5 herramientas de lucha contra el Loudness War...

El Loudness War o Guerra del volumen, ha generado una preocupación global, principalmente seguida por organizaciones de salud, la comunidad de Ingenieros en Audio y usuarios finales.

Aunque la preocupación debería venir principalmente de disqueras, empresas de software y hardware, todo se ha visto limitado a ofrecer precauciones como la industria cigarrera. 

Pocas acciones se han derivado para combatir los criterios del Loudness War en la industria. Aquellos consolidados, no han podido encontrar una validación legal en sus países de origen. Sin embargo la lucha continua en todos los niveles.

No todo el panorama está oscurecido. Actualmente existen 5 iniciativas que podrían poner sobre la mesa una cura paulatina para el Loudness War.

1.- True Peak Meter: Esta unidad de Medida, se ha diseñado para reemplazar los medidores PPM, que despliegan picos de sampleo utilizando una técnica oversampling de 4x.  Esta técnica asegura que ningun pico inter-sampleo, exceda los 0dBFS en el proceso de codecs reductivos y convertidores de frecuencia de sampleo.

2.- Sistema K (KSystem): Propuesto por Bob Katz, integra una aproximación entre medición, monitoreo y prácticas de nivelación durante el mastering. Utiliza un "loudness" de referencia que especifica la ganancia requerida del monitor.  Utilizando escalas como K12, K14 y K20, cada uno se encarga de un estilo o género para masterizar. K12 se utiliza para medición en sistemas broadcast (Radio y TV), K14 para géneros comprimidos como el Pop, Rock y Dance y finalmente el K20 para sistemas de Audiófilos como jazz, clásico y 5.1 Surround.

3.- Medidor de Rango Dinámico TT y Database: La fundación Pleasurize Musica, desarrolló un software de código abierto para soportar el KSystem. El valor es presentado como un número unitario en decibeles, para representa de forma sencilla y estándar la compresión utilizada en la música. Los cálculos analizados por el software están disponibles para su revisión en su sitio http://dr.loudness-war.info/

4.- Plugins de Medición: Algunas empresas como Waves, colaboraron en su momento sobre el Loudness War con plugins como el L1. TC Electronics aportó el Finalizer. El llamado de la industria a estas empresas a comenzado a preocuparles y dentro de lo posible han desarrollado software de medición más preciso. Ahora, incorporan las medidas ITU-RBS.1770, que son estándares internacionales para broadcast. En Marzo de 2015, Izotope, anunció su nuevo software Loudness Control que ofrece una manera sencilla de crear altos estándares, adecuados a las necesidades de la industria. Algunos ejemplos de estos software son:

Ian Shepperd's Perception

Nuegen Audio Master Check y VisLM

Waves Audio WLM Plus y Dorrough Meter

TC Electronic LM6

5.- Educación, prevención y nuevos espacios de difusión: Varios sitios web y organizaciones han establecido una forma de cambio. generanro recursos de información y consejos.

Algunos son:

http://dr-loudness-war.info/

http://dynamicrangeday.co.uk

http://music-loudness.com

Conclusión

Desafortunadamente, el Loudness war aún sigue presente en la mayoría de los proyectos que escuchamos. Poco a poco, la industria ha ido dando oportunidad a las voces que claman preservar la música en el medio digital de forma intacta para alentar a nuevas generaciones en la búsqueda de la riqueza cultural que le acompaña. 

Ingenieros como Bob Katz, Ian Shepperd, Friedemann Tischmeyer, Dave Pensado, Alan Parsons entre muchos otros, han comenzado a levantar la voz en sus países. En México, aún estamos amarrados a las necesidades del público que pide más volumen como recompensa psicológica a fenómenos psico acústicos emocionales.

Aunque falta mucho por hacer, unificar los criterios y preocuparnos por la audiencia de nuestro trabajo, desarrollará generaciones más concientes sobre el nivel de presión sonora que desean para sus oídos.

Rafa Mendoza lucha contra el Loudness War en Ad Libitum

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Música por Streaming: ¿La ruta equivocada del Music Bussines?

Nielsen, la empresa encargada de realizar consultas especializadas en el Music Bussines, reveló algunos datos clave sobre consumo musical en Estados Unidos.

El estudio denominado "Music Bussines 360 2015" ofrece datos a considerar en relación a las ventajas y oportunidades dentro del canal de distribución por streaming.

El objetivo principal de este estudio, era analizar cómo se engancha y accede el consumidor promedio en USA sobre los servicios de Streaming disponibles.

Los datos podrían hacernos llegar a dos conclusiones básicas.:

1.- Que los servicios de streaming no son tan accesibles como parecen

2.- O que el enfoque de la industria está mal aplicado

Los datos duros...

La encuesta fue realizada dentro del mercado norteamericano, sin embargo, los hábitos de consumo en México son muy similares desde hace décadas. Hemos visto un repunte importante los últimos años con la llegada de grandes cadenas de tiendas y comida rápida. 

Recientemente, la llegada de Amazon al mercado mexicano, indica que estamos ante las condiciones ideales donde modelos de negocio extranjeros pueden generarse en México.

Aquí la gráfica revelada por Nielsen:

De acuerdo al estudio, el 78% de la población dice escuchar música online.

8 de cada 10 resuelven esta forma de acercamiento por el costo y facilidad de uso.

7 de cada 10, les atrae principalmente la cantidad de contenidos.

Cuando se les preguntó sobre las razones por las que no se suscribirían a un servicio de streaming, el 46% dijo que era demasiado caro, el 42% aceptó que podía usar servicios y descargas gratuitos y finalmente el 38% afirmó que no utilizaría el servicio de forma contínua.

La pregunta más significativa pone en aprietos al sector... ¿Le gustaría pagar por un servicio de streaming dentro de los siguientes 6 meses?... El 9% indicó que lo haría, el 13% que podría ser y el 78 % restante dijo que era una posibilidad muy remota.

El atasco de la industria

La reciente guerra del streaming ha creado debates sobre los nichos y niveles de mercado que debe abarcar este servicio. Se ha propuesto inclusive que servicios como Tidal, estarían enfocados a la élite de consumidores, dejando la impresión que todo servicio de 9.99 dólares, sería un estándar aplicable.

Sin embargo, cuando se le pregunta a la gente cuál es el precio preferible, se pronuncian por un costo de entre 3.99 y 4.99 dólares por un servicio mensual.

Desde la llegada de Napster, la generación actual de consumidores promedio entiende que la música tiene muy poco o casi nada de valor, gracias a la práctica común de descargar gratuitamente.

Sin embargo, decir que la población en general no puede pagar más de eso, también es un enfoque erróneo que ha cometido la industria.

Un ejemplo claro de ello es Starbucks. Los índices de venta de esta compañía hacen posible que un café promedio cueste en promedio de  6 a 8 dólares por consumo. Existen clientes que repiten 2 o 3 veces al día. ¿Cómo es esto posible cuando una canción por suscripción en promedio puede costar centavos?

Conclusión

Durante el lanzamiento de Apple Music, Taylor Swift pedía un pago justo para los músicos a través de los servicios de streaming. 

Pero las políticas de todos estos servicios se integran enfocados en un precio estandarizado bajo el argumento de proveerlo así, en beneficio del consumidor.

El gran problema radica en que el mismo consumidor, no está interesado en pagar por el servicio, como indica la estadística.

Si los servicios de streaming no incrementan su tasa de conversión y sostenimiento de servicio por parte del cliente, estaríamos ante la posibilidad de un error grave en el modelo de distribución.

Aunque Apple Music ha intentado compensar el costo, agregando servicios como la radio y Connect, cambiar el modo de pensar en un consumidor no es algo tan sencillo.

La cantidad de riesgo para este sistema de distribución es alto y tal vez por ello, los márgenes de regalías son tan bajos en estos servicios. Parece justo desde esta perspectiva, sin embargo, al mismo tiempo pone en desventaja al músico, pues sus márgenes de rentabilidad no están garantizados.

Habrá que ver como gira la industria los próximos años, puesto que el vinil presenta un repunte y la tendencia a crecer los mercados del merchandising alrededor del artista parecen más viables.

No hemos visto todavía la consolidación de los servicios streaming...

Rafa Mendoza escucha música por streaming

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La cruzada holofónica de Hugo Zuccarelli...

Escribir sobre Hugo Zuccarelli implicaría dedicar un blog entero. Pocos personajes involucrados de forma directa en el Music Business, pueden presumir de inventar una técnica de grabación y todavía menos pueden hablar del desarrollo de cinco tecnologías igual de sorprendentes en 40 años de trabajo.

Inventar la holofonía requirió de una agudeza mental y visión adelantada a su tiempo. A fines de los 70's, la industria electrónica y musical se encontraban en su mayor apogeo. Es la época en que una juventud más conciente y participativa se genera en América Latina. Y en medio de todo ese movimiento global, Hugo Zuccarelli tuvo un sueño.

Buscando el contacto...

Conseguir hablar con el Maestro Zuccarelli supuso una búsqueda que duraría poco más de un año. 

Uno de los primeros programas de Control Room, fue dedicado a la holofonía, principalmente porque The Final Cut es para mí la obra cumbre de Pink Floyd.

Más allá del Dark Side of The Moon, consolidado como un éxito comercial, The Final Cut cierra victorioso el mensaje anti bélico escondido entre las notas de The Wall.

Siempre me sorprendió el diseño de sonido de este disco, particularmente la combinación perfecta y profundidad sonora que incluían los efectos de sonido.

Hablar de la Holofonía en el programa despertó una necesidad de buscar al inventor de la técnica y obtener una entrevista.

Una búsqueda de casi 8 meses nos enlazó con el inventor de la holofonía por recomendación. Desde entonces pudimos compartir impresiones sobre temas del Music Business, el sistema holofónico y la cruzada personal para validar la holofonía ante un mercado adicto al consumo.

Después de algunas charlas via chat, le pregunté si podría concedernos una entrevista para el programa, aceptando gustoso, motivado de hablar para el público mexicano y global gracias al internet.

La entrevista que se volvió charla...

¿Cómo entrevistar a un inventor que tiene entre sus manos 5 tecnologías aplicables, tangibles y a la misma vez incómodos para las industrias que les corresponden?

Hicimos un cuestionario de 14 preguntas de las cuales sólo formulamos la primera... Las otras 13 fueron contestadas en el transcurso de su charla... 

La entrevista no ahonda en la parte técnica de la holofonía, aunque si explica su fundamento base detalladamente. 

Durante 2 horas pudimos escuchar al combatiente más incómodo de algunas industrias hablar del bloqueo, sesgo y olvido por parte de aquellos que quisieron devorar a su invento, pero que no pudieron doblegar la visión de Hugo por hacerlo accesible a la humanidad.

El testimonio que nos obsequia, es un recuento profundo de su vida e historia. Existen artículos, videos y podcast donde habla del desencanto de trabajar para Pink Floyd. 40,000 libras y un año de trabajo que quedó bloqueado por su contenido antibélico. 

Paul McCartney intentó "copiar" su tecnología en los años 80 y el karma cobró su parte al ex-Beatle. 

Fallidas incursiones con Michael Jackson, Jethro Tull le generaron enemistades que pusieron en riesgo su vida. En nuestro Podcast de Holofonía (escúchalo aquí) integramos estas revelaciones.

Hicimos preguntas sobre ello y obtuvimos nuevas respuestas. Al final, le pedimos un mensaje para las nuevas generaciones. Hugo está conectado al mundo en sus bellezas, alegrías y tristezas. 

Poco antes de partir a su siguiente compromiso, extendió su mensaje a las nuevas generaciones y se apropió del momento para compartir su visión sobre lo que este mundo ha dejado de lado y cuyas consecuencias vivimos en el día a día.

Mañana, cuando reproduzcas nuestro programa, te garantizo que estarás viviendo la experiencia de compartir con uno de los personajes más enigmáticos de la historia en audio producción. 

Es una charla instruccional sobre ética profesional, las enfermedades crónicas de la industria y el diálogo interno para aportar como miembros del mundo a un cambio global.

Lo único que hizo falta irónicamente, es haber podido captar esta entrevista holofónicamente para preservar en un plano tridimensional, las palabras de Hugo Zuccarelli...

Rafa Mendoza escucha holofonía en Ad Libitum

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8 actitudes imperdonables para el cantante profesional contemporáneo...

Hace poco hicimos un post sobre las consideraciones el bajista en estudio, uno de los post más visitados de nuestro blog.

Nos llegaron una serie de preguntas acerca del cantante y si existían parámetros mínimos para su desarrollo en la producción musical.

Existe un gran debate sobre las responsabilidades y criterios en cada uno de los géneros. Ingresar al Music Business requiere de una preparación constante y específica. 

No quiero encasillar a nadie porque independientemente del género musical que interpreten, varían unos pocos elementos que son totalmente indeseables e imperdonables en estos tiempos.

Algunos géneros se sostienen gracias a que existen personas impulsándolos y se puede comprender muchos aspectos culturales, de interpretación, contenido y técnica.

Pero cuando alguien llega al estudio o el evento en busca de un lugar digno dentro del Music Business (muy comercial), entonces la cosa cambia drásticamente...

Aquí las 8 cosas imperdonables para el cantante contemporáneo que quiere triunfar en el Music Business:

1.- Llegar al evento con ropa inadeacuada: Literal... Los caballeros a veces llegan con pants, bermudas, lentes de sol y sandalias.. Las damas sin maquillaje básico y cargando media docena de bolsas con accesorios para elegir de noche. El cantante es la imagen completa del grupo (lo siento por el resto, pero es así), por ello deben cuidar su imagen desde el primer contacto. 

2.- No tomar clases de música: El "sentimiento" es un 10 % de toda una interpretación musical. La técnica, disciplina y conocimiento musical, son esenciales para desarrollar una interpretación impecable. Sea el género que sea, ya no hay pretexto para no saber música a un nivel intermedio como mínimo.

3.- No tomar vocal coaching: "Nada más que me diga como respirar pa' aguantar mejor"... Si me dieran un bombón de chocolate por cada expresión similar que he escuchado en mi experiencia, ya tendría niveles mortales de azúcar en la sangre... No es si quieres... ¡Tu voz es tú responsabilidad!... ¡De eso vives!...

4.- Pedir equipo cuando falta voz: Conozco cantantes que literalmente se sienten abandonados sin un delay, un reberv o compresión... ¡Se sienten desnudos!... La voz natural y bien entrenada sabe aprovechar muy bien los elementos del entorno que le rodea, independientemente del micrófono, compresor y procesador que lleve...

5.- No comprar equipo para su ensayo personal: Todo cantante debe tener en su casa un teclado, un monitor de piso, un micrófono, un procesador y un reproductor de sonido... El estéreo de la casa no sirve para una rutina de calentamiento... ¡Conectar el smartphone a la televisión tampoco funciona ni con Karaoke!

6.- Pedir el Autotune antes de grabar: La expresión para esto sería "Curarse el dedo antes de cortarse"... El Autotune es una herramienta de soporte.. No una meta del estudio... Si no te sientes cómodo con lo que estás cantando, revisa la tonalidad, la melodía, la armonía.. ¿Es más fácil no?.. Repita el punto 2 y 3...

7.- Entrar a la cabina de grabación sin calentar: Típico.. el percusionista está terminando la percusión menor y en 1 hora el cantante empieza a grabar su voz... ¿Y que hace?... Cómodamente sentado en el sillón del estudio, chatea interminablemente o da vueltas sacando "selfies" para subirlas a su cuenta personal.... ¿No necesitamos recordarte que estás pagando por hora verdad?

8.- Beber alcohol para abrir la garganta: Uno de los mitos más comunes en México es "echarse un tequilita para que abra la voz"... Hay cientos de razones para no hacerlo.. La principal es que el tequila o cualquier bebida con alcohol, produce diversas reacciones en el tracto digestivo y la mucosa natural de la garganta... No hay evidencia sonora de que un pegue de alcohol mejore la capacidad de cantar... Déjalo para la celebración al final de la grabación

Conclusión

Amigo cantante... La banda te necesita íntegro porque eres el mensajero clave... La mayoría de las miradas están sobre ti... No basta con presentar una actitud recta ante el espectador... Debes manejarte correctamente en todas las circunstancias posibles.. En casa.. en el evento.. el ensayo...

Va dedicado este post a quienes a pesar de la crítica, se sientan todos los días a mejorar su técnica unas 2 horas diarias ... A quien investiga y consulta con profesionales de la voz como puede cuidar mejor su instrumento musical... Para quien el ego representa un demonio que puede controlar y cuya personalidad, humildad y nobleza es más grande que su propia técnica de canto... 

Para los que felizmente nos hemos topado con alguno de ellos, la sonrisa después de escucharlos cantar es imborrable...

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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Secretaría de Cultura: El show debe continuar...

El pasado 1ero de Septiembre, Enrique Peña Nieto anunció la creación de la nueva Secretaría de Cultura, en un pasaje de su Tercer Informe de Gobierno.

Un anuncio que vendría a generar todo tipo de reacciones políticas, artísticas, sociales y particularmente entre los diversos campos que abarca el término de "cultura".

La gran pregunta es: ¿Es la Secretaría de Cultura una necesidad? ¿Aportaría algo a la industria del Music Business en México?

La tradición política en México

Para la mayoría de los mexicanos, el anuncio de nuevas instituciones significa esperanzas y sueños de crecimiento. Dentro del sector cultural, siendo tan amplio concepto en un país que integra infinidad de expresiones culturales, el anuncio de una Secretaría suena a barco de salvación para unos y desaucio para otros.

En México, no podemos negar que existen élites sociales y también en los diversos sectores económicos del país.

Para algunos, la creación de una Secretaría de Cultura, serviría simplemente para extender las prácticas obsoletas de financiamiento vitalicio a ciertos sectores políticos y culturales.

Quedarte una beca de Conaculta ha quedado en la mira de los millones de artistas que habitan el territorio nacional y lo anhelan como el pago necesario para sobrevivir sus carreras.

La otra opción es entregar tu legado cultural a las empresas transnacionales que cuentan con recursos e infraestructura legal, económica y mercantil para explotar tus recursos culturales.

En el Music Business en México, se traduce en entregar el legado musical a las Majors, llevándose con ello los beneficios tan necesarios para los creativos mexicanos.

¿Entonces?... ¿No tiene sentido?

Tendría sentido una Secretaría de Cultura, si la demás infraestructura del Estado cumpliera cabalmente con sus responsabilidades inmediatas para las que fueron creadas.

Dentro del Music Business, hay instituciones clave que están fallando brutalmente en la administración, organización y difusión de sus objetivos.

El Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI), se dedica a perseguir revendedores de piratería musical y videogramas que las Majors le señalan, en vez de desarrollar campañas de prevención. 

No hay talleres o cursos enfocados a la protección intelectual accesibles, mucho menos enfocados a la materia de empresas culturales como disqueras, tianguis de discos, estudios de grabación o diseño gráfico.

Simplemente se ha convertido en el brazo ejecutor del Instituto Nacional del Derecho de Autor (INDAUTOR), que tampoco cuenta con programas de difusión y prevención de la protección intelectual en los sectores más vulnerables. 

Pertenece a la Secretaría de Educación Pública (SEP), en cuyos programas de estudio no existe referencia a la protección intelectual que debería ser incluída con muchos otros derechos ciudadanos que desconocemos hasta entrados en la Universidad.

Al mismo tiempo, la SEP no cuenta con procesos de certificación para campos fundamentales del audio producción como Ingeniería en Audio, Masterización, Producción Musical y Negocios del Music Business, delegándolo a las Universidades Privadas que simplemente complementan sus temarios de Comunicación, Diseño, Administración y Ciencias de las Artes con "embarraditas" sobre los modelos de negocios y estrategias en otros países no aplicables al caso mexicano.

Otras opciones son las escuelas comerciales que utilizan el sistema REVOE para validar los conocimientos adquiridos, muchas veces con carencias educativas sustituídas por tecnología que pocas veces está disponible en el campo de trabajo en México.

¿Qué tendría más sentido?

Una mejor opción a la Secretaría de Cultura, a mi parecer, es impulsar y establecer una Reforma Cultural. El artículo 4to Constitucional dice:

"Toda persona tiene derecho al acceso a la cultura y al disfrute de los bienes y servicios que presta el Estado en la materia, así como el ejercicio de sus derechos culturales. El Estado promoverá los medios para la difusión y desarrollo de la cultura, atendiendo a la diversidad cultural en todas sus manifestaciones y expresiones con pleno respeto a la libertad creativa. La ley establecerá los mecanismos para el acceso y participación a cualquier manifestación cultural."

Aunque representa una garantía de acceso, no implica una obligación particular del Estado a crear los mecanismos de gestión, organización, difusión y entrega de la cultura a los mexicanos.

Es decir, tenemos derecho a acceder a la cultura tal y cual la presta el Estado, más no obliga al Estado a asegurarla con un derecho de calidad y justa distribución.

CONACULTA es la institución encargada de organizar los bienes económicos y culturales en el país. Sin embargo, las cabeceras municipales, gobiernos estatales y comunidades individuales, dependen de sus propios programas para establecer casas de cultura, eventos culturales (que normalmente son utilizados con fines políticos) y que carecen totalmente de un plan de trabajo en gestión y administración cultural apropiados.

Una Reforma Cultural, obligaría al Estado a establecer los mecanismos de infraestructura y recursos adecuados para cumplir con las necesidades propias de cada comunidad independientemente de sus gobiernos locales.

Conclusión

Una Secretaría de Cultura, vendría a agregar principalmente trámites y organización de proyectos sobre un terreno abonado para el desastre. No existen mecanismos legales apropiados, no hay impulso a la propiedad intelectual, no hay presupuesto para crear los espacios adecuados o restaurar los actuales. Peor aún, no existe la industria cultural necesaria que permita tangibilizar los avances propuestos por una Secretaría de Cultura. 

La mejor opción es profundizar en los procesos de las Instituciones activas, optimizar sus procedimientos y recursos que sienten las bases para un florecimiento cultural adecuado.  Recientemente ha habido propuestas importantes en materia cultural, como la propuesta por el GRECU-UAM Xochimilco que encabeza el Mtro. Eduardo Cruz Vázquez. La propuesta para estos cambios en la legislación pueden consultarlos en la siguiente liga:  http://economiacultural.xoc.uam.mx/index.php/reforma

Es momento crucial para los actores culturales del país, comprender que la unidad va más allá de salir a las calles a exigir becas que nunca llegarán a sus manos. 

Cambiar la mentalidad cultural es un proceso difícil pero no imposible.

De otra forma, hasta la flor más bella se secará en el ambiente cultural tan hostil que vivimos en nuestros días.

Rafael Mendoza analiza el Music Business en México

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Derechos de Autor: El infame caso de Jammie Thomas-Rasset...

En una época donde artistas y disqueras, se han enfrascado en debates moralistas por el pago justo en servicios de descarga y streaming, sería demasiado pensar que descargar ilegalmente una canción podría llevarte a la banca rota. 

Cuando Taylor Swift habla de un justo pago para los artistas, me queda claro que sabe muy poco de lo que dice.

Tal vez para ti, Jammie Thomas-Rasset no signifique mucho.. aunque debería.

Jammie Thomas, actualmente de 37 años, es una madre de Brainerd Minnesota, madre de 3 hijos, es la primer persona llevada a juicio por descargar música ilegalmente. 

Su caso a permanecido con un bajo perfil en los principales sitios de noticias en USA y el mundo.

Capitol Records, es la disquera que ha litigado desde 2007 en busca de recuperar el costo y daños por 1,702 canciones descargadas a través de la red Kazaa.

El delito perseguido

La causa legal en contra de Jammie inicia el 21 de febrero de 2005, fecha en que supuestamente descargó y compartió cerca de 1,702 tracks en línea bajo el nick de "tereastarr". 

Los representantes legales de Capitol Records, hicieron llegar un requerimiento de pago por $5000 dólares a modo de compensación por tan sólo 24 temas. 

De acuerdo a las investigaciones, los requerimientos de pago se presentaron a otras personas en diversas partes del país, oscilando entre los 1200 y 6500 dólares por conceptos de distribución, reproducción y daños.

Thomas dijo que ella no manejaba la cuenta "tereastarr" y negó haber bajado los archivos. Durante el proceso, su abogado le sugirió que trabajaran una línea, donde la cuenta hubiese sido utilizada por otra persona.

El proceso inició sin evidencia, pues nunca se presentó algún dispositivo de almacenaje óptico o físico que demostrara la descarga y pertenencia de los archivos en su disco duro.

Las primeras cifras.

El juez que inició el caso, se declaró incompetente para llevar el jucio a cabo y lo liberó ante una corte donde la RIAA pudo aplicar una mayor ingerencia sobre el caso.

Para el 15 de junio de 2009, el caso se integró en una corte superior tomando el nombre final de Capitol Records Vs Thomas-Rasset.

La defensa de Jammie, puso sobre la mesa que nunca había sido notificada por ser investigada en su consumo de datos o conexión de internet, ni que hubiese cambiado o destruído el disco duro para eliminar la evidencia.

Capitol presentó detalles técnicos del folder Kazaa albergado en su computadora, ligado a su dirección IP y remitiéndose a sólo 24 canciones. Aunque también pidió emitir una alerta por las otras 1,678 canciones que habían sido registradas en su paso por la red.

La defensa presentó un registro de compras hechas por Jammie, que abarcaban cerca de 200 CD's originales, muchos de ellos con las canciones en disputa y que ella misma había ripeado a su computadora en formato WMA y no MP3 como se encontraba en el folder.

Se especuló que tal vez sus hijos o novio, habían instalado Kazaa en la computadora sin su conocimiento. Capitol dijo que no era posible culpar a otras personas puesto que la dirección IP asignada por su proveedor de internet estaba a su nombre.

El juez decidió poner un antecedente de la cifra que sugiriera el quejoso para cubrir los daños, pero nunca mencionó si debía manejar derechos de distribución o reproducción, o si debía considerar ambas.

Despues de unas 6 horas de juicio, la primera cifra condenatoria por daños ascendía a $ 1.92 millones de dólares. $80,000 dólares por canción.

La primer apelación y nueva cifra.

Se apeló esta cifra aduciendo que MediaSentry, la empresa de investigación que ofreció las pruebas para emitir las notificaciones, no tenía registros adecuados para ejecer investigaciones privadas e intervención de datos en redes.

La moción dió a lugar y se disminuyó la cifra hasta 25,000 dólares por canción, misma que Jammie rechazó porque no se había comprobado siquiera sus argumentos en la corte.

Un tercer juicio llegaría en Noviembre de 2010. El jurado fue instruido para determinar las cantidades del daño u considerar la conducta del acusado, su posible inocencia, la falta de respuesta a su notificación, sus conocimientos en derechos de autor, entre otras posibles interpretaciones.

El jurado se dejó llevar por la emoción del caso y sentenció pagar a Capitol Records, $62,500 dólares por canción, haciendo un total de $1.5 millones de dólares.

La segunda apelación definitiva.

En diciembre de 2011, una última apelación se abrió, basándose en que muy pocos americanos promedio conocen la legislación de derechos de autor. Por ello, realizar un cálculo tan detallado había rebasado los parámetros de daños hacia la disquera. 

En Marzo de 2012, se hizo un esfuerzo para simplificar el caso tomando en cuenta un jurado menos disciplinado y en una relación razonable con la causa del juicio.

En junio de 2012, se presentaron los argumentos finales ante 3 jueces que participaron conjuntamente para evaluar los detalles del caso.

Finalmente, el 11 de septiembre de 2012,  la Corte del distrito presentó la cifra final que Jammie debería pagar... $222,000 dólares.

Los abogados de Jammie, intentaron cambiar el efecto punitivo por fallas de la Cámara de Jueces, más la Suprema Corte lo rechazó.

Conclusión

En Marzo de 2013, Jammie Thomas-Rasset, madre de 3 hijos, se declaró en banca rota ante el estado debido a la cifra de $222,000 dólares a nombre de Capitol Records. La RIAA no había recibido pago alguno hasta Abril de 2015.

Ninguno de los 17 artistas "afectados" (Aerosmith, Bryan Adams, Def Leppard, Destiny's Child, Gloria Stefan, Goo Goo Dolls, Green Day, Guns N'Roses, Janet Jackson, Journey, Linkin Park, No Doubt, Reba McEntire, Richard Marx, Sara McLachlan, Sheryl Crow y Vanessa Williams) se ha pronunciado por el hecho. 

Posiblemente ni siquiera se hayan enterado que una de sus canciones, ha servido para llevar a la bancarrota a una mujer de 37 años en Minnesota. Y tal vez sea simplemente, porque bajo contrato, ni siquiera ellos podrían hacer algo por sí mismos.

En México estamos años luz de este tipo de gestiones. Pero que hay de los derechos de ejecución que ejercen los grupos musicales, los covers, las recopilaciones de éxitos, los "fusiles" y demás prácticas que son detectables como la payola. 

¿Qué pasaría si un día te detuviera un agente de la PGR, porque quiere la factura de tu servicio de descarga?

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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10 estrategias clave para mejorar los graves en la mezcla...

Uno de los problemas más comunes al mezclar es el control adecuado de los graves en una mezcla. Sea en vivo o en estudio, existen puntos básicos al considerar en la mezcla que pueden ayudarnos a mejorar este aspecto.

Antes de pasar a los 10 puntos, debo agregar que existen 3 elementos importantes a considerar en la mezcla de graves.

Para tener una mejor percepción de graves, un buen cuarto de monitoreo o sala son fundamentales. También hay herramientas clave como el compresor, el ecualizador y compresores multibanda. Por último y no menos importante, el arreglo musical entre los instrumentos de rango grave es crítico en estas situaciones.

Aunque algunas como el tipo de cuarto y equipo de monitoreo pueden ser críticas, el arreglo musical es la parte más controlable posible. Así que revisar el material previamente ayudará a simplificar enormemente el proceso de mezcla.

Iniciamos los 10 puntos claves para librar la batalla de los graves..

1.- Sonidos correctos para tracks correctos: Uno de los mayores problemas con bandas de rock, es el constante requerimiento y cambio de sonido general a partir de un sólo instrumento. Las baterías tienen un sonido limitado y homogeneizar el sonido del álbum es una práctica común. Elegir el bajo correcto y bombo adecuados para cada tema implica en algunos casos realizar técnicas de drum replacement y procesamiento con sintetizadores. Elegirlos en pre-producción es la clave.

2.- Las notas correctas para el instrumento correcto: La eterna batalla entre bajo y bombo pueden ser frustrantes durante la mezcla. En arreglos orquestales, las partes de contrabajo, cello y viola deben estar bien equilibrados para conseguir su propósito estético y técnico. En arreglos corales, los bajos y contraltos deben darse el espacio adecuado o cambiar su estética rítmica ayuda a colocarlos mejor en la mezcla. Las guitarras también pueden colaborar a ensuciar el rango del bajo. Elegir las notas adecuadas en presencia del bajo permite hacer más limpia la mezcla en los medios graves.

3.- Comprimir y limitar los instrumentos graves: Sin compresión, la interacción de la base rítmica queda floja en ciertos géneros. Algunas veces, se aplica una técnica de Daysi Chain entre bajo y bombo para conseguir cierto acompañamiento. Aquí la clave es no temer a que la compresión rompa la intensidad de la base rítmica. Puedes llevarte grandes sorpresas.

4.- Medios graves para aclarar, más que intensidad en los graves: Cuando los graves parecen desaparecer o se tornan un poco opacos, tendemos a subir volumen a los instrumentos. Lo mejor es retocar la zona de los 800hz a 2000 khz en el bajo y de 2 a 5 khz en el bombo. Si uno requiere demasiado realce (8 a 10 dB), entonces prueba bajando un poco el nivel de graves y compensa con un poco de volumen general sin retoque.

5.- ¿Adelgazar el bajo o el bombo?: La respuesta es simple... depende. Si tu género es totalmente rock, en lo personal creo que filtrar un poco los graves del bajo a partir de 100 o 120 puede ayudar. Si el bajo tiene efecto, entonces habrá que tomar en cuenta la profundidad que queremos en el bombo. Para géneros como el jazz, el bombo es un poco más sensible entre los 80 y 90 hz. También depende mucho del "toque" que aplique el baterista. Algunas percusiones como la conga grave o el timbal se benefician de un corte en los 100 hz, sobre todo si están acompañados de una batería. También atenuar entre 300 y 400 hz pueden volver al tambor más claro.

6.- Caminar en el cuarto al mezclar: Recuerda que las frecuencias graves requieren una distancia más amplia para reproducirse, por ello, permanecer sentado monitoreando te da una idea cercana. Usar audífonos te puede ayudar a generar claridad, pero no profundidad. Si estás sonorizando, intenta escuchar a una distancia prudente del P.A. Normalmente a la mitad del salón es un buen punto de arranque. Recuerda que la mezcla en sonorización es general. No hagas mucho caso del público presente que se ha sentado al final de salón y que se acerca cada 20 minutos a querer controlar tu mezcla. Su percepción está totalmente basada en su ubicación.

7.- Utiliza música de referencia: Puedes comprender mejor como estás escuchando el cuarto si llevas música de referencia. Preferentemente archivos de alta calidad sin compresión, pues el MP3 elimina subharmónicos clave. En sonorización, aparte de calibrar tu equipo con ruido rosa y blanco, prueba el rango adecuado de tus monitores y no esperes tener un excelente sonido si tu empleador no ofrece suficientes herramientas de control y compresión. Música de acuerdo al género puede servir, sin embargo, cada entorno se comporta diferente. La meta en sonorización es control de mezcla como prioridad. La parte creativa es la cereza del pastel.

8.- Escucha tu mezcla en diversos dispositivos: No mezcles graves para un aparato específico. La clave de compatibilidad en mezcla, es interpretar mejor que rangos de reproducción son más comunes en el género que estás mezclando. Por ejemplo, el mariachi tradicional no pedirá gran cantidad de graves. Sin embargo, la balada acompañada de mariachi como Alejandro Fernández, tenderá a tener un sonido más producido orientado a la balada. ¿Que tipo de equipos y usuarios escuchan este disco?
Y no hagas caras cuando tu cliente te dice que escuchó pocos graves en su celular chino con audífonos de 20 pesos.

9.- Elige un tema de referencia para cada tema que mezcles: Cuando hayas mezclado todo, compara tus tracks con los temas de referencia para obtener una mejor apreciación de tu objetivo. Encontrarás diferencias enormes, pero también aciertos en espectros diferentes. Anota aquello que te haya parecido que debe cambiar y sus posibles ajustes. Antes de hacer un ajuste profundo, guarda tu mezcla con un nombre secuencial. Por ejemplo "Días solitarios 2da mix vs referencia". De esta forma siempre podrás volver a la mezcla base.

10.- La compresión multibanda no es la solución para todo: Los compresores multibanda deben ser utilizados de forma discreta, pues modifican significativamente las dinámicas de la mezcla. Utilizarlas con criterio minimalista es una mejor forma de aprovecharlos. No todos los géneros se benefician de la compresión multibanda. Algunos géneros asientan mejor con compresión básica.

Conclusión

La batalla de los graves ha tenido un repunte los últimos años, paralela a la Loudness War. Caer en este gancho es muy sencillo. Quedar atrapado entre los 60 y 350 hz intensifica la necesidad de compensar agudos en tu mezcla. Otro elemento clave es que te des el tiempo suficiente y necesario para controlar tu mezcla de graves. No importa que dediques unas 5 o 6 horas en ello, el resto de la mezcla se simplificará si tienes este cuidado básico. En sonorización dependerás sobre todo de tu monitoreo y condiciones acústicas. Los graves son amigos que debes controlar para que no devoren la mezcla. Si tienes algún tip, compártelo para discutirlo.

Rafael Mendoza produce para Ad Libitum

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Tan solo 5 lecciones en Music Business de Pink Floyd

Hace 3 días, David Guilmour, líder final de la banda declaró a la revista británica Classic Rock que había sido suficiente de Pink Floyd. Los seguidores de la banda inmediatamente inundaron las redes sociales con mensajes de agradecimiento, respaldo, peticiones y nostalgia.

Pink Floyd es un referente para el Music Business que debe analizarse muy a fondo para comprender su éxito durante 48 años.

En una época donde la supervivencia tangible como artista promedia los 5 a 10 años, mantenerse vigente con un concepto lógico no es nada sencillo.

Su último disco "Endless River" se coló como uno de los 10 primeros en ventas en 2014. Las reacciones a la nostalgia de escuchar un poco de los últimos trabajos de Richard Wright con la banda colaboraron a especular el cierre del ciclo.

Hoy analizamos tan solo 5 lecciones clave, de muchas que Pink Floyd aportó a la industria del Music Business.

1.- Trabaja en un concepto: Para mí esta es la más simple. Existen por ahí álbumes que pasan a ser meramente paquetes de canciones acomodadas una tras de otra. Tienen un mercado definido y lamento decir que la gran mayoría responden a la exigencia del consumidor por un sonido. No hablo de géneros, sino particularmente conceptos que nacen "muertos". Son discos que escuchas una vez y no vuelves a tocar un solo tema en años. Dark Side of The Moon tiene en este momento 911 semanas (irónicamente por el número) en la lista Billboard 200 de todos los tiempos en el lugar 196. Seguramente subirá en unas semanas.

2.- La dirección creativa es la base del producto: Mucho se ha hablado de los cambios creativos en Pink Floyd. Barrett lo trajo a la vida y le dió su sonido seminal, intergaláctico y psicodélico. Waters demostró que un concepto creativo no se le presta a nadie aunque haya contratos de por medio. Las dictaduras en los proyectos creativos también abren muchas posibilidades. La era Guilmour abrió a Pink Floyd a influencia externa y recibió críticas profundas por ello. De hecho, esta era debió llamarse "Polly Samson". Al final, todas aportaron algo a desarrollar un concepto por más de 48 años. Los conceptos creativos son entes vivos.

3.- Elige bien a tus administradores: El escándalo de la Northon Warburg, donde la empresa desvió dinero de sus administrados, alcanzó a los miembros de la banda y los obligó al exilio. El disco The Wall sufrió muchos retrasos debido a los constantes movimientos para eludir la prisión mientras se hacían las defensas e investigaciones. Esto agregó mucha presión a Waters. De acuerdo a múltiples artículos y libros, significó una causa para el rompimiento de la banda. Las pérdidas de la gira The Wall, solo vinieron a empeorar la situación. Un agente externo puede terminar con una banda.

4.- Paga lo justo y hazlo legal: En noviembre de 2004, un grupo de ex alumnos de la escuela Islington Green, presentaron un recurso legal para cobrar regalías por su participación en el tema "Another Brick In The Wall Part II" del álbum The Wall. 

La escuela recibió 1,000 libras esterlinas y un disco de platino por su participación. Sin embargo, Peter Rowan, defensor de los quejosos alegó que el pago debería haber sido por una sociedad de derechos musicales y no Pink Floyd. 

En un inicio, EMI Music indicó que el pago debería ser de unas 200 libras para cada uno de ellos. Al parecer se llegó a un acuerdo entre la entidad de derechos contratada por EMI y el grupo de ex-alumnos para que no trascendiera a los tribunales. De haber sido así,  Guilmour y Mason, propietarios de la entidad Pink Floyd, hubieran tenido que pagar mucho más de un proyecto desarrollado por Waters. 

5.- Franquicia tu concepto: Aunque Pink Floyd lleva muchos años fuera de gira, existe un concepto australiano llamado The Pink Floyd Tribute Show, que prácticamente extiende la vigencia en vivo de la banda. El concepto maneja la era Guilmour durante la gira P.U.L.S.E y ha estado viajando alrededor del mundo con la venia y atenciones de Pink Floyd oficialmente. Waters tampoco ha dejado la oportunidad de extender The Wall como una franquicia. Con un documental por estrenar y una obra para Broadway, Waters ha especulado la idea de mantener a The Wall de gira permanente. Otros artistas ya están empezando a ver las ventajas de estos conceptos como Kiss, Iron Maiden, Metallica, los hermanos Jackson y Led Zepellin.

Conclusión

Con las declaraciones de Guilmour, se cierra activamente un ciclo de Pink Floyd, pero difícilmente veremos el final del concepto durante los próximos años. Aprender de la industria es fundamental para sobrellevar los nuevos retos del Music Business. Estamos hablando de un concepto que lleva 48 años en las primeras posiciones, 114.1 millones de ventas certificadas, 250 millones de copias estimadas y uno de los primeros 10 conceptos musicales con más influencia los últimos 60 años.

Guilmour se centrará en otros proyectos y mientras, la cortina de Pink Floyd seguirá arriba para recoger los frutos de su insistencia. Estas son unicamente 5 lecciones de muchas que la banda aportó al Music Business. Larga vida a Pink Floyd... está garantizada.

Rafael Mendoza escucha Pink Floyd en Ad Libitum

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Multiforo Alicia: ¿Centro cultural o negocio?

Escribir sobre la situación del Multiforo Alicia es complicado cuando se suman las palabras cultura y negocio. Si a esto sumamos las palabras "rock", "foro" y "jóvenes", entonces la combinación se vuelve explosiva.

La clausura del Multiforo Alicia, se ha manejado a mi parecer, con toda la intención mediática que representa incluir en una misma bandeja dos conceptos tan contrarios y polémicos en un país donde las oportunidades culturales son escasas y el descontento social a la alza.

Así que considero importante separar dos grandes aspectos para entender mejor la problemática que representa este caso en particular.

El rock como cultura

El estandarte principal que defiende al Multiforo Alicia es su tradición como "foro cultural". Sin embargo, el Multiforo Alicia inicia con un enfoque de negocio. Es inevitable ligarlo a este concepto, porque todo proyecto cultural necesita de esta parte para mantener su concepto a través de los años.

De ser así, el Multiforo Alicia viviría principalmente de las aportaciones que sus eventos culturales le permitieran, siendo totalmente autónomo de la participación gubernamental.  

Los precios de acceso a los eventos, varían desde los 70 hasta 150 pesos, dependiendo el número de artistas y conceptos que se presentan esa noche. Para el concierto presentación de Armando Palomas, el costo iniciaba en 150 pesos y 400 pesos incluyendo DVD y libro.

De acuerdo a estimaciones del mismo local, unas 90 personas pueden dar cabida a esta instalación en momentos pico. Hace falta tomar en cuenta la venta de agua, refrescos y cerveza al interior del lugar.

Como todo proyecto, requiere de hacer pagos por luz, predial, agua, servicios públicos, pago a personal. 

Entonces, tenemos que Multiforo Alicia, es un negocio cultural bajo el concepto de foro cultural. El impacto del rock hacia los jóvenes, es una consecuencia positiva de este esquema. 

Es lo devuelto a la sociedad a cambio de la participación de este foro en las actividades culturales que realiza.

No estoy diciendo que sea solamente negocio, sino que su estructura origen es ser un negocio rentable o por lo menos sustentable.

Las irregularidades de Protección Civil

Al ser un foro abierto al público y teniendo un uso de suelo tipo comercial avalado, el Multiforo Alicia debe responder directamente a las indicaciones de Protección Civil y sus recomendaciones ante cualquier eventualidad que se genera.

Sin llegar a ser alarmistas, la cultura de la prevención en México es casi nula. Ya hemos tenido desgracias suficientes para aceptar que las eventualidades de una desgracia no se pueden evitar. El Lobombo y hasta los conciertos improvisados por campañas políticas han dado cuenta de ello.

Recientemente, el caso del Hell & Heaven Metal Fest también trascendió por muchas líneas de investigación. Protección Civil hizo las recomendaciones pertinentes que no fueron cubiertas y se procedió a prohibir el evento ante estas causalidades.

La seguridad de los asistentes al foro debe estar plenamente garantizada. Hace unos meses presentamos una cotización a una importante órgano de gobierno para reestructurar el sistema de sonido de su auditorio. Nuestra cotización resultó ser mucho mayor a lo que esperaban, basados en presupuestos enviados por tiendas de la calle de Bolívar y Mesones en el Centro de la Ciudad.

La causa era sencilla. Cuando preguntamos a los actuales operarios las condiciones eléctricas del Auditorio, nos mostraron las líneas de cableado eléctrico parchado, deteriorado y mal organizado. 

De haber realizado una instalación directa sobre esta infraestructura, una serie de problemas se hubiera presentado tanto en lo técnico, como en cuestiones de seguridad. 

El ruido eléctrico hubiera inducido el sonido general, apagones frecuentes y en el peor de los casos, chispazos eléctricos bajo el escenario que ante la presencia de pintura acrílica, cortinas y un lugar semi cerrado, hubiese iniciado un problema mucho mayor.

Ante esta situación, el órgano de gobierno simplemente compró un par de bocinas externas y dejó el proyecto por la paz. Se trataba de un proyecto demasiado costoso para realizarlo y se aproximaban elecciones. Hasta este momento, los eventos más importantes utilizan equipo rentado. Tal vez eso alivie el problema inmediato, pero es claro que el problema de fondo jamás se resolverá.

De esta misma manera, considero que independientemente de la motivación política, económica, cultural o de identidad que se trate, las condiciones de seguridad, estructura y sobre todo administración, gestión y organización cultural que necesita el Multiforo Alicia, deben ser implementadas para que pueda anticiparse a estas irregularidades que lo han comprometido en los últimos días.

La defensa en redes sociales

Las redes sociales pueden ser grandes aliados en la defensa de espacios culturales de importante consideración como el Multiforo Alicia. Pero no servirá de mucho si continúa operando bajo condiciones poco favorables en su gestión cultural.

Me parece que la estrategia de utilizar a las redes sociales como defensa ante una multa es un movimiento poco inteligente por parte del Multiforo. Los likes y Tweets no pagan las multas, mucho menos los ajustes de infraestructura que esto conlleve. 

Ya se convirtió en un trending topic al que se han sumado varios artistas y eso habla muy bien de ellos como solidarios, pero la multa no se desvanecerá tan rápido.

Tampoco creo que le corresponda al público asiduo rescatar el foro, porque ellos ya colaboran con su asistencia, consumo y pago correspondiente de ingreso al local. 

Yo le asignaría esta tarea conjunta con los grandes nombres, que ya están colocados en los mercados comerciales como Zoé, Hello Seahorse, Caifanes, Babasónicos y otros tantos que se han presentado en este foro para restaurar un poco su identidad ante las críticas más duras por integrarse a las filas de las grandes disqueras comerciales.

Asimismo, han salido a la luz en diversos foros algunas irregularidades vinculadas a los servicios de producción que ofrece el foro a varias bandas por conceptos de derechos de autor, lo que complica la visión generalizada del problema y que debe analizarse por separado.

Conclusión

Finalmente, el Multiforo Alicia ofrece un espacio para la difusión de proyectos musicales independientes en la Capital del país. Ese aura de autenticidad que le rodea, le ha provisto de una credibilidad y estimación cultural importante. Sin embargo, una reestructura en torno a su manejo como una empresa cultural, va a protegerlo de embates políticos, gubernamentales e ideológicos que quieran romper con su desarrollo.

Desde el punto de vista en la gestión cultural, el rock es uno de los géneros más  atacado por las diversas instituciones en nuestro país. Y es precisamente por ello que debe eliminar aquellos pretextos que lo puedan señalar y que en este caso, se han visto reflejados en la clausura del Multiforo Alicia. 

Los embates continuarán siempre que exista. Preparar una estrategia como empresa cultural, le permitirá afrontar de forma inteligente una industria, una economía, un gobierno y una sociedad que ha cambiado radicalmente los últimos años.

Rafael Mendoza escribe para Ad Libitum

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Los archivos Sony en Wikileaks...

Wikileaks ha permitido como organización, abrir nuevas formas de interpretar nuestro mundo. El gran debate sobre si los métodos utilizados son ética, comercial y políticamente correctos, ha inducido a una gran parte de los investigadores a indagar profundamente en su plataforma.

A través de ello, en abril de este año, Wikileaks anunció que publicaría 30,000 y 170,000 correos electrónicos de Sony Pictures Corporation.

Gran parte de esos documentos se presume fueron sustraídos por el gobierno de Corea del Norte ante la presión política que la película "The Interview" traería para la firma en Noviembre de 2014.

¿Qué hay en ellos?

 

La mayoría de los documentos, son materiales especializados en cifras y estudios de mercado alrededor del mundo.

Datos de taquilla impresionantes en cifras reales como Spiderman 2 que recabó   

$ 140,046,538 de pesos en 4 días en México.

Capitán América se llevó 2 millones 411 mil 358 pesos en su primer semana de exhibición, además de datos demográficos de edad, sexo, composición de audiencia y rango de edad, que les permite tener la maquinaria bien aceitada.

¿Y la música?

Indagando entre los documentos, ha sido posible recuperar datos de latinoamérica y específicamente artistas latinos.

Datos sobre pagos de regalías a artistas nacionales y extranjeros, los discos más vendidos de su catálogo y grandes sorpresas sobre las preferencias latinas en mercados específicos, revelan que efectivamente, Sony conoce su mercado relacionado con la música en América Latina.

Los demás documentos integran contratos que revelan las condiciones operativas y legales utilizadas por el corporativo para el licenciamiento en América Latina, Televisión de Paga y descarga a través de plataformas como iTunes.

Conclusión

Conocer la maquinaria de la industria en el Music Business, permite navegarla de manera relativamente más completa. No se podría explicar el crecimiento y desarrollo de una empresa como Sony sin entender sus profundidades. 

Hemos revisado varios de estos documentos y pronto entregaremos un reporte especial sobre el mismo con detalles importantes sobre el Music Business.

Sony pagó muy caro la lección de confianza tras querer lanzar "The Interview". La libertad de expresión debería estar garantizada para cualquiera, pero la gran paradoja de este asunto es que Sony se manifestó vulnerada por la libertad de expresión en Wikilieaks.

Rafael Mendoza escribe para el Blog de Ad Libitum
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