayuda específica para problemas específicos. Es increíble la cantidad de recursos que se destinan a la difusión de productos para el consumidor y el mínimo indispensable para las organizaciones civiles y sociales que están buscando por sus propios medios integrarse a las nuevas tecnologías. 

No se trata de sólo comprar el equipo necesario y justificarlo, como tampoco se trata de cobrar por todo lo que hacemos. Cuando llegamos a comprender que si nuestro entorno no funciona no se debe a que una institución no está haciendo el trabajo. Se trata de que nuestra conciencia social despierte y utilicemos lo que mejor sabemos hacer, para beneficiarnos automáticamente en el proceso social.

Nos vemos mañana y les dejo esta reflexión a todos los que hacemos audio producción.

El sábado estrenamos sitio web.. no lo olviden... ponlo en tus favoritos... www.adlibitumestudio.com

Rafael Mendoza Hernández

Productor en Ad Libitum Estudio

blog@adlibitumestudio.com

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Bibliotecas sonoras y entretenimiento digital portátil

 

Bibliotecas sonoras y entretenimiento digital portátil

¿Audio libros leídos por software son válidos?

La tecnología ha permitido que la comunicación y el arte se distribuya de una manera más homogénea y con capacidades innimaginadas a fines del siglo XX.

Sin embargo, se está sub aprovechando este tipo de posibilidades, porque aunque el mercado tiene patrones exactos de ventas y mercados de consumo, se estancan en los contenidos que "aseguran" su operatividad.

Y es que precisamente eso pasa, al usar los casi los mismos contenidos, su competencia se vuelve más alta y por consecuencia se mantienen con el mínimo de ganancias. El círculo vicioso no se termina.

El legado radiofónico
Cuando la radio se incorpora como un medio masivo por allá en los años 20, el fonógrafo ya tenía un espacio dentro de las salas y habitaciones más onerosas. La radio viene a proveer la experiencia de difundir contenidos diferentes a lo que se esperaba del fonógrafo. La idea era que el fonógrafo se mantuviera en el mercado musical y la radio trabajara sobre lo que se pudiese hacer en vivo, pues grabarla diariamente era muy caro para aquellos días.

Al no haber locutores disponibles que cubrieran las plazas de esta naciente industria, muchos actores saltan del teatro a la radio. Tarde o temprano, estarían incorporando piezas teatrales o adaptaciones de novelas y series, a fin de hacer más atractivos los contenidos de la naciente industria.

Leer para escuchar o escuchar para imaginar

La radio se especializó en desarrollar contenidos cada vez más profundos porque el cine, una industria que arrebataba la atención en los primeros días, se estaba desarrollando rápidamente. Así nacen los radio cuentos, las radio novelas, radio teatros y comedias. Programas de improvisación y aunque los efectos de sonido eran muy básicos, contaba con una gran ventaja; ser un medio ciego.

La imaginación es mucho más amplia que una imagen. La fotografía tiene un poco de esto porque deja muchas interpretaciones al observador y captar su atención en los detalles más profundos. El cine y televisión pierden un poco de esta sensación al crear ilusiones visuales o elaboradas animaciones que pueden terminar con la emoción de la escena. Hitchcok era un de los pocos creyentes de que en el cine era mejor inspirar terror que mostrarlo. No se equivocaba.

Los loquendos no son audio libros...
Ultimamente se pueden comprar en las estaciones del metro o los discos pirata, versiones leídas de varias novelas y cuentos. Estos "audio libros", son textos pasados por un software que interpreta el texto seleccionando palabras de una base de datos, las alínea y entrega en un archivo de sonido.

Sin embargo, no reflejan la intención, emoción y contenido del texto. Crear un audio libro puede llevar desde unas cuantas semanas hasta meses. Es por ello que las principales disqueras de vez en cuando lanzan un título compilatorio y falto de creatividad, pues utilizan cuentos clásicos como la Caperuzita roja o Blanca nieves contado por payasitos infantiles, ni siquiera cuenta cuentos especializados en niños (y no creo que leyeran esas historias).

Un audio libro puede llevar horas de preparación y son resúmenes bien marcados y dirigidos de la obra original. A veces son la única forma de comprender cierto tipo de trabajos o mensajes. Desafortunadamente la mayoría de audio libros disponibles se tratan sobre auto ayuda, meditación o terapias new age.

Conclusión

La crisis creativa ataca este sector de la misma forma que  a la musica. Mantenerse a raya de los cuentos tradicionalistas sólo permite que el niño abandone su copia de Pinocho para pedirle a su mamá que le ponga el DVD.

Los libros de autoayuda son meros placebos personales que no fortalecen ni incitan al crecimiento o análisis crítico de una lectura, dicen lo que quieres escuchar y sólo se ocupan cuando la novia te deja o llega el periodo.

Es horrible entrar a una tienda como Gandhi y conseguir solamente las temporadas del programa El Weso (otra abominación del canal de las estrellas) y algunos cuentos de Sade leídos por una señora madura que le quita todo el erotismo al asunto.

La próxima vez que quieras comprar un audiolibro mp3, piénsalo dos veces... seguramente buscando en las emisoras rurales o el sitio de la Bienal de Radio encontrarás mejores contenidos o propuestas para este género que en la radio comercial.

Rafael Mendoza Hernández

Productor en Ad Libitum Estudio

blog@adlibitumestudio.com

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Decálogo para el Equilibrio del Ingeniero en Audio

Decálogo para el Equilibrio del Ingeniero en Audio

10 formas de aprovechar su trabajo al máximo

El ingeniero en audio en estos tiempos piensa que debe ser todólogo para agradar al público que reconozca su trabajo. El cliente cree por el contrario que siempre tiene la razón, aunque siempre es consiente que no conoce el trabajo del Ingeniero a profundidad.

Estoy seguro que muchos "clientes" al leer esto, pensarán que un profesional es quien accede a todas sus peticiones y que nuestro punto de vista no es nada comercial. Efectivamente, simplemente queremos que comprendan mejor el trabajo real del ingeniero en audio. Comencemos.

Decálogo para el equilibrio del Ingeniero en Audio

Aceptar sus habilidades y capacidades reales : Un ingeniero en audio que no sabe para qué es bueno, no puede asegurar que es bueno para todo. Si sabes hacer tamales de dulce, no dudo que hagas los mejores, pero por favor; no intentes hacer tamales de chocokiwi. Si nunca has grabado una balalaika, explícale al cliente que no lo has hecho nunca, pero que harás tu mejor esfuerzo por obtener el sonido que busca. 

Reconocer la capacidad del cliente: El cliente no tiene la razón porque simplemente no es el experto (a menos que tu cliente sea un productor reconocido). Si consideras que el cliente no tiene los elementos para comprender tu trabajo puedes decidir no trabajar con el. Es mejor equilibrar tu creatividad que perderla ante alguien que no va a valorarla.

Actualizarse en conocimientos: Actualizarse no es sólo saber un poco de todo, sino especializarte en el uso, técnicas, herramientas o práctica de tu especialidad. Si buscas marear a alguien con el clásico "hasta waffles hacemos", lo único que estás permitiendo es hacer menos tus conocimientos reales. 

Encender alarma cuando se necesite: Para el cliente, más rápido es mejor. Pero cuando las cosas van mal, normalmente buscan a quien culpar por su falta de conocimiento, tacto, planeación y organización. 

Si sabes que algo causará problemas más adelante, debes decirlo en el momento.

No ceder a la tentación a cambio de tu prestigio: En México, el ingeniero en audio no existe, simplemente porque no hay un reconocimiento oficial para nuestro trabajo. Cuando llevas años en esto y sueltas tus conocimientos o aprendizaje a cambio de realizar trabajo que no harías porque sabes que no es lo correcto, entonces NO LO HAGAS. Cuando el gremio se queja de los bajos costos que existen, no se dan cuenta que con esta práctica son los primero que han promovido este problema.

Fraternizar con el cliente sin caer en excesos: Clásico, se termina un proyecto, se alegra todo mundo y para celebrar todos se van a las chelas o los tragos de felicitación. Pero tu forma de beber se despliega ante la camaradería y acabas medio muerto a las 4 de la mañana en la casa del bajista porque no encontraron forma de llevarte a tu casa. Con esta práctica, tu experiencia, tu profesionalismo y tu reputación como profesional, quedan tirados en el suelo como la caguama que ya no te acabaste.

Mentir por tus errores: Cuando un proyecto no va bien, por la razón que sea y se complica con la pérdida de datos, daño a los proyectos o una falla que no tuviste cuidado de revisar, es mejor informar al  cliente de la situación. Acepta que el error fue tuyo, pero que estás dispuesto a repararlo en la mejor forma posible. El cliente agradecerá más tu confianza y comprenderá si se pone un momento en tus zapatos. Si después descubre que le mentiste, entonces cualquier proyecto que emprendas con él, estará en vigilancia constante. 

No haces milagros, pero tampoco eres Dios : Hay colegas que no aprenden todavía una ley universal. Siempre habrá alguien mejor para lo que haces. Las quejas comunes contra el cliente siempre son para minimizar las capacidades o falta de ellas ante un proyecto. Protegiendo tu inseguridad, utilizando términos que el cliente no va a comprender no te hace más inteligente. Y es poco ético.

La experiencia no se acaba en un proyecto: Cuando termines un proyecto, acostumbra hacer una bitácora de problemas. Analiza que hiciste bien y que hiciste mal. Como mejoraste tu comportamiento personal, o resolviste una discusión entre músicos. Todo sirve.

La vida personal también es importante: Tengo muchos amigos que han entregado su vida a este bello arte, pero también su hígado, riñones, pulmones, corazón y en algunos casos hasta cerebro. Vivir por el arte no es abandonar tu vida a merced de algo, este arte es noble y complejo. 

A veces requerirá que mates neuronas durante una semana. 

Si eso te está pasando en este momento, es tiempo de dejar esta práctica y vivir en armonía con todo lo que te rodea. La familia, la esposa, los hijos, la novia, son seres que te acompañan para equilibrar tu vida. Es absurdo que rompas ese equilibrio para sentirte mejor ingeniero. Los mejores Ingenieros son más creativos, profesionales y reconocidos. Y lo han logrado a base de equilibrio en sus vidas.

Pon en práctica este decálogo inmediatamente. Sin cuestionarlo. Analízalo. Y si encuentras algo mejor, cuéntalo... El gremio te lo agradecerá. Seguimos en contacto.

Rafael Mendoza

Productor en Ad Libitum Estudio

blog@adlibitumestudio.com

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Loudness War: Una guerra intensa

Loudness War: Una guerra intensa

Sonar por sonar...

En nuestros tiempos, las diferencias económicas, políticas, sociales y culturales se miden de la cabeza al cielo. Si somos mejores es porque vestimos lo más caro, compramos lo más caro, hacemos lo más difícil, pensamos lo más importante, conocemos a más gente, en fin... Todo es más y más...

En la audio producción el efecto es similar, sobre todo cuando hablamos de sonar más fuerte que la competencia. 

El origen del Loudness War

El Loudness War (Guerra de lo más ruidoso), se inicia con las posibilidades técnicas del CD y sus procesos de masterización.

La música y la voz en un tema musical en vivo, nos parece más placentera a veces, simplemente porque maneja lo que denominamos dinámicas. Por momentos es fuerte, por momentos débil y queda a la interpretación del ejecutante hacer más viva o tranquila un tema musical.

La música clásica y el jazz son ejemplos claros de cómo las dinámicas musicales colaboran en la intención del autor por transmitir un sentimiento.

Con la llegada del CD, las primeras transferencias a este nuevo formato, venían acompañadas de sus dinámicas originales.

Calidad contra cantidad

Sin embargo, cuando la industria se dió cuenta que era posible utilizar filtros y compresión digital para dar una mayor cantidad de volumen a un disco, se dió que la gente buscaba los discos que sonaban un poco más fuerte que los discos sin procesar.

Como para la industria todo es dinero, se empezó a pedir a las casas de masterización que se incrementara el volumen de los títulos en lo posible para generar más ventas y espectativa de que los discos "tal" eran mejores porque sonaban más fuerte.

Los ingenieros señalaron que comprimir las dinámicas de una grabación (similar a lo que hacemos con un sandwich cuando lo "apretamos" para sentirlo más firme), provocaría que el sonido perdiera su forma original a cambio de sonido más fuerte. Esto a la industria le pareció poco y se procedió a continuar sus planes comerciales.

La siguiente imagen puede demostrar como el material introducido en la época de los 80 tenía sus dinámicas bien establecidas y cómo con el paso de los años se ha ido deformando hasta parecer un bloque sólido que no suena tan agradable como el primero.

La realidad expandida

Actualmente, la mayoría de los clientes de audio producción, solicitan al término de su proyecto y previo al maquilado  que su disco suene tan fuerte como sea posible. Al solicitar muestras de lo que ellos consideran buen volumen, normalmente entregan archivos sobre saturados y donde las dinámicas se encuentran totalmente perdidas. Un ejemplo claro de lo que puede ser recompresión forzada es el último álbum "Death Magnetic" de Metallica. Su sonido es tan malo, que los fans han pedido se vuelva a masterizar con un nivel adecuado, al descubrir que algunas versiones incluidas en un popular videojuego de imitación musical (si, eso no es aprender a tocar), sonaba mejor que la versión del CD.

Conclusión

La industria es más inconsciente ahora que hace 30 años cuando el CD empezó a funcionar en el mercado. El MP3 es otro horroroso intento de volver comercial la digitalización para difundir un trabajo de producción excelente. No hay ninguna regulación comercial o tecnológica para la prohibición de codecs y procedimientos que produzcan una "mejoría" a cambio de una tontería.

La "Loudness War" empieza a perder fuerza en algunos sectores y no ha afectado a otras que consideran mejor cuidar el producto de principio a fin sin que sufra daños en la masterización.

Si usted es una de esas personas que piensa que "más fuerte" es mejor que calidad, que "más sonido" es símbolo de mejoría, posiblemente su oído ha sido una baja civil en esta guerra, donde la salud de sus oídos no le importa a una industria que vende cajas llenas de música hechada a perder...

Rafael Mendoza

Productor en Ad Libitum Estudio

blog@adlibitumestudio.com

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Remixing, remix o remasterización:Diferencias

Remezcla, Remix o Remasterización: Diferencias

La diferencia entre ambas técnicas

Comúnmente escuchamos que se habla de remix, remezcla o remasterización pensando que la técnica y formas de realización son la misma.
Cada uno posee su particularidad técnica y responde a necesidades diversas. Si las cosas pueden mejorar o no, dependerá del uso creativo de las herramientas digitales.

Qué es remix y que remezcla
Los términos para definirlos a partir del inglés deben tratarse subjetivamente.
Remixing es la técnica donde se recuperan todas las partes de un tema musical o proyecto de sonido y se vuelve a post producir.
Remix, sería entonces, utilizar un tema ya finalizado para tomar partes y crear un concepto nuevo o diferente a partir de ello.
Remasterización es el proceso mediante el cual, un material previamente finalizado, se reprocesa desde su mezcla principal para mejorar su presencia sónica antes de maquilarlo.

Tal vez será más fácil comprenderlo si mencionamos los requerimientos de cada uno de ellos

Remezcla

Obtener las cintas, archivos, notas de producción
Obtener las pistas de cada instrumento por separado (Bajo, bombo, tarola, guitarra, piano)
Si se va a recrear la versión original, conseguir el equipo utilizado para la grabación (Reverbs, delays, modelos de consola)
Mantener el concepto original, mejorando en lo posible la limpieza, profundidad, amplitud esterofónica y procesamiento en general.
Corregir en edición errores de producción o retoque digital de partes diversas.

Remix

Se obtiene uno o varios temas producidos (mezclados o masterizados).
Se obtienen loops de bases rítmicas, instrumentos diversos
Se cortan los temas por partes, obteniendo sólo algunos compases o sonidos.
Se procesan (transforman en algunos casos)
Se reordenan y cambian su estructura original
Se intercalan con otros samples
Se edita por secciones.
No siempre se mantiene el concepto original ni se preserva al 100 % la idea original de ltema.

Remasterización

Se obtiene la mezcla final sin procesar.
Se realiza un proceso de pulido en el sonido
Se manejan las dinámicas, equilibrio sonoro e incremento de la potencia.
Se mejora en lo posible el detalle o calidad del master antes de la maquila.


Conclusión

Como podrán observar, remezclar un tema implica desarmar un objeto, digamos una ensalada, y resaltar los elementos sin cambiar los ingredientes

Remix, sería crear una nueva ensalada a partir de varias ensaladas, utilizando algunos o todos los elementos de ellas

Finalmente la remasterización sería la mejora de la receta para una ensalada. Se puede considerar agregarle miel o nueces para darle más sabor.. o simplemente elegir entre mantenerla fresca o más vintage.

Así que la próxima vez que escuches un material con estos detalles. debes recordar que sólo el remix puede dar un nuevo tema como producto. La remezcla y remasterización son procesos de mejora técnica con un toque de creatividad usando los mismos elementos.


Hasta aquí hoy. Nos vemos la siguiente semana

Rafael Mendoza Hernández

Productor de Ad Libitum Estudio

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Radio digital:¿Estamos preparados?

Radio digital: ¿Estamos preparados?

¿Son digitales las radios actuales?

El empoderamiento de la radio en México, es la causa principal de la búsqueda de cambiar a la radio digital de forma acelerada.

Aunque la radio como la conocemos actualmente, desarrolla algún uso de las herramientas digitales, no significa que tengan una transmisión de este tipo.

La mayoría de las empresas radiofónicas, utilizan el apellido "digital" a todo lo que hacen, aprovechándose de la idea generalizada de que todo lo que suene a tecnología digital es mejor.

La transmisión de este tipo de tecnología no se ha implementado afortunadamente, sin embargo, el argumento de la industria raya en lo absurdo.

Las "necesidades" de las empresas radiofónicas

El gremio radiofónico (monopolios), escudados socialmente tras los sindicatos (SITATYR), han utilizado el argumento de que cambiar a la  radio digital les permitiría obtener mayores beneficios y con ellos aportar a la creación de nuevos empleos y oportunidades.

La realidad es que la mayoría de estas estaciones está trabajando con elementos suficientes, pagando sueldos de miseria a pesar de obtener jugosas ganancias con la explotación de equipo obsoleto.

Los dueños de estos monopolios, viven de la publicidad y venta de audiencias a los clientes que lo necesitan, NUNCA A SU PROGRAMACIÓN Y CONTENIDO.

El negocio radiofónico

La radio dejó de ser un negocio cuando empresas como Acir, Radio Fórmula, MVS y Televisa, se comieron bajo el argumento del atraso tecnológico a estas empresas familiares de tradición.

Como toda industria, se etiquetó a la radio tradicional como obsoleta y aburrida, pasando a ser un mero escaparate publicitario con contenidos de quinta.

Aberraciones radiofónicas como Maxine Woodside, Facundo, El Panda, La Comadreja y cuanto animal se presenta en los micrófonos, son el resultado de una supuesta "nueva identidad" y forma de hacer radio más divertida.

La radio pierde su alma

 La radio nace como un medio social, en muchas comunidades rurales es la única forma de mantener contacto con los habitantes. Promueven la ayuda y soporte social, preservación de la cultura y planteamiento de problemas de educación. En otros lados, es la única manera de mantener informados a las comunidades de habla étnica. Una labor que cualquiera de las personas que trabajan en los monopolios es incapaz de desarrollar por depender de Google.

Conclusiones.

Cambiar los transmisores a formatos digitales no ofrece ninguna posibilidad de mejorar los contenidos de la radio actual. Ayudar a la transición digital por parte del Estado, equivale a que todos los mexicanos paguemos la actualización de equipos obsoletos por consolas digitales, editores de disco duro que irán a parar a manos de empresarios en la mayoría deshonestos con sus empleados.

Tampoco abre la posibilidad de ofrecer más empleo, puesto que el empresario puede hacer más en menos tiempo con herramientas de última tecnología. Si antes se contrataban 10 operarios, ahora sólo se tienen 3 por estación y con una actualización seguramente ocuparán máximo 1.

No estamos en condiciones de solventar este cambio analógico, mucho menos estamos preparados para participar de una nueva radio propositiva, de contenidos sólidos y sobre todo, que pueda colaborar al resurgimiento y sanación de esta sociedad tan descompuesta.

Gracias por leernos... nos vemos mañana

Rafael Mendoza Hernández

Productor de Ad Libitum Estudio

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Tiempos de producción: cocinando un proyecto...

Tiempos de producción: Cocinando un proyecto

Calculando costos

La pregunta del siglo: ¿Cuánto cuesta un proyecto?

La respuesta es tan subjetiva como si fué primero el huevo o la gallina. Ponerle precio a un trabajo de producción debe tener en consideración las 3 etapas de la producción

Etapas de producción

Pre- Producción: Es la etapa donde se realiza la idea creativa y es la más descuidada por el cliente.

En esta etapa deben realizarse e identificarse todas las necesidades o requerimientos de un proyecto. Evaluar si es viable y posible. Aquí identificamos si la "locura" se podrá llevar a cabo satisfactoriamente. No es tan importante el tamaño del proyecto, sino la organización de este.

Si haremos un radio cuento o tema musical con fx de sonido, los efectos deben escogerse en esta etapa o decidir si se van a producir directamente en el estudio. Me ha pasado que el cliente pide en el momento el sonido de un elefante horrorizado por un ratón... Idem...

Producción: En esta etapa es donde por fín y en el caso de la audio producción, se entra al estudio a grabar desde el primer segundo hasta el último sonido que se va a requerir. Se revisan las notas de requerimiento y si no hay ninguna corrección o situación que deba ser repetida se da por terminada.

Es la etapa donde normalmente el cliente quiere grabar un coro y usar el copy/paste para ahorrar tiempo de estudio. 

Post-producción: Es la etapa donde se inicia la mezcla, se ajustan los niveles, se buscan las opciones creativas. Lo común en esta etapa es que se invierte tiempo CORRIGIENDO las fallas del cliente. Si canta feo, piden afinar, si toca raro, se hace edición. Todo esto agrega tiempo al proyecto y dolor al bolsillo.

Hora de hacer cuentas

Tomaremos en cuenta un ejemplo básico para 3 medios. Un tema musical, un spot publicitario de 30 segundos y una edición remix para una necesidad específica (escuela de baile). 

En base a eso consideraremos los requerimientos desglosados clave para cada uno, a fin de hacerlo más didáctico.

Tomaremos de referencia el valor promedio de 450 pesos por hora

Tema musical

                                                                                                    Horas aproximadas

Pre producción: 

Escribir letra                                                                                        4

Escribir música                                                                                    8 o más

Hacer arreglo                                                                                      8 o más

Corregir acordes, textos y orquestación                                             4

Ensayo del tema                                                                                 10

Anotaciones y secuenciación (si se requiere)                                    10

Producción

Colocación de equipo y configuración de nivel de grabación          2

Grabación de la guía o maqueta                                                      1

Grabación por instrumento                                                              5 (aprox. 5 instrumentos)

Grabación de voz                                                                             2

Correcciones menores y ajustes                                                       2

Post Producción

Edición de tracks (inicios, finales, errores de tiempo o ejecución básicos)  2

Mezcla                                                                                                           4 (por sesión)

Masterización                                                                                               1

Total: 56 horas

 La producción de este material nos da un total de 8550 pesos.

Spot Publicitario

Pre Producción:

Escribir texto                                                                                           1

Revisión del cliente                                                                                 1

Ajuste y elección de música                                                                    1

Ajuste y elección de fx                                                                            1

2da revisión                                                                                            1

Producción

Grabación de voces                                                                               1

Grabación de Fx (si se requiere)                                                           1

Post Producción

Edición                                                                                                  1

Musicalización                                                                                      1

Revisión de niveles                                                                               1

Masterización                                                                                      1

Total: 11 horas

 El Spot costaría 2700 pesos, sin contar el costo del locutor o locutores que puede variar entre 1500 y 2000 pesos. Utilizando música libre de regalías.

Remix (edición y post producción)

Pre producción

Elegir loops, samples y fx                                                                    4

Editar partes para remix                                                                     4

Elegir temas musicales y tonalidades                                                 4

Producción

Editar, loopear y producir el tema                                                     8

Grabar voces e instrumentos adicionales                                          4

Post Producción

Edición                                                                                               4

Mezcla                                                                                                4 (por sesión)

Masterización                                                                                    1

Total: 33 horas

El remix tiene un costo de 9450 pesos. Sin contar si se pagarán regalías por el uso de material ya registrado.

Conclusión

Podemos decir 3 cosas en base a este análisis

1.- Es más barato producir un material propio, que uno utilizando material de otros (spot y remix)

2.- Considerar la cantidad de trabajo en horas hombre, significa tener un panorama real del tiempo necesario para crear un producto de calidad.

3.- Eliminar horas de producción implica reducir el uso de los recursos creativamente, trabajando más en la velocidad que en la calidad.

Se pueden reducir los costos eligiendo paquetes por horas, promociones de estudio, utilizar tus propios recursos o una combinación de ambos.

También debes recordar que si vas a invertir en pagar un producto, utilices material propio, de lo contrario estás dando publicidad pagada y gratuita al creador de otra música.

Si deseas utilizar covers, invierte tiempo en producirlos no cambiando de género solamente, sino haciendo un arreglo interesante, utilizando nuevos instrumentos o sonidos diversos.

Lo que no se debe hacer, es subestimar el tiempo de desarrollo de un producto pensando que sólo importan las horas de producción para conseguir el mejor resultado.

Gracias por leernos, nos vemos mañana

Rafael Mendoza

Productor Ad Libitum Estudio

blog@adlibitumestudio.com

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Ingeniero en audio El bello arte de retorcer sonido...

Ingeniero en audio; El Bello Arte De Retorcer Sonido

Situación actual

Escribir sobre la profesión que uno escoge a veces es difícil. Hasta para escribir el título tardé un poco más de lo normal (de ahí el retraso de la publicación de hoy).

A veces somos adorados como verdaderos semi-dioses, otras tantas somos tolerados (vamos incluídos con el equipo) y las más simplemente operarios que tienen la responsabilidad de corregir las debilidades de los clientes.

Creativo o cirujano plástico musical

Los mejores discos de la industria se reconocen no por las capacidades técnicas y presupuesto. Se piensa que con toneladas de dinero, se puede hacer el mejor disco del mundo (preguntenle a Metallica como le fué con Death Magnetic).  Sin embargo, la realidad es que los ingenieros que grabaron, produjeron, mezclaron y masterizaron estos discos, son gente con suficiente tiempo para la creatividad.

Estos proyectos resaltan porque siempre nos sorprenden con combinaciones creativas en el uso de las herramientas, las técnicas de grabación y forman el complemento perfecto para un tema bien orquestado y bien arreglado.

Sin embargo, la tecnología ha conseguido poner al alcance de cualquier persona, músico o intérprete, las mismas herramientas que un ingeniero en audio utiliza comunmente.

Democracia tecnológica

El ingeniero en audio contemporáneo debe comprender que no puede limitar el acceso a las herramientas creativas. De hecho debe ser un facilitador para que se conozca la naturaleza de su arte.

Pero tampoco es correcto, mostrar las fórmulas de uso como si se tratara de verdaderas reglas de producción. Sólo la experiencia, la sensibilidad y los años de práctica, son criterios que prevalecen a la hora de grabar, mezclar y producir en una audio producción.

Debemos ayudar a las nuevas generaciones a comprender, que la ingeniería en audio no es sólo un software, un mixer, un micrófono y un mouse con el que se puede crear. Sino que estas herramientas son sólo uno de los pasos necesarios para plasmar una idea creativa en un soporte físico.

Regulación digital

Actualmente, el 60 % de las personas que usan un estudio de grabación, software o hardware, lo utilizan de forma correctiva. Aunque las herramientas fueron diseñadas para crear, producir, editar y utilizar creativamente, el usuario las forza a obtener los resultados que pierde por fallas en la pre-producción y la producción misma.

Increíblemente, el software ha empezado a desarrollar herramientas correctivas que no hubiéramos soñado hace 10 años. Por ejemplo, el Celemony Melodyne, ha desarrollado la capacidad de separar las notas en un acorde de guitarra. Esto significa que 6 sonidos diferentes (cada cuerda), incluyendo armónicos puede ser separado para cambiar su afinación. Es posible hacer un acorde menor de un acorde mayor y agregar alteraciones de séptima, novena con sólo alterar los sonidos independientes.

Estos avances antes que correctivos, deberían aplicarse de forma creativa en las nuevas formas musicales y de producción en general. Ahora el cliente paga más por corregir, que por crear.

Conclusión

El ingeniero en audio en nuestros tiempos, se está convirtiendo en un operador, productor, editor, mezclador, masterizador, diseñador web, camarógrafo, fotógrafo y agregue lo que se le ocurra.

Se ha pensado que ser tan versátil, permite captar más posibilidades de trabajo y crecimiento, pero somos la primer línea de defensa en una industria agotada. La falta de creatividad a puesto al ingeniero en audio en situaciones donde por lo menos 2 veces al mes, graba dos diferentes versiones de un tema ya conocido. O álbumes completos de viejitas pero bonitas.

Se ha creado un vacío creativo, donde al no haber propuestas diferentes, los clientes no obtienen mejores ventas porque están ofreciendo lo mismo que todos. Como debe encontrar una razón a su fracaso, normalmente culpa a quien le hizo la producción porque no le "previno" de esta situación. 

Y efectivamente, una casa productora debe reconocer que un material por mejor grabado que esté, si no está fundamentado en la creatividad, el material resultante será "otro más" en la tienda de discos.

Finalmente, es el ingeniero en audio, el que tiene la posibilidad de cambiar su entorno, preparándose aparte de mantenerse en activo constantemente y procurar cambiar los tiempos de producción por tiempos de creatividad. 

Porque al final, retorcer sonido sigue siendo un arte... y haciá allá debemos mantenernos...

Aprovecho para agradecer las más de 1000 visitas en 2 semanas a este blog... 

Muchas gracias por motivarnos a seguir escribiendo. Pronto nuevas sorpresas. Me despido por hoy y un saludo a mis compañeros ingenieros.

Rafael Mendoza

Productor en Ad Libitum Estudio

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Analfabetismo musical: Verdad o mentira

Analfabetismo musical

Verdad o mentira

Todos sabemos que para hacer música, sólo basta un popote, una hoja de árbol, nuestras palmas y en algunas veces hasta hacer sonidos con las axilas.

Actualmente comparamos todo aquello que consideramos arte contra lo que parece no serlo, cuando ambas provienen de un estímulo diferente.


El reggaetón ha sido comparado en las redes sociales con partituras de Mozart y es obvio que esta comparación es injusta para ambas partes.


Por un lado, están realizados por gente que no tiene la preparación musical suficiente para comprender que la complejidad de Mozart provenía de una época donde precisamente, a este autor se le juzgaba de igual manera que a Daddy Yanqui.

Clásico VS Música Popular

Aquí llega el momento de reaprender conceptos y abrir nuestra mente a una realidad aplastante.
Dicen que la historia siempre está contada desde la perspectiva del triunfador... en la música no cambia.
 
El término clásico en la música, tiene que ver más con una interpretación elitista (si, en la música también hay clases) conceptual.

La "gente de buen gusto", denominó a la complejidad y desarrollo artístico basado en conocimientos  como "clasica", para diferenciarla de la música "popular" (otro concepto creado por la misma élite).

Esta percepción tan pobre de lo que culturalmente implica la música, crea un divisionismo del que nunca se puede salir o quedar en medio.

Actualmente, en una reunión, cuando preguntamos a alguien que conocemos, que tipo de música le gusta escuchar, generalmente responde "un poco de todo", por miedo a no encajar o compartir que es fiel al hip hop en un espacio donde los hipsters hablan cada 5 minutos de la diversidad sonora que provee Björk.

Educación Musical o Músico Educado

En México, los programas de la SEP incluyen en la educación musical, las capacidades interpretativas a través de juegos, cantos y elementos básicos de la rítmica. Pero ninguno provee el aprendizaje de la lectura, escritura y principalmente la importancia del desarrollo de ideas musicales propias.

De esta forma, el alumno queda aislado del trabajo creativo, mental y físico que requiere un músico para interpretar una pieza tan sencilla como Minueto en Sol de Bach o siquiera la complejidad rítmica del "Son de la Negra".

Tampoco profundiza en las raíces artísticas y culturales de su país. Entender las bases culturales a través de la música, significa una interiorización de valores en identidad.

Baste ver en los festivales infantiles, cómo se prefiere poner una actividad con trajes de princesas y abejitas con el fondo de la música de "Bajo el mar" a utilizar una canción tradicional infantil como "La Cucaracha" porque " esa nomás sirve en el 20 de Noviembre".

El concepto de la "buena música"

El analfabetismo musical es la causa de esta y otras impresiones sobre lo que es música buena.
Para muchos, la buena música es la que le gusta, pero este gusto tiene que ver más con un fenómeno de multitudes que por gusto propio.

Hace poco escuché en una conversación decir a una joven que la música que aparece en la radio es la mejor, porque si no fueran buenos no estarían en ella.

Los medios se aprovechan del analfabetismo musical para mantener un círculo creativo, muy vicioso y venenoso para quien defiende la idea que tal o cual género son los reyes de la música.

Por ello cada vez más televisoras expanden sus redes sobre la música, es un negocio redondo en el cual hasta la voz grabada de un personaje muerto (Selena, Jenny Rivera, Michael Jackson) es más rentable 3 metros bajo tierra.

Conclusión
En este primer acercamiento al analfabetismo musical, los invito a pensar por un momento si posee usted el criterio para evaluar el peso de una obra a partir de los conocimientos que le han impartido en su educación.

 La educación privada también sufre de este proceso porque sigue el criterio de la SEP para obtener la licencia de proveer educación. En estas escuelas se promueven los talleres culturales como opciones "gratuitas" porque casi nadie las pide.

Esto contribuye a un "abaratamiento" cultural que contribuye a largo plazo, a la crisis creativa y cultural que tanto daña a la audio producción.

Seguir la corriente tampoco es una opción, porque aunque Daddy Yanqui tampoco posea la capacidad musical, creativa o facultativa para crear un tema musical, no significa que dentro del género no exista un músico preocupado por utilizar las técnicas musicales avanzadas para darle un nuevo enfoque.

No los vemos porque para la disquera, lo que las masas piden, es lo que hay que venderles. Y si las masas son analfabetas, entonces estos nuevos genios musicales están en desventaja.

Cierro con la frase, las masas tenemos la mala música que nos merecemos... y la élite también es un mercado de masas... lo clásico y popular son un mismo ente... música... y nuestro crecimiento como personas debe incluir a partir de hoy, entender el bello mecanismo de la musicalidad.

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Rafael Mendoza

Productor en Ad Libitum Estudio

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