7 recomendaciones para audicionar exitosamente...

Tarde o temprano, todo músico, banda o proyecto se encuentra ante la necesidad de audicionar.

El proceso debería ser sencillo hasta cierto punto. En ese momento confluyen varias circunstancias externas y personales que pueden hacer la diferencia en la elección.

Ser audicionado no debe ser percibido como una crítica o evaluación desventajosa. Muchas veces cuando no obtenemos el trabajo o lugar para tocar, nos sentimos frustrados y decepcionados por la visión que tenemos de nuestro proyecto.

Algo importante a considerar, es que la percepción de quien aplica la audición puede estar bien o mal dirigida. Desafortunadamente, no todas las audiciones cuentan con gente experimentada y que conozca bien su expectativa enfocada al tipo de evento que desea realizar.

Lo que si debe quedarse en tu cabeza, es que existen 7 elementos clave que puedes controlar y que podrían influir positivamente en tu desempeño

1.- Investiga a fondo que está buscando tu futuro empleador: Es la más importante. Recuerda que si conoces cual es tu segmento de mercado y cuales son las principales preferencias de los clientes alrededor de tu empleador, podrás definir si asistir a la audición vale la pena o no. Haz tantas preguntas como te sea posible, que tipo de clientes espera tu empleador, que otros lugares visitan, que bandas escuchan. Esta información te será de mucha ayuda para saber si debes presentarte o no. 

2.- Flexibiliza tu repertorio: Supongamos que estás dentro del perfil buscado, pero tu banda se ha negado absolutamente a tocar éxitos de Los Beatles porque consideras que es un repertorio muy quemado. Si quieres el trabajo, debes presentar algo de lo esperado, dentro de un concepto clásico, pero con tu toque aplicado. Consigue primero el contrato y una vez que estés dentro, podrás demostrar lo que te ha sido posible desarrollar, cuidando las necesidades de tu empleador.

3.- Pon empeño en tu press kit: Si crees que tu press kit necesita actualizarse o modificarse un poco para ajustar a segmento que necesitas, prepáralo con tiempo. Tal vez sea momento de llamar a un buen diseñador gráfico que te ayude a concretar la transición. Redáctalo apropiadamente y utiliza el mismo lenguaje de quien te está prospectando. Con el tiempo llegarás a un punto más afinado y concreto en tus materiales de promoción.

4.- Impresiona con tus habilidades musicales y no con tu currículum: Muchas bandas, músicos e interpretes, presumen de tener el mejor entrenamiento y sonido, pero al dueño de un bar le interesa el "feeling" del artista. Me ha tocado ver bandas de jazz muy experimentadas, que con dificultad tocan Las Mañanitas. Simplemente la elección puede desarrollarse en una forma más sencilla de lo que piensas.

5.- Se honesto con tus debilidades y fortalezas: Con mucho respeto, hay grupos musicales que utilizan como argumento de venta decir que tienen más de 5000 canciones en su repertorio. La pregunta que asalta es ¿Se las saben bien?, ¿Cómo las han ensayado?, ¿A poco si han cantado las 5000?... La audiencia no es tonta y menos tu empleador. Es preferible presentar un set sólido y bien cimentado de 15 o 20 temas. 

6.- Preséntate como candidato solamente si estás listo: En la complejidad del Music Business, ya quedó atrás el argumento aquel que dice "dame la oportunidad de trabajar y demostrarte lo que puedo hacer". Existe solamente una oportunidad de encantar a tu empleador. Si fallas, seguramente ya no habrá una segunda oportunidad en el tiempo presente. Entrenar tu mente, oído, cuerpo y sensibilidad musical es clave para estar listo. Una audición no llega anticipadamente. 

7.- Si todo falla utiliza el momento para aprender: Tal vez tu versión reggae de la cumbia del sonidito no sea lo más especial del mundo. El empleador podrá hacerte una crítica, simplemente porque eres tú quien ha decidido someterte a su juicio en espera de una oportunidad. Si el recibimiento o crítica es hostil desde un inicio, agradece la oportunidad y retírate en silencio. Esto encaja perfectamente con el punto 1. Tu has elegido ser criticado por un dueño fan del metal y le trajiste demasiado bossa nova duranguense que podía soportar. Nunca respondas a la crítica de forma directa. Es un aprendizaje y tómalo como tal.

Conclusiones

Aunque seas excelente músico, artista, banda o intérprete, debes comprender no todo el público de ciertos lugares, estratos sociales y localidades sean tu público. Si el evento es un festival donde entran eskatos, metaleros, gruncheros, indies y tocas rock latino, no esperes quedarte como banda principal o navegar entre la diversidad para distinguirte de otros. 

El empleador siempre tendrá la última palabra. A veces es el empleador y no tu talento el que falle en una audición. Con el tiempo irás comprendiendo hasta donde puedes flexibilizar tus opciones y la negociación puede ayudar a abrir oportunidades para ambos en una situación de ganar/ganar.

En estos tiempos conocer las necesidades del Music Business puede ayudarte a evitar dolores de cabeza y problemas existenciales. Permanece alerta y si se abre una oportunidad has tu mejor esfuerzo. 

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Viernes de Video: David Bowie y la historia de Ziggy Stardust

David Bowie es todo un elemento de análisis para el Music Business.  

Su pérdida a tan solo un par de días de lanzar su último álbum, cierra con broche de oro una historia artística de forma trágica.

Bowie no se cansó de intentar todo lo posible para posicionar su proyecto y sus ideas, adelantadas a su tiempo. 

Ziggy Stardust ha sido interpretado como el alter ego de Bowie, la revolución musical de los años '70, el desprendimiento del pop, el nacimiento del glam rock y la inspiración de una década que se preparaba a saltar de la realidad hippie a un terreno más crítico en lo político y social.

"David Bowie and the Story of Ziggy Stardust", un especial de la BBC, recopila el trabajo de Bowie para desarrollar el concepto de Ziggy Stardust.

El álbum "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" es considerado una joya del rock y uno de los álbumes mejor producidos de la época.

Indudablemente, Bowie creó un cataclismo creativo, e impuso un reto a los ingenieros, músicos y al Music Business.

Disfruten el video (no olvides activar los subtítulos en español) y comparte tu opinión. 

Nos vemos el lunes.

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The Beatles: ¿De quién son los derechos?

El 2015 cerró sorpresivamente en el terreno del Streaming. The Beatles fue integrado no en una, ni dos, sino 6 plataformas de streaming simultáneamente.

Apple se alimentó del catálogo en exclusiva para su venta en iTunes. Spotify buscó desde sus inicios la exclusiva de catálogo de Sony/ATV.

La historia sobre los derechos de The Beatles, está plagada de conspiraciones y datos muy concretos sobre el potencial de marketing que puede ofrecer. 

Un poco de historia...

Los derechos de explotación sobre la obra de The Beatles, pertenecía originalmente en su mayoría a Associated Television (ATV), una franquicia de la Televisión Italiana, que proveía originalmente contenidos solamente los fines de semana a la región de Londres. En Julio de 1968, la franquicia fue liberada para crear su propia programación.

Como parte de su crecimiento, desarrolló una editora de música conocida como ATV Music. Posteriormente se separó como un catálogo independiente y se potencializó porque compró tempranamente derechos sobre una compañía llamada "Northern Songs".

Northern Songs funcionaba como una compañía que publicaba canciones unicamente de 4 personas: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Star. Originalmente, George Martin pensó fusionar la compañía como parte de EMI, sin embargo, Brian Epstein y Dick James prefirieron permanecer independientes.

A la muerte de Epstein, Lennon y McCartney pretendieron renegociar el acuerdo con James, pero Epstein y James habían vendido su parte de Northern Songs a la editora ATV sin previo aviso.

Apple Corps en lucha por los derechos

En un intento de desesperación, Allen Klein, directivo de Apple Corps., fue instruido por Lennon y McCartney para intentar recuperar los derechos pertenecientes de ATV. Ante la negativa, Allen Klein sugirió intentar una alternativa más cara: comprar ATV con todo su catálogo.

En un movimiento que hubiera significado la operación de rescate en derechos de publicación más grande de la historia, ATV no aceptó ninguna de las ofertas hechas por Apple Corps. El catálogo quedó bajo custodio y por un momento, The Beatles dejaron de intentarlo.

Tras la muerte de Lennon, Yoko Ono y McCartney intentaron comprar en 1981 todo el catálogo de ATV. La situación financiera de ATV estaba llegando a límites peligrosos y urgía poner un alto a su caída económica.

El factor Jackson

En 1982, durante la colaboración de McCartney con Michael Jackson para el tema Say, say, say, McCartney le comentó a Jackson sobre el intento de compra del catálogo a ATV.

En esos años, todo lo que Jackson tocaba se volvía oro. Irónicamente le dijo a McCartney que se quedaría con los derechos. La conversación nunca volvió a salir hasta 1984, cuando ATV anunciaba su cierre de operaciones.

Inmediatamente McCartney ofreció una cifra que fue rechazada y se le comentó que había alguien más interesado en ello. 

Desesperado, McCartney solicitó toda la ayuda de inversionistas posibles y ofreció más de 30,500,000 de Liras Esterlinas por el catálogo. 

Demasiado tarde, el catálogo había sido vendido en 24,400,000 Liras a Michael Jackson (unos 47.5 millones de dólares), simplemente porque su traspaso tomaría menor tiempo que esperar a McCartney y sus acreedores a reunir todo en una cuenta.

El 10 de Agosto de 1985, el catálogo de The Beatles perteneciente a ATV, pasó a ser posesión de Michael Jackson.

Sony se queda con todo

En Diciembre de 1995, Michael Jackson estaba pasando por una crisis económica severa. Las acusaciones sobre supuesto abuso infantil pesaba y los gastos excesivos de Neverland estaban lastimando su bolsillo. Necesitaba dinero para lanzar nuevo material y costear su nueva gira. 

Es así que firma un acuerdo con Sony Music para crear Sony/ATV Music Publishing. A cambio, Jackson recibiría dinero prestado para recuperar sus propiedades embargadas y preparar su próxima gira. La operación dejó 90 millones de dólares a Jackson.

Las inversiones de Jackson no fructificaron y su relación con Tommy Motola empeoró. Jackson perdió la oportunidad de recuperar el catálogo y este permaneció bajo la custodia de Sony/ATV.

Tras la muerte de Jackson, la gente aún pensaba que posiblemente McCartney había negociado previamente con el Rey del Pop. Sin embargo, ATV desmitió el hecho y afirmó tener los derechos.

 Ni Yoko Ono o Paul McCarney tendrán oportunidad de pelear por el reclamo de los derechos hasta 2018, cuando la Ley Internacional de Derechos de Autor de 1976 les permita luchar por los derechos después de 56 años de su registro. 

Si el proceso inicia adecuadamente o fallaran en su contra, Ono y McCartney (o sus descendientes) podrían obtener todos los derechos en 2026.

Conclusión

Encontrar una gran parte del catálogo de The Beatles en streaming abre 2 posibilidades claras a la industria. La primera es que siempre habrá manera de vender lo ya vendido y acompañarlo de ganancias por publicidad al mismo tiempo.

El catálogo no incluye las versiones más famosas hechas en sistema monoaural que son consideradas joyas de la ingeniería y música. Tampoco incluye temas inéditos o la Antología que marcó la pauta para el regreso de la nostalgia a finales de los noventas.

La segunda posibilidad es que el valor en derechos de autor de un tema, puede crecer a niveles incalculables de primera vista.

Si Northern Songs hubiera sabido que estaban haciendo con el catálogo y hubiesen liberado su material a Apple Corp. de primera mano, tal vez la franquicia más grande de la música comercial se habría disparado con los tradicionales reencuentros, reediciones y versiones inéditas que inundan el mercado.

En fin, la lección debe ser aprendida y experimentar en cabeza ajena para no cometer el error que costaría 56 años de lucha a los legítimos dueños de los derechos.

Rafa Mendoza analiza el Music Business para Ad Libitum

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Viernes de video: ¿Porqué nos cambia la voz?

Una de las preguntas más comunes de los cantantes en estudio, es que sucede con la voz cuando se envejece. 

Es muy notoria la forma en que el tono vocal cambia con la edad. Muchos cantantes se lastiman constantemente las cuerdas vocales, tratando de cantar temas que "antes" podían superar sin problemas.

Hoy en Viernes de video utilizaremos un video comparativo en la voz de Axel Rose, quien ha estado desarrollando cambios significativos durante los últimos 25 años.

 

La razón es muy sencilla. En términos médicos y musicales, existe algo llamado la "huella vocal". La testosterona engrosa las cuerdas vocales y las paredes de la laringe, lo que produce un cambio en el tono de la voz. La voz en los hombres puede alcanzar hasta una octava y la de las mujeres baja en promedio de 5 a 7 semitonos.

Pero el cambio significativo viene en la senectud, pues ante la ausencia de testosterona, la voz masculina se adelgaza nuevamente y la femenina se hace un poco más gruesa por los estrógenos.

Para Axel Rose es evidente los cambios durante los últimos años. A mi parecer un caso más severo es la voz de Paul Stanley de Kiss. 

El video muestra precisamente 25 años de cambios y como afecta el performance, criterios de afinación e intensidad de proyeccción vocal.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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7 reglas básicas para una prueba de sonido impecable..

Ya disfrutamos de las posadas y la temporada alta para eventos en vivo no se dejan esperar.

Es momento de hacer un análisis clave sobre las necesidades propias de una prueba de sonido (soundcheck).

Los momentos de tensión al sonorizar y realizar la prueba de sonido se intensifican o complican con la actitud de los artistas que se presentarán. No todos lo hacen, sin embargo, en México acostumbramos llegar al último momento.

Tal vez nos han agendado 2 o hasta 3 eventos el mismo día con distintos requerimientos y todo se vuelve una locura. La prueba de sonido es un momento crítico para asegurar la calidad de sonido para un espectáculo.

Así que te presentamos 6 reglas básicas para una prueba de sonido impecable

ANTES

1.- Seguridad ante todo: Parece demasiado obsesivo, pero trabajar sin el equipo adecuado y en condiciones peligrosas puede acabar en algo serio. Fajas, zapatos industriales, guantes, arneses, seguros, refacciones de transporte, herramientas necesarias. La seguridad es primordial y no se negocia.

2.- Trata al Staff como profesionales: No importa si viene de una prestigiada escuela de sonido o se hizo en el medio desde abajo. Tenga la edad que tenga, trátalos como profesionales. El sonido de todo el evento recae en ellos y la presión contra el tiempo es fundamental. No me cansaré de decir que la camaradería y el uso adecuado de las palabras mágicas (por favor y gracias) son el ingrediente principal de la eficiencia on stage.

3.- Carga y descarga eficientemente tu equipo: Te llevará unas 4 horas hacer un esquema de tu auto, van, camión o transporte usado para mover tu equipo. Acomodar dentro de ese espacio no significa que puedas hacer una carga y descarga eficiente. ¿Que debes sacar primero?, ¿podemos dejar el monitor en el piso para sacar el rack y la consola? Un reto al que pocos se atreven a resolver, pero que con ayuda de tu staff podrás organizar de manera profesional el ensamble y desmontaje de tu equipo.

DURANTE

4.- Utiliza tu Rider técnico y optimiza tus conexiones: Cables organizados, extensiones con la medida suficiente, aseguramiento y tendido al piso. El escenario es un área de trabajo que requiere planificación y detalle. No subestimes el tamaño y posición del mismo, pues la seguridad de quien lo aborde depende en parte de tu organización. Conexiones en fase y tierra adecuados. Sobre todo, etiqueta todo aquello que necesite ser del conocimiento de otros. Letreros de "No Tocar: Voltaje Directo" son tu responsabilidad

5.- Utiliza siempre 2 canciones para sonorizar: Normalmente es ideal utilizar la más ruidosa y explosiva para ajustar niveles, compensar el contenido armónico y evitar las retroalimentaciones (feedback) más comunes. Si hay micrófonos innalámbricos hay que moverse por todo el escenario para identificar las zonas problemáticas y evitar acercarse a ellos. Base rítmica tiene prioridad y monitoreo se recomiendan primero. Como músico, preocúpate de tu monitoreo y deja la magia del PA al Ingeniero.

DESPUÉS

6.- Convive con los anfitriones y otras bandas: Si el tiempo lo permite, interactúa con las personas que son anfitriones, los técnicos del local, el personal de seguridad y otras bandas. No necesita ser una plática extensa, pero a veces 5 minutos no te harán romper tu esquema de organización (porque tienes un esquema de organización ¿cierto?). Los conozcas o no, están trabajando en equipo para obtener el mejor show del mundo en ese espacio.

7.- Relájate lo suficiente: Siempre existe un sentimiento de perfección y nerviosismo al esperar la hora de abrir las puertas. Disfrútalo al máximo, porque si has hecho todo en tiempo y cubriendo al máximo posible las posibilidades, el show será un éxito sin lugar a dudas. Haz lo mejor que puedas para ofrecer una experiencia agradable a la audiencia. Mantenerse alerta es fundamental, pero no caigas en pánico y dejes que la presión te haga tomar decisiones fuera de lo común.

Conclusión

La prueba de sonido tiene la fama de condenar un show, si no se hace con tiempo adecuado y bajo criterios especificos. Hay muchas cosas que influyen en el desarrollo de un evento musical, que contribuyen a que la audiencia salga eufórica o no se obtenga respuesta tan buena de su parte en un evento.

Si esto sucede, déjame decirte que no depende de tu trabajo cambiar esas circunstancias y guarda tu equipo para estar listo en el siguiente show. Hacer tu trabajo y realizar un buen soundcheck te ofrece la seguridad de que tu evento se desarrollará con un margen mínimo de contratiempos técnicos, sonoros y organizacionales posibles.

Dedicado a todos los ingenieros, staff técnico, músicos, road managers, tour managers, booking managers y managers que se preocupan por poner al Soundcheck como un elemento importante para el disfrute de la audiencia.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum 

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Taylor Swift y Apple Music: ¿Juntos por un streaming mejor?

Taylor Swift no da paso sin huarache. Algunos meses han pasado desde que su "carta denuncia" retumbó días antes del lanzamiento de Apple Music.

Una gran parte de la comunidad musical, vió con beneplácito las "buenas intenciones" en las declaraciones de Swift. Algunos la pusieron en verdaderos pedestales por "defender" a los artistas de las "malévolas" disqueras y sus abusos por el servicio de Streaming.

El día de ayer, Taylor Swift y Apple revelaron su nuevo acuerdo que abre una nueva categoría en el marketing digital y para el Music Business. Un drama digno de Shakespeare en 3 actos y que anticipamos en nuestro blog con el artículo "5 razones para desmentir a Taylor Swift contra Apple".

Primer acto... La dama en peligro

Taylor Swift, empieza este drama de la vida real al romper sus vínculos de negociación con Spotify en Noviembre de 2014. Inicia una campaña de ataque contra los sistemas streaming y llama a la comunidad de las disqueras a "sensibilizarse" con respecto a las comisiones y porcentajes de la distribución digital.

Con un disco recién salido en Octubre, la cantante dió un golpe directo a Spotify, quien se estaba posicionando como el primer sistema de ventas por streaming en ese momento.

Apple por su parte, había adquirido en mayo de ese año a Beats Music, una compañía fundada por Dr. Dre, que había lanzado su servicio Beats Music recientemente. Por 3,000 millones de dólares, Apple se quedó con la compañía, pues iTunes estaba siendo competida fuertemente por las empresas de streaming Pandora, Deezer y Spotify.

Segundo Acto... Conjurando la estrategia

Aunque Spotify controlaba gran parte del mercado de streaming, la pérdida del año 2013 en gran parte de sus activos, hicieron pensar que Spotify estaba herido de muerte. 

Durante ese año, Spotify acusó a Apple de revender la plataforma de Spotify a través de AppStore en algunos países, creando desconcierto en los usuarios y una visita que incurrió en búsquedas fiscales para la compañía de Steve Jobs.

Una gran parte de las inversiones de Apple se vieron bloqueadas ante las auditorías por parte del Departamento del Tesoro y ahí se gestó la rivalidad persistente contra Spotify.

Spotify necesitaba demostrar que su modelo de negocio era rentable y que las pérdidas económicas habían valido la pena.

Apple necesitaba mover los 3,000 millones pagados por Beats Music y anunció el lanzamiento de Apple Music para Junio de ese año, con 3 meses de streaming gratuito a modo de prueba.

Taylor Swift, afirmó que dar "muestras gratis" era lastimar al artista en lo económico y lanzó un Tweet dirigido a Apple Music para que "corrigiera" su decisión.

En tan sólo 3 horas, Apple "respondió" a Swift que pagaría a las disqueras por el servicio de prueba de 3 meses para que los artistas no "sufrieran" un descalabro económico por la medida. Swift se vió como la heroína del cuento al estilo de "Los juegos del hambre".

Por una semana, la estrategia funcionó hasta que Daniel Ek, CEO de Spotify, lanzaba una cubetada fría a los servicios de streaming. 20 millones de cuentas premium en 6 meses y 75 millones de usuarios gratuitos que duplicaban sus números en un instante, dejando a Apple Music sin oportunidad por un buen tiempo.

Tercer Acto... Lo trabajado es cobrado

A pesar de las cifras manejadas por ambas compañías, Taylor Swift no volvió a pronunciarse contra Spotify y las plataformas digitales. 

Ayer, Apple anuncia en exclusiva, la difusión de la gira 1989 World Tour por streaming en Apple Music, además de una intensa campaña exclusiva, donde Taylor Swift será el rostro principal. Las pantallas de las Apple Store tendrán la imagen de la cantante y aparecerá en tarjetas de compra edición especial para fiestas decembrinas. Al parecer la campaña se extenderá todo el 2016.

Posicionar a cambio de opiniones sobre un competidor, parece ser la estrategia de marketing que acompañará la guerra del streaming los próximos meses.

Una estrategia que irónicamente Megaupload había aplicado en 2012 para el lanzamiento de su futura plataforma bloqueada por la ley SOPA, donde artistas de renombre recomendaban el servicio de la misma manera que Swift lo ha tomado para Apple

Conclusión

Estos acuerdos dan mucho que pensar entre las relaciones de Swift y Apple. Estamos ante una nueva forma de negociar. Swift ha usado su imagen para generarse un nombre como líder de opinión. Dudo mucho que la idea haya salido de la artista y me parece una estrategia propia de Apple para competir un mercado tan difícil como el streaming. 

Spotify amenaza constantemente la inversión de 3,000 millones de dólares de Apple. Recuperar esa inversión lo antes posible es fundamental para los activos de la compañía fundada por Steve Jobs. 

El reciente lanzamiento de Apple Music para Android, es señal clara sobre el estatus de crecimiento del streaming en términos económicos los próximos años.

El contrato de Swift es para mí, una de las cartas mejor jugadas de Apple para su campaña de marketing durante el 2016. Al mismo tiempo, da por sentado que esto se planeó al menos desde 6 meses antes de que Taylor retirara su material de Spotify, para relanzarlo en Apple Music.

Para el usuario común, estas estrategias pasan desapercibidas. Sin embargo, representan una realidad del Music Business más estratégico, complejo y profundo.  Quien sabe si los Beatles hubieran sobrevivido a esta realidad hace 50 años.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Los 10 artistas mejor pagados del 2015

Forbes lanzó el día de hoy, la lista de los 30 artistas mejor pagados del 2015.

El cálculo se efectúa a través de una revisión de contratos y cifras aproximadas que los artistas integran por concepto de presentaciones, inversiones y venta de imagen para campañas publicitarias; es decir, ingresos directos que podrían elevarse gracias a la expansión de estos recursos en otros negocios posteriores.

Aquí la lista de los 10 mejor pagados del 2015.

1.- Katy Perry (135 millones de dólares): Se calcula que cobró cerca de 2 millones de dólares por presentación.

2.- One Direction (130 millones de dólares): 74 fechas para la gira que se promedia con un valor de 2 veces el dinero recaudado por los Rolling Stones.

3.- Garth Brooks (90 millones de dólares): Aunque parecía que su carrera estaba estable, consigue aproximadamente 1 millón por presentación y su gira aún no termina. Podría subir más durante el próximo año.

4.-Taylor Swift (80 millones de dólares): Gana 4 millones por presentación. Este lugar es provisional, puesto que inició tarde su gira comparado a Katy Perry, pero podría ser el No.1 el próximo año.

5.- The Eagles (73.5 millones de dólares): La nostalgia no deja de vender. Las diferencias desaparecen cuando una cantidad tan fuerte ingresa a los bolsillos.

6.- Calvin Harris (66 millones de dólares): Ser DJ puede dejar ganancias considerables. Hay un gran debate con respecto a la música creada con samples y ejecutada por instrumentos. Ese debate queda sin argumentos con estas cantidades.

7.- Justin Timberlake (63.5 millones de dólares): Parte de sus ingresos se generaron de campañas publicitarias para Sony, Budweiser y ahora Tequila Sauza. Esto le permitió seguir invirtiendo en el desarrollo de la nueva etapa de MySpace.

8.- Diddy (60 millones de dólares): Cuando la música deja de fluir, siempre están los endorsements para llegar al rescate. Revolt, Sean John, Aquahydrate, Tequila DeLeón y Vodka Ciroc, son sus principales fuentes de ingreso

9.- Fleetwood Mac (59.5 millones de dólares): Siempre hay lugar para la música del recuerdo y Fleetwood Mac consiguió vender 86 conciertos en su última gira. Nada mal para bandas que se creían parcialmente retiradas.

10.- Lady Gaga (59 millones de dólares): Lady Gaga bajó casi 6 escalones con respecto al año pasado. Su último tour dejó una serie de pérdidas a la artista por el tamaño de su producción. Este 2015 consiguió tratos con Versace y MAC. Posiblemente el próximo año realice un repunte.

Conclusión

Cada vez es más común encontrar ingresos por patrocinio. El costo de los tours se ha abaratado principalmente por la gran variedad de promotores alrededor del mundo que permiten al artista viajar con el mínimo requerimiento técnico, humano y artístico.

En peldaños inferiores con ingresos menores entre los 25 y 50 millones de dólares se encuentran artistas como Paul McCartney, Rolling Stones, Foo Fighters, Bruno Mars, Eminem, Dr. Dre, Tiesto, Britney Spears.

No cabe duda que el negocio del espectáculo deja grandes ganancias, pero sobre todo, habría que analizar el costo total de inversión para generarlas, lo que habla de una planeación intensiva que no es casualidad o suerte

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Viernes de video: Eagles of Death Metal y la noche en el Bataclan

El pasado 13 de septiembre, una serie de ataques en Paris fueron noticia de primera plana alrededor del mundo.

El ataque más intenso se realizó en la sala de conciertos Bataclan, donde la banda Eagles of Death Metal ofrecía un concierto que llevaba aproximadamente 1 hora de haber iniciado.

Elegí este video porque lo considero un documento importante desde el punto de vista seguridad en locales, teatros, conciertos y eventos masivos. Ningún tour manager, sistema de seguridad privada e inclusive la policía local, están preparados para una eventualidad de esta magnitud.

Cortesía del sitio Vice.com, el video ha sido subtitulado en español y es la primer entrevista que ofrece la banda sobre los hechos del Bataclan el 13 de noviembre. El ingeniero de sala, fue la primer persona en hablar sobre ello en un video difundido dos días después del hecho, sin embargo, conocer la visión como equipo resulta más integral. 

Recientemente hemos visto en nuestro país algunos problemas de seguridad en bailes, conciertos e inclusive muchos locales representan un peligro al contener una gran cantidad de gente sin los recursos necesarios para un desalojo de emergencia.

La desgracia ocurrida en el Bataclan, más allá de lo escrito por los medios (en algunos casos demasiado morboso), es sin duda una oportunidad de rediseñar los procedimientos de seguridad en locales y eventos que se debe incluir en una agenda.

Mi intención con la muestra de este video, no es generar una alerta sobre la posibilidad de amenaza terrorista, sino tomarlo en cuenta para un nuevo debate sobre las políticas en prevención de desalojo ante diversas circunstancias, donde manager, músicos, técnicos y la población que asiste a un evento de entretenimiento, tenga las herramientas y conocimientos clave para saber que hacer en una situación de emergencia.

Les dejo el video y espero se hable más de este aspecto en los próximos días en la comunidad del Music Business.

Recuerden activar los subtítulos en español.

 

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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12 recomendaciones de seguridad para músicos...

Nada existe más importante que la seguridad personal en cualquier área profesional. Casi siempre pasan nuestros días sin que ocurran incidentes mayores, pues la prevención es fundamental.

 

Aunque el tópico de la seguridad abarca muchos aspectos y niveles en la cadena del Music Business, las siguientes recomendaciones son importantes para cualquier músico, sea en estudio, concierto, ensayo o palomazo.

En algunos casos, la seguridad depende directamente del anfitrión donde nos ubiquemos, pero siempre es deseable aportar nuestro granito de arena para prevenir accidentes mayores.

1.- Bebidas sobre aparatos elecrónicos: Yo sé que se ve muy cool e inclusive hay artistas que aprovechan esto para generar una sensación de rebeldía en el escenario, pero es la causa número uno de cortos circuitos en un sistema en vivo. Aunque las botellas o latas estén cerradas, deben permanecer alejadas de sistemas eléctricos y electrónicos. Las mezcla de líquidos y electricidad son la combinación ganadora para el desastre. Puede ser fatal. Si tienes que tomar bebidas, especifica que sea agua embotellada, colócala en el piso, detrás del escenario o a un costado de donde estés tocando o trabajando. Es común poner el agua cerca del bombo de la batería. No es recomendable por las vibraciones, aparte que a veces el baterista golpea demasiado fuerte y produce desplazamiento del bombo.

2.- Botellas y latas en recipientes recolectores: Colocar los envases dentro de recipientes que puedan contener el líquido para evitar que se riegue sobre el escenario. Puedes colocarlos también sobre una franela o toalla lo suficientemente grande para que absorba directamente el líquido. No uses toallas de papel.

3.- Utiliza bases para instrumentos adecuados: Dejar los instrumentos en el suelo del escenario puede provocar caídas y la pérdida de tu instrumento. Utiliza bases adecuadas. Si llevas estuches duros cierra todas las mariposas y broches adecuadamente. Algunas mariposas tienen acabados mal terminados y pueden cortar profundamente. En ocasiones, la forma de los estuches está rematada con guías de aluminio que pueden doblarse y exponer el filo hacia afuera. Mantén tus estuches en buen estado.

4.- Siempre pregunta antes de conectarte a la red eléctrica: Aquí hay que usar el sentido común. En muchas ocasiones, los encargados del suministro eléctrico no definen los conectores para el backline y equipo periférico adicional.  No importa cuantas veces debas preguntar y a cuanta gente sea necesario buscar... NO TE CONECTES HASTA SABER SI LA TOMA DE CORRIENTE ES LA ADECUADA... Tu seguridad está de por medio.

5.- Nunca desconectes equipo sin preguntar: Sobre todo cuando hay que hacer cambios rápidos, tomamos la decisión de desconectar nuestras guitarras, sintes y computadoras instintivamente. Pregunta siempre al encargado del escenario si ya puedes iniciar la desconexión.

6.- Utiliza zapatos adecuados: Está muy de moda salir a cantar en chanclas, descalzos y hasta sobre alfombras. Hay excelentes razones para no hacerlo. Primero, la estática producida por la alfombra puede causar pequeños choques eléctricos entre tu equipo y tu (toques) si la instalación no está bien aterrizada. Hay muchos elementos en el escenario que podrían dañar tus pies. Clavos salidos, malos remaches, rebabas de metal, cables abiertos. El equipo puede ser pesado y a veces se mueve para corregir su dispersión. Evita machucones o golpes en esquinas afiladas. Lo recomendable es utilizar zapatos cómodos y de ser posible con suela ligeramente gruesa.

7.- Siempre vigila tus pasos: Antes de moverte en cualquier dirección, asegúrate de mirar hacia los 4 puntos cardinales para asegurarte que no existe una persona, instrumento, caja, monitor, bebida o celular a tu alrededor con el que puedas tropezar, lastimar o romper. Hay que saber caminar en el escenario, después de todo es un área de trabajo especializado.

8.- No te subas a las estructuras: Recientemente un artista muy conocido se trepó a una estructura del escenario para seguir bailando. Estas actitudes poco profesionales hacen pensar al resto de la gente que todas las estructuras soportan su peso. Hay un límite entre lo que puede sostener un rack de equipo, un sistema de sonido, una polea, un arnés y una estructura. Además de ponerte en riesgo , pones en riesgo la vida de los otros músicos, técnicos, managers y también a tu público.

9.-Nunca fumes en el escenario: Aunque el cableado y los equipos cuentan con un sistema retardante de fuego, existen decenas de elementos flamables en múltiples circunstancias. Es común repintar partes del escenario, utilizar pegamentos industriales para la escenografía, generadores a base de gasolina o diesel que pueden estar ocultos en el escenario. Podría haber fuegos artificiales instalados. Otra de las actitudes que repruebo en músicos muy conocidos, es fumar de forma irresponsable en medios de difusión.

10.- Nunca arrojes cosas al público: Lanzar botellas o latas puede obtener varios resultados. Ojos lastimados, derrames, cortes en el rostro, además de la pérdida del respeto por parte de tu público. 

Arrojar baquetas tampoco es una buena idea. Si quieres obsequiar un par de baquetas, acércate a tu público y entrégalas en mano. 

11.- Lleva tu propia cinta: Aunque tu presentación lleve 25 minutos, la responsabilidad sobre la seguridad de tu equipo y cables es primordial. Carga contigo una cinta de aislar y cinta tipo gaffer o de uso rudo (es plateada y gruesa). Nunca utilices masking tape porque está hecha con celulosa de papel y podría encenderse con el calor de una conexión o chispazo.

12.- Siempre ten un número de emergencia: Ante una situación donde no puedes responder a emergencias (desmayo, falta de conciencia y dolor extremo), recordar un número o números de emergencia para familiares es imposible. Agrega a tu celular un contacto al que toda la banda sepa donde llamar si es necesario. Escribe en una tarjeta los números y nombres de personas que pueden atender la emergencia. Pégala al interior de tu estuche, dentro de tu baquetero, en tu cartera y dáselo a tu manager. Incluye tipo de sangre y alergias a medicamentos o si estás siendo tratado para alguna enfermedad específica de tipo crónico, además de la medicación vital con cantidad de dosis y periodos de dosificación. (ejemplo: Penicilina de 500 mg 1 cada 12 hrs)

Conclusión

El éxito de una presentación, evento, ensayo o palomazo depende de un trabajo en equipo. La seguridad de un evento está a otro nivel muy superior, pero nuestro aporte puede hacer la diferencia entre un espectáculo sin contratiempos y algo que puede salirse de control.

No está de más pedirte que verifiques constantemente el mantenimiento de tus cables, equipos e instrumentos. Investiga si tu cableado es de buena calidad y sustituyelo por uno más adecuado.

Seguiremos hablando de estos tópicos de seguridad. Inicia desde ahora estos cambios, siempre hay lugar donde poner en práctica estas recomendaciones particulares.

Rafa Mendoza escribe y produce para Ad Libitum

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El día que Apple se incubó en Android...

Hace algunos años, imaginar a Apple desarrollando aplicaciones para otras plataformas parecía una pesadilla para los fans más arraigados de Steve Jobs.

Desde el regreso de Jobs a Apple en 1997, se inició la polémica cuando invitó a Bill Gates durante la conferencia de prensa para el re-lanzamiento de la compañía.

El odio entre Apple y Microsoft se había trasminado desde la boca de Jobs años antes. 

¿Qué hubiera dicho Steve Jobs ante el desarrollo de aplicaciones para Android?

Del odio al amor...

Las declaraciones de Jobs contra Google a partir de su inclusión en los dispositivos móviles y el lanzamiento de Android, dejaban entrever que el CEO de Apple consideraba este apoyo a Larry Page y Sergey Brin una traición al entregar un sistema de código abierto.

Poca gente sabe que Google en sus inicios, buscó contratar a Steve Jobs como su CEO y entraron en negociaciones muy profundas. Jobs no alcanzó a aceptar, debido a que se dió cuenta que Google entró al negocio de los smartphones.

En la biografía autorizada de Jobs, escrita por Walter Isaacson, Steve declaró:

"Voy a utilizar hasta mi último suspiro de ser necesario, y voy a gastar cada centavo de los 40 mil millones de dólares que Apple tiene en el banco, para corregir este mal… Voy a destruir Android, porque es un producto robado. Estoy dispuesto a ir a una guerra termonuclear sobre esto..."

El argumento de Google al presentar Android, era que su sistema era una tecnología abierta a la experimentación, mientras sus contrapartes eran sistemas cerrados, refiriéndose a iOS y Windows Phone.

Es de sabios cambiar...

El sorpresivo lanzamiento de Apple Music llegó acompañada de una noticia que heló a los fans de Apple alrededor del mundo... Apple Music llegaría en el último trimestre del 2015 para Android.

¿Que hizo cambiar la desición de Apple sobre Android?

Casi nada, el 52 % del mercado que no pudo probar el servicio de streaming, cerca de 1.2 billones de usuarios (según Google).

Apple Music Android está considerado un beta para probar los mecanismos del sistema y sus actualizaciones. Disponible en 100 países, excepto China que posee el grupo de usuarios Android más grande.

Lo que Apple busca es sustentar y competir el mercado cautivo de Spotify con 20 millones de suscriptores. En 4 meses, Apple ha convencido a cerca de 6.5 millones de usuarios a tener una cuenta de sus servicios de streaming.

Conclusión

El periodo de implementación y sustentación ha comenzado con buena marcha, pero no significa una competencia sencilla para Apple. Es bien conocida la tendencia de consumo por parte de los usuarios de Android, menos afectos a comprar aplicaciones que los seguidores de Apple.

Tim Cook ha sido criticado severamente por ser conductor de las desiciones en el Consejo de Apple, pero los tiempos de Steve Jobs se fueron y no volverán. Una de las compañías más fuertes dentro de un mercado tan volátil, cambiante e inestable como el music business, no puede simplemente apegarse a las reglas de un visionario fundador. 

Apple ha decidido anidar en Android... Los tiempos cambiaron... Lo que la música unió, jamás lo separe... ¿Es hora de un nuevo Apple?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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