A un año del Blog de Ad Libitum...

El 15 de abril de 2013 , iniciamos la tarea de usar nuestro Blog como forma de difusión y cambios en nuestra forma de trabajo general.

El Blog se abrió en 19 Noviembre de 2011 con el tema "Grabo luego existo" (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2011/11/grabo-luego-existo.html) y se escribió por un par de días más para quedar en penumbras por un buen tiempo.

Ante las decisiones de cambiar nuestro enfoque como estudio de grabación, optamos por arrancar una nueva estrategia de difusión sobre audio producción en nuestro país.

Las crisis económicas y las oportunidades creativas estaban estancadas en la percepción general de quien considera al Ingeniero en Audio y su industria en peligro de extinción.  Pero quienes tenemos tiempo ya dentro, sabemos que el Ingeniero en Audio es una parte importante del proceso, pero que existen muchas disciplinas que van ligadas entre sí para poder realizar audio producción.

Así, decidimos que el Blog sería lanzado y publicado semanalmente a partir del 15 de Abril de 2013. Nuestro primer post de esta nueva etapa fue "Eutanasia musical... Una fórmula que muchos deberían probar" (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2013/04/eutanasia-musical-una-formula-que.html).

La respuesta no se hizo esperar, pues de alguna forma, estábamos deseando acabar creativamente para avanzar. El 22 de abril escribimos "El estancamiento de la audio producción", (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2013/04/el-estancamiento-de-la-audio-produccion.html) donde damos cuenta de los bloqueos creativos como elemento clave de la crisis en nuestro sector.

Bastó una semana más para que empezaramos a escribir 3 veces a la semana. Lunes, miércoles y viernes.

Muchos temas han pasado por este blog y nos abrió las puertas para llevar nuestros temas a escuelas, talleres y universidades a exponer la problemática que nos afecta como área de producción, pero antes que la parte de industria que conlleva (industria entre comillas), resolver la crisis creativa y crear oportunidades de desarrollo en contenidos y darle un nuevo sentido a la producción, como una forma propositiva y responsable dentro de nuestro entorno.

Así, ha escrito mi compañero Raúl Beltrán sobre problemas como "Una reforma educativa en Audio Producción" (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2013/10/una-reforma-educativa-en-audio.html), con apoyo de Elizabeth Bernaldéz el famoso "¿Porqué un tamalero tiene más clientes que un spot mal producido? (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2013/07/por-que-un-tamalero-tiene-mas-clientes.html) y la neurosis desatada en "Decálogo para el equilibrio del Ingeniero en Audio" (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2013/06/decalogo-para-el-equilibrio-del.html), donde nuestro gremio pudo descansar "emocionalmente".

Nuestros temas señalan muchos puntos que consideramos prioritarios para resolver y mejorar la praxis de nuestras áreas de mejor manera. A veces también intentamos ofrecer una perspectiva neutral sobre una situación confusa, desmenuzándola y extrayendo solamente lo que se considera en los terrenos de Audio Producción.

Tal es el caso del artículo "Hell & Heaven Metal Fest: Manzana de la discordia" (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2014/03/hell-heaven-metal-fest-manzana-de-la.html) que ha sido comentado y compartido por redes sociales múltiples ocasiones por personalidades de la industria y fans de este género que se interesaron por el proceso desde otro punto de vista.

En números el Blog arroja los siguientes datos:

166 artículos en un año
6354 visitas a este sitio (regulares)
25 visitas promedio diariamente a nuestros artículos
285 visitas al artículo más leído (Hell & Heaven Metal Fest: Manzana de la discordia) en un día.

Algunos datos no son tan rimbombantes como los de un sitio comercial, pero para un blog que habla sobre audio producción, ha generado una base de lectores constantes en países como Argentina, Bolivia, USA, España, Colombia, México y Canadá.

El blog no se pensó para cantidad, sino para calidad de contenidos y estos datos nos llenan de orgullo para quienes hemos dado continuidad a este proyecto hasta estos momentos.

Gracias a Raúl Beltrán por sus aportaciones, Elizabeth Bernáldez y todos aquellos que inspiraron algunos temas del blog.  Gracias a Flickr por aportar imágenes de Creative Commons a nuestros artículos. Y gracias a ustedes por leernos y seguirnos diariamente.

Desde esta trinchera de letras, seguiremos aportando nuevas visiones sobre audio producción, ahora incorporando nuevos artículos de gente imprescindible que pueda apoyar este movimiento.

El siguiente año, esperamos incrementar nuestras visitas no en miles, tal vez un par de cientos, pero mejorando la calidad de nuestros contenidos.

Cerrar con el mensaje que todos nuestros blogs llevan es una invitación que deseamos tomen en cuenta.

Por hoy haremos pastel y después de comer un par de rebanadas nos retiraremos a seguir detallando los proyectos 2014 que se van a dar a conocer el próximo 5 de mayo. Estamos más ocupados que nunca. Pero esa era nuestra intención...

Rafael Mendoza escribe en el Blog de Ad Libitum desde hace un año y quiere que aportes en el.

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Diseño de Producción... la receta del éxito

Alguna vez me preguntaron cuál era le receta del éxito. Si existe en verdad un camino que permita poner un material en audio producción lo suficientemente bueno como para crear una carrera y si se puede comprar fàcilmente en el mercado.

Al principio, pensaba que igualmente todo influía en el resultado final. Pero ningún proyecto puede considerarse exitoso si no se calcula adecuadamente. La Pre Producción es un paso decisivo en muchos sentidos y una parte que lo compone es el Diseño de Producción. ¿Pero para que sirve?

Receta o prevención

El Diseño de Producción, permite conocer cuales son las prioridades y requerimientos esenciales del proyecto. Es el informe detallado de cuanto costará la etapa de producción y como se verá distribuido de principio a fin.

Aquí no caben las dudas esenciales, porque se ha tratado previamente el presupuesto inicial y de ser posible se establece una justificación para un ajuste.

Por ejemplo, digamos que un estudio cobrará 57,000 pesos por una grabación de una semana para un grupo de 5 elementos. Sin embargo, la grabación requiere un día para grabar cuerdas y el cuarto de grabación es de unos 4 x 5 metros cuadrados.  Si el set de cuerdas tiene 3 elementos podría funcionar, sin embargo un quinteto requiere más espacio para desarrollar su sonido y contacto visual, no hablemos si requieren un contrabajo de complemento.

Posiblemente puedes poner el contrabajo con la viola aparte, pero eso implicaría grabar primero violines y cello en unas 3 o 4 horas, para posteriormente grabar viola y contrabajo en 2 o 3 horas más.

En total tendrías un aproximado de 7 horas necesarias para grabar sección de cuerdas. Si el costo por hora de estudio es de 500 pesos, el costo de la sesión será de unos 3500 pesos.

Posiblemente hayas presupuestado un estudio con una sala de trabajo de unos 5 x 5 metros que te permite tener a las cuerdas bien colocadas y con suficiente espacio, que cobra unos 700 pesos por hora. Posiblemente necesites unas 4 horas para grabar la sección. El costo final serían unos 2800 pesos.

Conclusión

A primera vista, 500 pesos la hora puede ser màs atractivo que 700 pesos. Sin embargo, por las características del estudio, pagarás más en un estudio de 500 que en el de 700 pesos. El diseño de producción se encarga de este y muchos otros detalles necesarios para optimizar el costo final de un proyecto y su calidad.

La receta del éxito no es quien gasta menos en una producción, sino quien lo hace más rentable y de mejor calidad, optimizando los recursos de tiempo, dinero y calidad del producto.

Estos productos gozan de buena salud, para mantenerse durante años en la preferencia del consumidor final y estableciendo estándares que son difíciles de superar.

Rafael Mendoza desarrolla diseño de producción en Ad Libitum

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¿Soundcloud está en peligro?

El 27 de marzo pasado se informó que Soundcloud estaba en pláticas con disqueras y editoras.

Fuentes confidenciales y que permanecen en anonimato, han indicado a varios medios en internet que finalmente Soundcloud ha sido "cercado" legalmente en base a sus políticas.

Los últimos años hemos visto crecer a Soundcloud como una plataforma robusta. ¿Pero como ha operado sin que le causen problemas la industria?.

Legal es la palabra...

Soundcloud opera basada en el Digital Millenium Copyright Act (DMCA), que le ha ofrecido una libertad indirecta. Bajo este sistema, los sitios pueden protegerse de materiales colocados en el sitio , designados como "terceros". Es decir, el contenido es responsabilidad del usuario.

Mientras el material permanezca desactivado, todo el contenido del usuario no puede ser removido por Soundcloud puesto que realmente no está difundido, sino simplemente almacenado.

Cuando un usuario activa el material, Soundcloud debe ser notificado por el dueño de los derechos de autor. El responsable de su notificación es el dueño, no la plataforma.

La DMCA no es un elemento que agrade a las disqueras, puesto que no ha permitido llegar a un acuerdo con Soundcloud para eliminar contenido.

Pero sí será posibile que los dueños de los derechos insistan en que compañías serias como Google o YouTube, se han hecho "moralmente responsables" de los contenidos existentes en su sitio.

De esta manera, la declive para Soundcloud provendría de un elemento cada vez más valioso en internet.... La reputación.

Basta ver a Facebook  y muchos otros sitios que basados en sistemas de puntuación, condenan susbscribers, sitios y artículos debido a su mala reputación.

Así que la industria discográfica, tiene la suficiente presencia para presionar a la audiencia que puede perder Soundcloud en base a reputación.

Conclusión

Es un movimiento bajo y vulgar, pero en la industria, un centavo es un centavo y está considerado en los planes financieros.

Veremos pronto algunos cambios de políticas y distribución en Soundcloud... Aunque sea popular, no tiene la fuerza para pelear con la industria, cuyo colmillo se ha afilado lo suficiente para amedrentar a otros sitios..

Rafael Mendoza sube el podcast de Control Room a iVoox y Soundcloud.. Suscríbete, participa, danos like y g+

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5 formas de grabar mejor sonido para video amateur

Aunque parezca lo contrario, cuidar del sonido para video puede representar un reto demasiado difícil de abordar.

Se da por sentado que el dispositivo captará lo que necesitemos y que prácticamente sabrá diferenciar la fuente sonora deseada del resto del ruido ambiente.

Es así que muchas veces nos solicitan remover fuentes, pláticas ajenas, ruido de camiones, gritos de microbuseros como si se tratase de aislar una imagen en Photoshop.

Independientemente del tipo de video que vayas a realizar, siempre es deseable que el sonido sea lo más concreto posible aún utilizando herramientas comunes como un celular.

1.- Pon a alguien a cargo del sonido: Todos quieren hacer el video porque se les hace más sencillo de captar. Pero tener un encargado de sonido salvará el día. Debe ser responsable de vigilar los aspectos comunes de la situación donde se grabará el video. Estar consiente de las limitaciones técnicas y sobre todo, vigilar que el audio está teniendo los mejores niveles disponibles.

2.- Estar preparado: Visitar las locaciones, preguntar las áreas disponibles para tener una entrevista, saber si habrá otros eventos y el esquema del evento a donde se realizará un levantamiento de sonido, puede preveer la calidad de grabación. Investiga que sonidos puedes utilizar a tu favor. 

3.- Captura sonido ambiente: Si realizas un video con sonido particular, asigna a alguien a que grabe otros sonidos. Por ejemplo, en un partido de fútbol, puede ser interesante grabar a las barras y los comentarios de algún espectador.

4.- Utiliza herramientas apropiadas: Cuando hay infraestructura, rentar una grabadora digital y un micrófono de captación ambiente puede ser la clave. Si cuentas con un celular, revisa que tenga una calidad mínima para grabar en formatos ACC o Wav. Algunos MP3 monoaurales de alta calidad también pueden servir. Depende de tu habilidad para definir un buen sonido, pero no ahorres simplemente porque tienes la opción. Ve siempre por lo profesional.

5.- Graba algunas voces por separado: Repetir tomas donde no se aprecia la voz como tal, puede ser que no necesite grabarse más que un diálogo de referencia. Los sonidos ambientales pueden ensuciar mucho los tracks de voz, más cuando se desea grabar a una persona que se acerca desde 4 metros atrás y dialoga con alguien. Este tipo de trabajo requiere de una caña o micrófonos innalámbricos. Revisa tu guión y tu presupuesto. Si no podrás rentarlos, cambia la escena. Una plática puede tener un mejor contexto dentro de un lugar apropiado (no lo cambies durante la grabación)

Conclusión: Captar audio para video de forma amateur no es complejo si se anticipa lo que se está haciendo. Si vas a un museo a visitar una exposición egipcia, es una buena oportunidad para poner en práctica tus dotes de editor y sonidista. Graba la información contenida en las paredes del museo o las fichas de información que encuentres de forma separada. Mantén un orden y cuando regreses a casa, tendrás un buen diálogo para presentar un video de 5 minutos.

Suerte con ese sonido directo... 

Rafael Mendoza restaura, mezcla, post-produce y edita sonido para video en Ad Libitum

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5 razones para pagar un abogado en audio producción...

La vida es bella cuando todo fluye. Tienes en tus manos un producto impecable que desarrollaste con mucho esfuerzo, un concepto diferente o un hitazo entre las manos. Las nubes se abren para mostrarte aquella puerta celestial y estás listo para ascender a los terrenos más lejanos de los inmortales.... Hasta que un contrato te baja hasta el suelo.

La televisión y radio constantemente emite notas acerca de los problemas entre productores de obras musicales, teatrales, marcas, diseños.

En lo personal me causa mucha risa escuchar a los involucrados diciendo cosas como "así no era la cosa", "hay cosas que no debieron pasar" y algunas hasta agresivas como "me robó la idea", "confié en él". Pues la respuesta correcta es que no sólo fueron inocentes, sino hasta un poco confiados con la vida. Un abogado siempre se contrata cuando ya está todo perdido.

Por eso te damos una idea de cuando consultar a un abogado:

1.- Antes de formalizar una banda: Las bandas entran al ring del negocio con mucho entusiasmo, pero difícilmente han logrado acuerdos entre ellos. Debe existir alguien que tome las decisiones, o si el concepto incluye miembros adicionales, darles y asignarles sus derechos y obligaciones. Cuando se formaliza la banda cada miembro debe acudir a la negociación con un abogado para equilibrar el asunto. Si van a vivir unidos por un concepto, es igual que vivir unidos con una persona. Un acuerdo "prenupcial" es lo mejor para ustedes.

2.- Antes de firmar un managment: El mánager va a disponer de sus vidas totalmente. Pero vale la pena negociar cómo va a disponer de ellas y bajo que circunstancias. Muchos managment fracasan porque en la negociación no se especifican horarios y esquemas de trabajo que compensen desveladas y días de asueto. El abogado ayuda a establecer estos términos.

3.- Antes de firmar con una disquera: Las políticas de promoción, venta y distribución dependen del modelo que siga la disquera. El abogado debe negociar que partes están disponibles y cuales interesan a sus clientes. La confrontación aquí es crítica pero debe sacarse el mejor partido. La única manera de que tu abogado pueda hacer algo profesionalmente es que tenga un profesional que respaldar. Si no sabes música, secuenciación, herramientas digitales y quieres que se haga lo que tu talento dicta, busca un psicólogo primero.

4.- Ante de registrar obras y conceptos de diseño: El abogado podrá ayudar a debatir los acuerdos entre los miembros de la banda bajo ciertos conceptos. Supongamos que el bajista quiere ganar 2000 pesos por cada evento pero la banda sólo puede pagarle 1000. Entonces bajo un acuerdo parte de las ganancias adicionales o créditos en concepto pueden ser negociables a mediano y largo plazo.

5.- Antes de firmar un sistema de distribución tradicional o digital: Estos acuerdos incluyen pago de regalías y distribución de porcentajes en conceptos tan absurdos como la comida de los promotores. Esos costos se descuentan del pago en descargas y uso de marcas como iTunes para difusión de productos. El abogado prevalecerá sobre todo, la propiedad de los derechos que son más valiosos que los $ 0.99 centavos que cuesta tu canción.

Conclusión

Seguramente te has doblado un pie caminando en la calle. Ahora imagínate que en ese momento se rompe el piso y te fracturas hasta la cadera imposibilitándote de por vida para caminar. Antes de demandar al Estado por esta situación, déjame decirte en que te ayudaría el abogado. 

El abogado te diría que NO CAMINARAS por esa calle en mal estado. El abogado te diría que si decides transitarla NO LA CAMINES DE NOCHE y que utilices CALZADO ADECUADO para hacerlo. Todo el terreno en nuestra industria está minado. Si decides recorrerlo por tu cuenta, es como adivinar donde está la mina con los pies descalzos.. Un saludo a mis amigos abogados...

Rafael Mendoza produce y cree que los abogados no son tan malos como los pintan..

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Ventajas de un buen monitoreo en vivo

Uno de los problemas más comunes en sonorización es el sistema de monitoreo. Muchos grupos agregan a su promoción la leyenda "contamos con equipo profesional". Pero la falla más común y donde esta leyenda queda muy lejos de la realidad es el monitoreo.

Invertir en un sistema de monitoreo ofrece ventajas incomparables. A mi parecer, es más importante la calidad de este sistema que el mismo P.A. Veamos porqué:

1.- Permite a los músicos tocar mejor rítmicamente: Cuando la base rítmica está preocupada por no salirse del tema, deja mucho trabajo de peso a las voces para compensarlo. Es así que tenemos músicos esforzando sus talentos para sacar mejor provecho. Un grupo "poderoso" en realidad es aquel que rítmicamente está bien enlazado.

2.- Le dice al músico donde están dentro del tema: Una de las fallas más comunes es precisamente este. Aunque me atrevo a decir que un buen músico puede identificar esta parte por sí mismo. Es mucho más útil cuando existen varios elementos en el escenario. Aquí es crítico el monitoreo. Coros, estudiantinas, rondallas. Monitoreo es la clave

3.- Beneficia la afinación general: Se dice que los cantantes sacan mejor partido de un buen monitoreo, pero los guitarristas y bajistas no son la excepción. Un buen monitoreo ayudará a identificar fallas de tono generales. Las secciones de cuerdas también se colocan en sus rangos cuando su monitoreo es bueno.

4.- Ayuda al baterista a tener un mejor beat: Sin click o con él, nuestro baterista podrá sentirse más seguro tocando sobre el groove.

Pero no todo acaba aquí. El éxito del monitoreo no depende del ingeniero solamente, sino de la participación en equipo de los músicos.

Para tener monitoreo, se deben aplicar los criterios siguientes para su operación:

A) Concientizarse sobre el número de monitores disponibles: Ponerse div@ por no tener su monitor propio sólo habla de la falta de profesionalismo. Aunque voces tienen prioridad, deberán negociar niveles con guitarristas y coros adicionales. Es un trabajo en equipo.

B) Niveles de monitoreo estándar: Todos queremos escuchar bien, pero si crees que el monitoreo no es suficiente, busca una alternativa. Lleva contigo un preamplificador de audífonos o una mixer pequeña. Tendrás un control sobre tu mezcla y librarás al ingeniero de una pesadilla.

C) Consume el monitoreo que necesitas: Muchas veces el cantante desea estar en todos los monitores para moverse libremente en el escenario. A veces no es posible este sistema de monitoreo. Entonces, no cantes los falsetes lejos del monitor que te permite escucharte. Lo mismo aplica para guitarristas y solistas.

D) Invierte en una consola de monitoreo: Cuando pones la palabra "profesional" en tu propaganda, entonces debes tener una consola de monitoreo disponible. Usar los 4 envíos de tu mixer puede darte una función básica y debes aprovecharla al máximo. Pero una consola profesional te dará mucho más placer para interpretar en vivo

Conclusión

El monitoreo es parte importante de los eventos. A veces es mejor pedir un sistema de monitoreo decente que cantidad de bocinas en P.A. La energía que brota de un grupo bien monitoreado ayuda a que el P.A trabaje menos y se escuche mejor. Los niveles son más estables y el ambiente se prende.
Aún con equipo modesto es preferible un buen monitoreo a cantidad de bocinas. Inténtalo en tus ensayos y si te sirve, aplícalo en tu forma de trabajo.

Rafael Mendoza sonoriza cuando los planetas se alinean. 

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5 razones para fallar como artista independiente..

Muchas de las razones por las que se falla como artista independiente, tienen diferentes implicaciones.
En México, pocos músicos o artistas consiguen establecerse como una opción viable para disqueras o empresarios simplemente porque tienen ensamblado un plan de trabajo.

Muchas veces se quejan de que artistas como Belinda, Jenny Rivera o La Banda Limón posean mejor éxito que muchas bandas que llevan 15 años en el espectáculo y tal vez con mejores letras, música o performance.

Si tienen todo para triunfar (aparentemente), entonces... ¿porqué fallan como artistas independientes?.

Aquí 5 razones para tomar en cuenta. Estas razones aplican a cualquier proyecto en Audio Producción, sustituyendo los elementos clave.

1.- Falta de estudio del mercado musical: Un artista es un proveedor de servicios. Nada se le regala y todo lo compra. Su guitarra, su batería, su teclado. Todo esto tiene un costo que se debe ver reflejado en su trabajo. Pero la gran mayoría de los artistas que inician y muchos otros que están viviendo de los eventos versátiles, caen en su zona de comfort, no deseando saber sobre el mercado de la música.

No necesitas ser erudito para comprender porqué el mercado digital se ha levantado los últimos años. Pero hacer a un lado esta información es como mantenerse ciego en un juego donde muchos corren y puedes salir atropellado.

2.- No tomarse en serio la etapa creativa (escribir y componer): Muchos artistas piensan que sus temas no necesitan tanto relajo como un tema de Arjona para ser buenos. Pero aunque no lo quieran creer, Arjona y sus compositores deben tomar en cuenta muchos elementos para poder mantener un criterio de continuidad. Puedes escribir siempre de tu depresión, tu amor prohibido o hasta del color del cielo rosa. Pero de nada sirve si repites el mismo patrón y la misma temática. No habrá elementos para diferenciar.

3.- No tener originalidad y creatividad: Muchas bandas pasan horas enteras tratando de ser Metallica, Bruno Mars o Cristina Aguilera. Eso no sucederá nunca por muchas cuestiones. Cuando leo un anuncio en las tiendas de música como "Busco guitarrista con influencias de (escriba aquí las bandas necesarias) y que quiera hacer música como (escriba otro tanto), lo único que me dice ese proyecto es que está basado en realizar imitadores. Es como ver a los imitadores de Tatiana o Spiderman en una fiesta infantil. Una cosa es que tus influencias te empujen a hacer un grupo y otra que no seas capaz de sacar tus propias uñas para defenderte.

4.- No tener suficiente experiencia en vivo: Pasar horas aprendiéndote el solo de Creeping Death no asegura que alguien vaya a apreciarlo en vivo. Querer cantar como Withney Houston teniendo la voz de Paquita la Del Barrio tampoco es una opción. La imitación colabora mucho en este sentido porque te limita a espacios muy específicos como concursos o plazas donde todos te van a aplaudir nada más por estar participando. Consolidarse como artista implica exponerte no sólo a tu público sino a otros públicos muy diversos.

5.- Falta de profesionalismo: El más crítico de todos. Profesionalismo es tomar clases de tu instrumento, aprender música, renovarte en nuevas tecnologías, estar dado de alta en Hacienda, tener un contrato bien elaborado, planear tus salidas adecuadamente, negociar como profesional, tener una actitud laboral comprometida con tus tiempos y requerimientos, conocer tus límites y tus alcances. No es sólo vestirte como X o Y  para dar el gatazo. Conozco infinidad de artistas que hasta ponen en peligro sus vidas por seguir su "sueño". Es muy bonito y romántico haciéndola en bola.  No necesitas tocar en un Vive Latino para ser un profesional.

Conclusión

Trabajar con artistas no es sencillo, más cuando viven encerrados en la idea de que su material les hará hacer cosas superiores nada más con parecerse a otros artistas. Es como cuando inicias una mentira y después habrá que mentir mucho más para cubrir la primera. Evítate problemas, no dudo que seas el próximo Bruno Mars mexicano. Pero tu preparación llevará años aunque quieras hacerlo "fuera del estándar". Llegar no es problema, sino sostenerse.

Rafael Mendoza produce con enfoque de permanencia en Ad Libitum

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Top 10 de Criterios Mínimos para Producir

Cuando se produce, hay muchas cosas que parecen estar regidas por el universo y que se dan simplemente porque sí. Estos criterios nunca son escuchados y a veces nuestro subconciente los registra. En producción nada pasa por casualidad. Estos criterios van a sacarte de la zona de comfort, así que todavía estás a tiempo de evitarlos para no sufrir.

10.- Diferenciar entre un secuenciador y editor: Aunque no lo crean, mucha gente sigue pensando que Acid es una plataforma mala, porque no hace el trabajo de Reason para la música electrónica. Ninguna herramienta es mala, simplemente debe ser utilizada de acuerdo a las necesidades propias. ¿Nunca usarías Protools para quemar un CD o sí?

9.- Profesional es un apellido: Nada que ostente la leyenda "profesional" garantiza que lo sea. Sistemas como Protools que han tenido innumerables fallas ultimamente por su sistema de actualización lo confirma. Soporte técnico como el de Apple donde a ciertas preguntas del foro, nadie se aparece para dar ideas y dejan especular al cliente con una falla que no pueden solucionar.

8.- Computadoras milagrosas: El software se hizo para captar una "realidad". Cuando modificas lo grabado estás cambiando la realidad. Asegúrate de apoyar a un verdadero artista por su trabajo, no por el dinero que pagó para cambiar la realidad.

7.- Simplificar al máximo: Grabar 64 tracks porque sólo están ahí te puede desviar de un objetivo primario.

6.- Escuchar con los oídos y no con la vista: Es impactante mirar una forma de onda crearse frente a tí, o la forma en que se mueven los faders en la pantalla. Ninguna mezcla funciona con la vista.

5.- Aprende MIDI: Es la herramienta perfecta para experimentar, cambiar, ajustar y crear maquetas muy cercanas a la versión final. Su producción es menos costosa y ahorra horas hombre en producción.

4.- Internet es barato pero lento: Lanzar todo por internet te puede ayudar a distribuir material, pero nada garantiza que esa "inversión" regrese y sea una plataforma de lanzamiento. i'Carly promueve la idea de que se puede llegar lejísimos con una conexión a internet. Si te gusta i'Carly entonces ya tienes un grave problema.

3.- Potencializa tus límites, pero no exageres: En este mundo la palabra dinero hace las cosas realidad. Nos guste o no al ingresar a la producción hablamos de un concepto económico.
Tarde o temprano necesitarás gasolina para impulsarte.. o para tu camión por lo menos.

2.- Invierte en tu persona, no equipo: Tu eres el generador de tus ideas y quien las materializa, pero invertir 10,000 pesos en un vestuario y equipo que justifique tu falta de autoestima no es la solución. Antes de manejar una gira, pregúntate si eres capaz de manejar tu vida primero.

1.- Leer no te hace daño: Leer la novela para sacar inspiración es importante, pero si no lees sobre producción, no conoces tu segmento de mercado y no sabes de las disciplinas que se relacionan con tu entorno, entonces estarás fallando como PRODUCTOR. Un producto no dista en nada de lo que es comerciar con lechugas y jitomates. Que se realiza en otro sector no significa que debas ignorar el procedimiento por el cual tu trabajo tiene un costo.

Rafael Mendoza realiza producción en Ad Libitum

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¿Porqué gusta a los jóvenes la idea de Movimiento Alterado en México?

El fin de semana tuve la oportunidad de ver el documental "Narco Cultura" de Shaul Schwarz. Es evidente que el director nos muestra un contraste entre las ciudades de Ciudad Juárez y El Paso Texas.

Nos aborda las realidades paralelas y de cómo se ha utilizado al narco corrido como forma de identidad entre los jefes de zona. Los corridos cuentan sus victorias, penas y batallas. Sirven para cerrar los ajustes de cuentas y amedrentar a los contrarios.

Pero lo más interesante del documental es el mercado que se mueve alrededor de este fenómeno.

Movimiento alterado: Identidad o negocio

Dentro del modelo actual en audio producción, los trabajos por encargo han descendido drásticamente los últimos años. Producir temas nuevos y para artistas nuevos va acompañado de covers y versiones recientes de catálogos en recuperación.

Para los géneros norteño y banda (ahora norteño-banda), el segmento de mercado se ha abierto con un nuevo panorama. Las bandas e integrantes crean narco corridos como forma de subsistencia en estos tiempos. Se dejó de hablar de las bondades del campo, de las tragedias entre rivales, de la mujer infiel para pasar al destello de las armas, los diamantes, la represión del grupo contrario y la muerte.

La empresa nació en 2009 en Los Ángeles, California bajo la tutela de Adolfo y Omar Valenzuela. Los "Twins" como se les conoce en el medio, han trabajado al lado de Thalía, Paulina Rubio, Jenny Rivera, Tucanes de Tijuana entre otros.

La punta de lanza de esta propuesta llega con Alfredo Ríos "El Komander". Los hermanos Valenzuela, han comentado que piden permiso a los capos para poder lanzar ciertos temas, pues existen varios intérpretes que se centran o especializan en distintos cárteles.

La censura que ha vivido el sello discográfico Ladiscomusic, ha puesto las ventas a tope de este tipo de géneros al ser considerados "prohibidos" por el contenido de sus letras. Plenamente estamos hablando de una estrategia de marketing dirigida a un sector principalmente joven.

La forma de comercialización de este material está muy vinculado a una trans-culturización evidente. La forma en que son presentados carteles, fotografías, videos y la producción musical en conjunto es el secreto para insertarse en un mercado definido.

Viejas fórmulas, nuevo nicho de mercado.

El mercado target de Movimiento Alterado son los jóvenes. La influencia de la música americana en nuestro país rebasa por mucho a las formas tradicionales en ventas y promoción. Antes del Movimiento Alterado era notorio que reinaban 2 géneros entre los jóvenes; el Hip Hop y el Rock.

Para los estratos económicos más bajos, estos géneros se han convertido en estandarte e incluso generan conflictos culturales entre seguidores. Pero hablamos de música tradicionalmente escuchada en las zonas urbanas. 

La migración interna del país (de la provincia al D.F.), sirvió de vehículo para llevar estos géneros a las comunidades más remotas. No todos los jóvenes conseguían identificarse con estos nuevos géneros tan "modernos". Su realidad habla de otras situaciones más complejas en sus comunidades.

El Movimiento Alterado toma elementos comunes de estos géneros (la rebeldía, las letras explícitas y la agresividad de contenidos) y los deposita en un "envase" tradicional. 

Basta revisar los contenidos conceptuales en el arte para obtener referencias de grupos como Cannibal Corpse representadas en las letras, poses agresivas como las de las pandillas de Hip Hop y un diseño más agresivo en las portadas. 

Cuando este material llega a manos de los jóvenes, llega con una presentación y decoro similar al nuevo disco de Slipknot. Ya no hace falta "mascar" inglés para reflejar su posición ante la violencia que tiene en su comunidad. No tiene conceptos urbanos, no usa palabras que no comprende, es lenguaje coloquial y local. 

Lo adopta, porque el Corrido lleva años en sus venas y es mejor aceptado por los padres. El material encontró un nicho de mercado sin explotar.

Conclusión

Hay 3 enfoques para visualizar el concepto de Movimiento Alterado:

1.-  Estrategia de Mercado: El concepto encontró un nicho sin explotar, directo, digerible y el vehículo de venta son los géneros tradicionales mexicanos, el corrido, la banda y el norteño. Tomando en cuenta este elemento estamos hablando de un acierto mercadológico de grandes proporciones, bien enfocado y dirigido. Un acierto que no podría considerarse un atino de suerte

2.- Contenidos: Mucho se dice que este tipo de letras fomentan la violencia y estigmatizan al género como promotor de la desgracia nacional. Sin embargo, creo que canciones como "Fondo, Fondo", "Belleza de cantina", "Mi niña mujer", "La Batidora" o hasta "La Mayonesa" no son aportes muy apropiados para la cultura del mexicano. No quisiera decir que son "inofensivos" ante su propuesta directa, pero dista mucho de ser una razón única para las necesidades sociales del país.

3.- ¿Es cultura?: Sí, una cultura impuesta como cualquier otra propuesta venida del país del norte, forjada por mexicanos, aderezada con técnicas de mercado americano y puesta en manos de un mercado ávido de consumo. No importa si se llama Kiss, Metallica, Celine Dion, Lady Gaga, Justin Bieber, El Komander o Selena. El proceso de transculturización implica "conquistar" el gusto de un pueblo a cambio de la pérdida de identidad. En este caso hablamos del "remake" de una cultura con la visión americanizada que provee el poder del billete verde.

Sea como sea, inconformarse con esta tendencia ya es tarde. Y lo seguirá siendo mientras se siga castigando al país económica, política y culturalmente.

Rafael Mendoza ve documentales los domingos y produce en Ad Libitum Estudio

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Las 10 frases erróneas más comunes en vivo..

No todos nacimos para hablar y cuando se combina con la inexperiencia de estar sobre un escenario tendemos a cometer errores de "etiqueta" artística.

Seguramente has dicho alguna de las siguientes:

1.- "Tenemos dificultades técnicas": Cuando no se planea adecuadamente un evento y la sonorización que requiere hay situaciones previsibles y otras que salen de control en el momento. Si hay una falla eléctrica, es comprensible que no puedas operar. Pero tus habilidades para dialogar con el público aquí son indispensables. Procura llevar algo con que puedas intervenir unos minutos y dar tiempo a que se resuelva el problema. No culpes a tu ingeniero por ello, lo único que vas a conseguir es que te guarde rencor por querer quedar como la estrella afectada del show.

2.- "Ups, olvidé la letra": Nada como sacar de balance a una presentación y aparte se percibe como una falta de respeto a tu oficio. Si no puedes aprender todos los temas, lleva una línea de soporte y ubícala de forma discreta. No intentes cambiar el texto.. es peor.

3.- "Quiero agradecer a mi novi@...": En ese momento minimizas a tu público otorgándole a tu persona amada el crédito por tu aparecimiento y soporte. Es muy romántico pero muy impropio. Si realmente quieres hacer un comentario por ella, puedes hacerlo dirigiéndote como una persona individual. O espera al final del recital y agradece su asistencia sin agregar palabras melosas como "te quiero bebé". Si se molesta, entonces no está preparad@ para acompañarte en los eventos y será mejor que los dejes en casa para evitar problemas personales.

4.- "Lo siento": Nunca te disculpes por algo que hiciste incorrectamente en el escenario. Si algo falló continúa como si no hubiese sucedido. Tal vez lo noten solamente 4 personas, pero si mencionas estas dos palabras lo exhibirás en una marquesina.

5.- "Gracias por todo Aguascalientes..." (Cuando estás en Zacatecas) : Si no puedes recordar el nombre del lugar, salón, bar o nombre del cumpleañero, no intentes mencionarlo. Es mejor que hables en tono genérico como "estar en este lugar tan rockero es una gran experiencia" o "Felicidades amigo por esta ocasión tan especial".

6.- "Esta canción la escribí para mi abuela que murió hace 2 meses... Te quiero abue": Lo conseguiste, ahora has deprimido a tu audiencia. Levantarla el resto del evento te va a costar el doble o triple de lo que pensabas. Las canciones tristes son para reflexionarlas, no hacer sentir mal a la gente. Mucho menos cantes "Luces de Nueva York" en una boda.. créeme..lo he visto.

7.- "Me pasó qué..... y me siento de la )(%&%·... ": Común... pero no consigues nada abriendo tu corazón porque posiblemente a nadie le interese. Aparte que dejas en mal al resto de la banda como si fueran forzados a sacar un show donde no te sientes bien. Para eso está el psicólogo.

8.- "Ustedes apestan... hijos de la "=)·/$%/&·... ": Muy común a fin de integrar a la audiencia. No es la grosería sino el sentido. Si no te gusta que estén ahí, ¿entonces que haces en un escenario?

9.- "Pidan la que quieran": El clásico Hara Kiri musical. Toca tu set con entusiasmo y prepara 3 o 4 temas extras por si piden más. Si permites esto, no te ofendas cuando te pidan "La Puerta Negra".

10.- "Cómo suena... ¿Me escuchan?": Esto habla de tu inseguridad como intérprete y dependencia al equipo de sonido. Un artista puede realizar un performance sin siquiera un micrófono. No escucharte en el monitor y regañar al ingeniero simplemente habla de que no eres capaz de disfrutar tu evento. Siéntate al frente del escenario a cantar un tema sin equipo de sonido antes de cada presentación. Te unirá al escenario y te mostrará tus capacidades sin intervención divina de Shure.

Conclusión: Escuchar este tipo de frases habla de muchos detalles en la producción que debes corregir. No sólo con la imagen de la banda sino con el equipo técnico y sobre todo con la disciplina personal.
Entre más cuides tu presentación, mejores oportunidades de conseguir nuevos conciertos se abrirán.

Rafael Mendoza elimina frases erróneas de grabaciones en vivo

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