Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo Parte II...

Continuamos con la 2da. parte de tres, en esta serie "Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo".

En la 1era parte, nos referimos a las causas más comunes por las que un Ingeniero de Sonido en Vivo busca una nueva alternativa y la forma en que debemos abordar su salida.

En el post de hoy, analizaremos una perspectiva más delicada. ¿Cómo distinguimos la verdadera necesidad de cambiar a nuestro Ingeniero de Sonido y como debemos prepararnos para ello?

Caso B: El Ingeniero debe ser relevado

Existen razones obvias para relevar a un Ingeniero de Sonido en Vivo. Aprender a reconocerlas y dividirlas nos permitirán manejar mejor la situación al realizar el relevo y establecer una dinámica de transición que no genere conflicto con las fechas programadas o por confirmar.

Las ordenaré en niveles de gravedad menor a mayor, pues algunas de ellas son corregibles a corto y mediano plazo, que podrían contribuir a mejorar el desempeño del Ingeniero.

1.-Incapacidad operativa  (desconocimiento de estándares mínimos)

2.-Llegar tarde a los ensayos, citas de trabajo sin justificación adecuada o cancelación previa mínimo de 2 días antes de la fecha. 

3.-Actitud o personalidad difícil (¿Sale la chamba no?... Ahorita queda... ¿Ya ves? Si salió... No me digas lo que tengo que hacer... Ya vas a empezar... Se apuran porque me tengo que ir a otro evento...)
4.-Descuido generalizado sobre la responsabilidad de los equipos.

5.-Faltas de respeto y límites con el personal a su cargo, músicos y/o clientes

6.-Abuso de alcohol y/o drogas.

7.-Personalidad Agresiva

Normalmente, a medida que las faltas se van haciendo graves, se incrementan los años de experiencia de la persona, generando un nivel de autoconfianza laboral que normalmente se confunde con autoridad. Es importante reforzar esta perspectiva al contratar a un Ingeniero más experimentado y profundizar en el nivel de control laboral a través de un contrato adecuado.

En la lista descarté opciones como salud física (enfermedad), emocional (divorcio, abandono) y psicológica (depresión, bipolaridad) por tratarse de situaciones particularmente especiales y tratarse más de condicionantes laborales.

Cómo realizar la transición

La clave de un cambio exitoso es la transición. Desafortunadamente, la mayoría de bandas, empresas de sonorización y grupos versátiles miran algunas de las razones anteriores como algo "normal".

Al tener este enfoque de visión, se van permitiendo pequeños desaciertos y conflictos que se van acumulando. 

La mayoría de estos conflictos se pueden corregir al momento, pero ante el miedo de cambiar al Ingeniero de Sonido, simplemente hacen una observación poco efectiva y el problema continúa repitiendose.

Muchas veces me preguntan ¿Cuántas oportunidades debo tomar en cuenta antes de cambiar al Ingeniero? y mi respuesta siempre es "las que estés dispuesto a arriesgar a tu proyecto, clientes y forma de trabajo". 

Hay que comprender que no estás jugando a la tocada, el festival de la escuela o la reunión de familia con equipo de sonido caro, sino realizando un evento profesional de entretenimiento.

Si a pesar de poner en práctica las soluciones correctivas, el Ingeniero no responde a ellas y continúa ascendiendo en la escala de conflicto, yo recomendaría no llegar al número 7 para tomar la desición.

Podrías encender los focos amarillos en el número 3 y 4 de la lista, empezando a buscar opciones y alternativas, juntar currículums, pedir referencias y hacer entrevistas. Así estarás preparado para encender el rojo en el 5.

Nunca entres en conflicto con la persona. Antes de integrar al nuevo Ingeniero, invítalo a una presentación o evento para que tome medida de la magnitud en trabajo y coordinación necesarios para el proyecto.

Habla siempre con la persona antes de cruzar el nivel 5, porque de lo contrario, las cosas empiezan a ponerse complicadas para ambos y en algunos casos llevar a situaciones desagradables que nadie quiere tener. 

Importantísimo el control de ambos a través de un contrato bien diseñado al momento de contratar, para respaldar cualquier eventualidad laboral y sobre la responsabilidad del equipo. He aquí la importancia de la bitácora e inventario que todo Ingeniero deberá firmarte al ser contratado.

Notifica con tiempo a la persona y de preferencia, hazlo de manera personal en un ambiente tranquilo y no a la mitad de un evento o cuando estén demasiado cansados como para afrontar la situación. Siempre mantén una línea de comunicación durante el proceso de separación. La revisión de la bitácora final e inventario deberá contar con representación por parte de ambos y ofrece la oportunidad de hacerlo con testigos por ambas partes, además de elegir a alguien neutral durante el proceso.

Si la confianza y profesionalismo del Ingeniero te lo permiten, ofrece pagarle algunas sesiones más para apoyar al Nuevo Ingeniero en los detalles y requerimientos comunes del proyecto.

A veces, al ser notificado, el Ingeniero decide cortar toda comunicación y se resuelve a no presentarse a revisar la bitácora e inventario, entonces es momento de tomar acción legal para que la responsabilidad no quede volando. Integra a tu Nuevo Ingeniero y dale un poco más de tiempo para ajustarse a los cambios y promueve ensayos pagados para que se facilite el proceso.

Conclusión

Siempre debes estar preparado para el peor de los escenarios. Normalmente, las transiciones bien manejadas se desarrollan cordialmente y el Ingeniero que sale, regresa a veces para cubrir enfermedad del Ingeniero Titular. En muchos casos, vuelven para quedarse con una actitud más participativa y cumpliendo mejor sus tareas.

Si es el caso, recíbelo, todos necesitamos segundas oportunidades. Vigila su desempeño y podrás hacer algunos ajustes al contrato inicial. Si desea volver, seguramente no le importará este ajuste y se apegará mejor a los procesos.

Es importante que seas coherente con tus acciones. No tiene caso que pidas profesionalismo si como dueño del proyecto no provees herramientas suficientes, equipo de trabajo, oportunidades de mantenimiento, buen trato a tus compañeros, pagos en tiempo y forma, que pueden traducirse en pretexto para alegar fallas de tu parte. 

Algunos dueños de empresas o proyectos, permiten a sus Ingenieros ciertas libertades que afectan al resto de las operaciones y áreas, simplemente porque son amigos de la infancia, conocidos de la escuela o consideran que es la única manera de sacar sus empresas adelante. Este tipo de prácticas está quedando poco a poco en el olvido. Quienes lo realizan, no saben el daño a mediano y largo plazo que hacen a sus proyectos, pues cuando este elemento acaba mal, deja problemas a nivel operativo, administrativo y lo peor es que quedan estigmatizados con los clientes por los tratos, groserías y faltas de respeto de estos elementos.Estamos en un negocio donde la actitud, cordialidad y trabajo en equipo son fundamentales. Lamentablemente algunos lo comprenden y otros no. 

Existe una gran tradición en México por Ingenieros de calidad. Me atrevería a decir que somos un país fructífero en ese sentido, puesto que muchas producciones extranjeras confían en los Ingenieros mexicanos para sus montajes en los foros más importantes.

Con esto finalizamos la segunda (y más difícil) parte de esta serie. En la siguiente parte haremos anotaciones y recomendaciones para integrar al Nuevo Ingeniero, su proceso de adaptación, además del establecimiento de metas. 

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo... Parte I

Como en toda relación laboral, los cambios de personal afectan la estructura, organización, continuidad y procesos de un proyecto musical.

Hay que decirlo; para muchas bandas, el ingeniero de sonido se convierte en un miembro más y su importancia para desarrollar el show. Es precisamente este vínculo el que se hace difícil de disolver y sobre todo aceptar un cambio profundo.

Muchas veces tomamos la decisión de forma inadecuada, porque creemos que un cambio de persona hará una verdadera diferencia. Sin embargo, muchas veces se debe a que existen muchos factores que no observamos de fondo y descargamos toda la responsabilidad sobre el Ingeniero en turno.

Por ello, aquí algunas recomendaciones para cambiar Ingeniero de Sonido en Vivo

Manejaré las tres situaciones clave que ocurren constantemente:

A) El Ingeniero se va por su cuenta 

B) El Ingeniero debe ser relevado. 

C) Como integrar al Nuevo Ingeniero

Aprenderemos a diferenciar los aspectos reales a evaluar, objetivos y centrados en habilidades, perfil y personalidad.

Decidí dividir el post en tres partes para asimilar mejor la información.

Caso A: El Ingeniero se va por su cuenta

Aquí entra la parte humana del asunto. Citar a tu Ingeniero de sonido para preguntar las causas de su salida, aportará mucha información valiosa sobre el status de tu proyecto.

Muchas veces vivimos enamorados y enceguecidos de nuestro proyecto, pensando que nuestro "talento" e impulso bastan para ofrecer una alternativa de trabajo a nuestros compañeros. Es muy común en proyectos sin estrategia de trabajo y metas establecidas caer en este problema

Más que juzgar su decisión, debes preguntarle cuales son los aspectos que el ha considerado poco o muy poco relevantes para continuar como Ingeniero de tu proyecto. Escucha con la cabeza fría, porque emocionalmente te va afectar que te digan cosas a nivel muy personal. 

Causas

Nadie abandona un empleo por simples razones (por lo menos no en este caso). Un ingeniero en audio comprende la naturaleza de su trabajo y lo adopta como tal. Pero siempre hay una parte que brinda razones para modificar su estadía.

Entre las causas más comunes que puedes esperar están: 

- Mejores oportunidades laborales (sueldo, proyecto, enfoque de trabajo)

- La falta de crecimiento y enfoque del proyecto (No hay dirección ni objetivos claros a mediano y largo plazo)

- Infraestructura operativa deficiente y obsoleta (Equipo viejo, incompleto, parcialmente operativo)

- Motivación personal y enfoque de trabajo en equipo (Reconocimiento y agradecimiento constante)

- Maltrato y descalificación de sus habilidades (Tu no entiendes... Te exijo porque me exijen.. Si no sabes... A mi no me conviene... ¿Pues no que sabías?.... El ingeniero anterior no lo necesitaba... A ver quítate... ¡Y si lo haces mejor?.... No sé como lo vas a resolver pero hazlo... Pues yo que sé...)

- Pago fuera de tiempo y forma (El evento se cayó... No me ha pagado el cliente... No ha pasado la factura... Cómprala y te lo pago acá... Dame chance al sábado... Te voy a pagar pero necesitamos hacer cuentas...)

- Intervención de terceros y/o sistemas complicados de requerimientos (facturas, proveedores)

Posiblemente te estés preguntando que hacer cuando la cosa se ve tan mal. Pues todas estas causas se deben primordialmente a que el proyecto no tiene un enfoque adecuado y que se ha centrado en generar ingreso sin evaluarlo desde una perspectiva de empresa cultural. Lamento decir que todas son responsabilidad tuya como dueño del proyecto.

Aquí puedes decidir mantener tu proyecto bajo estas condiciones o replantearte sus procesos, porque la rotación que empieza por el área técnica se puede esparcir al nivel artístico y a mediano plazo, para posteriormente navegar solo, hasta que el proyecto desaparezca.

No te asustes, puedes esperar a encontrar alguna de ellas. Si encuentras más de 3 entonces hay que hacer un análisis de tu proyecto a profundidad

Oportunidades

- Replantea la forma de trabajo en busca de preservar a tu Ingeniero, sobre todo si tienes al menos 1 o 2 años trabajando con él.

- Ofrece una mejora dentro de un tiempo razonable (2 a 3 meses) que permita la continuidad de la relación laboral.

- No ofrezcas aquello que no podrás cumplir, como cambiar el sistema de audio completo o subir el sueldo en un 50%. Mejor pregunta como podrías hacer más simple su trabajo y es clave que le permitas hacerlo más creativo. 

- Si a pesar de lo ofrecido,  no quiere continuar en tu proyecto, entonces pídele que por lo menos te brinde 2 a 3 semanas para buscar un reemplazo y que a cambio de su sueldo normal, otorgue una asesoría para el nuevo ingeniero sobre las necesidades más comunes del proyecto.

- Evítate los malos tratos, caras, comentarios y descargas emocionales, pues solo entorpecen el proceso y te cierran la puerta ante un valioso elemento. Las oportunidades en el Music Business llegan de un momento a otro y entonces podrías convertirte en esa mejor oportunidad laboral que anda buscando.

- Si es posible, envíale un regalo adecuado y una carta de agradecimiento por el tiempo invertido en tu proyecto. 

-Un buen detalle es adjuntar un par de cartas de recomendación. Tal vez las necesite y no quiso decirlo. Cuida la redacción y sobre todo concéntrate en hablar bien de su trabajo, persona y actitud. 

- Si es posible, organiza una reunión de despedida con algunos sandwiches y refresco, para que todos tengan oportunidad de platicar con el Ingeniero y desearle suerte.

- Aprende las fallas en tu estructura, forma de organización y manejo de tu infraestructura para trabajar en ello de inmediato.

Conclusión

En estos tiempos hemos desvalorizado mucho el trabajo artístico, pero en el caso del Ingeniero en Audio se le mira más como un complemento de equipo, que como personal creativo, aportando un esfuerzo clave en la percepción de la audiencia.

Este post está enfocado a los buenos elementos, que se preparan constantemente y se involucran en la fuerza de trabajo esperando un diálogo abierto y pleno por parte de sus empleadores.

En la segunda parte analizaremos como detectar al Ingeniero en Audio que necesita ser reemplazado y como realizar este cambio de la mejor manera posible.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

10 errores más comunes al emprender en el Music Business...

Apenas tuve el placer de platicar con una banda pequeña que está buscando crear una estrategia de trabajo para 3, 5 y 10 años. 

En su momento voy a presentarlos porque considero que han aprendido mucho de sus experiencias pasadas y principalmente de sus errores. Entender que vivir de la música significa compromiso, conocimiento y trabajo constante (no duro), es una de las cosas que se escapa a la gran mayoría.

Emprender en el Music Business te puede llevar 30 años y no conseguir absolutamente nada. Estos son los 10 errores más comunes al emprender en el negocio musical.

10.- Tratar de convencer de todo a la gente: En este negocio lo primordial es hacer... no convencer. Si una disquera no quiere tu material porque no le considera dentro de su línea, deja de usar tu muro de Facebook como muro de las lamentaciones. Vamos, es una de tantas opciones y seguramente habrá alguna que se interese en un tema, un álbum o una colaboración. Enfócate en mejorar tu material para todas las opciones y no sólo para agradar a una disquera, productor, manager o tu abuelita.

9.- Ser demasiado difícil o demasiado fàcil: Hay músicos que sienten que podrían matar con una letra a Megadeth o un riff a Metallica. Sus condiciones de trabajo van de lo normal a lo excéntrico y siempre están mirando la paja en el ojo ajeno.

Para cualquier persona que desee trabajar contigo, será más sencillo encontrar a alguien más que tenga la actitud correcta y el profesionalismo necesario para compartir juntos un proyecto.

Por el contrario, decir "sí" a todos los proyectos, tocadas, colaboraciones y compromisos te harán parecer más un artista gratuito y liberado, que un artista que conoce su valor artístico. Ni tanto que queme al santo, ni tanto que no le alumbre es la clave.

8.- Busca la aprobación de tu público y no de la industria: Querer caerle bien a una disquera, distribuidora y acoplar tu mensaje, música y desarrollo artístico es una pérdida de tiempo. Tu público es quien tiene el control de tus pasos. Ellos compran tus boletos, tus discos, playeras, relojes, dvd's. Si les gustas a ellos, las disqueras son un paso más en la distribución. Entrégate a ellos que son quienes te harán inmortal (no bromeo).

7.- Hacer de lado tu relación con los fans: Si tienes una cuenta de Twitter, Facebook, Pinterest, Band Camp o la que sea, interactúa con tu público. Contesta mensajes, comentarios, sugerencias, críticas. Aprende a trabajar un poco tus redes sociales y personales. Contesta llamadas, comunícate con quien te pida un enlace. Independientemente del resultado, estar presente con tus fans y aquellos interesados en ti siempre hará una diferencia. Te doy un consejo... Los críticos pueden ser convertidos fácilmente si los escuchas y son líderes de opinión natos....

6.- Vive tu proyecto al máximo: Puede ser que por las tardes trabajes en un restaurante de comida rápida, pero en tu sitio www.darkmetalheroes.com eres Venom Spider... En el escenario eres Venom Spider y en tus redes sociales son 5 jóvenes metaleros con la actitud suficiente para comerse un vagón del metro si se los permiten... Nadie quiere saber si tienes una bonita pecera en tu casa, si amas a los pandas o si te gustaría grabar un cover de Manzanero... Para los fans ¡eres lo que muestras!

5.- Ofrece opciones a tus seguidores: Si haces un disco, paga por un buen arte y genera una imagen alrededor de ello... Tazas, relojes, pulseras, posters, llaveros... No te quedes esperando a vender 10 discos de 150 pesos cuando pudiste vender 200 pulseras de 20 pesos con tu nombre, dirección web y una descarga gratuita de 2 temas para tus fans... ¿No se te había ocurrido o te dijeron que eso era ser muy comercial?... estás en el Music Business, no en la escuela de análisis del arte de la preparatoria.

4.- Pensar que el éxito en el Music Business es talento, dinero y medios masivos: Si tienes un sistema de soporte económico, inversionistas con recursos suficientes, managers que han negociado hasta la base de micrófono que usarás, entonces tendrías razón y el talento, dinero y medios masivos son tu camino.

Pero si estás emprendiendo un proyecto musical, viable, limpio y con mucho trabajo detrás, déjame decirte que tal vez lo único que haga falta es un plan de marketing. Y especificamente marketing de guerrilla local.

El dinero puede comprarte una campaña perfecta de marketing, pero ese nivel de atención requiere de muchos otros servicios alternativos para hacer que esa maquinaria musical se mueva.

Pronto verás que cobrarás 100,000 por presentación, de los cuales 68,000 se van para equipo y mantenimiento, 10,000 para tus asistentes, 3,000 para tus managers y el resto para los gastos necesarios de hospedaje, traslado, comida y vestido, que te dejarán algunos pesos para poder comprar llaveros a tus conocidos más cercanos. ¿Sigues queriendo un éxito basado en talento, dinero y medios masivos?

3.- Elige a tus colaboradores en beneficio de tu proyecto: Muchas bandas caen en el dilema de entregar su material a una disquera con mayor impulso y a contratar un manager con mejores contactos.  Es esencial entender que independientemente del esfuerzo que pongas en crear un proyecto musical, siempre obtendrán el mayor beneficio posible por manejar tu carrera. También aplica para elegir a tus compañeros músicos en el desarrollo del proyecto.

Esto ocurre principalmente porque el músico se pone un candado de "no soy nadie ahora, no me puedo comparar con..., me están echando la mano... es que no soy famoso". Pues bien, déjame decirte que esa comparación en el Music Business es obsoleta desde hace 20 años al menos, pero que se ha preservado por las mismas disqueras para hacer firmar proyectos prometedores por pocos beneficios.

Si eliges aceptar, investiga cuales son los beneficios a corto, mediano y largo plazo, habla con otras personas que hayan firmado o contratado antes a estos personajes y NUNCA, NUNCA, NUNCA entregues tu producto musical sin obtener algo que realmente valga la pena para ti.

2.- Aceptar cualquier oportunidad: Esta le va a pegar a varias bandas conocidas. No entender donde están los límites del proyecto te puede llevar literalmente al colapso creativo, personal y físico. Existen muchas bandas que les ofrecen ir a Festivales Internacionales que suenan muy rimbombantes e importantes. Gastan sus ahorros, empeñan el coche y hasta hipotecan la casa de los padres para juntar el dinero y estar presentes en el festival. Después, regresan felices a su país, donde se oye muy bonito decir que tocaste en el Festival X y siguen cobrando, peleando y negociando su paga en el sistema tradicional. No está mal ir a un Festival Internacional, está mal ir a un lugar donde a nadie le interesa tu género musical y donde ni siquiera está tu mercado potencial. Hay de oportunidades a oportunidades... 

1.- ¡No pedir ayuda!: Al principio, sabes poco. La cultura DIY no resolverá al 100% tu camino. Aprender a hacer las cosas bien implica inversión de tiempo. Nada hay más valioso que el tiempo, así que tu mejor inversión debe ir encaminado a ahorrar tiempo ¡NO DINERO!...

El tiempo es clave en cualquier emprendimiento y puede ser muy costoso si se combina con falta de experiencia, knowledge y exceso de confianza en uno mismo. 

Si vas a hacer tu diseño de portada y no puedes pagar un Diseñador gráfico, has el esfuerzo por conseguir un becario o estudiante que le guste tu música... sobre todo ¡págale!... Tiempo es dinero... ahorra invirtiendo, no guardando dinero.

Conclusión

Emprender un proyecto en el Music Business puede sonar arriesgado porque un gran porcentaje de los proyectos que fracasan, es principalmente a que no conocen sus oportunidades de mercado, necesidades del mercado, su nicho de mercado y las personas clave que componen ese mercado.

Como cualquier otro sector, la música es uno de los segmentos económicos más rentables y hoy más que nunca tiene alternativas y flexibilidad suficientes para crear nuevas posibilidades de comercialización, distribución y generación de nuevos perfiles de puesto.

Emprende conociendo, interesándote en tu mercado y atrévete a fortalecer una industria cada vez más interesante.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

10 lecciones que George Martin dejó al Music Business..

¿Que hace a George Martin un productor estelar?

La noticia del fallecimiento de George Martin, productor principal de The Beatles, ha generado cientos de preguntas sobre su trabajo y la importancia de recordar su trayectoria.

Martin es merecedor de estudios sobre producción, Music Business, emprendimiento, composición, dirección y estilo musical.  El título de Sir George Martin no alcanza a saldar su aporte a la industria.

Escribir un post es una tarea titánica, sobre todo cuando el tema es un monstruo de la producción, grabación, música y personalidad enigmática.

Aquí lo que considero las 10 lecciones que George Martin  dejó al Music Business:

1.- Produjo el primer disco conceptual del Rock: "Sgt. Pepper's HeartClub Band" es considerado el primer disco conceptual del Rock Moderno. The Beatles quería contar una historia sobre la banda desde el punto de vista de una banda externa. Por separado, los temas son capítulos bien definidos de una historia consecuente. La genialidad del ensamblado y continuidad de la obra completa es obra de George Martin.

2.- Elevó al estudio de grabación a nivel de instrumento musical: George Martin fue uno de los primeros productores en trabajar hasta 8 tracks en una sesión para ofrecer alternativas musicales a The Beatles.  Impulsaba a sus colaboradores para llevar al límite los equipos técnicos y generar sonidos frescos. Además, brindó a Abbey Road el nivel de santuario de la producción mundial.

3.-Editor artesanal: Martin se atribuyó una reputación importante como editor artesanal. Literalmente troceaba las cintas de grabación para generar sonidos únicos. En "Being for the benefit of Mr. Kite!" puedes escuchar el collage sonoro creado por Martin. En tiempos de la edición digital aún es difícil recrear collages sonoros sin una dirección creativa como la que Martin imprimía a sus trabajos.

4.- Defensor Monofónico: Para quien está inmerso en la historia de la grabación, los sistemas monofónicos son referencia clave para que un disco suene bien donde sea. ¿La causa? El sistema monofónico expone las cancelaciones de fase producidas por las técnicas de microfoneo, relación armónica de instrumentos y niveles de efectos en la mezcla final. Aunque la esterofonía estaba disponible en los inicios de The Beatles, Martin optó siempre por trabajar en sistema monofónico. Sus últimos trabajos de remasterización sobre material de los Beatles, dió como resultado a The Beatles in Mono. No está por demás decirte que si eres ingeniero en audio, es una pieza que debes tener como referencia en tu audioteca personal.

5.-Creativo incansable: Sus técnicas de grabación y producción se siguen utilizando en la mayoría de los géneros musicales. Artificial Double Tracking (ADT), Back Masking, Compresión, Phase Shifting y el multitracking quedaron para siempre en la historia de la grabación. 

6.- Compositor y Arreglista: Yesterday, Eleanor Rigby y Strawberry Fields Forever no serían como las conocemos sino gracias al acompañamiento creado por Martin. Amante de la música desde temprana edad se formó musicalmente en piano y oboe, en la Guildhal School of Music and Drama. Trabajó para la BBC Classics y se preparó hasta alcanzar el grado de Director de Orquesta.

7.- Fundador de su propia empresa: En 1965 fundó Associated Independent Recording, a fin de poder cobrar regalías de sus trabajos con The Beatles. La legislación en materia de Derechos de Autor inglesa es una de las más antiguas y obliga a crear entidades morales para la ejecución de cobro y pago de regalías. Fue una de las primeras productoras independientes, un modelo que se consideraba poco exitoso para la época y que hoy es una constante fuente de artistas potenciales para las Majors.

8.-Nunca en la zona de confort: Tras el éxito de The Beatles, a Martin le hubiera bastado con cobrar regalías y mantenerse tranquilamente de sus ganancias. Sin embargo, se dedicó a trabajar con otros proyectos personales. En su lista de créditos aparecen Cilla Black, Gerry & The Pacemakers, Billy Joel, Krames & the Dakotas, Jeff Beck, John Williams, Neil Sedaka, Ultravox, Kenny Rogers, Cheap Trick, Elton John, Celine Dion, Yoshiki e invariables proyectos de música clásica.

9.- Escritor y cronista: Si no has leído All You Need is Ears, seguramente te has perdido de una de las crónicas mejor contadas sobre el cuarteto de Liverpool. Siguieron Summer of Love:The Making of Sgt Pepper y para los especialistas de audio Making Music: The Guide to Writing Performing and Recording. Básicos para quien se dedica a la producción musical y el Music Business.

10.- Emprendedor musical: Tuvieron que pasar 3 audiciones para que Martin aceptara firmar a The Beatles para EMI a través de su filial Pharlophone. Escuchó primero la grabación hecha por Decca y le pareció que el grupo no era demasiado extraordinario, pero que le gustaban las voces de Lennon y McCartney. Una anécdota clásica sobre el encuentro que definió la firma del grupo dice que Martin le preguntó a cada Beatle si había algo que personalmente no les gustara sobre él. George Harrison afirmó "bueno, tu corbata para empezar". Ese quiebre dió pie a que Martin firmara a The Beatles, convirtiéndolo en uno de los emprendedores musicales más exitosos del Music Business.

Conclusión

Escribir sobre George Martin es todo un reto. Quise poner lo básico para comprenderlo porque aunque se le considera el 5to. Beatle, en realidad se trató de la maquinaria detrás del monstruo. Martin no solo demostró que un productor no debe dormirse en sus laureles y continuó haciendo proyectos importantes, defendiendo a los proyectos y estudios independientes de las Majors, haciendo labores de filantropía y preservando la esencia musical en el Music Business.

Puede gustarte o no la música de The Beatles, pero no puedes hacer a un lado la visión que George Martin brindó en su momento a la industria musical y que hoy sigue siendo referente para cualquier estilo que quieras poner sobre la mesa.  Mucho que decir sobre su trayectoria y mucho que aprender de su legado. Descanse en paz y gracias por las enseñanzas.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

Tidal: Las 5 razones clave de su futuro incierto...

Los problemas en Tidal no dejan de terminar. Todavía ayer, la prensa estaba agolpada en los estudios de Jay-Z para obtener una respuesta sobre la reciente demanda por parte del artista Emanuele, que solicita el pago por 17.7 millones de dólares en regalías.

En octubre del año pasado, Tidal había perdido a su primer director de operaciones y hace una semana perdió a su reemplazo Chris Hart.

La plataforma había funcionado para Kanye West y Rihanna, quienes lanzaron sus últimas 2 producciones en exclusiva para Tidal.

En menos de un año, salieron 2 CEOs (Peter Tonstad y Andy Chen, su jefe de inversiones Vania Schlogel, el Director de Marketing y Ventas en USA (David Soloman) y su Jefe de Relaciones Públicas con Sellos y Artistas (Zena Burns).

Con una demanda encima, se espera que en los próximos días más artistas se sumen al colapso de Tidal. ¿Qué puntos clave la han dejado con un futuro incierto?

1.- Un mercado Hi-Fi poco rentable: Nadie mejor que Spotify, sabe que para conseguir la rentabilidad en el modelo streaming debes ser altamente masivo. Los suscriptores de Tidal no rebasan más de 2.5 millones de usuarios posteriores al lanzamiento del nuevo álbum de Kayne West. Apple Music tiene 11 millones y Spotify 27 millones. El costo de Tidal es dos veces más caro que la propuesta de Spotify con una plantilla limitada de artistas.

2.- Dependencia total de las Majors: Desde un inicio, advertimos que el modelo no funcionaría simplemente porque dependerían directamente de las negociaciones con las Majors, puesto que toda su cartera de artistas (Jay-Z, Beyonce, Rihanna, Madonna, Deadmau5, Daft Punk, entre otros) mantenían sus relaciones directas a las majors. Simplemente era un sistema de reventa a costos más elevados.

3.- Constantes despidos en su organización: En menos de un año, Tidal ha despedido a 25 personas clave en su estructura, entre ellos dos CEOs. Cuando una empresa tiene tantas fallas a nivel de organización significa que se levantó de forma acelerada y con rapidez, sin definir realmente las expectativas reales del negocio. Estas empresas no generan confianza en inversionistas, medios y principalmente usuarios.

4.- Ser famoso no significa empresario exitoso: Si Tidal quiebra, será una dolorosa experiencia para Jay-Z. No es la primera vez que se plantean sus estrategias de comercialización, organización y proyección de su plataforma. Era un acérrimo crítico de la plataforma Beat de Dr. Dre. La diferencia entre ellos dos es que Beat fue comprada por Apple y transformada en Apple Music, mientras Jay-Z invirtió 54 millones de dólares para formar Tidal y hoy tiene una demanda por 17.7 millones por un artista.

5.-Experiencia de Usuario: Han sido múltiples las críticas de los usuarios ante la calidad y posibilidades del sistema Tidal. La mayoría de los encuestados ha precisado que tiene la sensación de manejar una plataforma pirata de Spotify. Los tiempos de carga y la indisponibilidad del material accesible en otras plataformas han creado la idea de que Tidal no cumple sus planes de expansión. La mayoría no justifica tampoco su oferta en "mejor calidad de Streaming", debido a que los componentes en que se escucha la música, no tienen la resolución adecuada para justificar el pago extra por una mejor calidad.

Conclusión

Recientemente, Jay-Z fue visto en las instalaciones de Samsung. Rumores de la industria indican que Tidal podría venir incluido como aplicación de base en algunos modelos de gama media alta y alta en los próximos meses. Esta podría ser una estrategia adecuada para rescatar el modelo de Tidal, sin embargo, la demanda que apareció hace unos días podría lastimar o quebrar este nuevo acuerdo con Samsung.

Jay-Z tenía buenas intenciones con la plataforma, pero desafortunadamente está exponiendo su inversión a cambios drásticos y de comportamiento en el consumidor que le están pasando la factura a menos de un año de haber sido creado.

En lo personal creo que Tidal requiere una intervención inmediata a nivel organizacional y la primera cabeza que debería caer, es a mi parecer, la de Jay-Z.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
Suscríbete, participa, danos like y g+
blog@adlibitumestudio.com

Visita nuestra página www.adlibitum.com.mx y participa en nuestro desarrollo

Leer Más...

Viernes de video: 8bit Music Power

Todos conocemos el potencial musical de los 8 bits, más si eres fan de los videojuegos. La producción de música para videojuegos es una de las opciones más rentables hoy en día para los países desarrollados.

Riki Iwasaki nos ha dado un pretexto para desempolvar nuestra consola de 8 bits y por 35 dólares nos promete un viaje nostálgico.

Desde el clásico tema de Mario Bros (del que se han desprendido piezas sinfónicas y arreglos orquestales alrededor del mundo) hasta los intrincadas piezas musicales de juegos como Silent Hill, la música de videojuegos ha logrado abrirse camino en las listas de popularidad.

El pasado 30 de enero, el artista y diseñador de videojuegos Riki Iwasaki, liberó su proyecto 8-Bit Music Power, un conjunto de temas musicales compilados en una plataforma poco común.

Los temas fueron trabajados en la plataforma de Famicom, (en América lo conocemos como NES o Nintendo Entertainment System) y entregados en un cartucho tradicional para la consola.

A este tipo de producto se le llama Chiptune y ha generado muchas expectativas los últimos 2 años. Inclusive, se han generado propuestas a partir de disquetes 3 1/2 que se programan para reproducir secuencias en unidades floppy, generando sonidos aleatorios al estilo de pianolas modernas.

El chiste es que Riki Iwasaki lanzó 1000 piezas en Japón que se terminaron en tan sólo 3 días. Se encuentra como el tercer artículo más solicitado en la lista de espera en Amazon Japón.

Hace unos meses Riki subió a su canal de YouTube un demo del cartucho y la expectativa que generó se puede palpar en estos momentos.

Este producto nos deja una gran enseñanza.. Todavía hay mucho que se puede hacer en la industria de la música... Disfruten el video... 

¡Mil gracias por ayudarnos a acumular 25,000 visitas!

Leer Más...

7 pasos básicos para elegir productor...

Elegir productor para un proyecto puede ser una tarea difícil o sencilla. Algunas agencias eligen al productor basados en sus resultados anteriores, lo cual no significa que sea la elección correcta. En la medida de lo posible, debes pedir que sea una elección de concenso.

Aunque no sea así, es muy común ver artistas visitando a los productores sin las preguntas adecuadas o la visión completa de lo que están buscando. Siempre debes saber que buscas y porqué.

Aquí tienes 10 tips básicos para encontrar primero la ruta de tu proyecto para elegir a tu productor..

1.- Conoce tu presupuesto real: Contratar un productor de alto rango puede ser muy costoso y de nada servirá si no cuentas con los recursos económicos para sustentar los cambios. Muchas bandas se molestan cuando el productor les pide vender su pedalera para rentar unos más apropiados para la grabación. Este tipo de decisiones siempre generan molestia y crean conflictos. Si estás considerando un productor de alto rango, prepárate para este tipo de gastos, como la elección del estudio adecuado También deberás considerar la distribución y equipamiento necesario para recrear tu concepto en vivo.

2.- Debes ser claro en tus necesidades: El productor siempre querrá un panorama claro de lo que va a conseguir con tu material. Primero que nada, debes definir correctamente a que género pertences, en que estilo y cual es el enfoque que deseas aportar. Llegar con el clásico "es una propuesta fresca nueva y diferente a todo lo demás" es síntoma de que no sabes en donde estás parado con tu propuesta. Utiliza material de referencia, habla de tu meta a corto y mediano plazo. Un buen productor, siempre te llevará al siguiente paso inmediato... nunca más allá... ¡No son Sheng Long!

3.- Escucha la mayor cantidad de discos que ha producido: Imagínate tu disco producido de esa manera. No te quedes simplemente en dejar que pasen los tracks uno tras otro. Haz una lista de los temas que más te gustaron y específicamente las partes o instrumentos que te agradaron. El productor observa el conjunto del arreglo para saber sus posibilidades desde el demo. Dale la oportunidad de saber porqué lo has buscado.

4.- ¡Llévale un demo!: Ahora es cuando habrá valido la pena pagar por el estudio y la sesión de fin de semana. Ofrécele escuchar los 3 temas más significativos de la banda y con eso bastará para que sepa la proporción real en que puede intervenir en cuanto arreglos, producción, mezcla y conexión con la banda. No te desanimes si se niega a producir tu producto, seguramente sabe que no es la persona indicada y hasta podría recomendarte a alguien más acorde a tu proyecto.

5.- Haz muchas preguntas: Todo lo que puedas preguntar sobre el manejo de tu proyecto estará bien indicado. Si lo ves interesado, pregúntale que tipo de tratamiento basado en su discografía aplicaría a tu producto. Revisa con tu lista de discos si encajas en su mayoría con el concepto, entonces tienes un candidato fuerte. No compres nombre, sino experiencia, punto de vista y sobre todo estás eligiendo a un artesano para que te ayude a proyectar tu música.

6.- Derechos de producción: Bajo algunos criterios, los productores podrían interesarse en participar de tu proyecto. Es momento de preguntar sobre derechos de producción y aportación artística. Tal vez eleve el precio si decide cobrarte por ello, pero seguramente incluirá seguimiento previo a tu proyecto. Intervendrá en las decisiones del arreglo y hará recomendaciones sobre la técnica de los integrantes. Una cosa es cierta.. Si un productor te guía es porque se identifica con tu proyecto.. ¡Aprovéchalo!

7.- Entrevista directa o a distancia: Actualmente es posible realizar una entrevista vía virtual con el posible productor. Algunos de ellos, tendrán determinados tiempos disponibles para realizar la entrevista. Recuerda que no estás preguntando por credenciales solamente, sino por la interacción de tu material con sus habilidades. Con respecto a dineros, algunos prefieren hacer la propuesta después de la entrevista, porque hay consideraciones de renta en equipo, músicos adicionales, disponibilidad de estudio y requerimientos humanos. No pidas una cifra inmediata. Sé paciente. Si la propuesta económica se sale de tu presupuesto, podrías preguntar por algún ajuste.  Contrasta los diversos presupuestos y elige hasta el final.

Conclusión

Actualmente el productor es una figura que se le ha satanizado por sus procesos, sin embargo, la principal causa de ello es que difícilmente nos acercan a la figura real.

Muchas bandas pagan a productores importantes para realizar su proyecto y no cuentan con un plan de marketing, distribución, difusión y diseño de producción en vivo. El trabajo del productor es entregarte un producto listo para comercializarse. El éxito del proyecto recae más en las decisiones del artista y el plan que previamente se marcó.

No siempre el productor más caro es el más indicado. Pon en tu lista por lo menos 5 o 7 productores y ve tomando notas al respecto.

Al final, la experiencia de trabajo y el tiempo dedicado a la elección del productor, se verá bien reflejado en el producto final.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Intégrate a nuestra propuesta en www.adlibitum.com.mx

 

Leer Más...

5 premisas clave para dedicarse a la música..

Un amigo me preguntó recientemente si debía permitir a su hijo de 14 años dedicarse a la música y cómo podía saber si tendría la capacidad real para abordarlo. Le insistí que la dedicación a la música es como cualquier otra profesión. El "llamado" de la música se trae desde pequeño. 

La industria musical se ha vuelto particularmente complejo. En generaciones actuales y gracias a la tecnología, algunos procesos se han simplificado enormemente. Pero son simplemente herramientas.

La pregunta que realmente debería hacerse es cómo debe afrontar la preparación musical de su hijo, acompañado de la preparación sobre la industria musical que debe tener.

Ser un músico exitoso y talentoso no significa dinero cada 8 días o cada 3. Tampoco significa que exista una ganancia rentable y sobre todo que permita desarrollar otros proyectos. Algunas veces los músicos cuentan con los recursos para iniciar una extensión de su carrera, pero desconocen completamente las bases de la industria musical como para comprenderla.

Así que elaboré 5 premisas clave para el músico profesional contemporáneo

1.- Conocimiento musical teórico y conocimiento sobre la industria musical: Es un aspecto que no debe dejarse de lado actualmente. Las bases musicales y la teoría son fundamentales para generar y adaptar su condición artística a los nuevos retos de la economía global. Ambas necesidades se verán presentes en los mejores niveles de la industria y conlleva un tratamiento constante.

2.- Conocer la técnica sobre su instrumento y la técnica de la producción: Actualmente es cada vez más común encontrar a músicos que hacen su propia música y demos en plataformas software. Algunos pueden lograr cosas muy buenas basadas en prueba y error, otros hacen "funcionar" las cosas pero quedan muy aislados de las configuraciones y oportunidades que les brindan los nuevos softwares. Entender la técnica del instrumento permitirá conocer sus virtudes y limitantes para ciertos usos. De igual manera, la técnica básica en producción es irremplazable para los nuevos tiempos digitales que ya están presentes en apps de dispositivos móviles.

3.- Responsabilizarse del equilibrio personal: Algunos músicos como en cualquier otro empleo, se vuelven adictos al trabajo con el tiempo. Es importante mantener un equilibrio personal del entorno, pues las oportunidades laborales no son siempre la mejor opción. Por el contrario, existen muchos músicos que están estancados en la búsqueda del "éxito" por muchos años, afectando sus relaciones personales, sociales, económicas y con ello su futuro. Mantener el equilibrio requiere de conocimientos clave sobre la industria musical, percepción de habilidades clave y reconocimiento total de sus oportunidades financieras, que servirán para obtener las respuestas reales. Los sueños musicales son maravillosos, pero todos tienen un costo.

4.- Prepararse para el futuro comienza hoy: Pocos aspirantes a músicos comprenden que deben hacer cambios significativos y de compromiso para consigo mismos. Principalmente hablo de mantenerse sano emocional, física y psicológicamente. Esto aplica para cualquier carrera dentro y fuera de las artes, sin embargo, se marca como una particularidad de los músicos acciones como la bebida en exceso, drogas, trabajo sin remuneración, poligamia y un sinfín de bonitas particularidades. Aquí lo único que se puede hacer es realizar un acto de análisis interno honesto y personal, encontrar aquello que no ha sido resuelto del todo y antes de elegir un instrumento, atender oportunamente estas necesidades.

5.- Integrarse al mundo de la música es una transición: En la vieja escuela, ser músico implicaba ser arrancado del vínculo familiar para poder ser "entrenado" desde joven y obtener las habilidades necesarias para ser un músico genio. Pero es precisamente ese tipo de prácticas las que dejaron en su momento aislados a muchos artistas viviendo tormentosas experiencias. Actualmente los esquemas de educación musical se están flexibilizando y se deja más libre el compromiso al músico mismo.

Conclusión

Para concluir me gustaría dejar en claro que dependiendo tu circunstancia, podrías requerir mayor o menor apoyo en ciertas habilidades o necesidades. Lo que es un hecho, es que tu empeño siempre será recompensado y la comunidad musical siempre está abierta a ayudar a quien demuestra esta vocación.

Si estás en la etapa de la educación básica, lo mejor es pedir a tus padres que te acompañen a visitar los centros de actividad musical, educación y aprendizaje, para que tengas un mejor panorama.

Si tienes un empleo fijo y deseas ser músico, realiza un análisis de tus metas a nivel personal, traza un plan y ponlo en marcha con una fecha de término.

Dedicarse al bello arte de la música nunca debe significar un sacrificio, ni aceptar la carga de ignorancia social que le precede. Si estás dispuesto a seguir adelante y tomas en cuenta estas premisas, seguramente podrás sentirte más seguro de iniciar tu carrera musical. No importa si tienes 14 o 74 años, la música es un bello arte que ofrece muchas oportunidades a quien se prepara y fortalece día a día.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Intégrate a nuestro proyecto en adlibitum.com.mx

Leer Más...

Viernes de video: "Kids react to... Walkmans"

Hoy nuestro video es muy ligero, pero nos ayuda a comprender el desarrollo de la industria y particularmente para analizar los patrones de consumo generacional.

La serie Kids React expone a niños a determinados estímulos visuales o conceptos generacionales previos a niños y jóvenes entre 5 y 16 años.

En algunos episodios, han presentado consolas de videojuegos, videos y series de los 80's, además de juguetes de la generación anterior.

En este episodio en particular, se les presenta la oportunidad de manipular directamente un Walkman, antecedente importante del Discman y que derivaría en la creación del iPod de Apple.

De la misma manera en que ellos ingenuamente participan de la experiencia, vivimos una época de transición en la Industria Musical, donde las nuevas generaciones entienden mejor estos procesos y algunos todavía nos resistimos al cambio.

Les dejo el link para este episodio en particular y los invito a mirar también la serie "Grandpa's React to.." 

No olviden checar que los subtítulos en español estén activados

Un saludo y nos vemos el lunes.

Leer Más...

¿Existe el racismo en la industria musical?

Hoy tocaremos un tema bastante delicado. Lo es principalmente porque aborda una perspectiva de identidad y emoción que influye en diversos estratos sociales alrededor del mundo. Existen otras problemáticas en la industria, como el sexismo (tema que merece artículo aparte), elitismo y discriminación a géneros más propositivos a nivel neutral.

Mi intención de este artículo, no es crear una polémica desinformada, por lo que les pido me ayuden escribiendo sus comentarios de una manera respetuosa y constructiva.

Hace unos días, las redes sociales hicieron retumbar un tema muy poco hablado en la industria. Un incidente ocurrido en el Festival Dimebash, protagonizado por Phil Anselmo, cantante de la desaparecida banda Pantera, volcó una serie de reproches y respuestas viralizadas en internet.

En un video subido por el usuario de You Tube "Chris R" titulado "Phil Anselmo is a Racist! Ruins Dimebash 2016" (¡Phil Anselmo es un Racista! Arruina el Dimebash 2016), se muestra la actitud del cantante en la despedida final mientras grita al público ¡Poder blanco! (White power!). Al mismo tiempo, imita el saludo nazi alemán.

La actitud de Phil Anselmo es tan sólo una expresión particular y que se limita al cantante como proyección personal. Sin embargo, revela una actitud como síntoma de una disfunción social de trayectoria muy arraigada en Estados Unidos.  

Donald Trump ha explotado esta misma disfunción de forma política. Lo difícil es aceptar que está funcionando, puesto que sus resultados electorales son reveladores. 

Pero más que un ataque a las actitudes de Phil Anselmo, sobresale la pregunta obligada: ¿Existe el racismo en la industria musical?

Orígenes

Como es bien sabido, los orígenes de la industria musical inician a fines del siglo XIX. No fue necesario que el fonógrafo llegara. Ya en 1880 existían en Estados Unidos, partituras musicales con el término "Coon", palabra derivada de mapache (racoon). 

Los shows de ministros, fueron la primer forma de teatro musical en el siglo XIX. Durante estas presentaciones, los actores de origen caucásico se pintaban el rostro de color negro, para representar el sufrimiento de los esclavos en las fincas. A estos personajes se les denominaba "Coons" porque aunque su rostro tenía un "antifaz" negro, mantenían su raza por interpretación.

Cabe mencionar que se utilizaba esta caracterización para ridiculizar las quejas de los afroamericanos de la época.

Con el tiempo, esta tendencia se fue disminuyendo, sin embargo, se mantuvo hasta los años 30's cuando el Blues y Jazz se convirtieron en manifestaciones de interpretación americana. El Blues y Jazz aún no se salvan de la referencia étnica, simplemente porque sus mejores exponentes provienen en su mayoría de afroamericanos.

¿Existe demanda para la música con mensaje racista?

Aunque no existe un mercado prolífero como tal, si existen diversas formas de distribución clandestina, principalmente arraigados en los grupos étnicos y racistas que los promueven.

El primer reclamo a Elvis Presley en las estaciones de radio se debía a que no podían concebir a un "blanco" cantar música de "negros".

Hoy en día, manifestaciones como el Black Metal Nacional Socialista, White Power Rock, Punk Nazi y algunas bandas de Death Metal Nordico distribuyen sus discos de forma artesanal o con tirajes bastante bajos.

Algunos brotes de estos géneros se han dado recientemente en América Latina, acompañada de manifestaciones neonazis e inclusive respaldadas y ligadas a grupos radicales de ultra derecha.

En México, la banda Brujería tiene un álbum denominado "Matando güeros", un hecho que ha levantado polémica y apoyo, siempre polarizado por la creencia política y nacionalista de origen.

No digo que sea malo escribir o publicar un disco así, sino que nuestra sociedad tiene muchas carencias de origen educativo, moral, social y espiritual que alteran profundamente la percepción final de un álbum con este tipo de temas.

¿Es la única forma de generar racismo en la industria?

Desafortunadamente, existe una tendencia a mostrar conductas racistas sobre géneros, artistas e inclusive étnicas provenientes de grupos específicos (gitanos, árabes o recientemente los exponentes de la música peruana folcklórica). Si eres metalero, entonces no puedes escuchar cierto tipo de música. Si escuchas banda o música folcklórica, tienes prohibido escuchar géneros extranjeros.

Si gustas de la música clásica, tiendes a rechazar y denigrar géneros como el reggaetón o hacer comparativas técnicas con respecto a las composiciones musicales de "alto" nivel.

Estos hechos han creado divisiones radicalistas y ya hemos visto sus dañinos efectos en la sociedad. 

Hace algunos años, en la Plaza de Armas en Querétaro, un grupo de emos fue golpeado gracias a que una "mente brillante" condenó su instalación en dicha plaza y procedieron a "recuperarla" en el nombre de la "música verdadera". 

Esta convocatoria a través de redes sociales fue minimizada con el alegato de que los "jóvenes" solamente estaban siendo guiados por su sentido de "identidad".

Es claro que actualmente, los emos siguen siendo evaluados en forma discriminatoria por diversas actividades relacionadas con su forma de vida. 

¿Cómo podemos evitar el racismo en la música?

Propiamente dicho, la industria musical ha participado un poco al generar las divisiones de género musical y explotando las costumbres de cada segmento de mercado, para mantener a los fieles dentro de un consumo contínuo.

Sin embargo, es también tarea del consumidor musical, abrir su mente a nuevas posibilidades musicales, entenderlas primero como una manifestación artística y posteriormente decidir si gusta o no de ellas.

Creo importante decir, que si un género musical no es de tu agrado, no significa que se pueda agredir, contradecir y ridiculizar a quien guste de ese género.

Los medios de comunicación, ponen de su parte al abrir foros sobre debates tan absurdos de comparación entre Wisin y Yandel o Arjona versus Juan Gabriel y hasta Paquita la del Barrio.

Conclusión

Ravel decía que música sin sentimiento, no vale el papel ni en que está escrito. La música como núcleo de la industria musical, siempre ha sido libre de especulaciones y divisiones por su naturaleza artística, estética y cultural. Al transformarse en un producto dentro de la industria musical, combina una carga emocional principalmente debido a la experiencia que hace vivir al consumidor. 

En México, tenemos antecedentes como la represión de la Plaza de Armas en Querétaro, las tradicionales golpizas a la banda en eventos de rock urbano e inclusive las manifestaciones en redes sociales pro y anti reggaetón.

Este es un diálogo para todos y es precisamente aquí, que pido su ayuda ofreciendo su enfoque y punto de vista al respecto.

El racismo es un problema tan complejo, que no puede ser abordado de forma individual y solamente a través del diálogo colectivo (desvaneciendo los prejuicios y costumbres que los han arraigado a las sociedades del siglo XXI), será posible atenuar al máximo estas manifestaciones que están a la vista de todos y tan vagamente interpretadas por la indiferencia.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitmestudio.com

Intégrate a nuestro proyecto en www.adlibitum.com.mx

Leer Más...