Viernes de video: ¿Porqué nos cambia la voz?

Una de las preguntas más comunes de los cantantes en estudio, es que sucede con la voz cuando se envejece. 

Es muy notoria la forma en que el tono vocal cambia con la edad. Muchos cantantes se lastiman constantemente las cuerdas vocales, tratando de cantar temas que "antes" podían superar sin problemas.

Hoy en Viernes de video utilizaremos un video comparativo en la voz de Axel Rose, quien ha estado desarrollando cambios significativos durante los últimos 25 años.

 

La razón es muy sencilla. En términos médicos y musicales, existe algo llamado la "huella vocal". La testosterona engrosa las cuerdas vocales y las paredes de la laringe, lo que produce un cambio en el tono de la voz. La voz en los hombres puede alcanzar hasta una octava y la de las mujeres baja en promedio de 5 a 7 semitonos.

Pero el cambio significativo viene en la senectud, pues ante la ausencia de testosterona, la voz masculina se adelgaza nuevamente y la femenina se hace un poco más gruesa por los estrógenos.

Para Axel Rose es evidente los cambios durante los últimos años. A mi parecer un caso más severo es la voz de Paul Stanley de Kiss. 

El video muestra precisamente 25 años de cambios y como afecta el performance, criterios de afinación e intensidad de proyeccción vocal.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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7 reglas básicas para una prueba de sonido impecable..

Ya disfrutamos de las posadas y la temporada alta para eventos en vivo no se dejan esperar.

Es momento de hacer un análisis clave sobre las necesidades propias de una prueba de sonido (soundcheck).

Los momentos de tensión al sonorizar y realizar la prueba de sonido se intensifican o complican con la actitud de los artistas que se presentarán. No todos lo hacen, sin embargo, en México acostumbramos llegar al último momento.

Tal vez nos han agendado 2 o hasta 3 eventos el mismo día con distintos requerimientos y todo se vuelve una locura. La prueba de sonido es un momento crítico para asegurar la calidad de sonido para un espectáculo.

Así que te presentamos 6 reglas básicas para una prueba de sonido impecable

ANTES

1.- Seguridad ante todo: Parece demasiado obsesivo, pero trabajar sin el equipo adecuado y en condiciones peligrosas puede acabar en algo serio. Fajas, zapatos industriales, guantes, arneses, seguros, refacciones de transporte, herramientas necesarias. La seguridad es primordial y no se negocia.

2.- Trata al Staff como profesionales: No importa si viene de una prestigiada escuela de sonido o se hizo en el medio desde abajo. Tenga la edad que tenga, trátalos como profesionales. El sonido de todo el evento recae en ellos y la presión contra el tiempo es fundamental. No me cansaré de decir que la camaradería y el uso adecuado de las palabras mágicas (por favor y gracias) son el ingrediente principal de la eficiencia on stage.

3.- Carga y descarga eficientemente tu equipo: Te llevará unas 4 horas hacer un esquema de tu auto, van, camión o transporte usado para mover tu equipo. Acomodar dentro de ese espacio no significa que puedas hacer una carga y descarga eficiente. ¿Que debes sacar primero?, ¿podemos dejar el monitor en el piso para sacar el rack y la consola? Un reto al que pocos se atreven a resolver, pero que con ayuda de tu staff podrás organizar de manera profesional el ensamble y desmontaje de tu equipo.

DURANTE

4.- Utiliza tu Rider técnico y optimiza tus conexiones: Cables organizados, extensiones con la medida suficiente, aseguramiento y tendido al piso. El escenario es un área de trabajo que requiere planificación y detalle. No subestimes el tamaño y posición del mismo, pues la seguridad de quien lo aborde depende en parte de tu organización. Conexiones en fase y tierra adecuados. Sobre todo, etiqueta todo aquello que necesite ser del conocimiento de otros. Letreros de "No Tocar: Voltaje Directo" son tu responsabilidad

5.- Utiliza siempre 2 canciones para sonorizar: Normalmente es ideal utilizar la más ruidosa y explosiva para ajustar niveles, compensar el contenido armónico y evitar las retroalimentaciones (feedback) más comunes. Si hay micrófonos innalámbricos hay que moverse por todo el escenario para identificar las zonas problemáticas y evitar acercarse a ellos. Base rítmica tiene prioridad y monitoreo se recomiendan primero. Como músico, preocúpate de tu monitoreo y deja la magia del PA al Ingeniero.

DESPUÉS

6.- Convive con los anfitriones y otras bandas: Si el tiempo lo permite, interactúa con las personas que son anfitriones, los técnicos del local, el personal de seguridad y otras bandas. No necesita ser una plática extensa, pero a veces 5 minutos no te harán romper tu esquema de organización (porque tienes un esquema de organización ¿cierto?). Los conozcas o no, están trabajando en equipo para obtener el mejor show del mundo en ese espacio.

7.- Relájate lo suficiente: Siempre existe un sentimiento de perfección y nerviosismo al esperar la hora de abrir las puertas. Disfrútalo al máximo, porque si has hecho todo en tiempo y cubriendo al máximo posible las posibilidades, el show será un éxito sin lugar a dudas. Haz lo mejor que puedas para ofrecer una experiencia agradable a la audiencia. Mantenerse alerta es fundamental, pero no caigas en pánico y dejes que la presión te haga tomar decisiones fuera de lo común.

Conclusión

La prueba de sonido tiene la fama de condenar un show, si no se hace con tiempo adecuado y bajo criterios especificos. Hay muchas cosas que influyen en el desarrollo de un evento musical, que contribuyen a que la audiencia salga eufórica o no se obtenga respuesta tan buena de su parte en un evento.

Si esto sucede, déjame decirte que no depende de tu trabajo cambiar esas circunstancias y guarda tu equipo para estar listo en el siguiente show. Hacer tu trabajo y realizar un buen soundcheck te ofrece la seguridad de que tu evento se desarrollará con un margen mínimo de contratiempos técnicos, sonoros y organizacionales posibles.

Dedicado a todos los ingenieros, staff técnico, músicos, road managers, tour managers, booking managers y managers que se preocupan por poner al Soundcheck como un elemento importante para el disfrute de la audiencia.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum 

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Taylor Swift y Apple Music: ¿Juntos por un streaming mejor?

Taylor Swift no da paso sin huarache. Algunos meses han pasado desde que su "carta denuncia" retumbó días antes del lanzamiento de Apple Music.

Una gran parte de la comunidad musical, vió con beneplácito las "buenas intenciones" en las declaraciones de Swift. Algunos la pusieron en verdaderos pedestales por "defender" a los artistas de las "malévolas" disqueras y sus abusos por el servicio de Streaming.

El día de ayer, Taylor Swift y Apple revelaron su nuevo acuerdo que abre una nueva categoría en el marketing digital y para el Music Business. Un drama digno de Shakespeare en 3 actos y que anticipamos en nuestro blog con el artículo "5 razones para desmentir a Taylor Swift contra Apple".

Primer acto... La dama en peligro

Taylor Swift, empieza este drama de la vida real al romper sus vínculos de negociación con Spotify en Noviembre de 2014. Inicia una campaña de ataque contra los sistemas streaming y llama a la comunidad de las disqueras a "sensibilizarse" con respecto a las comisiones y porcentajes de la distribución digital.

Con un disco recién salido en Octubre, la cantante dió un golpe directo a Spotify, quien se estaba posicionando como el primer sistema de ventas por streaming en ese momento.

Apple por su parte, había adquirido en mayo de ese año a Beats Music, una compañía fundada por Dr. Dre, que había lanzado su servicio Beats Music recientemente. Por 3,000 millones de dólares, Apple se quedó con la compañía, pues iTunes estaba siendo competida fuertemente por las empresas de streaming Pandora, Deezer y Spotify.

Segundo Acto... Conjurando la estrategia

Aunque Spotify controlaba gran parte del mercado de streaming, la pérdida del año 2013 en gran parte de sus activos, hicieron pensar que Spotify estaba herido de muerte. 

Durante ese año, Spotify acusó a Apple de revender la plataforma de Spotify a través de AppStore en algunos países, creando desconcierto en los usuarios y una visita que incurrió en búsquedas fiscales para la compañía de Steve Jobs.

Una gran parte de las inversiones de Apple se vieron bloqueadas ante las auditorías por parte del Departamento del Tesoro y ahí se gestó la rivalidad persistente contra Spotify.

Spotify necesitaba demostrar que su modelo de negocio era rentable y que las pérdidas económicas habían valido la pena.

Apple necesitaba mover los 3,000 millones pagados por Beats Music y anunció el lanzamiento de Apple Music para Junio de ese año, con 3 meses de streaming gratuito a modo de prueba.

Taylor Swift, afirmó que dar "muestras gratis" era lastimar al artista en lo económico y lanzó un Tweet dirigido a Apple Music para que "corrigiera" su decisión.

En tan sólo 3 horas, Apple "respondió" a Swift que pagaría a las disqueras por el servicio de prueba de 3 meses para que los artistas no "sufrieran" un descalabro económico por la medida. Swift se vió como la heroína del cuento al estilo de "Los juegos del hambre".

Por una semana, la estrategia funcionó hasta que Daniel Ek, CEO de Spotify, lanzaba una cubetada fría a los servicios de streaming. 20 millones de cuentas premium en 6 meses y 75 millones de usuarios gratuitos que duplicaban sus números en un instante, dejando a Apple Music sin oportunidad por un buen tiempo.

Tercer Acto... Lo trabajado es cobrado

A pesar de las cifras manejadas por ambas compañías, Taylor Swift no volvió a pronunciarse contra Spotify y las plataformas digitales. 

Ayer, Apple anuncia en exclusiva, la difusión de la gira 1989 World Tour por streaming en Apple Music, además de una intensa campaña exclusiva, donde Taylor Swift será el rostro principal. Las pantallas de las Apple Store tendrán la imagen de la cantante y aparecerá en tarjetas de compra edición especial para fiestas decembrinas. Al parecer la campaña se extenderá todo el 2016.

Posicionar a cambio de opiniones sobre un competidor, parece ser la estrategia de marketing que acompañará la guerra del streaming los próximos meses.

Una estrategia que irónicamente Megaupload había aplicado en 2012 para el lanzamiento de su futura plataforma bloqueada por la ley SOPA, donde artistas de renombre recomendaban el servicio de la misma manera que Swift lo ha tomado para Apple

Conclusión

Estos acuerdos dan mucho que pensar entre las relaciones de Swift y Apple. Estamos ante una nueva forma de negociar. Swift ha usado su imagen para generarse un nombre como líder de opinión. Dudo mucho que la idea haya salido de la artista y me parece una estrategia propia de Apple para competir un mercado tan difícil como el streaming. 

Spotify amenaza constantemente la inversión de 3,000 millones de dólares de Apple. Recuperar esa inversión lo antes posible es fundamental para los activos de la compañía fundada por Steve Jobs. 

El reciente lanzamiento de Apple Music para Android, es señal clara sobre el estatus de crecimiento del streaming en términos económicos los próximos años.

El contrato de Swift es para mí, una de las cartas mejor jugadas de Apple para su campaña de marketing durante el 2016. Al mismo tiempo, da por sentado que esto se planeó al menos desde 6 meses antes de que Taylor retirara su material de Spotify, para relanzarlo en Apple Music.

Para el usuario común, estas estrategias pasan desapercibidas. Sin embargo, representan una realidad del Music Business más estratégico, complejo y profundo.  Quien sabe si los Beatles hubieran sobrevivido a esta realidad hace 50 años.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Los 10 artistas mejor pagados del 2015

Forbes lanzó el día de hoy, la lista de los 30 artistas mejor pagados del 2015.

El cálculo se efectúa a través de una revisión de contratos y cifras aproximadas que los artistas integran por concepto de presentaciones, inversiones y venta de imagen para campañas publicitarias; es decir, ingresos directos que podrían elevarse gracias a la expansión de estos recursos en otros negocios posteriores.

Aquí la lista de los 10 mejor pagados del 2015.

1.- Katy Perry (135 millones de dólares): Se calcula que cobró cerca de 2 millones de dólares por presentación.

2.- One Direction (130 millones de dólares): 74 fechas para la gira que se promedia con un valor de 2 veces el dinero recaudado por los Rolling Stones.

3.- Garth Brooks (90 millones de dólares): Aunque parecía que su carrera estaba estable, consigue aproximadamente 1 millón por presentación y su gira aún no termina. Podría subir más durante el próximo año.

4.-Taylor Swift (80 millones de dólares): Gana 4 millones por presentación. Este lugar es provisional, puesto que inició tarde su gira comparado a Katy Perry, pero podría ser el No.1 el próximo año.

5.- The Eagles (73.5 millones de dólares): La nostalgia no deja de vender. Las diferencias desaparecen cuando una cantidad tan fuerte ingresa a los bolsillos.

6.- Calvin Harris (66 millones de dólares): Ser DJ puede dejar ganancias considerables. Hay un gran debate con respecto a la música creada con samples y ejecutada por instrumentos. Ese debate queda sin argumentos con estas cantidades.

7.- Justin Timberlake (63.5 millones de dólares): Parte de sus ingresos se generaron de campañas publicitarias para Sony, Budweiser y ahora Tequila Sauza. Esto le permitió seguir invirtiendo en el desarrollo de la nueva etapa de MySpace.

8.- Diddy (60 millones de dólares): Cuando la música deja de fluir, siempre están los endorsements para llegar al rescate. Revolt, Sean John, Aquahydrate, Tequila DeLeón y Vodka Ciroc, son sus principales fuentes de ingreso

9.- Fleetwood Mac (59.5 millones de dólares): Siempre hay lugar para la música del recuerdo y Fleetwood Mac consiguió vender 86 conciertos en su última gira. Nada mal para bandas que se creían parcialmente retiradas.

10.- Lady Gaga (59 millones de dólares): Lady Gaga bajó casi 6 escalones con respecto al año pasado. Su último tour dejó una serie de pérdidas a la artista por el tamaño de su producción. Este 2015 consiguió tratos con Versace y MAC. Posiblemente el próximo año realice un repunte.

Conclusión

Cada vez es más común encontrar ingresos por patrocinio. El costo de los tours se ha abaratado principalmente por la gran variedad de promotores alrededor del mundo que permiten al artista viajar con el mínimo requerimiento técnico, humano y artístico.

En peldaños inferiores con ingresos menores entre los 25 y 50 millones de dólares se encuentran artistas como Paul McCartney, Rolling Stones, Foo Fighters, Bruno Mars, Eminem, Dr. Dre, Tiesto, Britney Spears.

No cabe duda que el negocio del espectáculo deja grandes ganancias, pero sobre todo, habría que analizar el costo total de inversión para generarlas, lo que habla de una planeación intensiva que no es casualidad o suerte

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Viernes de video: Eagles of Death Metal y la noche en el Bataclan

El pasado 13 de septiembre, una serie de ataques en Paris fueron noticia de primera plana alrededor del mundo.

El ataque más intenso se realizó en la sala de conciertos Bataclan, donde la banda Eagles of Death Metal ofrecía un concierto que llevaba aproximadamente 1 hora de haber iniciado.

Elegí este video porque lo considero un documento importante desde el punto de vista seguridad en locales, teatros, conciertos y eventos masivos. Ningún tour manager, sistema de seguridad privada e inclusive la policía local, están preparados para una eventualidad de esta magnitud.

Cortesía del sitio Vice.com, el video ha sido subtitulado en español y es la primer entrevista que ofrece la banda sobre los hechos del Bataclan el 13 de noviembre. El ingeniero de sala, fue la primer persona en hablar sobre ello en un video difundido dos días después del hecho, sin embargo, conocer la visión como equipo resulta más integral. 

Recientemente hemos visto en nuestro país algunos problemas de seguridad en bailes, conciertos e inclusive muchos locales representan un peligro al contener una gran cantidad de gente sin los recursos necesarios para un desalojo de emergencia.

La desgracia ocurrida en el Bataclan, más allá de lo escrito por los medios (en algunos casos demasiado morboso), es sin duda una oportunidad de rediseñar los procedimientos de seguridad en locales y eventos que se debe incluir en una agenda.

Mi intención con la muestra de este video, no es generar una alerta sobre la posibilidad de amenaza terrorista, sino tomarlo en cuenta para un nuevo debate sobre las políticas en prevención de desalojo ante diversas circunstancias, donde manager, músicos, técnicos y la población que asiste a un evento de entretenimiento, tenga las herramientas y conocimientos clave para saber que hacer en una situación de emergencia.

Les dejo el video y espero se hable más de este aspecto en los próximos días en la comunidad del Music Business.

Recuerden activar los subtítulos en español.

 

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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12 recomendaciones de seguridad para músicos...

Nada existe más importante que la seguridad personal en cualquier área profesional. Casi siempre pasan nuestros días sin que ocurran incidentes mayores, pues la prevención es fundamental.

 

Aunque el tópico de la seguridad abarca muchos aspectos y niveles en la cadena del Music Business, las siguientes recomendaciones son importantes para cualquier músico, sea en estudio, concierto, ensayo o palomazo.

En algunos casos, la seguridad depende directamente del anfitrión donde nos ubiquemos, pero siempre es deseable aportar nuestro granito de arena para prevenir accidentes mayores.

1.- Bebidas sobre aparatos elecrónicos: Yo sé que se ve muy cool e inclusive hay artistas que aprovechan esto para generar una sensación de rebeldía en el escenario, pero es la causa número uno de cortos circuitos en un sistema en vivo. Aunque las botellas o latas estén cerradas, deben permanecer alejadas de sistemas eléctricos y electrónicos. Las mezcla de líquidos y electricidad son la combinación ganadora para el desastre. Puede ser fatal. Si tienes que tomar bebidas, especifica que sea agua embotellada, colócala en el piso, detrás del escenario o a un costado de donde estés tocando o trabajando. Es común poner el agua cerca del bombo de la batería. No es recomendable por las vibraciones, aparte que a veces el baterista golpea demasiado fuerte y produce desplazamiento del bombo.

2.- Botellas y latas en recipientes recolectores: Colocar los envases dentro de recipientes que puedan contener el líquido para evitar que se riegue sobre el escenario. Puedes colocarlos también sobre una franela o toalla lo suficientemente grande para que absorba directamente el líquido. No uses toallas de papel.

3.- Utiliza bases para instrumentos adecuados: Dejar los instrumentos en el suelo del escenario puede provocar caídas y la pérdida de tu instrumento. Utiliza bases adecuadas. Si llevas estuches duros cierra todas las mariposas y broches adecuadamente. Algunas mariposas tienen acabados mal terminados y pueden cortar profundamente. En ocasiones, la forma de los estuches está rematada con guías de aluminio que pueden doblarse y exponer el filo hacia afuera. Mantén tus estuches en buen estado.

4.- Siempre pregunta antes de conectarte a la red eléctrica: Aquí hay que usar el sentido común. En muchas ocasiones, los encargados del suministro eléctrico no definen los conectores para el backline y equipo periférico adicional.  No importa cuantas veces debas preguntar y a cuanta gente sea necesario buscar... NO TE CONECTES HASTA SABER SI LA TOMA DE CORRIENTE ES LA ADECUADA... Tu seguridad está de por medio.

5.- Nunca desconectes equipo sin preguntar: Sobre todo cuando hay que hacer cambios rápidos, tomamos la decisión de desconectar nuestras guitarras, sintes y computadoras instintivamente. Pregunta siempre al encargado del escenario si ya puedes iniciar la desconexión.

6.- Utiliza zapatos adecuados: Está muy de moda salir a cantar en chanclas, descalzos y hasta sobre alfombras. Hay excelentes razones para no hacerlo. Primero, la estática producida por la alfombra puede causar pequeños choques eléctricos entre tu equipo y tu (toques) si la instalación no está bien aterrizada. Hay muchos elementos en el escenario que podrían dañar tus pies. Clavos salidos, malos remaches, rebabas de metal, cables abiertos. El equipo puede ser pesado y a veces se mueve para corregir su dispersión. Evita machucones o golpes en esquinas afiladas. Lo recomendable es utilizar zapatos cómodos y de ser posible con suela ligeramente gruesa.

7.- Siempre vigila tus pasos: Antes de moverte en cualquier dirección, asegúrate de mirar hacia los 4 puntos cardinales para asegurarte que no existe una persona, instrumento, caja, monitor, bebida o celular a tu alrededor con el que puedas tropezar, lastimar o romper. Hay que saber caminar en el escenario, después de todo es un área de trabajo especializado.

8.- No te subas a las estructuras: Recientemente un artista muy conocido se trepó a una estructura del escenario para seguir bailando. Estas actitudes poco profesionales hacen pensar al resto de la gente que todas las estructuras soportan su peso. Hay un límite entre lo que puede sostener un rack de equipo, un sistema de sonido, una polea, un arnés y una estructura. Además de ponerte en riesgo , pones en riesgo la vida de los otros músicos, técnicos, managers y también a tu público.

9.-Nunca fumes en el escenario: Aunque el cableado y los equipos cuentan con un sistema retardante de fuego, existen decenas de elementos flamables en múltiples circunstancias. Es común repintar partes del escenario, utilizar pegamentos industriales para la escenografía, generadores a base de gasolina o diesel que pueden estar ocultos en el escenario. Podría haber fuegos artificiales instalados. Otra de las actitudes que repruebo en músicos muy conocidos, es fumar de forma irresponsable en medios de difusión.

10.- Nunca arrojes cosas al público: Lanzar botellas o latas puede obtener varios resultados. Ojos lastimados, derrames, cortes en el rostro, además de la pérdida del respeto por parte de tu público. 

Arrojar baquetas tampoco es una buena idea. Si quieres obsequiar un par de baquetas, acércate a tu público y entrégalas en mano. 

11.- Lleva tu propia cinta: Aunque tu presentación lleve 25 minutos, la responsabilidad sobre la seguridad de tu equipo y cables es primordial. Carga contigo una cinta de aislar y cinta tipo gaffer o de uso rudo (es plateada y gruesa). Nunca utilices masking tape porque está hecha con celulosa de papel y podría encenderse con el calor de una conexión o chispazo.

12.- Siempre ten un número de emergencia: Ante una situación donde no puedes responder a emergencias (desmayo, falta de conciencia y dolor extremo), recordar un número o números de emergencia para familiares es imposible. Agrega a tu celular un contacto al que toda la banda sepa donde llamar si es necesario. Escribe en una tarjeta los números y nombres de personas que pueden atender la emergencia. Pégala al interior de tu estuche, dentro de tu baquetero, en tu cartera y dáselo a tu manager. Incluye tipo de sangre y alergias a medicamentos o si estás siendo tratado para alguna enfermedad específica de tipo crónico, además de la medicación vital con cantidad de dosis y periodos de dosificación. (ejemplo: Penicilina de 500 mg 1 cada 12 hrs)

Conclusión

El éxito de una presentación, evento, ensayo o palomazo depende de un trabajo en equipo. La seguridad de un evento está a otro nivel muy superior, pero nuestro aporte puede hacer la diferencia entre un espectáculo sin contratiempos y algo que puede salirse de control.

No está de más pedirte que verifiques constantemente el mantenimiento de tus cables, equipos e instrumentos. Investiga si tu cableado es de buena calidad y sustituyelo por uno más adecuado.

Seguiremos hablando de estos tópicos de seguridad. Inicia desde ahora estos cambios, siempre hay lugar donde poner en práctica estas recomendaciones particulares.

Rafa Mendoza escribe y produce para Ad Libitum

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El día que Apple se incubó en Android...

Hace algunos años, imaginar a Apple desarrollando aplicaciones para otras plataformas parecía una pesadilla para los fans más arraigados de Steve Jobs.

Desde el regreso de Jobs a Apple en 1997, se inició la polémica cuando invitó a Bill Gates durante la conferencia de prensa para el re-lanzamiento de la compañía.

El odio entre Apple y Microsoft se había trasminado desde la boca de Jobs años antes. 

¿Qué hubiera dicho Steve Jobs ante el desarrollo de aplicaciones para Android?

Del odio al amor...

Las declaraciones de Jobs contra Google a partir de su inclusión en los dispositivos móviles y el lanzamiento de Android, dejaban entrever que el CEO de Apple consideraba este apoyo a Larry Page y Sergey Brin una traición al entregar un sistema de código abierto.

Poca gente sabe que Google en sus inicios, buscó contratar a Steve Jobs como su CEO y entraron en negociaciones muy profundas. Jobs no alcanzó a aceptar, debido a que se dió cuenta que Google entró al negocio de los smartphones.

En la biografía autorizada de Jobs, escrita por Walter Isaacson, Steve declaró:

"Voy a utilizar hasta mi último suspiro de ser necesario, y voy a gastar cada centavo de los 40 mil millones de dólares que Apple tiene en el banco, para corregir este mal… Voy a destruir Android, porque es un producto robado. Estoy dispuesto a ir a una guerra termonuclear sobre esto..."

El argumento de Google al presentar Android, era que su sistema era una tecnología abierta a la experimentación, mientras sus contrapartes eran sistemas cerrados, refiriéndose a iOS y Windows Phone.

Es de sabios cambiar...

El sorpresivo lanzamiento de Apple Music llegó acompañada de una noticia que heló a los fans de Apple alrededor del mundo... Apple Music llegaría en el último trimestre del 2015 para Android.

¿Que hizo cambiar la desición de Apple sobre Android?

Casi nada, el 52 % del mercado que no pudo probar el servicio de streaming, cerca de 1.2 billones de usuarios (según Google).

Apple Music Android está considerado un beta para probar los mecanismos del sistema y sus actualizaciones. Disponible en 100 países, excepto China que posee el grupo de usuarios Android más grande.

Lo que Apple busca es sustentar y competir el mercado cautivo de Spotify con 20 millones de suscriptores. En 4 meses, Apple ha convencido a cerca de 6.5 millones de usuarios a tener una cuenta de sus servicios de streaming.

Conclusión

El periodo de implementación y sustentación ha comenzado con buena marcha, pero no significa una competencia sencilla para Apple. Es bien conocida la tendencia de consumo por parte de los usuarios de Android, menos afectos a comprar aplicaciones que los seguidores de Apple.

Tim Cook ha sido criticado severamente por ser conductor de las desiciones en el Consejo de Apple, pero los tiempos de Steve Jobs se fueron y no volverán. Una de las compañías más fuertes dentro de un mercado tan volátil, cambiante e inestable como el music business, no puede simplemente apegarse a las reglas de un visionario fundador. 

Apple ha decidido anidar en Android... Los tiempos cambiaron... Lo que la música unió, jamás lo separe... ¿Es hora de un nuevo Apple?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Jingles del IMSS: Salud a ritmo de tribal

Desde hace un tiempo quería tocar el tema de los jingles para las campañas de instituciones públicas.

Las campañas del Instituto Mexicano del Seguro Social basadas en el concepto de prevención (Prevenimss) causaron un revuelo en la comunidad musical.

Varios colegas me hablaban con disgusto sobre la elección del género utilizado para realizarlo. El género tribal estaba en boga durante el desarrollo de la campaña. Recientemente la campaña contra el Chikungunya ha sido acompañada de ritmos reggaetoneros.

¿Se trata de una elección arbitraria?... Veamos un ejemplo del jingle de Prevenimss.

Audiencia target

Un elemento común en la comunicación de masas y el marketing (social en este caso), es la audiencia objetivo o "target". Este dato es fundamental para la realización de cualquier campaña publicitaria independientemente de su objetivo comercial, social o informativo.

La elección de los ritmos tribales y reggaeton para los spots publicitarios del IMSS, obedece a que se debe facilitar la difusión del mensaje, utilizando recursos comunes y mejor aceptados por los segmentos económicos, edad y género que integran la población mexicana.

Seguramente la música tribal no está asociada a un segmento de clase media, que accede a recursos informativos de primera mano como internet o redes sociales. Al utilizar un medio de difusión tan amplio como radio y televisión, debe tomarse en cuenta la diversidad cultural a la que llega la información.

En este caso, aunque la campaña va dirigida a la población general, se optó por utilizar aquellos elementos culturales que alcanzan una difusión mayor. Es decir, no se puede hacer un jingle a la carta para segmentos económicos y culturales superiores. 

El disgusto por parte de algunos colegas obedece a que su educación musical y percepción cultural está por encima del nivel promedio de la población. 

Digamos en pocas palabras que estos colegas son inmunes o difícilmente serán seducidos por una campaña fondeada con música tribal o regaetón.

Debate cultural

Justificada la parte de elección por segmento de la población, el debate pendiente que se han planteado algunos críticos de la política social, es si debemos utilizar los géneros como tribal y reggaetón para enviar mensajes a la población. Principalmente porque estos géneros han sido vinculados con comportamientos sociales no muy bien vistos por la mayoría de la población entre 29 y 69 años.

Los iniciadores de estos debates, han propuesto realizar una regulación o protocolo para la realización de campañas sensibles o importantes para la población. Pero a mi forma de parecer, creo que no es el camino adecuado para ello. Una cosa es el gusto personal o la defensa de las buenas costumbres y otra cosa muy diferente es realizar una campaña efectiva sobre una amenaza de salud.

Conclusión

La campaña de Prevenimss cumple efectivamente con su cometido. El tribal ha permitido insertar un mensaje claro; en mi opinión, "Chécate, mídete, muévete" es una recomendación cada vez más estrecha y mejor dirigida , comparada a la de hace unos años donde se promovía la actividad física en las unidades de salud del IMSS, utilizando una música institucional. Todos queremos evitar el Chikungunya sea cual sea la condición social, económica o cultural, simplemente porque la salud no respeta esa frontera tan humana de la distinción.

Así que no te extrañe, si la próxima campaña para evitar una pandemia como el cólera o H1N1 viene acompañada de un jingle a ritmo de norteño banda (CONSAR ya la utiliza en su spot de "Con 10 pesitos").

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YouTube Music Key: ¿Cómo colarse en la guerra del Streaming?

La guerra del Streaming ha entrado en una recesión temporal los últimos meses. Las compañías que encabezan la lista, han tenido problemas para sustentar sus políticas y expander el mercado, debido a distintas circunstancias clave.

En el caso de Spotify, la salida y quejas constantes de artistas insatisfechos con el modelo de negocio, han parado abruptamente las decisiones de la empresa. En el caso de Apple Music, las metas prometedoras de suscriptores se vieron muy limitadas. El servicio no ha sido lo prometido y las diferencias con otros servicios de streaming, no le han permitido mejorar su captación.

A Deezer, que pensaba saltar al negocio del streaming en video, el mercado lo hizo detener sus posibilidades de entrar a la Bolsa de Valores.

¿Podrá YouTube Music Key aprovechar esa recesión de mercado?

YouTube Music Key: ¿Complemento de Google Play?

El pasado 12 de Novimebre, YouTube Music Key fue oficialmente lanzado en Estados Unidos. El servicio permite configurar las opciones de listado por preferencias y alternar entre modo video o audio solamente.

La eliminación de anuncios durante la reproducción también ha sido eliminada para permitir un flujo constante de música. Se pueden aplicar filtros regionales e información adicional sobre el artista a través de sus canales.

YouTube es el tercer sitio más visitado después de Google y Facebook. Esta unión estratégica entre la plataforma de búsqueda y el sitio de videos, es una de sus grandes fortalezas.

La apuesta es clara. YouTube buscará ofrecer contenido exclusivo dentro de sus canales, de forma similar a Netflix en producciones propias. Conciertos, transmisiones en vivo y eventos especiales serán la propuesta más atractiva del sitio.

Las fortalezas de la plataforma

La plataforma posee un éxito adelantado al tiempo del servicio streaming. La última estimación proporcional a número de videos disponibles es de 120 millones de videos. Esto lo convierte en la plataforma con mayor cantidad de contenidos en diversos géneros y temas.

Se estima que diariamente se suben 50 días de material, aproximadamente 300 horas de video por minuto.

La infraestructura tecnológica que ofrece YouTube, le permite manejar 1 millón de anunciantes distribuidos en los canales autorizados para publicidad, sin contar las posibilidades técnicas de streaming en vivo en video de alta calidad en transferencia.

Ninguna otra plataforma provee contenidos tan amplios en disponibilidad inmediata. Sin embargo, Netflix opera de forma alternativa con materiales de licencia que vuelve compleja su operación.

YouTube tiene la capacidad de transformarse en una plataforma de contenidos musicales On Demand instantánea y ofrecer listados de reproducción a la medida de cada suscriptor.  Estas fortalezas podrían llevar la lucha del streaming musical en formato audiovisual, en donde su único y posibles contendientes pueden ser iTunes, que goza de un 7 % del mercado estadounidense y Deezer que ha tenido que aplazar su lanzamiento por pérdidas económicas.

Conclusión

YouTube entra en la guerra del Streaming bajo favorables circunstancias. En este momento y por lo menos hasta inicio del 2do trimestre del 2016, no se le ve algún oponente enfrente.

Ha llegado primero que nadie a la plataforma del streaming de video y parece que seguirá reinando un buen tiempo. VEVO sentó los precedentes de su operatividad al vincularse Google, Sony y Universal Music en su desarrollo.

Se podría decir que YouTube necesita de los contenidos para subsistir y que las disqueras mayores necesitan su canal de distribución para permanecer vigentes en sus productos. Esta simbiosis podría revertirse con los años y aunque no está confirmado, parece ser que la estrategia clara es crear contenidos, conciertos, artistas y conceptos musicales propios de YouTube. ¿Veremos a Adele firmar un contrato con una subsidiaria de Google?... Sólo el tiempo lo dirá.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum y sigue la guerra del Streaming

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Viernes de Video: Ad Libitum Incubadora de Soluciones para el Music Business

Hoy viernes de video, quiero compartirles el video de lanzamiento para la nueva propuesta de Ad Libitum. 

Comprender el negocio del Music Business es complicado para una generación que ha crecido pensando que ser músico no es rentable. Y ciertamente, las condiciones adecuadas deben confluir para que una industria sana se desarrolle normalmente.

Poner en orden un país entero es una labor titánica. Querer hacerlo con el mundo es imposible. Sin embargo, conocer los pros y contras en toda actividad del Music Business, si permite tomar decisiones que sostengan a los proyectos por años para que rindan su mayor propósito.

El pasado 18 de Noviembre, Ad Libitum expandió sus límites para transformarse en Incubadora de Soluciones para el Music Business.

Comparto el video de lanzamiento a continuación

Desde una perspectiva de incubación, la propuesta se centra en el desarrollo de emprendimiento en proyectos del Music Business. 

Asimismo, también busca complementar a proyectos establecidos y el reconocimiento de empresas ligadas a esta actividad en México.

He tenido el placer de participar en este proyecto desde su inicio y ver su desarrollo paso a paso me sigue permitiendo saber que de todos los escenarios posibles, siempre existe uno que abre las oportunidades para quienes intervenimos en la industria.

Ya puedes integrarte a este proyecto visitando su sitio web www.adlibitum.com.mx y registrándote para dejar tus datos de contacto. 

Habrá una serie de pláticas informativas en línea próximamente, así que participa lo antes posible para que ingreses a ese grupo de forma directa.

Pasen un bonito fin de semana y compartan este link para quien pueda interesarle. Nos ayudaría mucho.

Rafael Mendoza produce para Ad Libitum

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4 formas efectivas de auto sabotearte en redes sociales...

Regresando al blog de una corta temporada, recobrando bríos y muy contento de seguir en este proyecto de Ad Libitum.

El día de ayer se publicó el inicio de Ad Libitum Incubadora de Soluciones para el Music Business y hemos podido atender a las primeras preguntas sobre Music Business. Les invito a integrarse en www.adlibitum.com.mx para que conozcan más detalles.

El día de hoy vamos a revisar 5 formas efectivas de cerrar la puerta a nuestros proyectos, personas y objetivos de forma personal. 

Existe una delgada línea entre la parte personal y profesional en los humanos creativos. Aprender a reconocerlas puede evitarnos perder oportunidades importantes para avanzar. 

1.- Comentar temas controversiales, sin información suficiente: A veces seguir las tendencias de un evento o situación viral en redes sociales, se convierte en una ventana por donde todos pueden mirar tus pensamientos y formas de interpretar el mundo. No es menor la cantidad de artistas que ante su legión de admiradores, se sienten capacitados para emitir comentarios como líderes de opinión. 

En temas delicados, es mejor evitar malas interpretaciones. Si quieres participar del debate, infórmate de las dos caras de la moneda y señala solamente aquello que puedas manejar.

2.- Compartir videos virales de mal gusto o fuera de proporción: Puede parecer muy tentador poner en tu muro el video de Edgar con la versión remix de Street Fighter... pero si tu banda o proyecto se vincula directamente con un sector infantil, puede ser un gran error. Las redes sociales están plagadas de ejemplos contradictorios como bandas de rock ofendiendo a los seguidores del Reggaetón y en su siguiente post declararse abiertamente humanos del mundo libre y la paz mundial.

3.- Quemar o quemarse profesionalmente ante otros: El Music Business está plagado de oportunidades de revancha, descalificaciones, desmotivaciones y críticas destructivas. Caer en este juego y fomentarlo con seguimiento extenso en una sección de comentarios, puede acabar con oportunidades reales de contacto con nuevos clientes, productores, compositores y disqueras. Aunque libras la batalla contra uno, recuerda que hay miles observando... y podría ser una gran oportunidad.

4.- Confundir tu yo real con tu alter ego: Es imposible que dentro del Music Business, no intentemos destacar nuestros logros y esfuerzos. Para el alter ego, cualquier cosa que rompa con su ilusión, debe ser destruido y aniquilado en cualquier forma. Tal vez nos conozcan con una imagen tierna y segura dentro de la banda, pero si no reconocemos donde inicia nuestro alter ego, las cosas se pueden poner feas ante la mirada de todos. 

Conclusión

Las redes sociales se han convertido en grandes aliadas para la nueva industria 4.0. Saber trabajar una imagen y visión para tu proyecto, es fundamental para obtener una herramienta clave en situaciones de crisis. Recuerda que las redes sociales son una ventana a la intimidad que otros saben aprovechar muy bien para sabotear tus esfuerzos.

Recomiendo ocultar tu perfil personal, donde están tus amigos y familia. Crea una segunda cuenta que apoye la visión de tu proyecto y la banda. Maneja ambas con el criterio adecuado y permite que trabaje a tu favor. 

Gracias por seguir leyendo este blog y a partir de hoy, nos seguimos viendo diario. Un saludo.

Rafael Mendoza escribe para Ad Libitum

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Monetizar o hacer dinero de la música: ¿Es lo mismo?

Estar de vuelta en el Blog es reconfortante, después de una breve pausa para atender algunos proyectos interesantes para ustedes. Conviví estos días con personas interesadas en el tema del music business y me di cuenta que existe un gran problema de percepción general.

Cuando hablamos de "hacer dinero" con la música, la sensación de rechazo es inmediata. Pero cuando cambiamos el concepto por "monetizar" las actividades musicales, suena mucho más sugerente y real.

Para los expertos en capitalismo, esto podría parecer la misma expresión, pero disfrazada o endulzada por un término menos agresivo. Sin embargo, hay una diferencia abismal entre la interpretación entre ambos conceptos

¿Hacer dinero de la música?

Es desafortunadamente, el concepto más aceptado, porque se percibe un interés o abuso en prejuicio de las artes, en nuestro caso la música. Se entiende que a pesar de la inversión en tiempo, aprendizaje, técnica y materiales, se utiliza al arte como producto a cambio de simples monedas. 

También es el concepto más utilizado para definir la toma de decisiones por parte de disqueras, managers y artistas. Y siendo honestos, existe una gran cantidad de personas, suplantando con acciones orientadas a "hacer dinero", sin conocimiento alguno del negocio musical.

En México tenemos a la figura de los "representantes" artísticos, el "caimán" del grupo o el "dueño" del proyecto. No hablo en sentido general, sino que es fácil reconocerlos porque son figuras que han trascendido durante años y que intentan aplicar técnicas de hace 30 años para el Music Business. 

Piden dinero sin dar recibos, se dicen conocedores y estar "conectados" con las palancas fuertes ("yo conozco al promotor tal..."). Negocian presentaciones en lugares donde no pagan más que con cervezas y aparte llegan con amigos a ver a sus "descubrimientos". 

Afortunadamente esta figura está desapareciendo y desafortunadamente algunas prácticas se han preservado en áreas del Music Business que urge erradicar.

¿Monetizar la música?

En realidad creo que utilizar este concepto también es inadecuado. Una forma más real sería decir "monetizar tus actividades musicales". Independientemente cual sea la manera de obtener un recurso a cambio de servicios en el Music Business, sonorizar, renta de equipo, bar karaoke, grupo musical, grabación, producción, mezcla DJ o imitación, monetizar significa recibir un beneficio económico a cambio de tu actividad.

Incluso cuando tu objetivo principal no es obtener recursos económicos, necesitas tener una idea clara de quien hace que, cómo hacer que se alcancen los objetivos y cuantos costos están comprometidos.

Esto implica que debes saber que haces cosas que están legalmente permitidas y quien tomará las responsabilidades si algo sale mal. Más allá del concepto de libertad artística que merece un tratamiento aparte, debes entender que no todo el arte es para todas las personas.

Siempre que hay dinero involucrado, se debe poner atención no sólo de cuanto ganarás o no, sino que a pesar de no ganar algo a cambio de tus actividades, tampoco estás perdiendo algo importante.

Conclusión

Monetizar tus actividades musicales va más allá de la obtención de recursos. A veces me preguntan si hacer una banda es buen negocio. La mejor manera de evaluar esto es saber cuantos recursos económicos, personales, tiempo y esfuerzo requiere ese proyecto en particular. 

Obtener una ganancia no es siempre el objetivo de algún proyecto. Si se vuelve sustentable basta para hacerse viable. Es decir, puede ser que simplemente se mantenga en actividad el tiempo necesario para cumplir un objetivo clave. Monetizar ganancias puede no ser su objetivo principal, pero monetiza recursos que le permiten seguir viviendo.

Por el contrario, monetizar para obtener ganancias también puede ser viable siempre y cuando se vuelva rentable. Ganar 1 peso o 200 pesos es una ganancia, pero pocos nos preguntamos ¿es rentable ganar 1 peso o 200? 

Este tema de la rentabilidad requiere de un post adicional, pero baste decir que para comprender mejor al entorno del Music Business, debes dejar de pensar en "hacer" dinero, a cambio de "monetizar" tus actividades musicales.

Rafa Mendoza realiza producción en Ad Libitum

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Las 7 inversiones irrenunciables para el Music Business

Cuando inicias una banda o proyecto, existen elementos en la era digital que son fundamentales para alcanzar peldaños más altos. 

Es un poco contradictorio para la mayoría de los músicos, defender su arte interpretativa sin tomar en cuenta que la única manera de posicionarlo es invirtiendo adecuadamente en ello.

Muchas bandas, intérpretes y músicos, creen que el Music Business solamente existe en lo que llaman "grandes ligas". Sin embargo, lo único que cambia entre su proyecto y uno presentado en el Auditorio Nacional, es el tamaño proporcional del espectáculo que se presenta.

Si deseas trabajar en un entorno mejor del Music Business, debes tomar en cuenta 7 inversiones clave para su desarrollo. Ahorrar para utilizarlas en su momento, no debe ser problema para una banda, organización o proyecto bien organizado.

1.- Fótografo o videógrafo profesional: Está bien que puedas ocupar el talento de tus amigos o conocidos para realizar un video a un costo bajo. Pero de la vista nace el amor y finalmente, todo lo que haces es para incentivar a tus fans a seguirte. Un fotógrafo profesional experimentado en Music Business, sacará lo mejor de tu banda sin siquiera incluir imágenes en movimiento. Un videógrafo profesional, aportará calidad creativa fundamental en la era del video digital. 

2.- Diseñador gráfico: Es increíble la cantidad de material bien trabajado que goza de un arte en sus plataformas y portadas realizadas por un miembro de la banda que le sabe al PowerPoint. A menos que seas un artista nato que puede pintar la Mona Lisa en Paint, ceder este trabajo a un diseñador gráfico profesional especializado en los conceptos de tu música, es la mejor inversión que puedes hacer.

3.- Promocionales creativos: Una de las estrategias en Marketing de Guerrilla para el Music Business, es utilizar materiales promocionales de forma creativa. Mandar imprimir una lona de 2 x 1 metro no es suficiente para hacer que tu banda se vuelva memorable. Combina el uso de estos promocionales con tu performance onstage y convierte a extraños en fans incondicionales. Inicia con objetos pequeños pero significativos.

4.- Publicidad en redes sociales: Existen oportunidades enormes para incrementar el número de fans. Uno de los grandes errores al pagar redes sociales es invertir cuando no hay material nuevo o algo que promover de inmediato. Invertir en ads en las redes adecuadas, puede incrementar la difusión del material. No esperes recuperar dinero en ventas. Las estrategias en redes sociales son para generar productos de información valiosos para el desempeño de tu proyecto.

5.- Press Kit Profesional: Acompañado del diseñador adecuado, un EPK o Press Kit Electrónico, es la herramienta clave para abrir tus opciones a fechas, eventos, mamparas culturales y puntos de venta de tu material. Invertir en su forma, empaque y diseño gráfico es una forma inteligente de invertir recursos más que unas baquetas luminosas o amplificadores vintage que no sacarás nunca de tu casa por lo raros que son.

6.-Asesoría Legal: Tarde o temprano se necesitará contar con asesoría legal dentro del proyecto. Los lanzamientos, acuerdos de distribución o negociación para todas las partes, implica un aseguramiento de voluntades. Lamento decir que los acuerdos sin punto legal son oportunidades inestables. He visto disqueras quebrar simplemente porque ha firmado bandas que no están organizadas legalmente. El talento no lo es todo. 

7.- Mantenimiento en instrumentos: La responsabilidad del sonido o impacto de tu proyecto, proviene de la calidad de ejecución y el instrumento que lo genera. Hay bandas o proyectos muy talentosos con baterías y platillos rotos, parches marcados, cuerdas oxidadas, pastillas en mal estado, amplificadores con potenciómetros flojos o rotos, teclados con teclas sin funcionar, bajos mal alineados... Aparte de la mala imagen que proveen, su sonido siempre está afectado por dejar el mantenimiento para después... ¡Ahora creo que sabes porqué no es bueno cobrar solo cervezas en un evento!

Conclusión

Music Business es un negocio que necesita un enfoque de inversión, promoción, administración, capacitación y muchas otras áreas que lo complementan.

No basta con invertir en un instrumento y lanzarse al estrellato. No hablamos de los profesionales involucrados en otras áreas que también contribuyen a mejorar el negocio del Music Business. Pero si te interesa sobresalir, ninguno de estos aspectos es negociable si quieres destacar dentro de tu zona, región o país.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Fracking Musical en México

El término "fracking" está de moda. Una forma de explotar y obtener recursos no renovables de los suelos inyectando agua, químicos y sustratos. Esto posibilita la fracturación del terreno para liberar elementos energéticos como gas o petróleo. Sin embargo, también posibilita la contaminación del agua, problemas de estabilidad de terreno y una serie de complicaciones a la región donde se realiza.

Reflexionando un poco sobre ello, me parece que la industria musical en México, ha vivido intensamente un proceso similar al fracking energético. De ser así, simplemente hemos visualizado la punta del iceberg en muchos sentidos.

Los datos de Amprofon

De acuerdo a la Amprofon, el 59 % de las ventas digitales durante el primer semestre de 2014 fueron ventas digitales. Los formatos físicos representaron el 41%. Es decir, 32.4 millones de dólares fueron ingresados durante este periodo, siendo un 13.87% del mismo periodo.

Los datos de streaming, alcanzó un triunfal crecimiento de 130%, que finalmente representa el 41% de las ventas digitales.

Se consolidaron en nuestro país, plataformas como Spotify, Deezer y Rdio. 29% de las ventas fueron sencillos, 15% álbumes completos, 8% contenido móvil, 5% ringtones y solamente el 1% de videos musicales.

83% de las ventas en música física fue en CD; 12% DVD audio y 4% DVD video. el 1% restante se integró por plataformas de vinil, cassettes, minidisc y blue ray musical.

Los más vendidos fueron artistas mexicanos con el 34%, Internacional en inglés con 29%, internacional español con 24%, compilaciones de artistas con 6%, regional español 3%, regional anglo 2% y música clásica 2%.

El gran truco

A simple vista, parece que el mercado musical en México es fuerte. Sin embargo, lleva años desgastándose y degradándose ante nuestros ojos. La Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas (AMPROFON), dejó de ser una entidad nacional a finales de los años 60.

Poco a poco cedió su participación de mercado a las nuevas transnacionales en crecimiento. Sony, EMI, Warner y BMG, tomaron poco a poco el control del mercado mexicano durante los años 70. 

Actualmente, las cifras arrojadas por Amprofon, son números de la industria transnacional, es decir, este dinero se va al exterior, dejando empobrecido el mercado mexicano. Las Majors se apropiaron de las maquinarias de producción para CD durante los años 80 y ahora están impulsando el consumo digital en la zona. México junto a Brasil, son los principales consumidores de streaming y descarga digital de Latinoamérica.

¿Dónde están las políticas de resurgimiento para el mercado nacional? En México existen incontables productores y conocedores del Music Business que han dejado su vida en la lucha de subsistencia de nuestro mercado. Algunos han cedido ante la presión económica y cierran estudios, productoras y disqueras.

El monopolio creativo impulsado por INDAUTOR, apoyado en las representaciones de artistas monopólicas en México, no ayudan en absoluto a detener este "fracking" musical.

Conclusión

A mi forma de ver, el fracking musical que vivimos en México, es una de las principales causas que obstruyen el desarrollo de una industria más sana en nuestro país. Se ha cedido el control desde siempre y la distribución digital se convierte en una forma más amplia de sometimiento al mercado nacional.

¿Dónde están las oportunidades para las empresas culturales en los principales foros como la Semana del Emprendedor? ¿Qué apoyos se brindan en las instituciones financieras para proyectos viables de producción interna de contenidos musicales? ¿Basta con los fallidos intentos de capitalización a través del crowdfunding en México? 

Muchas respuestas son necesarias. ¿Cómo participamos de esta situación?

Rafael Mendoza escribe para el Blog de Ad Libitum

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¿Porqué compramos piratería?: 5 factores clave

La piratería es un problema de la industria, que ha causado mella significativa en los modelos de negocio tradicionales. Ha sido nombrado como una de las causas principales de la crisis, aunque como hemos analizado en otros temas del blog, es tan solo uno de ellos.

La piratería siempre ha dividido los argumentos a favor y en contra. Sin embargo, pocas veces tenemos la oportunidad de analizar a profundidad, cuales son los factores clave que permiten a la piratería convertirse en una opción viable.

Aquí los 5 factores clave que transforman a la piratería en una opción viable.

1.- Precio: Vinculado directamente a la economía, es el factor principal en nuestro país. Más el precio no se basa en la cantidad de dinero a pagar, sino en el beneficio obtenido del producto. Para algunos, un disco de Kiss a 180 pesos puede ser un precio demasiado alto. Para los fans de Kiss, vale la pena pagar hasta 250 por una edición platinum o especial de cierto producto. 

2.- Entorno específico de la industria local: Se refiere principalmente a lo que es considerado "costumbre cultural" de piratería. Es decir, en México se piratea mucho más la música folcklórica (banda, norteño, mariachi) que otros géneros de origen extrangero. Tiene que ver más con los gustos musicales y la distribución del ingreso potencial de los usuarios.

3.- Ingreso y entorno económico: Ligado al concepto de precio, el poder adquisitivo de la persona le orientará a obtener aquello que le permita subsanar su necesidad. Para un trabajador que obtiene de 1 a 2 salarios mínimos, repartidos entre las necesidades más básicas, la posibilidad de obtener un CD original o pagar un servicio de streaming al mes, se vuelve compleja. Sin embargo, pagar un porcentaje de su salario a cambio de 200 canciones en un disco CD se vuelve una opción más accesible que compagina con sus necesidades primarias. 

4.- Susbstitución de otras formas de entretenimiento y medios de soporte: La industria establece precios base de sus productos, pero los canales de distribución digital requieren de otras plataformas para llegar al consumidor. Tener Spotify gratuito no sirve de mucho, si la conexión a internet requerida no existe. Esto trae como consecuencia otras alternativas como pagar 50 pesos por la instalación de software que permite el robo de señal wi-fi en dispositivos móviles (principalmente android) o la descarga directa de productos musicales en servidores de almacenamiento tipo nube (Mega, Mediafire, etc). La música también se ve y sitios como YouTube o Tu.TV permiten acceder a videos musicales o conciertos completos en línea.

5.- La calidad de la música: Recientemente este aspecto se ha puesto sobre la mesa. ¿Vale la pena pagar 185 pesos por un producto que provee una calidad excepcional pero con un contenido pobre? Uno de los grandes argumentos de las disqueras es presumir la calidad de producción en sus productos. Decir que el artista grabó el material en los estudios Abbey Road, con uno de los productores más renombrados de los últimos 10 años, no significa que el producto cuente con una calidad de contenido que justifique su costo.

Conclusión

Existen muchos estándares en la música que se vuelven subjetivos al momento de evaluar estos factores. Sin embargo, si se analizan desde el punto de vista socioeconómico, es sencillo encontrar que algunos géneros siempre serán pirateables y buscados de forma gratuita principalmente por la capacidad de ingreso y entorno económico. En México, el IMPI (Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial) es el encargado de crear la ejecutoria legal para INDAUTOR ante un delito de piratería. Sin embargo, ha pasado más tiempo persiguiendo a los consumidores y revendedores finales, que estableciendo políticas de formación e inclusión del respeto a los Derechos de autor en las políticas educativas del país. 

La prevención de la piratería, no comienza con el cierre de puestos o los ataques masivos al barrio de Tepito, sino estableciendo soluciones a los 5 factores clave que favorecen el uso, distribución, venta y comercialización de piratería a nivel nacional.

Rafa Mendoza escribe para el Blog de Ad Libitum

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Recalentado creativo:¿Qué hacer con proyectos sin terminar?

Para quienes no conocen el término "recalentado", es una expresión muy mexicana que se refiere a utilizar aquella comida que ha quedado de una fiesta grande, el sobrante del desayuno del miércoles o los 3 kilos de pavo pendientes de la Cena de Navidad o Año Nuevo.

Cuando terminamos un proyecto, un tema musical o una maqueta, siempre sobran algunos elementos que descartamos por no encajar en la idea general. En mis inicios, una de las cosas que más molestaban a los dueños de estudios o productores con quienes trabajaba, era que me negaba a borrar los tracks de tomas previas durante la producción.

Esos "molestos" tracks...

La limpieza en la maqueta final es fundamental para hacer fluir el proceso de mezcla. Sin embargo, los sobrantes de ideas (líneas melódicas, fraseos de guitarra, remates de batería, jams de sintes o presets de efectos modificados) pueden constituir un gran arsenal de ideas para otras ocasiones.

Muchos clientes me dicen a veces, "¿recuerdas como le pusiste los efectos a la voz en el disco anterior y que la cambiamos al final?... ¡encajaría perfecto en este nuevo tema!".

Entonces abro mi carpeta de ideas y extraigo el preset tal cual. Al escucharlo aplicado, sus ojos se iluminan, nos abrazamos y todos lloramos de felicidad... Broma.  En realidad se muestran sorprendidos de que pueda conservar aún esa combinación de efectos. Algunas tomas antiguas de voz, han servido para recrear nuevos coros en temas remix. 

Los riffs de guitarra limpios, pasados por una caja directa, han permitido muchas veces complementar ideas para jingles, musicalización de proyectos en video y en alguna ocasión han provisto samples muy bonitos para maquetas de sonido en videojuegos flash.

Y es que todo ese material se puede transformar en una librería de ideas, sonidos y presets que podrían rescatarnos del estanco creativo en muchas ocasiones.

Creando una librería de producción o "recalentado creativo"...

Lo más importante es hacer una lista de lo que puedes salvar. Debes recordar que es una colección personal de ideas, sonidos, presets, loops, fraseos, remates y riffs.

Puedes categorizar en carpetas tu librería ordenando primero por tipo de archivos MIDI o Audio.

Extrae todas aquellas partes que necesites. Genera loops y stems que consideres ideas importantes. No todo debe ser rescatado. Tu sabrás reconocer aquello que tiene potencial y que decidiste quitar porque era tan diferente, que sería mejor desarrollar su propio tema.

Las ideas de proyectos que no se concreten (canciones sin terminar pero con un avance significativo, versiones alternativas de temas o ideas de jingles), deberás considerar reducirlos a su mínima expresión. Aquí es donde trabajar con MIDI para hacer maquetas se vuelve mucho más práctico que usar archivos de audio.

Los presets de fx, debes guardarlos en carpetas por tipo de procesamiento (reverb, delay, phaser, compresión) y luego por instrumento (Batería, guitarra, Piano, voz femenina). Recuerda que no todo encajará a la perfección, pero son buenos puntos de arranque. También los puedes combinar entre sí y extender tu paleta de colores.

Conclusión

En nuestro día a día existen muchos subproductos que se generan durante la etapa de pre-producción, producción y Post- Producción. A veces yo guardo sonidos de batería procesados para loopear o líneas de bajo que permiten hacer ediciones rápidas en tonalidades muy comunes para jingles.

Optimizar nuestros "residuos" creativos nos ofrece una gran gama de posibilidades, que no podemos dejar pasar en estos tiempos tan acelerados de la producción musical.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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