Las 10 frases erróneas más comunes en vivo..

No todos nacimos para hablar y cuando se combina con la inexperiencia de estar sobre un escenario tendemos a cometer errores de "etiqueta" artística.

Seguramente has dicho alguna de las siguientes:

1.- "Tenemos dificultades técnicas": Cuando no se planea adecuadamente un evento y la sonorización que requiere hay situaciones previsibles y otras que salen de control en el momento. Si hay una falla eléctrica, es comprensible que no puedas operar. Pero tus habilidades para dialogar con el público aquí son indispensables. Procura llevar algo con que puedas intervenir unos minutos y dar tiempo a que se resuelva el problema. No culpes a tu ingeniero por ello, lo único que vas a conseguir es que te guarde rencor por querer quedar como la estrella afectada del show.

2.- "Ups, olvidé la letra": Nada como sacar de balance a una presentación y aparte se percibe como una falta de respeto a tu oficio. Si no puedes aprender todos los temas, lleva una línea de soporte y ubícala de forma discreta. No intentes cambiar el texto.. es peor.

3.- "Quiero agradecer a mi novi@...": En ese momento minimizas a tu público otorgándole a tu persona amada el crédito por tu aparecimiento y soporte. Es muy romántico pero muy impropio. Si realmente quieres hacer un comentario por ella, puedes hacerlo dirigiéndote como una persona individual. O espera al final del recital y agradece su asistencia sin agregar palabras melosas como "te quiero bebé". Si se molesta, entonces no está preparad@ para acompañarte en los eventos y será mejor que los dejes en casa para evitar problemas personales.

4.- "Lo siento": Nunca te disculpes por algo que hiciste incorrectamente en el escenario. Si algo falló continúa como si no hubiese sucedido. Tal vez lo noten solamente 4 personas, pero si mencionas estas dos palabras lo exhibirás en una marquesina.

5.- "Gracias por todo Aguascalientes..." (Cuando estás en Zacatecas) : Si no puedes recordar el nombre del lugar, salón, bar o nombre del cumpleañero, no intentes mencionarlo. Es mejor que hables en tono genérico como "estar en este lugar tan rockero es una gran experiencia" o "Felicidades amigo por esta ocasión tan especial".

6.- "Esta canción la escribí para mi abuela que murió hace 2 meses... Te quiero abue": Lo conseguiste, ahora has deprimido a tu audiencia. Levantarla el resto del evento te va a costar el doble o triple de lo que pensabas. Las canciones tristes son para reflexionarlas, no hacer sentir mal a la gente. Mucho menos cantes "Luces de Nueva York" en una boda.. créeme..lo he visto.

7.- "Me pasó qué..... y me siento de la )(%&%·... ": Común... pero no consigues nada abriendo tu corazón porque posiblemente a nadie le interese. Aparte que dejas en mal al resto de la banda como si fueran forzados a sacar un show donde no te sientes bien. Para eso está el psicólogo.

8.- "Ustedes apestan... hijos de la "=)·/$%/&·... ": Muy común a fin de integrar a la audiencia. No es la grosería sino el sentido. Si no te gusta que estén ahí, ¿entonces que haces en un escenario?

9.- "Pidan la que quieran": El clásico Hara Kiri musical. Toca tu set con entusiasmo y prepara 3 o 4 temas extras por si piden más. Si permites esto, no te ofendas cuando te pidan "La Puerta Negra".

10.- "Cómo suena... ¿Me escuchan?": Esto habla de tu inseguridad como intérprete y dependencia al equipo de sonido. Un artista puede realizar un performance sin siquiera un micrófono. No escucharte en el monitor y regañar al ingeniero simplemente habla de que no eres capaz de disfrutar tu evento. Siéntate al frente del escenario a cantar un tema sin equipo de sonido antes de cada presentación. Te unirá al escenario y te mostrará tus capacidades sin intervención divina de Shure.

Conclusión: Escuchar este tipo de frases habla de muchos detalles en la producción que debes corregir. No sólo con la imagen de la banda sino con el equipo técnico y sobre todo con la disciplina personal.
Entre más cuides tu presentación, mejores oportunidades de conseguir nuevos conciertos se abrirán.

Rafael Mendoza elimina frases erróneas de grabaciones en vivo

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

Mezcla con audífonos: ¿Buena o mala idea?

Ante los cambios del estudio de proyectos y las tecnologías portátiles, existe la idea que los audífonos sirven como una referencia total, pues cada vez hay más gente que interioriza su experiencia musical a través de reproductores personales.

Inclusive se ha posicionado la idea que permite un "cierre" más hermético contra los ruidos externos.

Sin embargo, hay consideraciones que debes tomar en cuenta para evitar usarlos como referencia.


1.- La fatiga auditiva se manifiesta de forma temprana puesto que no deberías utilizarlos más de 4 o 5 horas por salud.

2.- Aunque pueden sonar con una buena cantidad de graves, mucho se debe a la acústica producida entre tu oído y el audífono. Lo que lo convierte en una referencia poco confiable.

3.- Después de unos momentos, la fatiga auditiva te obliga a incrementar el volumen o bajarlo constantemente.


Esto no significa que los audífonos no puedan tener usos adecuados para mezclar.  Algunas ventajas de usarlos puede ser la edición a fondo, para remover clicks, cracks, pops o realizar edición muy profunda.

También ayudan a escuchar el release de una reverb o delay, revisar el paneo y la profundidad de instrumentos percusivos.

Tal vez te sirvan como buena referencia para un club o monitoreo en vivo, click o tracks de sincronía. Pero nunca debes pensar que el audífono te dará la nitidez de un par de monitores y oídos frescos.

Rafael Mendoza mezcla en Ad Libitum con y sin audífonos

Suscríbete, participa, danos like y g+ 

Leer Más...

Conciertos masivos: ¿Opción cultural para jóvenes?

La semana pasada, el Gobierno del Estado de México canceló el permiso para la realización del Heaven & Hell Metal Fest 2104, bajo la preocupación de fallas en la organización.

Inmediatamente, los asistentes, organizadores y Ayuntamiento de Texcoco solicitaron que se reconsiderara poder realizarlo como estaba previsto. Un enfrentamiento y descontento generalizado ha puesto en entredicho la autoridad local, estatal y federal, tachando el hecho como discriminatorio y como resultado de la corrupción. 

Uno de los argumentos iniciales de la Alcaldesa de Texcoco, Delfina Gómez Álvarez para revocar la desición, fue que se está privando los derechos a cultura y espacios para jóvenes.

¿Es realmente un concierto de rock masivo, una opción de cultura y entretenimiento?

Evento masivo, dinero efectivo

Cualquier evento que esté dirigido al sector que sea, que maneje grandes cantidades de publicidad, que requiera soporte de patrocinio e implique el cobro de un boleto para acceder al interior del espectáculo es un negocio.

Transportar un cable, una consola o todo un trailer de equipamiento de concierto implica costos económicos. Realizar la publicidad, vender el boleto en línea, tranportación de personal, artistas, hospedaje, seguridad, portabilidad, salud, alimentos y requerimientos de organización, administración y soporte durante el evento debe obtener una retribución económica.

Todo tiene sentido cuando el evento se realiza para promover, fomentar y proyectar la cultura general de la zona. Es una actividad que produce identidad, sensibilidad, apertura de ideas y cercanía social.

¿Traer a Kiss o Guns N' Roses es desarrollar cultura?

Evento internacional o importación de productos

Cuando se habla de nombres como Twisted Sister, Kiss, Korn, Guns N' Roses o Rob Zombie, estamos dando peso a producciones creadas fuera de nuestro país. Si bien se incluyen bandas mexicanas, se les acomoda en los foros más pequeños donde son seguidos o visitados por los muy fans. 

El concepto de "Headliners" debería invertirse en estos casos, pues si bien Gene Simmons invierte un dineral en el concepto de Kiss, no significa que la calidad musical, sonora o interpretativa sea realmente un estándar. 

En países europeos, los festivales musicales invitan artistas internacionales, sin embargo, el cierre y evento fuerte lo integra generalmente un artista local. El impulso y renombre internacionales siempre le viene bien a un Festival. Pero si se va a pagar cantidades importantes de dinero, debería enfocarse a enaltecer a los artistas locales.

Vive Latino, Feria del Caballo, Corona Capital y hasta el Festival Cervantino, utilizan la palabra internacional como apellido para pretextar el gasto económico en favor de crear espacios culturales "temporales" de 5 días, cuando a mi parecer sería mejor apostar ese mismo presupuesto al desarrollo interno de fuentes culturales. 

Está bien traer extranjeros, pero debe haber un equilibrio que proporcione un espacio más vital a los nacionales que los importados.

Intervención extranjera como moneda de cambio y presión "social"

Durante estos eventos, Dee Snider de Twisted Sister envió un video hablando del Heaven & Hell. Cantando una versión cover de "We're not gonna take it" , menciona que hay personas que no quieren dejar que se realize y menciona que no permitirán que lo hagan. Gene Simmons en su cuenta de Twitter avisa de que el evento que se realizará en el "Estadio de México" está en marcha y caminando. ¿Se debe permitir que personas extranjeras hablen de esta manera sobre las autoridades internas del país, simplemente porque son famosas por transculturización?

La "presión" artística para la realización del evento, tiene que ver más con decidir si cancelas o no un vuelo a México. Recordemos que Dee Snider vendió los derechos de la canción para que el grupo "Moderatto" lo utilizara en una campaña "anticorrupcción" hace unos años. 

Vender el derecho de este tema fue tomado por sus seguidores como una necesidad económica severa.  Sea bueno o no, las leyes aplicadas al Festival han existido desde antes de su creación para verificar que no ocurran incidentes graves.  

Una incipiente marcha realizada el fin de semana a favor de la sede, terminó en desencanto ante el apoyo creado en redes sociales. Y es que hacer revolución en este sentido, requiere más pensamiento profundo que cartulinas y gritos de apoyo. Tal vez las "Chapomarchas" han tenido más éxito en ese sentido.

Ahora, se trata de ver quien quiere embolsarse un dinero adicional, a cambio de retar a la Secretaría de Gobernación o las recomendaciones de Protección Civil.

Conclusión

De nada sirve realizar Festivales masivos si no se promueven las propuestas locales, estatales y nacionales fuera del ámbito comercial. 

Importar bandas para festivales, produce una visión pobre de las posibilidades musicales que existen en el país. 

Las empresas utilizan la palabra "inversión" para definir la importación de producciones al país. En realidad se convierte en un "gasto innescesario". Es como comprar paquetes de McDonalds cuando se tiene comida en casa.

Para el Ayuntamiento, el argumento de que habrá una "derrama" económica en la zona, sólo se enfoca a los hoteles, restaurantes y zonas de alimentos en la zona. Pero esta propuesta en nada mejora la economía de la zona porque se vuelve temporal. 

El mercado cultural-local queda destruido similar a cuando un WalMart llega a la ciudad, o un Oxxo acaba con las tienditas de la zona. Se llama economía global y no importa que devore las oportunidades culturales a cambio de algunos millones de pesos. 

Después de este evento, los proyectos turísticos y esquemas culturales se vendrán abajo como pasa con cualquier gobierno que lo represente. Las casas de cultura seguirán sin programas y sustento al desarrollo creativo y cultural.

En México, ni el PRI, ni PAN, ni PRD, ni PT, ni cualquier otro por venir o por nacer, se centrará en el desarrollo de un plan económico cultural a corto, mediano y largo plazo.

Los organizadores del Festival, están estirando la posibilidad de cumplir ya no con un evento de calidad, sino sus compromisos con patrocinadores que deben justificar los miles de banderines, calcomanías, curiosidades y recuerditos que llevarían al evento. 

La mayoría de estos patrocinios ni siquiera son pagados por las empresas que lo ofrecen, pues sangran al proveedor con millones de plumas rotuladas pagaderas a 90, 120 y a veces hasta 365 días.

Es notorio que para la mayoría de la gente que solicita se realice el Festival, lo importante es juntarse, beber cerveza y escuchar metal o sus bandas como sea posible. Aunque haya que pagar por entrar 950 pesos, 800 por acampar, 70 pesos por una cerveza y sin contar los costos de 25 pesos o más el taco de canasta más económico que encuentren en la zona. 

Para mí está claro que usar la bandera de la "unidad metalera" en pro de que se realice, ni siquiera tiene que ver con la música, espacios culturales para jóvenes o promoción turística.

Y luego preguntamos...¿Porqué nos pasa esto?...

Rafael Mendoza, es músico, metalero, fan de Kiss y hace audio producción en Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

Hell & Heaven Metal Fest: Manzana de la discordia

La cancelación del Hell & Heaven Metal Fest hizo brotar muchas teorías y causó gran pánico en las redes sociales desde un principio.

Los festivales en México han avanzado mucho desde los años 90 cuando inicia la serie de conciertos masivos.

Aunque el Festival ya se había realizado en Guadalajara, cambiar de sede de buenas a primeras puede asustar a mucha gente.

Seguí con fervor los acontecimientos de ayer porque desde un principio consideré que el criterio se centrara en la preocupación real sobre el problema de fondo. Todo acabó en una cancelación que dejó no solo malestar entre los posibles asistentes, sino una imagen poco profesional de la situación, tanto para los gobiernos involucrados como para los organizadores.

Habitantes y costumbres

El aviso por parte del Ayuntamiento de Texcoco en octubre del año pasado, pasó por alto los múltiples reclamos de los habitantes ante este tipo de eventos. No ocurre solamente con un festival metalero, muchos se han inconformado por la Feria del Caballo y eventos adicionales que tradicionalmente se realizan en la zona.

Los habitantes son parte fundamental en la designación de una sede, porque no puedes coptar sus derechos y garantías individuales para realizar un evento de este tipo. Para ello están asignados lugares específicos del espectáculo. Los bailes y fiestas tradicionales rompen con este esquema porque no es lo mismo atender las necesidades de un "santo patrono" que de un evento de rock masivo.  Este ya es un problema para resolver lo del Hell&Heaven.

Organización desorganizada

El festival a mi parecer se fue armando sobre la marcha. No se tenían "Headliners" hasta Noviembre de 2013. En diciembre se confirmaron a Kiss y Guns N' Roses. Tal vez a modo de estrategia publicitaria decidieron reservarlos, sin embargo, si emites una resolución para un evento masivo y destapas a los principales al final sin avisar a las autoridades, es seguro que tendrás un problema.

La infraestructura necesaria en cuanto a planeación y equipo puede estar bien cubierta, pero no puedes dejar que algo tan básico como la ubicación de extintores y salidas de emergencia se puedan prever hasta el final.

En Youtube se pueden encontrar videos sobre tragedias donde ni siquiera la gente interviene en la caída de un andamiaje o escenario. Siempre debes planear bajo el criterio extremo de lo que pueda pasar. No puedes dejar espacio para la falla más grave.

El manejo de la información por parte de los organizadores se sumó al caos, sobre todo porque buscó apoyo en redes sociales para detener la cancelación. Nunca hubo siquiera un boletín que mencionara un posible plan B, una carta de intención. Desafortunadamente se sumaron al juego de la protesta y eso los dañó severamente para recuperar una oportunidad de negociación.

La policía de Texcoco y las fuerzas de protección civil municipales evaluaron y entregaron las autorizaciones locales, pero nunca se otorgó la estatal y federal. Obvio que si no te preocupas por garantizar primero esos permisos, no puedes esperar que todo salga bien. Antes de avisar siquiera que harás un Festival de esta magnitud, debes contar con los permisos.


En estos momentos emitieron su aceptación de incapacidad para cubrir el evento.

Protección política o respaldo federal

En la línea directa de mando y acorde a la Constitución Política del Estado de México, el Ayuntamiento de Texcoco debe responder directamente al Gobierno del Estado y en línea directa a la Secretaría de Gobernación.

Nos guste o no a quienes esperábamos la resolución, estas reglas están hechas desde hace mucho y fueron aplicadas correctamente.

El exceso que hizo tambalear la imagen pública y política de este asunto es el comunicado emitido por la Secretaría de Gobernación.

Claramente se percibe un respaldo político a la situación. Si sólo tuviéramos la cancelación por parte del Gobernador, tal vez se hubiera quedado en una acción responsable.

Si solamente la Secretaría de Gobernación hubiera emitido como máxima autoridad, Eruviel se hubiera mostrado como un Gobernador tolerante pero responsable con su línea de mando. Sea como fuere, publicarlo de esta manera, sirvió para prender la mecha de la polémica ante este asunto.

Conclusión

De origen metalero, me hubiera gustado mucho asistir al Festival y mirar a grandes bandas en estos escenarios, pero la forma en que se fue presentando la organización me dejó algunas dudas sobre el cuidado y protección de los asistentes.

Dudo mucho que hubieran asistido solamente 80 a 100 mil personas. En realidad calculo que el flujo mínimo serían unas 130 a 150 mil personas que de último momento pueden arrancar la tarjeta de crédito del papá, vecino, amigo y cuñado por comprar uno o dos boletos para asistir.

Nunca hubo una política de venta límite para la asistencia y agregar deportes como peleas al estilo UFC, considero que estaba totalmente fuera de contexto.

El Festival denotaba fallas en un principio, la política y la música metal no se llevan muy bien. Nadie preguntó a los habitantes que opinaban al respecto y se dejaron como siempre al final. Se les aisló y de origen este es el primer punto clave para entender si podemos realizar eventos de esta magnitud en cualquier municipio.

Hell&Heaven notifica al cierre de esta escritura que buscará realizarlo en otro estado o municipio...

Pero acomodar en sólo 8 días lo que no se pudo conseguir en Texcoco lo veo difícil. Y dudo mucho que algún Gobernador quiera saltarse a Secretaría de Gobernación para retarlo...

Si se trató de una decisión económica y política solo el tiempo lo descubrirá... pero no eran los únicos elementos en la bolsa....

Rafael Mendoza produce rock de vez en cuando en Ad Libitum 

y quería asistir como metalero al Hell&Heaven Metal Fest

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

Audio Forense: Buscando la verdad

El caso Watergate en los años 70, utilizó las conversaciones telefónicas entre los miembros del gabinete  del Presidente Nixon, vinculado al espionaje.

Fue la primera ocasión que el audio forense demostró su fuerza potencial. Si bien es cierto que la mayoría de las grabaciones hasta antes de 1990 eran totalmente análogas, se ha llegado a pensar que con el sistema digital, recrear o "fingir" un audio es más sencillo ahora.

De la misma manera que en otras disciplinas, el audio forense ha evolucionado y encontrado soluciones sorprendentes a los nuevos sistemas digitales.

En este blog analizaremos las búsquedas más comunes por un especialista en Audio Forense 

Autenticidad

Esta sería la primer característica que debe comprobarse, pues nada sirve realizar un estudio a profundidad de un segmento auditivo si la muestra es falsa. Es la prueba más importante y normalmente la que debe ser realizada por un perito bastante experimentado. Cabe mencionar que verificar su validez puede ser el proceso más caro del estudio.

En esta etapa se puede verificar con varias técnicas. Una de ellas es revisar la red de frecuencia eléctrica del día en que se supone se realizó la grabación. Todas las grabaciones son susceptibles de modificación en la zona de los 50 o 60HZ dependiendo su origen. Es otra forma de comprobar que la grabación se hizo durante el día determinado y la zona determinada. En digital el problema es un poco mayor, pero también se dejan rastros de truncación de bitaje o anormalidades en la suma de cuantización para reconocer ediciones en el material.

Resalte Forense

Es la etapa más reconocida del audio forense. Típicamente se trata de "limpiar" o remover ruidos no deseados para hacer más inteligible la grabación. Puede describirse un poco como un proceso arqueológico. Se trata de recuperar cautelosamente y sin daño a la grabación original. Otra perspectiva sería como "desmaquillar" a una top model para encontrar las imperfecciones naturales en su piel y mostrarlas en una fotografía lo más nítido posible.

Inteligibilidad

Normalmente vemos la inteligibilidad como la facultad de comprensión para pronunciar o desarrollar claramente un sonido. En el audio forense se relaciona más con los aspectos técnicos de la grabación; el entorno, la fase acústica, el tipo de dispositivo. el formato. Se trata de descartar las fallas en la grabación a partir de su proximidad, colocación, direccionalidad y otros detalles que afectan la grabación.

Fonética Forense

Está muy relacionada a la biometría de la voz. Apoyada en peritos de fonética y lingüistas, se buscan referencias de gentilicio (zona donde se grabó el sonido o el origen de la persona que habla), análisis de espectro en resonancias, pues las diferentes partes de la boca, los dientes, lengua y labios, producen marcas en el espectro de frecuencia comunes en ciertas vocales y consonantes. De esta manera pueden relacionarse dos grabaciones con la misma persona.

Biometría de voz

Esta área está particularmente relacionada con los modelos de la voz humana. Se utiliza para descifrar un origen a partir de un proceso aplicado tecnológicamente, digamos, como suena una cierta voz cuando se escucha a través de un circuito del teléfono celular.

Es una ciencia nueva, que toma cientos de muestras cada segundo y extra distintas características, para crear un modelo de mecanismo de lenguaje en el indivíduo. Eso ayuda a reconocer edad promedio del origen de un sonido sobre todo en voces procesadas por instrumentos o grabadoras de distintos tipos.

Otros usos de audio forense.

Es utilizado para el reconocimiento de objetos presentes en la escena del crimen o vinculados a ella, por ejemplo, el sonido de un auto particular, el sonido de una pistola para reconocer el tipo, modelo y calibre de la misma. Es muy utilizado para reconocer en la aviación, las fallas mecánicas o estallidos de motores en las grabaciones de caja negra. 

Conclusión

Aunque la ciencia forense está muy desarrollada, en México pocos centros ofrecen talleres y diplomados para su desarrollo. También las leyes mexicanas no aceptan del todo algunas pruebas forenses relacionadas con sonido, pues se consideran poco confiables. En otros países, el audio forense a permitido reconocer a secuestradores, asesinos seriales, fraudes y amenazas gracias al reconocimiento por voz.

Debe quedar claro, que limpiar un audio con un filtro y un denoiser, o ecualizar la zona media alta para obtener evidencia es sólo el .02% de lo que representa realizar un análisis forense.

Rafael Mendoza evita dejar rastros de edición en Ad Libitum 

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

El Productor: Equilibrio indispensable en audio producción

En pre-producción todos los elementos creativos, técnicos y requerimientos son presentados. Hacemos una lista de todo aquello que será indispensable para cumplir la meta, cronometramos los tiempos, hacemos agendas, hablamos y contratamos a la gente, pero nunca tomamos en cuenta el ego artístico generalizado del proyecto.

Las áreas en producción de medios, requieren de atención y enfoque a detalles comunes que pueden salirse de control, simplemente porque hay una delgada línea entre lo posible, lo imposible, lo tolerable y lo intolerable.

El "profesionalismo" a veces desconoce aquellos límites y disfraza acciones o actitudes en favor de presionar o limitar el desarrollo en la producción.

El productor, es el profesional encargado de equilibrar el karma, los presupuestos y los tiempos.

Recursos humanos ante todo

Si bien es cierto que no se puede ser monedita de oro para caerle bien a todos, como productores si debemos anticiparnos a las circunstancias que pueden darse durante la producción, pues es la etapa más crítica del desarrollo en los proyectos.

Conozcamos o no a las personas involucradas en los proyectos, debemos referirnos a trabajos anteriores y preguntar de primera mano situaciones que pueden salirse de control.

Un productor puede ajustar los tiempos y planear con calma si el baterista se cae al pasear a su chihuahua y que no pueda tocar 1 o 2 semanas, pero no puedes prevenir el rompimiento creativo simplemente porque entre al cantante no le gustó la playera floreada que trae puesta el guitarrista líder ese día.

Muchos grupos, cantantes, locutores y artistas en audio producción, no delimitan adecuadamente sus criterios profesionales por encima de sus emociones personales.

Se dice comúnmente que las emociones son plasmadas en los proyectos y que para ello el artista debe utilizar sus emociones como motivación.Coincido totalmente con ello, pero una cosa es motivarse y otra muy diferente descargarse sobre el proyecto.

El productor como impulsor creativo

Anteriormente los proyectos conceptuales tenían un mayor margen de arrancar en partes o cancelarse porque a industria estaba más estable. Por ejemplo, una disquera tenía varios artistas entre los que se podía compartir la responsabilidad de un intento fallido sin problemas.

Actualmente producir un proyecto tiene un riesgo mucho más alto porque depende de la distribución digital, compra directa, originalidad creativa y volumen de producción. Los errores deben ser mínimos.

Esto nos indica que producir algo que no se va a lanzar no es negocio desde cualquier perspectiva y mucho menos si queda a la mitad de algo importante, simplemente porque el baterista quería usar su nuevo kit electrónico para darle profundidad al disco country que ha estado ensayando.

Hay proyectos que permiten materializar todas las sugerencias y por el contrario existen muchas otras donde por el concepto más vale mantenerlas al margen.

La asistencia de un productor es fundamental para equilibrar estas batallas creativas donde pisotear al perdedor de forma aplastante, sólo sumará rencores que pueden estallar en el momento o días después del lanzamiento.

Luchando con las "diferencias creativas"

El productor si bien tiene que trabajar a veces como psicólogo y mediador, debe ante todo evitar los roces y conflictos pues tiene un panorama general de cada individuo dentro del proyecto.
También debe fomentar la creatividad, más que "picar" al artista para que saque lo mejor de él, sin dañar el panorama personal y emocional.

Debe ser duro pero no gritón, sino honesto para que los involucrados conozcan sus limitantes y las superen con sus capacidades. Podrá manejarlo pues antes de tomar el proyecto se ha preocupado por visualizar los posibles problemas a nivel artístico, creativo, psicológico, emocional y técnico de un proyecto.

Dejar en manos de un grupo su destino sin mediar el ego, va a provocar como consecuencia un "rencor creativo". Cuando llegue el momento de externarlo, siempre tendemos a no escuchar un argumento adecuadamente y muchas veces se confunde con crítica en mal sentido.

Una diferencia creativa es salvable cuando la convivencia y compromiso en una banda es compartida. Se deben escuchar todas las ideas pero se debe jerarquizar y dar prioridad aquellas que están más cerca de conformar un proyecto. Si nuestra meta es hacer un licuado de plátano y la disquera nos pide hacer una versión más original, tal vez podamos poner un poco de canela para acompañar, pero no significa que cambiemos la fruta totalmente.

Conclusión

El productor es fundamental en estas etapas y es quien previamente tendrá internamente un perfil (no opinión personal) sobre las personas involucradas. No pedirá algo a alguien que no pueda hacer ni hará competir a los miembros del equipo entre ellos para obtener un resultado adecuado. Los productores han cambiado con el tiempo y se han convertido en verdaderos directores de una orquesta donde no sólo se ejecutan instrumentos, sino se transforma y aterriza una idea creativa en algo palpable para compartir.

Siempre trata en lo posible, de contar con un buen productor. Sobre todo si las vibras son muy diversas durante la planeación del proyecto. Tu producto lo va a agradecer y redituar .

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum Estudio

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

Viernes de video: El Pallophotophone

Viernes de video y traigo para ustedes al Pallophotophone.

En los años 20's, la General Electric desarrolló junto a Charles Hoxie este "Fotófono".

Es un sistema de sonido óptico, muy similar al sistema utilizado en las películas para registrar sonido. Utiliza película monocroma de 35 milímetros. Trabaja haciendo rebotar un haz lumínico en una placa vibratoria que refleja sobre la película, trazando la forma de onda.

Es conocido como el primer sistema multipistas efectivo, pues su extensión real llegaría con la cinta análoga en los años 40.

General Electric, experimentó con muchas grabaciones en Nueva York hasta que desarrolló el sistema para su ingreso como sonido para películas.

En aquel entonces, la RCA era subsidiaria de GE y creo un prototipo denominado RCA Photophone.

Se cree que ninguna de las Pallophotophones construidas por GE han sobrevivido hasta nuestros días. Existen algunos rollo de grabaciones de radio.

En 2008, trece carretes fueron re-descubiertos dentro de los archivos del Museo Schenectady por el curador Chris Hunter y el investigador de la GE John Schneiter.

Las películas estaban etiquetadas con el texto "programas de radio de 1929-1930" y contenían características únicas que las diferenciaban de las primeras películas.

Scheniter contactó a Russ DeMuth, un ingeniero mecánico del GE Global Research para ayudarle a descifrar la película misteriosa.

La película carecía de perforaciones para el sprocket del proyector.

Entonces estudiaron las patentes originales y fotografías existentes del Pallophotophone original y construyeron un nuevo reproductor usando componentes modernos, lo que permitió recuperar el audio de los carretes.

Las grabaciones resultaron ser las primeras grabaciones conocidas de la NBC, una transmisión de un partido de basquetbol (considerada la segunda grabación más vieja de una transmisión de deportes) y la histórica grabación de Thomas Edison, Henry Ford y el Presidente Hoover, hablando en el 50 Aniversario de la invención del bulbo incandescente.

Esperamos que esta reseña los transporte a los orígenes de los primeros intentos de grabación multicanal.

Nos vemos el lunes.

Rafael Mendoza escucha material de archivo por la red en Ad Libitum

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

10 puntos para elegir software de audio

La era digital trajo ventajas para la ingeniería en audio como a la mayoría de los campos de trabajo.

Hacer una edición y producción es menos costoso en algunos aspectos. La mejora en el software ha traído estándares más equilibrados y exagerados para otros.

Elegir un buen software no significa descargar todo lo disponible en internet (original o pirata). Antes de llenar tu disco duro de herramientas es momento de elegir adecuadamente tu material de trabajo.

1.- Haz una lista de necesidades: Editar, grabar, producir es un concepto muy genérico para buscar un buen software. Debes reducir al mínimo tus necesidades. Por ejemplo, tal vez pienses que una suite de guitarrista es insuficiente si no eres guitarrista. Pero tal vez necesitas más un modo de edición por loops que un sistema profesional con algoritmos más apropiados para time stretching.

2.- No lo escojas "por si acaso": Este criterio está basado en el hecho de que no tienes bien definido tu mercado. De nada sirve que tengas sintes virtuales si piensas usarlo en algun tema como pad. Las oportunidades "por si acaso" casi nunca valen la pena, porque como no profundizas en ello, seguramente cobrarás muy poco y aisladamente por este servicio.

3.- Estándares para atraer clientes: En cualquier situación, lo que vendes no es equipo, marcas, software o plugins, sino tu habilidad para operarlo y ser creativo con ello. Un ingeniero en audio vale más por la facilidad con que permite a sus clientes alcanzar un sonido específico, independientemente de la herramienta que utilice. Confía en ti, para que tus clientes te dejen hacer tu trabajo.

4.- ¿10 compresores son mejor que uno?: Aunque puedes atascar tu estación de trabajo con plugins gratuitos y piratas (vamos, el que esté libre de pecado...), no significa que debas hacerlo. Si bien es cierto que hay compresores con mejores algoritmos que otros, el consumo de RAM es algo que debe preocuparte. Plugins más ligeros no significan peor calidad. Si quieres estandarizar tu sonido, utiliza esa marca que tanto se anuncia y suena a lo mismo. Si quieres ligereza para trabajar, enfocada en un sonido original, descarga una suite de plugins gratuitos y goza tu resultado.

5.- Editor o secuenciador: Un editor te permite tomar samples o partes de un sonido unitario. Un secuenciador te permite ubicar segmentos de audio en distinto orden. Si tu trabajo es limpiar samples o recortar muestras para tu caja de ritmos, un secuenciador no es opción. Harás un volumen de trabajo más preciso con un editor gratuito que con un pesado multitrack. Si necesitas mayor control independiente y crear nuevos sonidos, el multitrack es tu solución.

6.- Editores de video como plataforma de audio: Hay mucha gente que usa Sony Vegas o Adobe Premiere para editar audio. Mi primera impresión es que lo hacen porque les parece una interface más sencilla de manejar. Sin embargo, son herramientas muy limitadas para la precisión de edición.
No está mal usarlas, pero el 60% de ese software se está desperdiciando  y con ello tu dinero (o habilidad mental).

7.- Instrumentos VST o sampler: Ambas opciones poseen características importantes. El instrumento VST te va a ofrecer una flexibilidad basada en sus sonidos específicos. El sampler te permite importar muestras para alterarlas pero vas a depender del origen del sample. Tal vez las interfases sean complejas de abordar al principio, pero no conozco a alguien que se arrepienta de manipular un instrumento VST.

8.- Costo no significa calidad: Aunque hay software excesivamente caro, muchas veces puedes encontrar contrapartes igual de buenas a un menor costo. Hacer maquetas es lo principal en el home studio. Un secuenciador MIDI puede ser descargado gratuitamente o por menos de 400 pesos en una tienda de utilerías en línea.

9.- Compatibilidad de Interfaces: Un error común es pensar que todo hardware es compatible con todo el software. Sólo existen criterios básicos. El más común en PC es el protocolo ASIO, que permite enlazar a la mayor cantidad de interfases por su controlador. En MAC está el CoreAudio como base de protocolo. ASIO ofrece menos latencia. Core Audio ofrece estabilidad. Si vas a operar muchos canales sin tarjeta externa, Core Audio ofrece mejor rendimiento.

10.- Original o Pirata: La eterna pregunta. Ambas ofrecen oportunidades. El problema radica que cuando usas algo pirata, puedes tener la conciencia intranquila. Si bien es cierto que hay grandes monopolios de software, no significa que se justifique robarlo o crackearlo. Si estudias tienes la ventaja de obtener un gran descuento en software. Los precios de software se están volviendo accesibles. No te quejes de los 7000 pesos que puede costar Cubase, cuando por 300 pesos puedes tener una aplicación para tus necesidades reales.

Rafael Mendoza utiliza software en Ad Libitum Estudio

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

Restauración o Preservación: Límites en Audio Producción

Durante los inicios de mi preparación, la "restauración" digital fue elemento clave en mi desarrollo profesional. Transferir cintas y discos de vinil,  me brindó una apertura auditiva para detectar fallos en la ejecución, ruidos en grabación, instrumentos y otras habilidades de escucha.

Sin embargo, cuando hablamos de restauración. la mayoría de la gente piensa de inmediato en algo similar a la restauración de pinturas, esculturas y obras clásicas.

De la misma manera me inicié hace casi 14 años en este proceso "fácil de hacer en casa". Nada más lejano a la realidad.

Así me di cuenta que la restauración era un proceso con límites bien definidos y su enfoque no tenía nada que ver con lo técnico.


Restauración Digital y sus límites

Como mencioné más arriba, la restauración es un proceso meramente técnico que involucra primero que nada la calidad de origen.

En una pintura o escultura, el original está en un medio tangible y bastante manejable. Si bien es cierto que en algunos casos no es posible tocarla físicamente, se puede colaborar a su mejora a través de pinceles, brochas, moldeadores, masillas y herramientas especiales.

Su entorno físico permite múltiples perspectivas por las cuales se pueden buscar opciones para recuperar en gran parte su forma original.

El cine restaurado tiene esta capacidad puesto que proviene de un negativo que puede manipularse físicamente y ubicar los cuadros donde los daños se visualizan de mejor manera. A la mayoría de la gente le agrada mirar como una película puede restaurar sus colores, rayones y saltos de manera casi mágica.

En sonido, sólo tenemos la percepción psico acústica del medio tangible. No podemos tocar físicamente el material a menos que sea un LP, pero aún así, no manipulamos el elemento a conciencia.

Así, que si bien se puede pegar un LP roto o una cinta, el material que falta se habrá perdido para siempre. Sin embargo, las técnicas de recomposición son muy similares a los de las obras de arte.

La restauración tiene un límite bien definido. La calidad del material original siempre predeterminará el resultado final.


Preservación: el objetivo

La mayoría de los plugins y herramientas diseñadas para la restauración digital, prometen entregar un resultado impresionante a partir de sus algoritmos y procesos.

Todos alegan "eliminar" los ruidos indeseados mejor que sus predecesores o magicamente desaparecer fallas en el material.

Erróneamente, este software utiliza el criterio más erróneo sobre la restauración. Y es que antes de hacer cualquier proceso tanto al original como a la copia digital, está preservar el origen del sonido.

Imaginemos por un momento que tenemos una grabación única, que contiene información completa sobre muchos aspectos históricos y sonoros.

Si lo visualizamos técnicamente, habrá información que no debe ser "respaldada". Aplicar un filtro puede eliminar al mismo tiempo no sólo el ruido, sino información sobre la respuesta de frecuencia del medio con que fue grabado, el soporte físico en que fue maquilado y hasta el carácter original con que se realizó el proyecto.

Para el escucha común, esta información es totalmente carente de importancia, pero para las siguientes generaciones significa poder realizar una mejor restauración o preservación que no estaba disponible en ese momento.

Conclusión

La importancia de la preservación, por encima de la restauración es fácil de comprender con un ejemplo clásico que me gusta dar en mis talleres.

Si tuviera usted una fotografía de sus abuelos, acompañados de sus padres y tíos, que tuviera un desgaste, rupturas y colores apagados, pero que quisiera restaurar que preferiría...

Si algún rostro apareciera borrado o ligeramente fuera de foco, ¿debería ser eliminado por no contener toda la información? ¿Lo substituiría con otro rostro modificado o importaría un rostro de otra imagen para completarlo?

¿Vale la pena restaurar digitalmente la pared blanca que está en el fondo o hay que eliminar el jarrón rojo que se encuentra en la mesa del centro simplemente porque la detestaba usted de niño?

De esa misma manera, el criterio de preservación en audio, dista mucho más que simplemente quitar ruido a una grabación.

Rafael Mendoza realiza preservación y restauración digital en Ad Libitum Estudio

Suscríbete, participa, danos like y g+

blog@adlibitumestudio.com

Leer Más...

La leyenda de Zelda 25 aniversario

Viernes de video: Hemos estado preparando material nuevo que va a salir de Cristhian Silis y colaborando en proyectos alternativos esta semana.

Ha sido un poco difícil darle continuidad porque para "Control Room" ha habido un par de restricciones por el material que subimos en el último blog. Ya está por resolverse y el fin de semana se normalizará.

Hoy viernes de video quiero dejarles un segmento de la grabación del álbum conmemorativo del videojuego "Leyend of Zelda".

Elegí el video principalmente porque podemos apreciar múltiples técnicas de microfoneo y la particularidad de haber sido grabado en una locación externa.

La cantidad de equipo y uso adecuado del entorno del lugar proveen un sonido muy diferente al alcanzado en las salas de concierto o grabaciones en estudio.

Disfrutenlo y el lunes retomamos actividades.

Leer Más...