10 elementos presentes en una maqueta profesional

Crear una maqueta para un proyecto es fundamental para trasladar la idea lo más fiel y desbordar la creatividad.

Algunas maquetas llegan a los estudios con bastante trabajo pendiente y que incrementan los costos, dificultando la toma de decisiones.

Aquí los 10 elementos que se observan en maquetas profesionales.

Antes de grabar una sola nota, el trabajo apenas empieza con el desarrollo de la maqueta

1.- Tempo: Grabar sin metrónomo no es malo, si el tempo es lo suficientemente estable. Pero grabar si no tienes mucha experiencia en producción, establecer un tempo adecuado para tus temas permitirá fluir mucho mejor tu experiencia en estudio. Utiliza varios tempos hasta encontrar el adecuado y familiarízate con los usos del metrónomo y la métrica

2.- Instrumentos doblados: Doblar instrumentos es bueno si realizas armonías y contrapuntos para diferenciarlos. Algunas veces querrás "engordar" un sonido con varias capas, pero lo mejor es utilizar diferentes octavas y texturas.

3.- Localizadores: Ya sé que conoces muy bien la estructura de tu canción, pero aplicar localizadores es la mejor manera de trabajar sobre una sección en específico con rapidez. No marcar el área de trabajo te hará perder tiempo. También puedes grabar una guía hablada como referencia al baterista o algún músico invitado.

4.- Acordes por compás: Si es posible, anota los acordes utilizados por compás. Es un poco tedioso si no estás acostumbrado, pero podrás trabajar mejor a mediano y largo plazo.

5 -Notas por canal y etiquetado de clips: Escribir las observaciones sobre tempos, presets o modificaciones a parámetros se deben tener a la mano. Etiquetar los clips favorecen su recuperación dentro de un proyecto fallido.

6.- Ruteos de flujo de señal MIDI: Todos los software actualmente te permiten rutear y mapear ese ruteo por software. Ahorra tiempo y dolores de cabeza con secciones que disparan "panics" MIDI.

7.- Tonalidad en modo score: Es bonito ver las notas ejecutarse en la tonalidad adecuada, pero es más bonito tener la tonalidad presente para explotar la creatividad. Asignar la tonalidad al track junto a su clave específica habla de un arreglista ordenado y coherente.

8.- Instrumentos agrupados por secciones: No importa el orden de los grupos, sino que puedas controlarlos adecuadamente. También subgrupa por cantidad de instrumentos, es decir, 3 violines se agrupan y se integran como grupo a un subgrupo de cuerdas.

9.- Compases de preparación: Iniciar la pista en el primer compás no deja oportunidad de insertar ajustes o intros pequeñas para nuevas ideas. Procura dejar unos 8 compases de arranque por si se te ocurre una línea de bajo como intro.

10.- Melodía principal secuenciada: Aunque la vayas a cantar con tu chorro de voz, secuenciar la melodía principal te permitirá modificarla o usarla de referencia para un arreglo de último momento. Aparte que sirve de guía melódica a la voz principal. Realiza lo mismo con coros o doblajes de voz.

Conclusión
Una maqueta puede ahorrarte no solo tiempo, sino también dinero al momento de producir. Las maquetas que no cumplen con estos requerimientos mínimos traerán problemas durante la grabación. Investiga si el estudio donde grabarás soporta tu versión de software o si pueden integrar en el costo una sesión para adaptarlo al sistema que utilizan por lo menos una semana antes de entrar a grabar.

Tal vez tengas que pagar por ello, pero aún así, será una fracción menor de lo que podría significar utilizar tiempo de estudio en resolver lo que pudiste haber previsto.


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Cómo buscar banda y no morir en el intento...

Una de las preguntas más comunes, es cómo conformar una banda imparable.

Un buen sonido es importante, una buena presencia escénica y habilidades suficientes son ingredientes necesarios para conformar una buena banda.

Pero cuando llevamos escogiendo una banda que llene nuestras expectativas, a veces nos encontramos con incompatibilidades que se transformarán en problemas irreconciliables.

Entonces.. ¿Cómo encontrar una banda adecuada?

1.- Busca cerca de tu área de domicilio, los costos de gasolina o transporte pueden dificultar tu desplazamiento y paciencia
2.- Los anuncios de "Busco baterista como... o guitarrista como" son sinónimo de expectativas que muchas veces ni el solicitante puede ofrecer.  Llama y pregunta si están interesados en un guitarrista de soporte o en una fusión jazz alternativo. Podría funcionar
3.- Nunca olvides la etiqueta básica al buscar banda. Cosas como "hacer las cosas mejor que Led Zepellin" no ayuda.
4.- Sé conciente de tus capacidades técnicas. Tu nivel musical va a intervenir en el proceso de elección de tu banda. No te frustres o corras por alcanzar un nivel.
5.- Deja que la experiencia de un ensayo te de un panorama general. No esperes la "chispa", es un concepto tan ambiguo como decir que irás a un bar a conocer una modelo que se quede contigo.

Tomando en cuenta esto te doy las siguientes recomendaciones:


Si buscas banda de hobby:

- No deberás esperar ganancias de esa banda
- No deberás esperar fama y fortuna de esa banda
- Invertirás tu dinero en transportación, equipamiento y tiempo sin retribución alguna (es tu hobby)
- No te enojarás con la banda por llevar a sus amigos, amigas, esposas, novias o persona que creas "roba la atención de la banda"
- Deberás cargar tus instrumentos como cualquier otra persona sin preferencias ni condicionamientos.
- Dedicarás tiempos de ensayo, convivencia y recreación con la banda.

Si buscas banda con proyecto serio

- Deberás aceptar las condiciones y requerimientos de trabajo (ensayos, reglamentos, calendarios y prácticas fuera de ensayo)
- Deberás evitar opinar sobre el concepto, letras y música que no te gusten. Estás ahí para interpretar y ejecutar de la mejor manera posible sin gestos, caras y humores.
- Invertirás parte de tu dinero en la mejora de equipamiento, vestuario y herramientas para tu desarrollo musical. (Bateristas.. no se vale cambiar parches cada 3 años o cuando se rompe querer cobrar la cooperación)
- Tu instrumento es tu responsabilidad, mantenerlo en óptimo estado y protegerlo de las eventualidades. Negocia la parte de transportación y cuidados con tu empleador.
- Te abstendrás de llevar a tu novia, amiga, amigo, compañera, esposa y similares a tu evento. Estás ahí para trabajar.

Conclusión

Ser parte de una banda de hobby es estrictamente diversión. Cuando no es posible fincar una responsabilidad o establecimiento formal de una banda, entonces estás en un proyecto hobby. Establecer una banda implica compromiso más allá de sacar la canción de moda en 3 ensayos.
Existen proyectos abiertos, que ofrecen alternativas a sus integrantes, pero dependerá del objetivo final los requerimientos.

Espacio aparte requiere las obligaciones del administrador del grupo o "caimán".. Hablaremos de él nuestro siguiente post.

Rafael Mendoza ha grabado y editado bandas en Ad Libitum

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Cartón de huevo: Mito arraigado

Nada como entrar a una sala de ensayo, estudio de proyectos y estudio de grabación (sí... de grabación) y mirar en alguna parte del lugar, un bello mosaico de cartón de huevo.

Durante algún tiempo trabajé en un estudio comercial (sí, nada profesional al parecer) donde las paredes estaban recubiertas de poliuretano y los techos cubiertos con cartón de huevo.

Las grabaciones requerían de altas dosis de agudos para compensar la pobre respuesta del cuarto que terminaba mezclando en mi estudio personal, cansado de repetir mezclas un par de veces en ese "estudio". Existen muchos estudios en México que proveen este tipo de cuartos engañando al cliente de forma poco ética.

Esa bella arquitectura que puede manipular de forma tan segura a su frágil huésped, parece ser uno de los mitos más difundidos del audio producción.

Páginas de blogs enteras se han escrito sobre los pros y contras de utilizar un panel de bellos cartones en la sala de ensayos y los estudios caseros en aras de controlar mejor lo incontrolable.

No busquemos colaborar más en este debate. Dejaremos que la ciencia y los hechos físico hablen por sí mismos.

Aquí las 5 razones por las que el cartón de huevo no sirve como soporte acústico

1.- Densidad de materiales: La energía acústica requiere de masa para generar absorción. La masa tiene peso, comparar una placa acústica con una caja de huevo en peso te da el primer parámetro de que no funcionará.

2.- Forma: Las placas acústicas tienen una forma semi ovalada para proveer ángulos de captación adecuados al diseño acústico. Los cartones de huevo usan formas más caprichosas para 2 funciones, sostener e inmovilizar al huevo. Uno controla energía acústica y el otro cuida un cascarón.

3.- Costo: Una placa de 60 x 60 cms. está diseñado bajo esquemas de ingeniería acústica y densidad de masa. Un cartón de huevo está diseñado en términos de diseño de empaque, comfort de traslado y capacidad de almacenaje masivo.

4.- Respuesta de frecuencia: Se han hecho estudios comparativos entre ambos y aunque son similares, en definitiva el cartón de huevo tiene valores de absorción más pobres que una placa acústica.

5.- Aplicaciones comunes: Ambos se utilizan para controlar mejor entornos, pero cuando un cuarto no está diseñado adecuadamente, aún con material acústico bien instalado será comprometido su uso en algunos tipos de producción. Si tienes cartones de huevo es como mirar una ventana hecha con mosquiteros.

Conclusión

Mitos más, mitos menos, el cartón de huevo se ha preservado como una manera de "controlar" un cuarto. Hay quien jura mejoras en su room basado en el cartón de huevo. No es nada barato acondicionar un cuarto acústico aún bien diseñado... El cartón de huevo solamente sirve para reciclarse y cuidar productos avícolas.

Si vas a grabar en un estudio y ves rastros de cartón de huevo, huye inmediatamente. Tu dinero vale la pena invertirlo en un mejor producto. Si tienes cartón de huevo en tu casa, no digas que es una solución temporal. Tarde o temprano sufrirás la falta de control mínimo.

Rafael Mendoza evita el cartón de huevo y mal olor en Ad Libitum

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Vube: Difusión viral o virus cultural...

El internet ha abierto puertas a la difusión y retroalimentación de ideas de forma impresionante.

En años anteriores, descargar siquiera un archivo mp3 podía durar toda la noche para obtener la canción prometida o el éxito que hacía años era virtualmente imposible conseguir en tiendas especializadas.

Después con la revolución y evolución de la velocidad en servidores, las transferencias de datos se hicieron más ràpidas permitiendo la llegada de los sitios con videos a disposición del usuario.

Dentro de este boom ya conocemos el éxito obtenido por el formato de Youtube, Vevo, TuTV y otros servicios similares.

Vube inició operaciones en 2013 y basado en un sistema de recompensas, premiando a los videos más votados cada mes. Todo parece indicar un sistema democrático de posicionamiento respetado por el usuario y sus votantes, pero... ¿aporta difusión cultural y soporte a la industria musical?.

Vube y sus políticas

Participar en un concurso mensual de Vube, sólo requiere que puedas activar una cuenta en su sitio, dispongas de un video con derechos de autor propios y estés calificado para responder legalmente por el contenido.

Pero son las políticas de licenciamiento las que hacen de Vube una plataforma un tanto dudosa.

Leyendo el documento de políticas encontramos que al subir un video, otorgas tambièn a Vube el uso de tus derechos de reproducción, distribución, difusión y almacenamiento para archivo mientras el video se encuentre en el servidor del sitio.

Esto significa que si tu video, realmente se transforma en un fenómeno viral, Vube puede obtener beneficios económicos a partir de ello.

Para la mayoría de los usuarios, el poder participar por un premio mayor de 15,000 dólares puede sonar muy atractivo (sobre todo cuando se distribuyen 55,000 dólares entre los primeros 100 lugares).

Sin embargo, las cuentas no checan cuando lo comparas con un sistema de pago por patrocinio en YouTube.

El horrible caso Werrevertumorro.

De acuerdo al esquema de pagos de Youtube, un video recibe por patrocinio un dolar aproximado por cada 1000 reproducciones. Algunos videos del Werevertumorrow impactan de 300 a 500,000 usuarios dentro de las primeras horas. Esto ya significa de 300 a 500 dólares, sin embargo, con el paso del día y los días las reproducciones ascienden a  5,000,000 en algunos de sus videos. Sacando la calculadora podemos decir que un video promedio ganaría unos 5,000 dólares mensuales por primera vista y acumula vistas posteriormente cobrables. 

Suponiendo que sube de 3 a 4 videos mensuales, podemos multiplicar ese ingreso hasta  20,000 dólares mensuales. El escándalo de la "revelación" (para quienes siguen sus videos y que se vuelven un poco más pobres gastando luz para mirar sus videos), llevó a nuestro personaje a tener un descalabro comercial masivo, junto a otros Youtubers. 

Comparado a los 15,000 dòlares que puedes ganar en Vube, la desventaja es total porque aunque el premio es mensual, no se acumulan las vistas adicionales durante el resto del tiempo que el video se encuentre en línea. 

En YouTube, las visitas adicionales siempre se incrementarán basados en el número de vistas de un video, acumulando más ganancia para el dueño del canal. 

Esa ganancia, es la que obtiene Vube en recompensa por mantener tu video en sus servers y aparte tiene todo el derecho de cobrar en otros sitios donde se repostee el material, pues se lo permites cuando aceptas subir tu video.

Propaganda amateur

Vube muestra videos permanentemente amateurs, cantantes salidos de donde quiera capaces de imitar a Cristina Aguilera o Breatney Spears. 

Todos pueden ser ganadores Vube, pero es igual que cuando compras 20 boletos virtuales para llevarte la camioneta del año,  el sistema adjunta también la misma cantidad a todos los que compran un boleto. 

Las oportunidades son inequitativas, porque aquellos que se posicionan normalmente son los que más "talento" muestran, que ante un público mayormente carente de cultura musical, no puede distinguir de un cantante trabajado a uno "imitador" de ciertos artistas. 

Por si fuera poco, la difusión que promueve es "viral" y lo consigue instalándose en los browsers como un adware que es muy difícil de quitar para el usuario común.

De esta forma gana doble, por un lado difundiendo y promoviendo su sitio, duplicando audiencia y ganando vistas de videos ya ganadores que sirven para transformar en argumento de venta publicitario.

Conclusión

Vube es un negocio redondo que utiliza el concepto amateur como fuente de ganancia. Su patrón de trabajo no dista mucho de los sistemas tradicionales de promoción en internet, sin embargo, consgue duplicar la ganancia, pagando a quien obtenga más vistas en un video e incrementando su audiencia a pasos agigantados. 

No busca competir con Youtube porque a diferencia del gran cátodo rojo, su mercado no es almacenar tantos videos como sea posible, sino almacenar aquellos que garanticen ganancias a mediano y largo plazo. 

Lo malo de todo esto, es que se difunde ampliamente el trabajo amateur como medio de salto al estrellato, dejando a maestros de música, conservatorios, esquemas culturales e ingenieros en audio volando ante la posibilidad de ganar 15,000 dólares con una cámara casera y una buena imitación de "talento". 

Vube es una plataforma democrática porque otorga el premio a quien vota por un video, pero condena a vivir una época de oscurantismo cultural, que ojalá se disipe pronto, basado en el hastío de los usuarios por cerrar aquella ventana de nuestro navegador que tanto odiamos.

Rafael Mendoza bloquea y desinstala constantemente el virus de Vube en Ad Libitum

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Viernes de Video: Artistas Foley

Viernes de video y hoy quiero compartirles a Leslie Bloom, uno de los mejores artistas foleys de nuestro tiempo. Aparte es músico e ingeniero en audio ha participado en series televisivas como Buffy La Cazavampiros, Nurse Jackie y el Show de Michael J. Fox.

Nos muestra en este video las herramientas comunes de un Foley Artist y también nos da un panorama de los detalles que vemos en la pantalla y que son las que ayudan a crear la credibilidad en una escena.

En México los Foley artist encuentran pocas fuentes de empleo y en el mejor de los casos las empresas se ahorran sus servicios usando librerías de sonido o creando films carentes de calidad como La leyenda de la Nahuala, Película de Huevos y series animadas como el Chavo del Ocho, cuya calidad creativa sonora es mínima.

Ojalá este video impulse a las productoras a confiar en los Foley Artist mexicanos.

Feliz Fin de Semana

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10 errores más comunes al grabar en casa...

Las posibilidades técnicas permiten crear productos de audio en cualquier lugar. Lo único que no se incluye en la caja es la experiencia y los conocimientos teóricos necesarios para optimizar su funcionamiento.

Aunque los dispositivos son muy intuitivos, no significa que se esté realizando una buena grabación.
Cada vez es más común que ingresen proyectos a los estudios grabados enteramente en casa para que un estudio profesional le de un acabado más cercano.

Estos son los 10 errores más comunes al grabar en casa


1.- Ruido de fondo:  Los micrófonos de condensador que han salido para el mercado Home Studio, tienden a responder sensiblemente a los ruidos de fondo, en aras de parecer  de alta fidelidad. La distancia apropiada del micrófono, más la ubicación dentro de un cuarto puede crear demasiadas reflexiones indeseadas. Invierte en ajustar un poco la reverb del cuarto o utiliza técnicas de microfoneo cercano.

2.- Saturación por cercanía de la fuente: Cuando acercamos mucho un micrófono a la fuente creamos distorsión no sólo eléctrica sino harmónica. Los instrumentos como el bajo a veces son microfoneados incorrectamente generando distorsión en las cuerdas más bajas. Algunos músicos distorsionan sus amplificadores con una señal alta y además se suma distorsión con la posición. Calibra la distancia lo suficiente para evitar duplicar la distorsión.

3.- Voces disparejas: No tiene que ver solamente con su alineación en tiempo, me refiero principalmente a cuando escuchas una voz cantada de manera "floja". Los cantantes que tienen fallas de técnica en respiración, tienden a imitar o acentuar partes de la voz presionando sus cuerdas vocales para obtener ciertos sonidos. Otros tienden a suavizarla. La impostación de la voz permite agregar fuerza e interpretación a pasajes intensos. Muchas veces hay que comprimir demasiado estas voces para darles un poco de vida. Lo ideal es regrabarlas de una manera más adecuada.

4.- Demasiada compresión: Es común que cuando grabas en casa utilices los secretos de los grandes ingenieros que viste en una revista o la red. Desafortunadamente aplicamos procesos que muchas veces no necesitamos o las sobre utilizamos. La compresión excesiva es la más común y se escucha en las voces con mucho popeo y sibilancia (seseo). Si no estás seguro de la compresión que estás usando lo ideal es que lo captures sin compresión. Haz pruebas sobre temas que no vayas a comercializar. Revisa lo que hiciste y anótalo en un registro. Aprovecha para crear tus settings personales.

5.- Malos cantantes: Cantar no significa que puedas aventar la voz o sostenerla unos cuantos segundos con mucho vibrato. Esta tendencia a pensar que si puedes imitar lo que hace Cristina Aguilera o Maria José es un "talento" se ha difundido gracias a los videos de Vuve. Pero definitivamente un cantante no entrenado tendrá problemas fuertes en un ambiente sin control y mucho más sin la dirección adecuada. Si no cantas bien, pidele a alguien que lo haga mejor. Tal vez tengas un hitazo y lo heches a perder con  tu "chorro de voz".

6.- Sobre uso de afinación digital: La afinación es una herramienta propia de la mezcla. No podrían rescatarse ciertas tomas sin ello. Pero es precisamente donde radica su uso conciente. Es para "rescatar", no para "construir" una voz que no se tiene. Aún así, es posible darle un uso moderado. La afinación digital no debe escucharse. Debe pasar desapercibida en un escenario natural. En algunos estilos es una herramienta creativa. Pero de origen, procesar y tratar de afinar a alguien que no tiene técnica, respiración y cuidado de su instrumento vocal sonará precisamente a eso pasado por una afinación digital.

7.- Sobre uso de reverb: Muchos proyectos incluyen exceso de reverb para justificar una mala orquestación o arreglo musical. Hay situaciones donde es deseable para profundizar, sin embargo ensucia la mix o corta vuelve el tema muy "etéreo". Deja la reverb como complemento de tu sonido general.

8.-  Reverb barata: Algunos plugins tienen un sonido muy básico y cumplen con los requisitos matemáticos, más no con los estéticos. Puede que funcionen en algunas situaciones, más siempre quedarán a deber calidez al sonido general. Utiliza plugins de mejor calidad o unidades externas de buena marca. Tu voz principal lo agradecerá.

9.- Problemas de timming: La edición de una batería o la entrada de algunos instrumentos son los errores más comunes en un proyecto. Las plataformas pueden editar y ubicar estos sonidos en el momento correcto. Pero la interpretación mala y falta de técnica no ayudarán al proceso de mezcla. Un buen tracking no es tener 14 canales de batería, sino aquel que refleja un trabajo técnico y de disciplina en el instrumento.

10.- Cantidad inadecuada de bajos y agudos en un track: Aunque el violín es medio agudo, no significa que su captación no requiera de sus graves naturales. La desición final de que tanto se utilizará el EQ en mix es otra cosa, más no significa que debas abandonar los sonidos graves de cada instrumento. Obvio que no te centrarás en la capacidad de una tarola para generar sub graves de 30 hz, pero conociendo su rango promedio si puedes tomar decisiones de posicionamiento en los micrófonos.

Conclusión

Una grabación casera puede producir buenos productos y demos de calidad, pero nunca se comparará a las posibilidades que ofrece un estudio profesional. Los plugins por más que intenten emular los sonidos reales de cajas, dispositivos o reverbs, son pocos los que alcanzan ese nivel y más cuando se ofrecen como soluciones todo en uno. Algunos son impresionantemente convincentes, pero también colaboran a colorear un sonido bien grabado. Estos tips pueden ayudarte a mejorar tus grabaciones, pero si tienes dudas sobre algún instrumento en particular, déjalo para el estudio. Es preferible invertir algunos pesos en un buen sistema de grabación que jugártela con el kit en medio de la sala y esperar que sea tan grande como las baterías de Zepellin.

Rafael Mendoza graba en casa cuando quiere maquetear... 

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Desencriptando el 440...

El La 440 es el tono de referencia para la afinación de los instrumentos musicales. De un tiempo a acá se volvió una prueba de conspiración nazi, tonalidades del "Universo" y fantasías maquiavélicas que las redes sociales y la ignorancia impulsaron.

Pero existe una razón viable para confrontar el hecho de que podría ser una conspiración para cambiar las emociones humanas.

El cerebro afinado

El cerebro humano funciona principalmente en base a estímulos.  Es importante reconocer que la música es una forma de estímulo auditivo. El uso de acordes mayores, menores, sèptimas, influyen en la forma que el cerebro presenta emociones. La 5ta Sinfonía de Beethoven no podría sonar tan obscura sin la presencia de armonías menores en ella. Por el contrario, Pequeña serenata nocturna de Mozart no sería tan optimista tema si sus tonalidades prevalecieran en los rangos disonantes de un acorde menor.

Bajo esta premisa, se ha pensado que la música influye en el ser humano y lo presiona a actuar bajo ciertas circunstancias. Tenemos un cerebro bastante impresionable, pero también se ha demostrado que influye mucho más el entorno social el que produce ansiedad, activación movimiento en los individuos.

¿Porqué 440?

Antes de 1940, se utilizaron múltiples bases de afinación, principalmente tomando en cuenta la durabilidad de los materiales que se creían susceptibles de avería como las  cuerdas en ciertos instrumentos. Algunos temas musicales parecían sonar mejor bajando o subiendo ligeramente en el rango de 400 y 450 Hz.

Algunos diapasones del siglo XVIII se afinaron hasta a 380hz y Bach tocaba sus órganos afinándolos en 480 hz. Los cantantes se quejaron un tiempo porque los tonos subían demasiado en algunos fraseos. Así, Francia estandariza por primera vez en 1859 a 435 Hz.

Finalmente en 1939, la International Standard Organization, publicó un estudio donde demostró que la medida de 439 Hz podría estandarizarse como viable, era mejor quedarse en el 440 porque permitía afinar de manera más sencilla y basado en números no primos.

Es por esto que una afinación nunca será igual en grabaciones previas a 1940 y que se extendieron hasta 1960 porque se fueron aceptando paulatinamente por los músicos de antaño.

Conclusión

La afinación al igual que la medida oficial del kilogramo, son fundamentales para recrear las piezas originales de un tema musical. Son pocas las variaciones que se perciben en la instrumentación por el standar de 440. Es cierto que algunos instrumentos como el violín y el cello, deben de ajustar ligeramente en ciertas cuerdas para compensar algunos tonos al ejecutar. Subir el tono de la afinación da la percepción de una interpretación más viva. Actualmente los grupos metaleros acostumbran afinar con semitonos diferentes, pero todos basados en el A440.  Si los nazis hubieran querido usar estas frecuencias para dominar al mundo, solamente tenían que inventar a Barney o Justin Bieber para hacer que cualquiera cante bajo tortura.

Rafael Mendoza afina a 440 en Ad Libitum

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Pyro Board: Educación creativa...

Este viernes de video les quiero presentar el Pyro Board. Es el juguete que muchos ingenieros quisieramos para nuestra etapa pirómana juvenil.

El Pyro Board es una tabla con un dispositivo regulador de presión que responde a los estímulos de amplitud y frecuencia de un sonido.

Tradicionalmente tenemos un espectrograma y recientemente las herramientas digitales nos ofrecen planos tridimensionales de segmentos o archivos de sonido como en Wavelab.

El Pyro Board nos permite tangibilizar físicamente y visualizar situaciones acústicas como los nodos y antinodos, esenciales para ajustar una sala para mezclar o grabación.

Lo interesante es que se hacen talleres y prácticas que incluyen a niños a comprender como funciona el sonido y contribuye a una percepción más amplia de su entorno.

Les dejo el Pyro Board para que lo vean en acción.. seguramente les dará ideas para poner uno gigantesco en su casa.. yo ya estoy viendo que necesito. Buen fin de semana

Rafael Mendoza intentará construir un Pyro Board en su casa.. 

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Escala digital: Niveles que matan...

Hace unos días tuve la oportunidad de leer un post dentro de un blog donde los usuarios reportaban que basándose en el nivel de señal grabada, la calidad de sonido variaba y se agregaba ruido al producto final, por lo que recomendaban grabar lo más cercano posible al nivel digital de 0dB.

Existen muchos mitos y discusiones porque los niveles operativos entre los sistemas análogos y los digitales no están bien claros. 


Hablemos desde cero..

No debemos confundir la resolución digital con la forma de medir su escala sonora.

La resolución tiene que ver con la CALIDAD de registro de una señal en un sistema digital (ejemplo, 16bits @ 44.1hz), no con la INTENSIDAD con que se registra (dB).


En los sistemas digitales el 0 operativo es el nivel máximo para registrar una señal de sonido. Si rebasamos ese nivel, la señal distorsiona, nuestra única opción es atenuar el nivel para garantizar un registro correcto.

En la señal análoga, el 0 dB es el punto donde mejor trabaja el aparato. En esta escala, es posible subir hasta +10 dB antes de crear distorsión eléctrica y como consecuencia sonora.

La clave es comprender que el 0 dB digital está 18 decibeles por encima del 0dB análogo y que por esta razón, grabar un sonido pasado por una consola en su nivel óptimo, resulte en una señal de baja intensidad en un sistema digital. En el siguiente gráfico puedes comparar los medidores de los extremos (VU y Digital) para ubicar esta diferencia

Actualmente las interfases de sonido incluyen preamplificadores para grabar directamente sobre el sistema digital y su escala, pero existen múltiples razones por las que se construyen sistemas híbridos con componentes análogos para trabajar audio.

Estas son las principales razones por las que mitos acerca de grabar al máximo en sistemas digitales garantiza una grabación perfecta.

Analizaremos algunos de los mitos más frecuentes.

Mito #1

"Debes grabar lo más cercano al 0dBfs (Cero decibeles de la escala completa) para obtener el mejor sonido".

Verdad


Una de las recomendaciones más comunes en los inicios de los sistemas digitales era grabar cerca del 0 digital pues era importante para obtener el mejor rendimiento con las resoluciones tan bajas con que se trabajaba, comúnmente 8 y 16 bits.

Con la llegada del estándar de 24 bits el rango dinámico de una grabación se expandió de forma amplia.

Algunos recuerdan por ahí los sistemas ADAT con rango de 20 bits y ya se tenía una escala de forma adecuada. Los sistemas actuales que soportan 32bit flotantes añaden rango solamente en aquellos sonidos donde sea necesario.

Tener "espacio" para que una señal pueda registrarse con libertad (digamos una percusión con múchas dinámicas) permite que no se tenga que vigilar constantemente para ajustes del preamplificador de micrófono.

Grabar entre - 6 y -10 dB es suficiente en los sistemas actuales.

Mito #2

"Si grabas a un nivel más bajo, la señal se volverá ruidosa"


Verdad

Este mito se quedó de la época de la cinta análoga. Algunos ingenieros que adoptaron los sistemas ADAT tenían un poco ese miedo. La cinta ADAT registra números binarios en un soporte de cinta, propiamente no es una señal eléctrica. Grabar en un sistema digital con menor intensidad no agrega ruido. Lo que agrega ruido a la mezcla, es la compensación eléctrica que debe hacerse para MONITOREAR mejor la señal.

Mito #3

"Si tienes una señal baja, es mejor normalizarla que subirle volumen"

Verdad

Normalizar es un proceso donde a partir de un nivel pico de referencia, se incrementa el nivel de una señal en su proporción exacta. Aplicar volumen digitalmente a una señal baja, no utiliza ninguna señal pico de referencia para realizar su trabajo. Ninguno de estos procesos agrega ruido a la señal, sino que hace más presente el ruido de fondo original de la grabación. Es cierto que algunos algoritmos procesan mejor estas funciones. Empresas como Steinberg, diseñan sus procesos puliendo sus algoritmos para obtener un mejor resultado, detalles que algunos software freeware dejan pasar.

Mito#4

"Aunque distorsione, si no se oye está bien"

Verdad

Una señal distorsionada es un fragmento de información perdido durante la grabación. 3 sampleos contínuos se consideran distorsión por la probabilidad de que por lo menos el segundo sample pudo haber sido registrado por encima de los otros dos que lo acompañan.

Puede ser que una ligera distorsión no altere la percepción sonora, pero será siempre una señal distorsionada con información extraviada. Algunos optan por bajar el nivel para "aminorar" la percepción de la distorsión auditivamente. Pero aún así, no es más que una distorsión con menos volumen.

Conclusión
 El sistema digital no es infalible, pero es resultado de múltiples experiencias combinadas durante los últimos 20 años. Actualmente todo este proceso es muy intuitivo, pero experimentar con equipo análogo y sistemas híbridos abre muchas posibilidades creativas.

Yo recomendaría grabar entre -15 dB digitales para registro como mínimo y dejar un rango de -6 a 0dB para posibles picos o dinámicas propias de los instrumentos.

Al mezclar es mejor verificar el archivo que contenga una señal más debil, subiendo el volumen digital primero y escuchar si no agrega demasiado ruido de fondo. Normalizarlo puede ser una opción y no lo dejaría llegar más arriba de los -6dB, para que no destaque demasiado.

Si por el contrario, la señal es ruidosa en el fondo, es mejor atenuar los niveles de los demás instrumentos o canales para ajustarse al track con problemas y al final compensar con volumen la mezcla general.

Es mucho mejor registrar con un nivel óptimo para que no altere tu rutina de mezcla. Son opciones y seguro encontrarás la mejor respuesta experimentando

Rafael Mendoza graba a -15 dB como mínimo en sistemas digitales en Ad Libitum

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