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miércoles, 30 de septiembre de 2015

Unity: El tributo de Michael Jackson que los Grammy despreciaron....



La política norteamericana está de cabeza. Recientemente hemos sido testigos de la controversia generada por los comentarios hechos por Donald Trump y la relación de los indocumentados en busca de su nacionalidad en el país vecino.

Sobre esta base política, cualquier circunstancia que se oriente sobre las preferencias étnicas, resulta un polvorín a cualquier nivel.

Unity: The Latin Tribute to Michael Jackson es un concierto especial que será transmitido el 9 de Octubre por PBS, como antesala a la 28ava. Entrega Anual de Premios a la Herencia Hispánica.

El concierto pre-grabado, se desarrolló como un álbum en el 2013, bajo la guía de Tony Succar.

Como nace Unity

Succar, graduado en Jazz por la Universidad Internacional de Florida, creó un arreglo de "Thriller" que se interpretó en el Van Dyke Café de Miami, durante una fiesta de Halloween.

Después de obsequiar CD's, algunos Djs tocaron el tema y decidió grabar más temas. Utilizando la plataforma Kickstarter, recaudó más de 10,000 dólares para grabar las primeras pistas base.

El proyecto fue tomando fuerza y Tito Nieves se sumó para cantar el teme "I Want You Back". La integración de Nieves, puso al proyecto en la mira de otros cantantes como Jon Secada,  Obie Bermudez.

El toque final, vendría con la incorporación de Bruce Swedien, ingeniero predilecto de Michael Jackson, quien aceptó trabajar en el proyecto casi un año después de la propuesta.


El truco del Grammy

La controversia se inició principalmente por una regla del Grammy que dicta:

"Para que una grabación con interpretación vocal sea elegible para un premil Latin Grammy, el 51 por ciento o mas de la parte vocal y letra, debe estar en Español o Portugués"

De acuerdo a la interpretación de la Academia Grammy, el disco no cumple con esta regla y por tanto, no puede ser considerada para una categoría Grammy Latino.

El género interpretado es totalmente dentro de la salsa, con tintes de pop y siguiendo la estética necesaria en un disco tributo.

Muchas preguntas se han generado si es válido que un disco tributo pueda considerarse siquiera para un Grammy. De hecho, la entrega pasada, una interpretación del grupo Anthrax ganó la categoría de mejor performance vocal por su versión tributo a Ronnie James Dio.

Este tipo de controversias tan vulnerables y poco profesionales por parte de la Academia, ponen en serios criterios sobre la validez del fonógrafo de oro.

Conclusión

La expectativa generada por el álbum de Unity ha empezado a encender el fuego en la Unión Americana acerca de los valores y reconocimiento político que podría significar ganar un Grammy Latino con un disco tributo para Michael Jackson.

Se ha intentado relacionar este problema con la controversia Jackson Vs. Sony Music en 2003. Pero la realidad es que parece más una decisión políticamente correcta con la situación actual en Estados Unidos. Universal, la disquera del proyecto, no se ha pronunciado oficialmente ante la resolución por parte de la Academia Grammy. 

Para mí, la pregunta clave a todo esto es: ¿Debemos seguir usando al Grammy como unidad de reconocimiento para la industria global?...

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jueves, 24 de septiembre de 2015

11 profesionales elementales para crear un disco exitoso...




Estamos en la era del Hágalo Usted Mismo (DIY en inglés). Para que un proyecto sea rentable a ciertos niveles, no queda duda que optimizar recursos y personal pueden hacer el truco.

Sin embargo, también sacrificamos calidad en el proceso. Aunque nuestra capacidad y habilidades pueden darnos para todo, no significa que sea nuestra competencia.

La experiencia es algo que no se puede adquirir más que en dos formas: Lo aprendes y desarrollas por lo menos 3 años, o le pagas a un profesional para hacerlo.

Aquí la lista de los 11 profesionales elementales para crear un disco exitoso:

1.- Músico: Profesional encargado en el arte de combinar ideas a través del uso de armonías, notas, silencios, cadencias, dinámicas e intensidades. Conocedor de la técnica de su instrumento y preocupado por abrir su panorama a las diversas expresiones musicales sin fronteras y barreras. No tiene prejuicios sociales, religiosos, patrióticos y utiliza la música para unificar positivamente. Su ego es siempre minimizado por su compañerismo y trabajo en equipo.

2.-Letrista: Profesional instruido en el arte de combinar palabras, conceptos, ideas, emociones y sensaciones escritas. Habilidades imperativas de redacción, conjugación, métrica y ritmo de las palabras. Facilitador de la dicción y amante del idioma a producir. ¡Podría escribir una canción sobre el ácido bórico!

3.- Compositor y/o arreglista: A veces integrados en la misma persona, el compositor profesional ayuda a mejorar la pieza resaltando sus cualidades musicales. Aporta nuevas cadencias y rectifica las intenciones originales del arreglo base. Codifica la orquestación y ayuda a seleccionar las texturas necesarias para el sonido general de la pieza. Respira, come y bebe teoría musical.

4.- Productor Musical: Su trabajo es literalmente arrearte a que hagas una buena producción. Recibe todas las quejas y es crucificado constantemente por su trabajo. Tiene la responsabilidad de garantizar que tu proyecto se termine dentro del presupuesto, haciéndolo rentable y posible. Muchos artistas consideran al productor musical un precio caro, pero he visto muchos proyectos gastar 3 o 4 veces más en una producción, simplemente porque no quieren "control creativo".  Tienen habilidad sobrenatural para resolver problemas tan raros como comprar tamales de huitlacoche una madrugada de domingo, con tal de que la producción no pare. ¡Vivan los productores!

5.- Ingeniero de Grabación: Profesional dedicado a entrenar sus habilidades técnicas y creativas en la selección de equipos, entornos acústicos y es un conocedor exquisito de la comida rápida. Agiliza el proceso de producción y provee un entorno de fluidez creativa, contundente y ligera. Es el campesino que selecciona los mejores ingredientes para la mezcla. ¡Prepárate, porque él debe hacerte las peticiones!

6.- Ingeniero de Mezcla: Seleccionado por sus habilidades creativas y distorsión neuro-cerebral, provee el talento necesario para tomar las decisiones correctas para la mezcla final. No necesita del artista para cumplir su meta. Facilita el tiempo de post producción, simplificando, extrayendo y dando carácter musical al proyecto. Su trabajo no es arreglar lo hecho, sino presentarlo como un plato exquisito. ¡Envíale un cesto de frutas y déjalo trabajar solo!

7.- Ingeniero de Masterización: Considerado el Oído de Oro dentro de la cadena, descubre con sutileza las micro y macrodinámicas de una canción. Agudiza y pule el sonido general como si se tratase de una piedra preciosa lista para ser engarzada a un anillo. Sus decisiones creativas, brindan una tercera capa de profundidad al proyecto y es enemigo jurado del Loudness War. ¡Dale 3 referencias y déjalo trabajar! 

8.- Fotógrafo Profesional: Relacionar tu concepto a una imagen creativa requiere de la perspectiva correcta. El fotógrafo profesional especializado en producción musical, no requiere Photoshop para decirle a la gente quien eres. La iluminación adecuada, el obturador y velocidad de exposición correctos... ¡Magia pura!... (¡PD: NUNCA le pidas que compare su creación con la de una revista!)

9.-Ilustrador Profesional: Un arte siempre habla bien de una buena producción. El consumidor aprecia algo más que letras y fotografías en un booklet. El ilustrador profesional conectará a tu público con el alma de tu propuesta. Todos recordamos con cariño algún álbum en particular que nos gustaba hojear mientras escuchamos la música... ¡Eso ocurre gracias al ilustrador!

10.- Diseñador Gráfico: ¿Porqué todos se quieren brincar a este profesional?... Yo sé que es como lidiar por momentos con un trozo de alma de Andy Warhol, pero si llegas a conectarte con su visión, entregará su alma a tu diseño. ¿Dónde están las letras, los créditos, las referencias, la continuidad entre páginas, los tamaños de fuente, estilo y colores que resaltan el trabajo de todos?... ¡El diseñador gráfico hace que huelas lo delicioso de un material sin siquiera abrir la caja!

11.- Community Manager: Mientras todos estos profesionales trabajan, el Community Manager es la persona detrás de la información. Su labor es agregar valor a tu proyecto durante su creación. Si nadie sabe que estás haciendo, como lo estás haciendo y porqué te tomas la molestia de hacerlo, la percepción de que tu material es igual a un archivo digital está garantizada. Es impensable para la industria actual dejar de lado al Community Manager.

Conclusión

Aunque la lista parece concreta, existen muchos más profesionales ligados a estos expertos. Pocos proyectos pueden darse el lujo de contar con una cadena de producción de esta magnitud. Pero también somos los principales promotores del Hágalo Usted Mismo. No sólo la calidad final del producto se ve comprometida, sino como eslabones débiles de una cadena productiva más compleja.

No siempre se puede contratar a todos estos profesionales a tu servicio, pero te invito a que consideres por lo menos a 3 de ellos a participar en tu proyecto. Confía en ellos, porque más allá de la justa retribución de sus servicios, ellos también dejan una parte de si mismos en tu proyecto. Siempre existe un espacio dentro del presupuesto para alguno de ellos. 

ADVERTENCIA: ¡En la nueva industria no se trata de restar, sino de sumar!

Incluye sus créditos en tu disco y cuando tengas oportunidad, menciona sus nombres o empresas. Recomienda el uso frecuente de sus servicios. Todos estamos en la misma industria y aprendamos a respetar sus diferentes áreas.

Mención aparte necesitan los profesionales que van durante la promoción, distribución y comercialización... Pero ese es otro post.

Seguramente, en el futuro, tu mismo podrás participar de esta cadena acompañando a un artista nuevo y conocerás la satisfacción de ser reconocido por cada uno de ellos.

Rafael Mendoza dedica este post a todos los profesionales que hacen un esfuerzo monumental en una industria tan encantadora como el Music Bussines
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lunes, 21 de septiembre de 2015

5 herramientas de lucha contra el Loudness War...



El Loudness War o Guerra del volumen, ha generado una preocupación global, principalmente seguida por organizaciones de salud, la comunidad de Ingenieros en Audio y usuarios finales.

Aunque la preocupación debería venir principalmente de disqueras, empresas de software y hardware, todo se ha visto limitado a ofrecer precauciones como la industria cigarrera. 

Pocas acciones se han derivado para combatir los criterios del Loudness War en la industria. Aquellos consolidados, no han podido encontrar una validación legal en sus países de origen. Sin embargo la lucha continua en todos los niveles.

No todo el panorama está oscurecido. Actualmente existen 5 iniciativas que podrían poner sobre la mesa una cura paulatina para el Loudness War.

1.- True Peak Meter: Esta unidad de Medida, se ha diseñado para reemplazar los medidores PPM, que despliegan picos de sampleo utilizando una técnica oversampling de 4x.  Esta técnica asegura que ningun pico inter-sampleo, exceda los 0dBFS en el proceso de codecs reductivos y convertidores de frecuencia de sampleo.

2.- Sistema K (KSystem): Propuesto por Bob Katz, integra una aproximación entre medición, monitoreo y prácticas de nivelación durante el mastering. Utiliza un "loudness" de referencia que especifica la ganancia requerida del monitor.  Utilizando escalas como K12, K14 y K20, cada uno se encarga de un estilo o género para masterizar. K12 se utiliza para medición en sistemas broadcast (Radio y TV), K14 para géneros comprimidos como el Pop, Rock y Dance y finalmente el K20 para sistemas de Audiófilos como jazz, clásico y 5.1 Surround.

3.- Medidor de Rango Dinámico TT y Database: La fundación Pleasurize Musica, desarrolló un software de código abierto para soportar el KSystem. El valor es presentado como un número unitario en decibeles, para representa de forma sencilla y estándar la compresión utilizada en la música. Los cálculos analizados por el software están disponibles para su revisión en su sitio http://dr.loudness-war.info/

4.- Plugins de Medición: Algunas empresas como Waves, colaboraron en su momento sobre el Loudness War con plugins como el L1. TC Electronics aportó el Finalizer. El llamado de la industria a estas empresas a comenzado a preocuparles y dentro de lo posible han desarrollado software de medición más preciso. Ahora, incorporan las medidas ITU-RBS.1770, que son estándares internacionales para broadcast. En Marzo de 2015, Izotope, anunció su nuevo software Loudness Control que ofrece una manera sencilla de crear altos estándares, adecuados a las necesidades de la industria. Algunos ejemplos de estos software son:

Ian Shepperd's Perception
Nuegen Audio Master Check y VisLM
Waves Audio WLM Plus y Dorrough Meter
TC Electronic LM6

5.- Educación, prevención y nuevos espacios de difusión: Varios sitios web y organizaciones han establecido una forma de cambio. generanro recursos de información y consejos.
Algunos son:

http://dr-loudness-war.info/
http://dynamicrangeday.co.uk
http://music-loudness.com

Conclusión

Desafortunadamente, el Loudness war aún sigue presente en la mayoría de los proyectos que escuchamos. Poco a poco, la industria ha ido dando oportunidad a las voces que claman preservar la música en el medio digital de forma intacta para alentar a nuevas generaciones en la búsqueda de la riqueza cultural que le acompaña. 

Ingenieros como Bob Katz, Ian Shepperd, Friedemann Tischmeyer, Dave Pensado, Alan Parsons entre muchos otros, han comenzado a levantar la voz en sus países. En México, aún estamos amarrados a las necesidades del público que pide más volumen como recompensa psicológica a fenómenos psico acústicos emocionales.

Aunque falta mucho por hacer, unificar los criterios y preocuparnos por la audiencia de nuestro trabajo, desarrollará generaciones más concientes sobre el nivel de presión sonora que desean para sus oídos.

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jueves, 17 de septiembre de 2015

Música por Streaming: ¿La ruta equivocada del Music Bussines?



Nielsen, la empresa encargada de realizar consultas especializadas en el Music Bussines, reveló algunos datos clave sobre consumo musical en Estados Unidos.

El estudio denominado "Music Bussines 360 2015" ofrece datos a considerar en relación a las ventajas y oportunidades dentro del canal de distribución por streaming.

El objetivo principal de este estudio, era analizar cómo se engancha y accede el consumidor promedio en USA sobre los servicios de Streaming disponibles.

Los datos podrían hacernos llegar a dos conclusiones básicas.:

1.- Que los servicios de streaming no son tan accesibles como parecen
2.- O que el enfoque de la industria está mal aplicado


Los datos duros...

La encuesta fue realizada dentro del mercado norteamericano, sin embargo, los hábitos de consumo en México son muy similares desde hace décadas. Hemos visto un repunte importante los últimos años con la llegada de grandes cadenas de tiendas y comida rápida. 

Recientemente, la llegada de Amazon al mercado mexicano, indica que estamos ante las condiciones ideales donde modelos de negocio extranjeros pueden generarse en México.

Aquí la gráfica revelada por Nielsen:



De acuerdo al estudio, el 78% de la población dice escuchar música online.

8 de cada 10 resuelven esta forma de acercamiento por el costo y facilidad de uso.

7 de cada 10, les atrae principalmente la cantidad de contenidos.

Cuando se les preguntó sobre las razones por las que no se suscribirían a un servicio de streaming, el 46% dijo que era demasiado caro, el 42% aceptó que podía usar servicios y descargas gratuitos y finalmente el 38% afirmó que no utilizaría el servicio de forma contínua.

La pregunta más significativa pone en aprietos al sector... ¿Le gustaría pagar por un servicio de streaming dentro de los siguientes 6 meses?... El 9% indicó que lo haría, el 13% que podría ser y el 78 % restante dijo que era una posibilidad muy remota.

El atasco de la industria

La reciente guerra del streaming ha creado debates sobre los nichos y niveles de mercado que debe abarcar este servicio. Se ha propuesto inclusive que servicios como Tidal, estarían enfocados a la élite de consumidores, dejando la impresión que todo servicio de 9.99 dólares, sería un estándar aplicable.

Sin embargo, cuando se le pregunta a la gente cuál es el precio preferible, se pronuncian por un costo de entre 3.99 y 4.99 dólares por un servicio mensual.

Desde la llegada de Napster, la generación actual de consumidores promedio entiende que la música tiene muy poco o casi nada de valor, gracias a la práctica común de descargar gratuitamente.

Sin embargo, decir que la población en general no puede pagar más de eso, también es un enfoque erróneo que ha cometido la industria.

Un ejemplo claro de ello es Starbucks. Los índices de venta de esta compañía hacen posible que un café promedio cueste en promedio de  6 a 8 dólares por consumo. Existen clientes que repiten 2 o 3 veces al día. ¿Cómo es esto posible cuando una canción por suscripción en promedio puede costar centavos?


Conclusión

Durante el lanzamiento de Apple Music, Taylor Swift pedía un pago justo para los músicos a través de los servicios de streaming. 

Pero las políticas de todos estos servicios se integran enfocados en un precio estandarizado bajo el argumento de proveerlo así, en beneficio del consumidor.

El gran problema radica en que el mismo consumidor, no está interesado en pagar por el servicio, como indica la estadística.

Si los servicios de streaming no incrementan su tasa de conversión y sostenimiento de servicio por parte del cliente, estaríamos ante la posibilidad de un error grave en el modelo de distribución.

Aunque Apple Music ha intentado compensar el costo, agregando servicios como la radio y Connect, cambiar el modo de pensar en un consumidor no es algo tan sencillo.

La cantidad de riesgo para este sistema de distribución es alto y tal vez por ello, los márgenes de regalías son tan bajos en estos servicios. Parece justo desde esta perspectiva, sin embargo, al mismo tiempo pone en desventaja al músico, pues sus márgenes de rentabilidad no están garantizados.

Habrá que ver como gira la industria los próximos años, puesto que el vinil presenta un repunte y la tendencia a crecer los mercados del merchandising alrededor del artista parecen más viables.

No hemos visto todavía la consolidación de los servicios streaming...

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martes, 15 de septiembre de 2015

La cruzada holofónica de Hugo Zuccarelli...



Escribir sobre Hugo Zuccarelli implicaría dedicar un blog entero. Pocos personajes involucrados de forma directa en el Music Business, pueden presumir de inventar una técnica de grabación y todavía menos pueden hablar del desarrollo de cinco tecnologías igual de sorprendentes en 40 años de trabajo.

Inventar la holofonía requirió de una agudeza mental y visión adelantada a su tiempo. A fines de los 70's, la industria electrónica y musical se encontraban en su mayor apogeo. Es la época en que una juventud más conciente y participativa se genera en América Latina. Y en medio de todo ese movimiento global, Hugo Zuccarelli tuvo un sueño.

Buscando el contacto...

Conseguir hablar con el Maestro Zuccarelli supuso una búsqueda que duraría poco más de un año. 

Uno de los primeros programas de Control Room, fue dedicado a la holofonía, principalmente porque The Final Cut es para mí la obra cumbre de Pink Floyd.

Más allá del Dark Side of The Moon, consolidado como un éxito comercial, The Final Cut cierra victorioso el mensaje anti bélico escondido entre las notas de The Wall.

Siempre me sorprendió el diseño de sonido de este disco, particularmente la combinación perfecta y profundidad sonora que incluían los efectos de sonido.

Hablar de la Holofonía en el programa despertó una necesidad de buscar al inventor de la técnica y obtener una entrevista.

Una búsqueda de casi 8 meses nos enlazó con el inventor de la holofonía por recomendación. Desde entonces pudimos compartir impresiones sobre temas del Music Business, el sistema holofónico y la cruzada personal para validar la holofonía ante un mercado adicto al consumo.

Después de algunas charlas via chat, le pregunté si podría concedernos una entrevista para el programa, aceptando gustoso, motivado de hablar para el público mexicano y global gracias al internet.

La entrevista que se volvió charla...

¿Cómo entrevistar a un inventor que tiene entre sus manos 5 tecnologías aplicables, tangibles y a la misma vez incómodos para las industrias que les corresponden?

Hicimos un cuestionario de 14 preguntas de las cuales sólo formulamos la primera... Las otras 13 fueron contestadas en el transcurso de su charla... 

La entrevista no ahonda en la parte técnica de la holofonía, aunque si explica su fundamento base detalladamente. 

Durante 2 horas pudimos escuchar al combatiente más incómodo de algunas industrias hablar del bloqueo, sesgo y olvido por parte de aquellos que quisieron devorar a su invento, pero que no pudieron doblegar la visión de Hugo por hacerlo accesible a la humanidad.

El testimonio que nos obsequia, es un recuento profundo de su vida e historia. Existen artículos, videos y podcast donde habla del desencanto de trabajar para Pink Floyd. 40,000 libras y un año de trabajo que quedó bloqueado por su contenido antibélico. 

Paul McCartney intentó "copiar" su tecnología en los años 80 y el karma cobró su parte al ex-Beatle. 

Fallidas incursiones con Michael Jackson, Jethro Tull le generaron enemistades que pusieron en riesgo su vida. En nuestro Podcast de Holofonía (escúchalo aquí) integramos estas revelaciones.

Hicimos preguntas sobre ello y obtuvimos nuevas respuestas. Al final, le pedimos un mensaje para las nuevas generaciones. Hugo está conectado al mundo en sus bellezas, alegrías y tristezas. 

Poco antes de partir a su siguiente compromiso, extendió su mensaje a las nuevas generaciones y se apropió del momento para compartir su visión sobre lo que este mundo ha dejado de lado y cuyas consecuencias vivimos en el día a día.

Mañana, cuando reproduzcas nuestro programa, te garantizo que estarás viviendo la experiencia de compartir con uno de los personajes más enigmáticos de la historia en audio producción. 

Es una charla instruccional sobre ética profesional, las enfermedades crónicas de la industria y el diálogo interno para aportar como miembros del mundo a un cambio global.

Lo único que hizo falta irónicamente, es haber podido captar esta entrevista holofónicamente para preservar en un plano tridimensional, las palabras de Hugo Zuccarelli...



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jueves, 10 de septiembre de 2015

8 actitudes imperdonables para el cantante profesional contemporáneo...



Hace poco hicimos un post sobre las consideraciones el bajista en estudio, uno de los post más visitados de nuestro blog.

Nos llegaron una serie de preguntas acerca del cantante y si existían parámetros mínimos para su desarrollo en la producción musical.

Existe un gran debate sobre las responsabilidades y criterios en cada uno de los géneros. Ingresar al Music Business requiere de una preparación constante y específica. 

No quiero encasillar a nadie porque independientemente del género musical que interpreten, varían unos pocos elementos que son totalmente indeseables e imperdonables en estos tiempos.

Algunos géneros se sostienen gracias a que existen personas impulsándolos y se puede comprender muchos aspectos culturales, de interpretación, contenido y técnica.

Pero cuando alguien llega al estudio o el evento en busca de un lugar digno dentro del Music Business (muy comercial), entonces la cosa cambia drásticamente...

Aquí las 8 cosas imperdonables para el cantante contemporáneo que quiere triunfar en el Music Business:

1.- Llegar al evento con ropa inadeacuada: Literal... Los caballeros a veces llegan con pants, bermudas, lentes de sol y sandalias.. Las damas sin maquillaje básico y cargando media docena de bolsas con accesorios para elegir de noche. El cantante es la imagen completa del grupo (lo siento por el resto, pero es así), por ello deben cuidar su imagen desde el primer contacto. 

2.- No tomar clases de música: El "sentimiento" es un 10 % de toda una interpretación musical. La técnica, disciplina y conocimiento musical, son esenciales para desarrollar una interpretación impecable. Sea el género que sea, ya no hay pretexto para no saber música a un nivel intermedio como mínimo.

3.- No tomar vocal coaching: "Nada más que me diga como respirar pa' aguantar mejor"... Si me dieran un bombón de chocolate por cada expresión similar que he escuchado en mi experiencia, ya tendría niveles mortales de azúcar en la sangre... No es si quieres... ¡Tu voz es tú responsabilidad!... ¡De eso vives!...

4.- Pedir equipo cuando falta voz: Conozco cantantes que literalmente se sienten abandonados sin un delay, un reberv o compresión... ¡Se sienten desnudos!... La voz natural y bien entrenada sabe aprovechar muy bien los elementos del entorno que le rodea, independientemente del micrófono, compresor y procesador que lleve...

5.- No comprar equipo para su ensayo personal: Todo cantante debe tener en su casa un teclado, un monitor de piso, un micrófono, un procesador y un reproductor de sonido... El estéreo de la casa no sirve para una rutina de calentamiento... ¡Conectar el smartphone a la televisión tampoco funciona ni con Karaoke!

6.- Pedir el Autotune antes de grabar: La expresión para esto sería "Curarse el dedo antes de cortarse"... El Autotune es una herramienta de soporte.. No una meta del estudio... Si no te sientes cómodo con lo que estás cantando, revisa la tonalidad, la melodía, la armonía.. ¿Es más fácil no?.. Repita el punto 2 y 3...

7.- Entrar a la cabina de grabación sin calentar: Típico.. el percusionista está terminando la percusión menor y en 1 hora el cantante empieza a grabar su voz... ¿Y que hace?... Cómodamente sentado en el sillón del estudio, chatea interminablemente o da vueltas sacando "selfies" para subirlas a su cuenta personal.... ¿No necesitamos recordarte que estás pagando por hora verdad?

8.- Beber alcohol para abrir la garganta: Uno de los mitos más comunes en México es "echarse un tequilita para que abra la voz"... Hay cientos de razones para no hacerlo.. La principal es que el tequila o cualquier bebida con alcohol, produce diversas reacciones en el tracto digestivo y la mucosa natural de la garganta... No hay evidencia sonora de que un pegue de alcohol mejore la capacidad de cantar... Déjalo para la celebración al final de la grabación

Conclusión

Amigo cantante... La banda te necesita íntegro porque eres el mensajero clave... La mayoría de las miradas están sobre ti... No basta con presentar una actitud recta ante el espectador... Debes manejarte correctamente en todas las circunstancias posibles.. En casa.. en el evento.. el ensayo...

Va dedicado este post a quienes a pesar de la crítica, se sientan todos los días a mejorar su técnica unas 2 horas diarias ... A quien investiga y consulta con profesionales de la voz como puede cuidar mejor su instrumento musical... Para quien el ego representa un demonio que puede controlar y cuya personalidad, humildad y nobleza es más grande que su propia técnica de canto... 

Para los que felizmente nos hemos topado con alguno de ellos, la sonrisa después de escucharlos cantar es imborrable...

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum
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lunes, 7 de septiembre de 2015

Secretaría de Cultura: El show debe continuar...



El pasado 1ero de Septiembre, Enrique Peña Nieto anunció la creación de la nueva Secretaría de Cultura, en un pasaje de su Tercer Informe de Gobierno.

Un anuncio que vendría a generar todo tipo de reacciones políticas, artísticas, sociales y particularmente entre los diversos campos que abarca el término de "cultura".

La gran pregunta es: ¿Es la Secretaría de Cultura una necesidad? ¿Aportaría algo a la industria del Music Business en México?

La tradición política en México

Para la mayoría de los mexicanos, el anuncio de nuevas instituciones significa esperanzas y sueños de crecimiento. Dentro del sector cultural, siendo tan amplio concepto en un país que integra infinidad de expresiones culturales, el anuncio de una Secretaría suena a barco de salvación para unos y desaucio para otros.

En México, no podemos negar que existen élites sociales y también en los diversos sectores económicos del país.

Para algunos, la creación de una Secretaría de Cultura, serviría simplemente para extender las prácticas obsoletas de financiamiento vitalicio a ciertos sectores políticos y culturales.

Quedarte una beca de Conaculta ha quedado en la mira de los millones de artistas que habitan el territorio nacional y lo anhelan como el pago necesario para sobrevivir sus carreras.

La otra opción es entregar tu legado cultural a las empresas transnacionales que cuentan con recursos e infraestructura legal, económica y mercantil para explotar tus recursos culturales.

En el Music Business en México, se traduce en entregar el legado musical a las Majors, llevándose con ello los beneficios tan necesarios para los creativos mexicanos.

¿Entonces?... ¿No tiene sentido?

Tendría sentido una Secretaría de Cultura, si la demás infraestructura del Estado cumpliera cabalmente con sus responsabilidades inmediatas para las que fueron creadas.

Dentro del Music Business, hay instituciones clave que están fallando brutalmente en la administración, organización y difusión de sus objetivos.

El Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI), se dedica a perseguir revendedores de piratería musical y videogramas que las Majors le señalan, en vez de desarrollar campañas de prevención. 

No hay talleres o cursos enfocados a la protección intelectual accesibles, mucho menos enfocados a la materia de empresas culturales como disqueras, tianguis de discos, estudios de grabación o diseño gráfico.

Simplemente se ha convertido en el brazo ejecutor del Instituto Nacional del Derecho de Autor (INDAUTOR), que tampoco cuenta con programas de difusión y prevención de la protección intelectual en los sectores más vulnerables. 

Pertenece a la Secretaría de Educación Pública (SEP), en cuyos programas de estudio no existe referencia a la protección intelectual que debería ser incluída con muchos otros derechos ciudadanos que desconocemos hasta entrados en la Universidad.

Al mismo tiempo, la SEP no cuenta con procesos de certificación para campos fundamentales del audio producción como Ingeniería en Audio, Masterización, Producción Musical y Negocios del Music Business, delegándolo a las Universidades Privadas que simplemente complementan sus temarios de Comunicación, Diseño, Administración y Ciencias de las Artes con "embarraditas" sobre los modelos de negocios y estrategias en otros países no aplicables al caso mexicano.

Otras opciones son las escuelas comerciales que utilizan el sistema REVOE para validar los conocimientos adquiridos, muchas veces con carencias educativas sustituídas por tecnología que pocas veces está disponible en el campo de trabajo en México.

¿Qué tendría más sentido?

Una mejor opción a la Secretaría de Cultura, a mi parecer, es impulsar y establecer una Reforma Cultural. El artículo 4to Constitucional dice:

"Toda persona tiene derecho al acceso a la cultura y al disfrute de los bienes y servicios que presta el Estado en la materia, así como el ejercicio de sus derechos culturales. El Estado promoverá los medios para la difusión y desarrollo de la cultura, atendiendo a la diversidad cultural en todas sus manifestaciones y expresiones con pleno respeto a la libertad creativa. La ley establecerá los mecanismos para el acceso y participación a cualquier manifestación cultural."

Aunque representa una garantía de acceso, no implica una obligación particular del Estado a crear los mecanismos de gestión, organización, difusión y entrega de la cultura a los mexicanos.

Es decir, tenemos derecho a acceder a la cultura tal y cual la presta el Estado, más no obliga al Estado a asegurarla con un derecho de calidad y justa distribución.

CONACULTA es la institución encargada de organizar los bienes económicos y culturales en el país. Sin embargo, las cabeceras municipales, gobiernos estatales y comunidades individuales, dependen de sus propios programas para establecer casas de cultura, eventos culturales (que normalmente son utilizados con fines políticos) y que carecen totalmente de un plan de trabajo en gestión y administración cultural apropiados.

Una Reforma Cultural, obligaría al Estado a establecer los mecanismos de infraestructura y recursos adecuados para cumplir con las necesidades propias de cada comunidad independientemente de sus gobiernos locales.

Conclusión

Una Secretaría de Cultura, vendría a agregar principalmente trámites y organización de proyectos sobre un terreno abonado para el desastre. No existen mecanismos legales apropiados, no hay impulso a la propiedad intelectual, no hay presupuesto para crear los espacios adecuados o restaurar los actuales. Peor aún, no existe la industria cultural necesaria que permita tangibilizar los avances propuestos por una Secretaría de Cultura. 

La mejor opción es profundizar en los procesos de las Instituciones activas, optimizar sus procedimientos y recursos que sienten las bases para un florecimiento cultural adecuado.  Recientemente ha habido propuestas importantes en materia cultural, como la propuesta por el GRECU-UAM Xochimilco que encabeza el Mtro. Eduardo Cruz Vázquez. La propuesta para estos cambios en la legislación pueden consultarlos en la siguiente liga:  http://economiacultural.xoc.uam.mx/index.php/reforma

Es momento crucial para los actores culturales del país, comprender que la unidad va más allá de salir a las calles a exigir becas que nunca llegarán a sus manos. 

Cambiar la mentalidad cultural es un proceso difícil pero no imposible.

De otra forma, hasta la flor más bella se secará en el ambiente cultural tan hostil que vivimos en nuestros días.

Rafael Mendoza analiza el Music Business en México
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