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jueves, 15 de enero de 2015

Realitys de Talento: ¿Ayudan a la industria?



La moda de los realitys de talento ya lleva algunos años en nuestro país. Para la mayoría, los Realitys son fraudes bien montados y con motivaciones de control mental. 

En un principio, la motivación tanto artística como del público en general, creó una expectativa en la apertura de estos espacios.

No es nada nuevo puesto que en la radio y televisión mexicana, siempre hemos tenido estos festivales de la canción en todos los rubros. Lo diferente de estos proyectos es la fórmula franquiciataria que manejan.

Esto también es un punto de conversación a parte, así que me referiré principalmente a los de estilo importado (La Voz México, Factor X y American Idol). 

Como nuestro enfoque es audio producción, haré a un lado la crítica social y mediática para centrarnos en la parte sustancial del asunto.

La percepción es todo

Una de las cuestiones más profundas de este tipo de programas es el factor de la percepción.

Un público cautivo reacciona más emocionalmente a lo que tiene enfrente. Este es el primer factor que daña la credibilidad del certamen. 

La fórmula de pre selección y desarrollo de los candidatos parece ser más democrática y basados en un sistema de votación de 3 o 4 jueces.  Sin embargo, son los mismos jueces los que a veces son incapaces de creer sus propias decisiones.

El sistema de The Voice supone que 4 jueces elijan su equipo de competidores "a ciegas". Puede parecer de mucha sorpresa para ellos voltear y encontrar el rostro de aquellas voces que atraen. Sin embargo para la audiencia es obvio que será una respuesta estandarizada.

Cuando a un personaje le dedican pequeños segmentos en el programa sobre su vida, el día a día y saber si tuvieron que vender su computadora para comprarse un micrófono, la percepción lo cambia todo.

Talento... palabra peligrosa...

Aunque existen participantes con voces tratables, la gran mayoría no cuenta con una trayectoria integral. Entiendo que se busque extraer la piedra filosofal para obtener el oro de un participante, pero hay que definir la palabra "talento".

Ya hemos hablado anteriormente de que el talento simplifica y hace más cortos los tiempos de aprendizaje, pero no te vuelve un semidios.

La definición oficial de talento se refiere a una aptitud inteligente... es decir, facilidad para desarrollar una habilidad. Esta habilidad puede ser cantar, pero eso no significa que garantize un buen cantante.

Sin embargo, estos realitys lo manejan como un don divino.

Cuando se habla musicalmente de Mozart, Beethoven, Schubert o Chopin se les reconoce como genios de la música. 

La denominación de genio con respecto a la superioridad humana es "Capacidad mental extraordinaria para crear o inventar cosas nuevas y admirables".

Entonces lo que escuchamos de un intérprete de estos realitys es meramente una definición de aptitud inteligente que les permite desarrollarse potencialmente, mas no creativamente.

Es aquí que el debate se vuelve más encarnizado, porque para un sector, apoyar a estrellas nacientes amateurs con talento es una pérdida de tiempo y para la gente entusiasta de las historias de éxito en estos programas, la emoción es el condimento que le hace permanecer en su sillón por horas observando el televisor.

Reciclando fórmulas para monetizar

¿Ayudan los realitys a monetizar la industria?... Si y no. 

Sí porque son una forma de mantener el estatus de las grandes disqueras y el reposicionamiento de su mercado. Los temas no son nuevos porque es más económico reutilizar derechos de distribución, difusión y comercialización que crear nuevos compositores, arreglistas y músicos a quien deba pagarse por su trabajo.

La forma de comercializar las interpretaciones representan un margen muy pequeño para el participante y para el compositor, puesto que al hacer versiones compatibles se registran derechos por interpretación y arreglo musical.

Aún así, el grueso de estas ganancias va directamente al sello discográfico que tiene los derechos.

La otra ganancia es la monetización de los sistemas de votación, que va directo a la producción del programa, el pago de su regalía por franquicia y tiempo aire del producto.

En estos casos, parece que el dinero es suficiente como para hacer estos pagos y presentar una ganancia. Son fórmulas probadas fuera con la garantía de un sello. Una franquicia.

Ahora pasemos al no...

No ayuda a monetizar la industria en su parte más vulnerable y más importante... el potencial creativo.

Actualmente es posible desarrollar todo tipo de productos auditivos en cualquier parte de forma económica. Sin embargo, existe una crisis creativa que pone en riesgo la industria.

Pocos grupos actualmente se impulsan a realizar producciones más personales sin coquetear con la comercialización. El cover y la fórmula probada son una constante. 

El riesgo parece menor al grabar un éxito e insertarlo en un disco, sin embargo bloquea al artista en un sistema de regalías cada vez más extendido.

Si esto es hecho por un artista, puede no parecer ofensivo, pero puedo probar que en menos de un año grabé 17 veces "Caminos de Michoacán" con diferentes intérpretes, bandas y estilos.

No ayuda a monetizar porque colabora principalmente a incrementar el consumo de los mismos temas que se promueven en los realitys.  

Sin contar que la derrama proveniente de descargas, artículos promocionales y demás funciones del modelo 360 de la industria se queda en la franquicia que lo presenta.

Conclusión

En pocas palabras, los realitys de talento son tiendas de talento "fast food". El modelo operativo genera altas ganancias para las disqueras, la televisora y los productores. 

Poco aporta al desarrollo de nuevos espacios de trabajo, a menos que sea en el área de touring del artista. Los patrocinios son bienvenidos en muchos de ellos y es una fórmula particular de operar principalmente en México (La Costeña en La Voz México).

Los Realitys proyectan la idea que basta aprender bien un tema musical, tener facilidad para ejecutarlo (talento), exponerse a un jurado y hacer una carrera discográfica.

No es un pecado tener talento... de hecho la frase "desarrollar un talento" es totalmente contraria.

El talento es una aptitud. No se desarrolla, se pone a trabajar. Aún para los guitarristas más talentosos, les lleva décadas pulir su arte.

El Reality nos dice a la audiencia y a las generaciones actuales que es posible "comerse" años de desarrollo siempre y cuando podamos repetir con gracia los azotes de La Trevi.

Ambas perspectivas son válidas y obedecen a una meta. Generar ingresos. Los Realitys hacen eso.

Ahora depende de usted decidir de que lado estar.

Rafael Mendoza ha visto Realitys antes de producir
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martes, 13 de enero de 2015

Hi-Res Audio: Qué es y cómo se clasifica


El año 2014 nos mostró los primeros dispositivos Hi-Res Audio comerciales. En la temporada navideña algunas personas me preguntaron si es un nuevo estándar, si podían comprarse un celular con reproducción normal o si se trataba de una aplicación.

Para quienes tenemos conocimientos en audio digital, la respuesta de sus ventajas y desventajas parece obvia. Sin embargo, encontré que no todos teníamos la misma información y algunos desconocían que existe una clasificación para su desarrollo en los años futuros.

Así que esta es la información contenida y quitemos los mitos.

 ¿Qué es el Hi-Res Audio?

Para quienes no tienen bases de audio digital o consumidores finales, hay que tomar en cuenta la resolución digital. Una forma de explicarlo más sencillo y visible es poner de ejemplo las cámaras de celulares como ejemplo. 

Las imágenes digitales tienen resolución horizontal y vertical que definen el alto y ancho de la imagen, así como una profundidad de bits, que es el número de posibilidades de color en un sólo punto.

La resolución promedio actual de una fotografía es de 3 Megapixeles hasta 8 como estándar. Esta imagen recrea con mejor detalle y tiene una cantidad de datos determinada en la cual la imagen se recrea con mejor nitidez.

Con el paso de los años, las fotografías de celular se han vuelto muy precisas (aunque su lente es de plástico). 

En el caso del audio, con la salida del CD, se creó un estándar de resolución horizontal y vertical.
Este estándar es de 16 bits (vertical) x 44.1 kilohertz o kHz (horizontal). 

Para nosotros, la meta en un CD es grabar por lo menos todos los sonidos de un disco a 44.1kHz/16 bits.

Sin embargo, los sistemas de grabación actuales rebasan estas resoluciones y se han estandarizado algunas como 48kHz/24 Bits, 88.2 kHz/24bits, 96 kHz/24 bits y 192kHz/24bits

A estas resoluciones se les denomina Hi-Res Audio. Simplemente porque están sobre el estándar de 44.1 kHz/16 bits.

La descripción que hace la industria sobre el Hi-Res Audio es:

"Audio sin pérdidas (es decir, sin compresión como ocurre con el mp3 o cualquier otro formato) que es capaz de reproducir el rango completo de grabaciones de sonido y que han sido masterizados desde una fuente superior a la calidad CD".

Para una rápida identificación, se dió el conjunto de letras HRA (Hi-Res Audio) para identificarlo.
 

Categorías HRA

 Ahora sí, entendido que toda grabación superior al estandar CD (no confundir una grabación de 48kHz a 24 Bits en un dispositivo móvil a través de un micrófono de 3 dólares), podemos conocer la categorización que la industria le dió a este formato.

La categorización sirve para indicar cuando un archivo ha sido obtenido de la mejor fuente disponible. Tres categoríras Master Quality Recording se han designado para indicar su procedencia:

MQ-P: Indica que la fuente master PCM (Pulse Code Modulation que se utiliza para indicar audio sin compresión), tiene una resolución original de 48kHz/20bit o superior (96/24 y/o 192/24)

MQ-A: Indica que la fuente es de un master de origen análogo, digamos, la cinta master original del disco Dark Side of The Moon en carrete o fuente análoga.

MQ-D: Indica que la fuente proviene de un master digital de alta resolución codificado en DSD (Direct Stream Digital), o de un DSF (disco con información creada como una imagen digital de datos (no audio, sino ROM DATA). Este tipo de formatos son de trabajo común en la industria para garantizar el mejor master digital posible y no entregar a la planta maquiladora un CD estándar para su proceso.

 Es importante mencionar que un archivo de 96kHz/24bits sujeto a proceso de compresión siempre tendrá un indicador MQ-P, porque no tiene una fuente de origen directa.

Lo mismo aplicará para un archivo de calidad CD o inferior que se convierta a un archivo de alta resolución. 

Por lo tanto, extraer una pista de un CD y querer utilizarlo como un HRA será inútil porque su origen ni siquiera cumple con el estándar digital.

Reproductores HRA

Desde el año pasado, más de 50 marcas reconocidas en distintos segmentos (Sony, Tascam, Teac, Yamaha, Cambridge Audio, Denon, Pionner, Korg, Luxman, Marantz, Meridian, Onkyo, entre otras) ya iniciaron la comercialización de productos en sus catálogos y se espera una cobertura mayor durante el presente año.

El formato HRA tiene múltiples formas de distribución puesto que han salido reproductores especializados y ya se encuentra en algunos receptores, convertidores digitales y smartphones que saldrán pronto al mercado.

Asimismo, empresas como Tidal y Deezer ya están trabajando con servers en línea para este formato tan esperado.

¿Y para que se toman la molestia si ya suena bien el CD y el MP3?

Es un tema que 10 de 10 personas me preguntaron sobre el formato. Sencillo. La industria se ha pronunciado de unos años para acá en la degradación que sufre la música portable.

Pasamos horas eternas frente a consolas, micrófonos. Los músicos puliendo lo mejor posible su ejecución al grabar y sin contar las horas de composición, pre-producción y ensayos.

Este tiempo es vital para conseguir el mejor proyecto posible. Sin embargo, cuando sale al mercado se presenta en la versión digital mínima posible, comercial y transferible del momento... un MP3.

Una alegoría a esto sería que usted se pasara horas cocinando una deliciosa cena navideña, para que al final viera puesto sobre la mesa 5 deliciosos vasos de sopa maruchan con sabor a su cena... ¿Ahora entiende nuestra frustración?.

Conclusión

El formato HRA vendrá a hacer justicia al trabajo de músicos, productores, compositores, ingenieros y todo aquel que se vea inmerso en nuestra industria. 

Los audiófilos están a la expectativa con este formato porque todo su equipamiento volverá a tener razón de ser y seguramente habrá nuevos modelos que soporten estos proyectos.

Lamento decir que compañías como Sony, Pionner, LG y otras similares, segurirán vendiendo aparatos compatibles con el formato sin que sus bocinas sean de la calidad necesaria para hacerle justicia total. 

No digo que no escuchará un cambio significativo en la calidad sonora, sino que será disminuida por la calidad de los componentes de estos estéreos. 

Este 2015 traerá la era del HRA y como toda tecnología será cara al principio. Es momento de empezar a ahorrar para un sistema digital reproductor. 

También quiero mencionar que debe pensar en calidad y no cantidad de sonido. Así que piense bien antes de comprar el último modelo de Sony con 3 bocinas de 22 pulgadas y componentes decodificadores de 3 dólares.

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lunes, 12 de enero de 2015

7 temas importantes de audio producción para el 2015...



Se acabó un año más y agradezco mucho a quienes han colaborado para que nuestro blog se esté posicionando en su gusto... Llegamos a cerca de los 13000 visitas en estos meses y esperamos con mucho ánimo llegar a la meta de 20000 para fin de año.

El 2014 dejó temas muy abiertos para resolverse en este año que hay que tomar en cuenta para entender el mercado de audio producción.

Estos son algunos de los tópicos que debemos tener en cuenta:

1.- Formatos de alta resolución en línea: El término Calidad CD será una realidad en servicios de streaming abiertos. Empresas como Tidal y Deezer ya están realizando las primeras pruebas beta y antes de que el año termine se espera que la velocidad de transferencia por buffer se vea resuelta gracias a algoritmos y sistemas de servers más potentes. Calidad directa online.

2.- Apertura total a los servicios de pago por streaming: Spotify lo probó y YouTube lo confirmó a final de año. En estos momentos, la gente está más abierta a comprar servicios de streaming para contenido directo con plataformas como Netflix, Xbox Music, Pandora y YouTube. Comienza la era de la distribución directa.

3.- Pandora moverá su plan de distribución: El año pasado, Pandora recibió el golpe más duro al quedar como la 4ta fuerza de distribución por internet. La entrada de YouTube Music y los planes retrasados de Apple para Itunes Radio lo han puesto en un descenso gradual. Mucha gente no se preocupa en nuestro país por este tópico, sin embargo, modificar su modelo de oferta si afectará directamente los mercados de Spotify y YouTube Music. Hay que ver si deciden seguir peleando o cambiar su entorno.

4.- La Radio no desaparecerá (aún): Las estaciones de radio seguirán siendo parte importante en la difusión de productos masivos. Para los artistas independientes, la radio nunca ha sido plataforma principal. Lo que si podría sucederle a la radio es caer en una espiral comercial estancada que podría disminuirla radicalmente.

5.- El vinil ha resucitado: Desde hace 40 años no se diseñaba equipo nuevo para este formato. Hoy existen 3 plantas de producción que están desarrollando las nuevas estampadoras de vinil en el mundo. El cassete empieza a recuperar su fuerza. A sacar el Walkman.

6.- Las disqueras (que no se adapten) seguirán desapareciendo: En un podcast hablamos de las nuevas funciones y habilidades que requiere un manager para estar al frente de un artista. Pues las disqueras tienen que actualizarse y olvidar los viejos modelos. Con la llegada de la distribución digital, prácticamente deben reorganizarse. Aclaro, no se trata de quitar puestos, sino capacitar a su personal con nuevas funciones.

7.- Apple podría repuntar al final de año: Itunes Radio no ha caminado como se debe, pero las capacidades de los nuevos dispositivos de Apple podrían dar un paso más allá con el soporte directo de otras empresas interesadas en la distribución de contenidos. Podríamos mirar alianzas concretas y Apple Pay es el primer paso de ello.

Conclusión

2015 es un año clave para el cambio de la industria para los próximos 5 años. Si tienes una banda, estudio, proyecto o idea, es el momento de mirar a la industria con ánimos renovados e involucrarte en estos tópicos. 

En 2016 se estima que la distribución de contenidos Inbox para teléfonos celulares, dispositivos móviles y transferencia de datos directos se concretaría globalmente. Es decir, podrás comprar contenidos en cualquier parte del mundo y recibirlos directamente a tu dispositivo con una velocidad de descarga corta y con licencia para compartirlo a varios dispositivos. 

Nunca antes el alcance digital había prosperado tanto y la venta del CD está bajando drásticamente. En el caso de los sistemas análogos, te sugiero aceptar el tocadiscos de tu abuelo o tu tía porque el vinil se está regenerando como una plataforma comercial directa.

Les deseo un 2015 lleno de salud y oportunidades. El blog continuará hasta que Blogger desaparezca o llegue Disney a comprar a Google... veremos que pasa primero.

Pero mientras, nos vemos todo el año..


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lunes, 22 de diciembre de 2014

Mundo Digital: Perdiendo experiencias sensitivas



Las  ventajas de los sistemas de grabación y reproducción digitales no tienen discusión.
Han vuelto muy sencillas las tareas inimaginables hasta hace unos 15 años.

Géneros como el DubStep, Reggaetón, Pop, Metal y K-Pop no hubieran sido posibles sin las ventajas de la edición digital. Los esquemas de giras, producción y avanzados sistemas de monitoreo serían imposibles sin el desarrollo de las herramientas digitales.

Sin embargo, hay experiencias sensitivas que hemos dejado atrás en favor de este crecimiento tecnológico.


Vinil

En los tiempos digitales, la experiencia de comprar un disco en una tienda se ha perdido para un sector de la población en forma instantánea. iTunes demostró que es posible simplificar los procesos de compra desde un solo lugar.

Pero visto desde otro enfoque, el uso de un sistema Apple también ha esclavizado al usuario a intentar hacer más desde un sólo lugar.

Comprar un disco de vinil era una experiencia muy grata. Salir a la tienda de discos a buscar el vinil deseado. Tener que esperar y resistir la ansiedad del viaje de regreso. Oler el celofán nuevo y descubrir en el interior de una caja de cartón casi plana un disco de vinil recién prensado. 

Sacar el disco y revisar la aguja para liberarla del polvo acumulado de otros viniles. Encender el estéreo y escuchar el ruido del amplificador a través de las bocinas. Colocar suavemente la aguja sobre el inicio del vinil.

El ruido de los bordes que eran tocados por primera vez... Una experiencia que se ha perdido con la descarga en MP3. 

Cinta análoga

Obtener un álbum completo en cinta análoga era todo un reto. Los cartuchos de 8 pistas eran más populares para los sistemas de automóviles. Regularmente, las cintas análogas eran grabadas desde tornamesas de vinil y otras cintas. Son las primeras versiones de los playlist digitales. Escogías aquellos temas que te gustaban y los pasabas a la cinta. Con la llegada de los reproductores Walkman, el cassete compacto se convirtió en una de las mejores maneras de recopilar material de la radio.

Todos los días recuerdo poner una grabadora con el botón de Record, Play y el botón de pausa, listo para grabar temas salidos de la cabina de La Pantera, Radio Cañón que eran las únicas estaciones que pasaban rock estilo metal. De vez en cuando se colaba alguna canción de Radio Universal y llenar 60 minutos de temas gloriosos se podía llevar hasta un mes y medio "cazando" la canción deseada.

Muchas veces grabé cintas completas con capítulos de los Cazafantasmas desde la bocina de la televisión. El Hombre Araña, He-Man y hasta emisiones matutinas de programas de revista.

Conclusión

La intromisión digital ha hecho grandes avances, pero también ha creado una generación poco sensible a las sensaciones. Grabar con una interfase representa un gran avance para todos. Pero sólo aquellos que lidiamos con los formatos análogos, sabemos que el valor de hacer sonar un vinil o cassete nos traslada a esas sensaciones impresionantes al tratar de comprender como una corriente de electricidad podía hacer permanente un sonido en una cinta.

En estas fechas, si eres parte de la generación del vinil o la cinta, busca un dispositivo y revive esa experiencia grata. Yo he podido hacerlo ahora con mis hijas en pequeñas dosis y han aprendido a utilizar una tornamesa de forma sensible. Tal vez algún día la usen para scratchear, pero por lo menos sabré que les enseñé la forma correcta.

Si perteneces a la generación digital, busca un dispositivo y pregunta a quien lo haya usado, te muestre la forma de hacerlo... tus abuelos, bisabuelos, padres, tíos mayores de 30 años seguramente sabrán como hacerlo. 

Vive esta experiencia y recobra el sentido que vincula el trabajo de una persona para generar un sonido y capturarlo en un dispositivo, listo para que esa comunicación a través de un sistema análogo, traspase su magia más allá de un fader.


Rafael Mendoza escucha viniles y cassetes en épocas de nostalgia
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martes, 16 de diciembre de 2014

¿Álbum terminado?: ¡No lo subas todavía!...



Por fin, después de tanto sacrificio, económico, social, emocional, psicológico y económico tienes al fin en tus manos el master terminado de tu proyecto.

Se te queman las habas por pasarselo a tus papás, hermanos, sobrinos, amigos, cuñados, vecinos, acreedores y demás personas que te vieron bajo presión los meses anteriores.

¿Qué sigue?... Bueno, se comenten muchos errores al tener el resultado en las manos.

Primero que nada debes entender que tu proyecto es un proceso único de identidad como artista.

Protegerlo, defenderlo y atesorarlo le corresponde a la primera persona interesada... ¡tú!

Aquí 5 pasos de lo que debes y no debes hacer con un disco terminado en las manos.

1.- ¡¡No subas el álbum todavía!!: Es el error más común. Subir tu material inmediatamente (10 a 15 días) después de recibirlo acaba con la magia. Si hiciste un plan adecuado para presentarlo entonces ya debe estar en marcha ese plan desde antes de la grabación.

Informa de su liberación 4 a 6 meses posteriores a su entrega. Habrá detalles que cubrir y debes darte tiempo a presentarlo de la mejor manera.

No importa si tienes un presupuesto o no. Crear expectativa sobre el proyecto es fundamental para que sea bien recibido. Pregúntale a un maestro de ceremonias que pasa cuando liberas toda la información en los primeros 5 minutos de un evento.

2.- Lista de medios: Hasta ahora ya habrás tenido oportunidad de revisar tu material y la lista de posibles medios donde lo difundirás. Mismo género, mismos intereses, mismo estilo. Revisa la lista varias veces y busca espacio en otros lados. NO CENTRES TU ATENCIÓN EN MEDIOS DIGITALES...  una entrevista en radio abierta, una aparición en la TV local, o la mención en un blog o periódico local pueden ayudarte. NO PAGUES LA PUBLICIDAD DEL MEDIO!!!!... Es tentador aparecer por 5000 pesos en la contraportada de sociales... pero nadie sabrá nada de tí y pasarás como el clásico anuncio de primera vez.
 
3.-MP3 en línea: Subir un tema elegido por tí es un poco arriesgado. Nada asegura que guste o no. Mucha gente genera un prejuicio de lo que escucha. Puedes subir un segmento del verso y coro que te interese promover. Por un lado darás una muestra pero no todo el contenido. Haz una investigación en la zona donde quieres moverte. Pasa el segmento de 3 canciones que eligas a unas 50 personas.
La que les haya gustado más es el single que deberás elegir. Yo entiendo que quieras pasar aquel solo que te costó grabar 435 tomas, pero finalmente tu audiencia te dicta lo que le gusta de tí.

4.- Revisa bien tu EPK: El Electronic Press Kit (EPK) debe estar actualizado y disponible en el sitio web. Aquí si debes enviar el tema completo a los medios que pueden revisarlo e interesarse, siempre acompañado del press Kit... En tu sitio web libera la versión completa a cambio de información como correo de contacto o mejor aún, perfil de Facebook o Twitter. 

5.- Redes Sociales: Crea y personaliza tu perfil como mampara promocional de tu disco. Pon links y reenvia los comentarios a diversos grupos de contacto que conozcas. NO LIBERES EL TRACK COMPLETO... Libera fotos de la sesión... videos cortos semi producidos. Envía contenido diferente uno cada día para mantener la expectativa.

Conclusión

El valor de tu álbum tiene que ser respetado por el artista primero que nadie. Si regalas tu material en 10 días te quedarás igual. Imagina que tienes una caja de galletas y quieres vender esa caja a todos los que conoces y a aquellos que piensas que la querrían comprar. Debes asignar una parte de las galletas como muestra pero no se las darás a quien no pueda influir en su compra. Es decir, tus amigos, familia y novia son lo que llamaríamos consumidores finales. Si llevas la muestra a un tendero, o mejor aún, aun almacén distribuidor, potencializas tu producto que si sólo regalaras a tus amigos las galletas.

Ese distribuidor o consumidor masivo querrá información sobre tí, tu producto y el método que puede utilizar para venderlo. Esto debe estar en tu sitio web y acompañado de tu EPK.
Valora tu CD como una caja de galletas muy especial. ¿A quien se la darías a probar?

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viernes, 12 de diciembre de 2014

Viernes de Video: Friedemann Tischmeyer



Cómo ya lo habíamos comentado en la semana, a partir de Enero de 2015, el Ingeniero de origen alemán Friedemann Tischmeyer nos ha permitido utilizar su material en nuestro canal y traerlo para ustedes subtitulado en español.

Friedemann es miembro de la EBU, European Broadcast Union, quienes recientemente han creado un estándar para el control de los niveles de sonido en las transmisiones de los países europeos.

Estableció la Mastering-Academy, donde enseña a futuros ingenieros en audio, las destrezas necesarias para convertirse en especialistas de mastering.

Colabora con su canal en YouTube, aportando interesantes videos sobre tópicos de masterización en Inglés y alemán.

Ahora, gracias a la tecnología del internet, pudimos contactarlo y establecer una serie de pláticas sobre nuestro interés de traer su material al idioma español.

Agradecemos mucho la oportunidad que Friedemann nos ha brindado y les comparto la presentación para que el mismo comente sobre que veremos en sus videos.

¡Un saludo a Friedemann hasta Alemania!




martes, 9 de diciembre de 2014

Las 10 cantantes femeninas mejor pagadas del 2014



Forbes realizó un cálculo de Junio de 2013 a Junio de 2014 para evualuar a las 10 cantantes femeninas mejor pagadas del 2014.

La evaluación sumó los beneficios económicos de giras, ventas de discos, publicidad, merchandising y patrocinios.

La lista quedó como sigue:

1.-Beyoncé:115 millones de dólares. 95 conciertos y el top entre los favoritos en ventas de iTunes la posicionaron en el número uno.

2.- Taylor Swift: 64 millones de Dólares. Nacida en el country, Taylor expandió su mercado iniciando espacio en el pop  y sus patrocinios con Cover Girl, Keds y Diet Coke aportaron un empuje a su carrera.

3.- Pink: 52 millones de dolares. 85 conciertos y patrocinios con Cover Girl han aportado su fortuna.

4.- Rihanna: 48 millones de dólares. Tal vez el ejemplo claro de que las redes sociales son poderosas. Su marketing se redujo en costos y su número de seguidores en Twitter y Facebook son la base de fans virtual más grande hasta este momento.

5.-Katy Perry: 40 millones de dólares. Pocas giras pero efectivas ganancias en fiestas privadas y patrocinios con diversas empresas juveniles son su receta del éxito.

6.- Jennifer López: 37 millones de dólares. Su renovada aparición en American Idol y el mundial de Brasil 2014, colaboró a reactivar su carrera como cantante.

7.- Miley Cirus: 36 millones de dólares. EL Twerking surtió el efecto deseado. Sus recientes escándalos también han colaborado en su crecimiento en el gusto del público. Sin embargo, esta tendencia podría revertirse si permite que su carrera se sustente en ello.

8.-Celine Dion: 36 millones de dólares. Su permanencia vitalicia en los espectáculos de Las Vegas, le ha mantenido en el mundo del espectáculo. Recientemente dejó de utilizar los  homenajes en sus espectáculos gracias a las críticas hechas en sus interpretaciones de Michael Jackson y Queen.

9.- Lady Gaga: 33 millones de dólares. En 2010 sus ganancias ascendían a 90 Millones. Las fallas de sus nuevas decisiones y el cambio de manager han afectado drásticamente sus ganancias. El arte musicalizado está perdiendo su encanto.

10.- Britney Spears: 20 millones de dólares. Sea como sea, Britney se ha mantenido dentro de las listas, gracias a su residencia en Las Vegas. Los recientes escándalos sobre su actuación con playback y uso de afinador en vivo podrían disminuir la atención del publico.

Conclusión

Las ganancias que perciben estas artistas no provienen directamente de los shows. Sus apariciones están vínculadas a modelos 360 como la venta de merchandising y la publicidad. Los lugares más bajos están fundamentados en ventas de discos y espectáculos. Es posible mirar la diferencia y comprender que un buen management no es sólo aquél que vende eventos y fechas de giras, sino una hábil apertura hacia otros mercados.

Las redes sociales son determinantes en la vigencia de un artista, pero como podemos observar, no representan un ingreso significativo.

Las ganancias a través de redes sociales son mínimas y lentas. Por ello, las redes sociales sólo funcionan como parte de una estrategia de mercado y no como un objetivo.

Esperemos ver próximamente en estas listas artistas latinas, aunque muchas de ellas se reservan revelar sus millonarias fortunas como Shakira.

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jueves, 4 de diciembre de 2014

Guía de Sobrevivientes: Cómo comprar un sistema de sonido



Se acerca la temporada de aguinaldos y compra de electrónicos. El Buen Fin se ha llevado los saldos pendientes de las tiendas y ya están acomodando los nuevos modelos.

Mucha gente que sólo le interesa escuchar música y no como se produce o graba siempre me hace preguntas acerca de los sistemas que le interesan.

Anteriormente las empresas tenían que gastar cantidades enormes en publicidad para insertar un sistema de sonido en casa, simplemente porque la gente prefería un sistema cómodo y económico.

Actualmente, las marcas comerciales de productos proponen miles de watts de potencia a cambio de miles de pesos a meses sin intereses.

En el gremio de la Ingeniería en Audio siempre tenemos el debate sobre la calidad de los sistemas caseros y la frustración de dejar horas de trabajo en producción para llegar a un estereo de mala calidad.

El cliente evalua diferente esta situación porque para él lo imporante es el tema en sí, el autor, el cantante o hasta la versión difícil de conseguir aunque venga de youtube grabada con un cel casero.

Hice memoria de algunas preguntas más comunes y aquí les dejo las respuestas que pueden ayudar esta temporada.

Tres cosas son importantes en su consideración: Para que lo quieres (música o cine), donde lo pondrás (sala de estar, cuarto aparte, en tu dormitorio) y cuanto aprecias la calidad de sonido (volumen contra calidad).

1.- ¿Cómo sé que un sistema es bueno o no? 

Respuesta: Un sistema es bueno en lo particular y no en lo general. 

Aquel que te ayude a sentir mejor la música que te gusta es el que debes comprar. Al llegar a la tienda nos ofrecen el último modelo de aparato disponible. En la mayoría de las tiendas, un amable vendedor, nos ofrecerá una muestra del sonido, ¡PONIENDO LA SALSA QUE MÁS LE GUSTA Y EN FORMATO MP3!...

Si eres un fan del jazz, del metal o cualquier género fijo, será sencillo elegirlo si llevas un CD ORIGINAL y pides que pongan una pieza que conozcas bien. 

Si tienes gustos multiculturales (el clásico "un poco de todo"), haz una lista de los géneros que escuchas y evalúalos por porcentajes, número de discos que tienes y cual es aquel que más te atrae. Elige un CD de este género que más escuches y haz una prueba.

Debes poder escuchar las relaciones de volumen entre todos los instrumentos. Evitar la Ecualización de presets y efectos adicionales. Debes escuchar el sistema tal cual es. 

2.- Yo no escucho la diferencia entre 2 equipos, para mí todos suenan iguales...

Respuesta: Te sorprenderá saber que todos los humanos tenemos la capacidad de distinguir sonidos gracias al timbre. 

Los equipos de sonido son desarrollados por diferentes personas que tienen criterios específicos sobre como debe sonar un equipo. Elige un lugar donde puedas probar el sistema con menos gente y mucho menos cuando hay un evento promocional. 

Usa la misma pista para probar todos los equipos que te interesen a nivel medio. Hasta la intensidad de volumen varía entre los sistemas porque lo que para un Sony es 15 de volumen, para un LG puede ser un 25.

3.- ¿Cuánto debo gastar en un equipo de sonido?

Respuesta: Tanto como tu desees. El precio no es el problema, sino lo que debes comprar. 

Un sistema todo en uno o Home Theater te va a dar una combinación "probada" de acuerdo al costo que estés pagando. Si compras un amplificador, deberás elegir un set de bocinas adecuadas, un receptor, si lo quieres innalámbrico, un subwoofer y varios elementos que van a hacer crecer el costo.

Un sistema de 20, 000 pesos mal configurado puede sonar tan mal como una grabadora china de 600 pesos. Hay sistemas bien calibrados en el mercado por encima de los 15,000 pesos, pero no esperes un efecto THX real en tu sala, porque la acústica de tu área de entretenimiento es fundamental. 

Si no tienes mucho espacio, elige algo que te permita estar cómodo para divertirte y haz un análisis del tiempo real que pasas al mes en esa área. Tal vez un sistema de 14,000 pesos sea suficiente acompañado de un buen sillón, un frigo bar y un horno para preparar las maruchan.

4.- ¿Que parte del estéreo es más importante?

Respuesta: El reproductor, el receptor de radio, la unidad lectora. 

Es la parte más importante porque sin ello no trabaja el sistema. El siguiente componente importante es el amplificador, el cableado y finalmente los monitores.

Mucha gente invierte en bocinas muy caras esperando el mejor resultado y potencia. Pero un amplificador no adecuado, creará un voltaje poco confiable para utilizar al máximo el potencial de la bocina. 

Es mejor tener un sistema de sonido de buena calidad y unas bocinas bien trabajadas, a tener un sistema con buenas bocinas y sonido pésimo. No es cantidad, es calidad de sonido.

Muchas personas compran equipos de perifoneo esperando rebasar por mucho un sistema casero. El problema es que estos sistemas siempre están pensados más en la portabilidad y uso de comercio que en calidad de sonido.

5.- Quiero tener un buen sistema y me resulta muy caro... ¿Por donde puedo empezar?

Respuesta: El sistema inicia con el reproductor. 

Un reproductor de calidad debe estar especializado en sus funciones. Si quieres algo netamente musical, un reproductor de CD o DVD Audio es lo ideal. Sus funciones permiten realizar reproducción programada, playlist y en algunos casos un buen sistema de karaoke (lo sé, está de moda).

Si deseas algo para ver películas, lo ideal es un sistema BluRay o DVD de alta definición. Los sistemas que se enlazan a internet para conectar Youtube y otras plataformas como Netflix valen la pena si no deseas tener un stock de películas en casa. El sonido que proveen estos servicios es suficientemente bueno, pero aún así, la lectura directa del BluRay es insuperable.

Muchos desean iniciar a partir de una videoconsola, pero no recomiendo esperar una expansión adecuada a través del cable óptico.

Compra una temporada tu sistema de arranque,el siguiente año un buen amplificador y al siguiente un buen sistema de bocinas. Este equipo valdrá la pena a largo plazo.

El número de salidas va en función de cuanto espacio tienes para colocar bocinas. Un Home Theater requiere al menos 5 bocinas y un subwoofer (sistema 5.1).

Meter un amplificador 10.2 en una sala pequeña es una pesadilla, aparte que las condiciones acústicas crearán cancelaciones de fase innecesarias.

6.- Estéreo o Surround.

Respuesta: El sistema Surround requiere de un subwoofer para procesar adecuadamente el sonido de las películas. Si la idea es reproducir sólo música, un subwoofer va a colaborar a que suene con más profundidad en los graves, pero no al nivel del soundtrack de una película, porque muchas frecuencias de ese rango se procesan en la masterización para adecuarlas a los sistemas de sonido tradicionales (más aún en los celulares con bocinita de 3 pesos).

Si quieres reproducir música, estereo es suficiente. Si quieres una experiencia "parecida" al cine, entonces un sistema surround es lo mejor.

7.- ¿Las marcas caras son mejores que las tradicionales?

Respuesta: Si, efectivamente la calidad de los componentes y el diseño del producto está dirigido a la calidad. Muchas personas se contrarían cuando un sistema Bose les ha costado un ojo de la cara y el volumen es menor que un Sony, sintiéndose estafados. La realidad es que los componentes que usa Bose junto a su diseño y consideración de los entornos caseros a los que va dirigido, es lo que sustenta su costo y rango de mercado.

Un Sony puede costar relativamente barato, pero cuando el laser se daña, el costo de reparación es elevado y gracias a la obsolecencia tecnológica, te sale más barato comprar un nuevo sistema.

Un sistema High End te va a durar 20 años (bajo condiciones normales de uso) y con mantenimiento mínimo. El precio final puede parecer alto, pero se calcula que en promedio, un estereo comercial llega a su límite de 5 años con uso constante.


Conclusión

Saber comprar un sistema no es difícil si desde antes de llegar sabemos que buscar. Normalmente vamos por el más barato y con más bocinas, el que anunciaron de oferta a una super rebaja y el que tiene más botones y opciones de conectividad (USB, Bluethoot, SD y MD Cards).

Sin embargo, un CD sigue siendo el mayor estándar de calidad en reproducción junto al formato FLAC. El MP3 se considera un formato audible y de distribución, pero representa una compresión muy alta de información.

Todo va de la mano. Si compras un CD con 200 MP3, no esperes a que tu sistema suene optimamente, o la película DVD pirata recomprimida mal denominada "clon". BluRay pirata tambièn requiere una recodificación para poder meterlo en un disco costeable para la piratería.

Un buen sistema de sonido requiere también un lugar adecuado, pero sobre todo, una visión diferente y una educación moral sobre los derechos de autor.

Lo que pagas, es lo que tienes.

Rafael Mendoza escucha sistemas caseros en temporada navideña.
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martes, 2 de diciembre de 2014

Sonido para cine: ¿Sabemos valorarlo como audiencia?



Siempre que vemos una película o video, pensamos que el sonido está tan natural en todos los aspectos de nuestra vida que damos por sentada su existencia.

Nuestra atención se centra en la imagen. Pero el sonido combinado a esa secuencia de fotogramas es quien realmente aporta la veracidad al cerebro.

Se considera un concepto técnico, frío y sin importancia la manipulación del sonido. El glamour que ofrece un movimiento de cámara para ofrecernos una realidad alternativa creíble se vuelve en un mito poderoso ante la calidad de grabación de un sonido para una imagen.


La percepción en la audiencia

Supongamos que entrevistamos a 20 personas sobre una película conocida por todos. Usemos Titanic como un ejemplo. Más allá del diálogo final entre Leonard Di Caprio y Kate Winslet en la escena final, existen un sinúmero de sonidos sucediendo simultáneamente que le aportan al diálogo la atmósfera adecuada.

Al fondo, se escuchan los gritos de auxilio, el llanto de quienes han perdido a sus seres queridos, la emergencia no ha pasado. ¿Quién puede recordar el silbato de auxilio sonando al fondo del diálogo?.

Para la audiencia, estos sonidos provienen de la misma escena e implican a un conjunto de gente interactuando al mismo tiempo. Un micrófono capta todo esto y es lo que podemos escuchar en la película. 

El siguiente vínculo podrán mirar la escena
http://youtu.be/Pqno7nrkGbM?t=5m57s


Conforme la escena va pasando, la intensidad y número de esos sonidos se va reduciendo, hasta que la música se hace cargo del pasaje más lamentable que es la muerte de Jack.

El efecto mágico

El sonido es pieza fundamental de esta escena porque al inicio, durante la emergencia, prepara al espectador para tener la sensación de peligro. Bajo esa circunstancia, la sensibilidad ante la desgracia se incrementa y con ello la tensión que provoca la desesperación de estar perdido en un océano helado en medio de la nada. Los sonidos se van apagando para dar la sensación de abandono y supervivencia. La música, recupera en el último tramo esta ausencia de sonido para proporcionar una sensibilidad ante la muerte del personaje principal.

Para la mayoría de la audiencia, sólo tiene que ver que ellos se aman y uno se pierde en el fondo del océano. Pero ha sido la combinación de imagen y sonido la que ha conseguido ese efecto. En promedio la escena dura 6 minutos, de los cuales el espectador podría decir en la encuesta que dura unos 3 minutos aproximadamente. 

Algunos dirán que dura un poco más, pues varios estudios han confirmado que el tiempo calculado varía con respecto a la sensibilidad del espectador. Aquellos que se sumergen más en la escena, que más se conmueven con ella, parecen tener la percepción de vivir minutos eternos de angustia y desgracia que aquellos que siguen linealmente la película.


Conclusión

Titanic es tan sólo un ejemplo de como el sonido es parte fundamental para recrear un entorno y darle validez a una historia. De nada serviría una magnífica edición y actuación, si no hubiera un entorno acústico que lo posicione en el momento adecuado.

El teatro juega una y otra vez con estos elementos. En la televisión se está profundizando mucho este aspecto estético en las series televisivas. 

Nunca antes, la audiencia ha tenido tantos elementos dando vueltas delante de él, volviéndolo inmerso en un mundo paralelo.

Reconocer este trabajo, más allá del público y objetivo al que va dirigido, es fundamental para pensar y crear conciencia, que comprar una película pirata nos expone como audiencia lineal.

Al final, la película ganó un Oscar por mejor sonido. Si este premio no te parecía importante, ahora sabrás porqué se otorga.

Rafael Mendoza desarrolla producción en Ad Libitum
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lunes, 1 de diciembre de 2014

Grabando grupos corales...



Uno de los grandes retos en la grabación de voces son los grupos corales, porque dependen de muchos factores a considerar.

Principalmente el reto implica la organización para realizarla y un elemento indispensable es la disciplina del grupo en la grabación.

Veamos algunas consideraciones para definir por pasos el esquema de grabación en este tipo de proyectos.  Existen configuraciones mucho más complejas y detalles que se deben tomar en cuenta, pero estos son las bases para lograrlo.

El grupo vocal

Muy pocas veces podemos tener una visión del grupo vocal completo, porque el director nos ofrece solamente su visión personal sobre su ensamble. La visión del director es importante porque es quien ha desarrollado todo el trabajo musical previo.

Sin embargo, es el grupo coral el que presenta un reto mayor, porque finalmente está involucrado un grupo de individuos con un fin común.

Los siguientes aspectos te darán datos importantes:

- Adultos o niños
- Edad promedio del grupo
- Número de elementos
- Disponibilidad de tiempo
- Tiempo de integración
- Número de elementos nuevos

Tener esta información, te permitirá conocer el entorno de grabación, tiempo promedio de trabajo por sesión, lo que puedes esperar vocalmente del grupo y prevenir en su caso al director sobre posibles fallas de interpretación que alarguen la sesión.

El director

Aquí es donde las habilidades musicales entran al rescate. Conocer teoría musical y bases de armonización te permitirán detectar algunas fallas o pasajes difíciles en el arreglo musical. El director a veces integra secciones o pasajes que son la firma y reto de su calidad musical.

Cuando el grupo es pequeño estas partes se pueden superar de mejor manera. Un grupo más numeroso debe estar bien ensayado para poder lograr estas partes.

Solicitar la partitura previamente te ayudará a marcar estos puntos y recordárselos al director. Me ha pasado que ante ciertas dificultades, el director opta por sacar a los elementos que no pueden conseguir la parte en la grabación y piden doblarlas con las voces más hábiles.

Esto implica ajustes y tiempo extra para parchar estas partes. Lo mejor es recomendar al director que evalúe grabar desde un inicio solamente con los integrantes capaces de lograrlo.

Cuando el coro es lírico, como ocurre normalmente con coros grupales (estudiantinas, rondallas, grupos religiosos amateurs) es importante revisar con ellos el tiempo y velocidad de los temas.

Lo mejor es grabar una guía hablada con el director para que el mismo se vaya guiando y conduciendo a su grupo. Con la partitura es un poco más sencillo, sin embargo, recomiendo pasar el arreglo a un varios tracks midi con apoyo de piano para que el director tenga a la mano la reproducción y corrección de las voces.

El lugar

El espacio y la ventilación son fundamentales. Un cuarto de control con buenas características acústicas valdrá cada peso invertido. Conseguir una sala de conciertos pequeña o un foro de tamaño mediano puede brindar un buen punto de inicio.

Muchas veces se deja la elección al director sobre el lugar porque le agrada la acústica. Sin embargo, para ahorrar dinero eligen solamente por espacio. Ubica y mantén un directorio de lugares que pueden servir para este propósito.

Algunos te cobrarán y otros podrán hacerlo gratis. Sin embargo, incluye en el costo algún agradecimiento como una placa, un arreglo frutal y el crédito en tamaño suficiente dentro del CD con una copia para quien autorizó el uso.

Los lugares cerrados ofrecen mejor enfoque del grupo para trabajar. En esta categoría pueden ser iglesias, foros cerrados, teatros locales.

Los lugares al aire libre implican varios problemas. El polvo y cambio de temperatura afecta la forma de canto en el grupo. El equipo también puede llenarse de polvo y la sesión puede hecharse a perder si el clima se complica. 

El constante ruido externo puede obligar a hacer más tomas y extender el tiempo de grabación. A veces no hay más opción que realizarlo de esta manera, pero vale la pena lo menciones al director o manager del proyecto para que reconozca esta posibilidad si algún track clave se ensucia o turbia con estas condiciones.

El formato

Te puedes complicar o simplificar el día con tomar esta decisión. Principalmente los proyectos de bajo presupuesto pueden significar oportunidades para probar configuraciones de micrófonos, monitoreo y técnicas de grabación en vivo.

Sin embargo, el equipo disponible debe reducirse al máximo posible, puesto que entre más micrófonos coloques, requerirás de más soporte humano para controlar la infraestructura.

2 o 4 tracks son la mejor opción para este tipo de proyectos. 8 tracks te sirven para un control por sección y sólo lo recomendaría cuando existe un instrumento guía como piano, guitarra o cuerdas.

Lo ideal es llegar al mínimo posible de infraestructura, para que el trabajo sea más creativo que técnico.

Micrófoneo

Micrófonos de condensador y omnidireccionales para captación de ambiente pueden ser una opción cuando el lugar lo permite. 

Los micrófonos dinámicos sirven mejor en condiciones donde hay bandas tocando junto al coro. También hay coros que utilizan mucho monitoreo porque no están acostumbrados a cantar con una pista. También aquí los dinámicos son una opción.
 
En promedio 2 secciones de voces usarán 2 micrófonos en configuración estéreo.

Un grupo coral de 4 voces está mejor cubierto con un sistema de 3 micrófonos. Estudia la técnica DeccaTree como punto de apoyo.

Técnicas como XY y la ORTF también son de gran ayuda. La técnica AB puede ser un buen punto de partida, pero en lo personal creo que capta más ambiente del entorno.

Monitoreo

Puedes utilizar un par de monitores de piso o de pedestal. Utiliza la colocación para crear desfase en la entrada del micrófono. La meta es alejar al máximo posible el monitor del micrófono sin que sufra el coro.

Los preamps de audífonos son muy útiles en grupos pequeños. Normalmente hay personas dentro del coro que sirven de referencia a otros. El director conoce a estas personas de referencia.

Si tienes pocos audífonos, asígnalos a estos cantantes natos. Dales un tiempo para acostumbrarse al monitoreo. Con ello conseguirás bajar el nivel de los monitores externos y mejorar la afinación por secciones.

Tiempo de sesión

Lo ideal es grabar piezas contundentes en 3 tomas. Antes de grabar, realiza un pequeño ensayo un día antes si es posible en la locación para colocar micrófonos y el sistema de monitoreo.

También puede servir iniciar temprano una sesión de ensayo para que el grupo se acople a la forma de trabajo. Muchos ingenieros integran gratuitamente esa parte de la sesión porque les permite tener un mejor control.

El grupo debe acoplarse a las señales del director con monitoreo y también te sirve para acoplarte a la terminología utilizada por el grupo. También sirve para romper el hielo con los integrantes, parte fundamental del proceso creativo.

No te molestes si las fallas vocales te hacen reiniciar una y otra vez la grabación. Ofrece alternativas de punch recording al Director, sólo si te lo pregunta.

Recomienda grabar sesiones de una hora por 20 minutos de descanso. En conjuntos infantiles yo recomiendo tiempos de grabación de 1 hora o más si están concentrados.

El director puede elegir mejor estos tiempos con niños. Eso sí, deberás estar listo y disponible cuando los niños se reenfoquen y puedas aprovechar esos momentos de conciencia.

Conclusión

A mi me sirvió mucho trabajar como ingeniero de sonido para televisión, donde cada semana tenía la oportunidad de grabar grupos de jazz, musicales, solistas, duetos y con pocos o casi nulos recursos.

Todo se mezclaba en una consola de 8 canales a 2 tracks de video.  Mis herramientas disponibles en un inicio eran un par de AKG c414. Después incorporé un pequeño kit de Audix y un par de sm57.

A veces puedes pensar que requieres un gran set de equipo para crear una grabación de voces grupales adecuada. Sin embargo, 3 micrófonos pueden ser la clave para obtener una buena grabación.

La mejor forma de hacerlo es grabando diversos grupos corales gratuitamente o por un bajo costo. Esas prácticas te van a ayudar a hacer mejores grabaciones con menos recursos.

Independientemente de si el grupo coral es muy profesional o lírico, la parte técnica debe proveerles un soporte y entorno de monitoreo cómodo para que realicen su mejor performance.

Insisto que aprender elementos musicales te va a ayudar a comprender mejor lo que el director desea capturar y profundizar en la mecánica del mensaje musical.
 

Rafael Mendoza ha grabado grupos corales fuera y dentro de Ad Libitum
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