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viernes, 31 de mayo de 2013

Hablar por hablar... Locución basura


Hablar por hablar... Locución basura

La radio también está en crisis...


La radio, esa eterna compañera de múltiples generaciones. La primer industria masiva electrónica, que acaparó los oídos de nuestros bisabuelos, abuelos y padres.

En México, la radio quedó reducida a la venta de audiencias a cambio de menciones publicitarias y spots. Perdió su capacidad de cohesión social, su creatividad y su rostro para volverse una cueva segura para múltiples programas que no acaban de encajar por la falta de coherencia.

El locutor también cambió, pocos han utilizado el medio como un espacio real de comunicación.

Locutor no es el que habla

La posibilidad de crear radio desde la comodidad del hogar, ha permitido que la difusión de contenidos y oportunidades de crecimiento en la red sean elementos para ofrecer un medio alternativo.

Sin embargo, como en toda nueva tecnología, se cree que el poseerla significa poder usarla o peor aún; saber usarla.

Se confunde en nuestros días a los "pericos" tecnológicos con locutores. Y es que la diferencia es brutal. Conectar la lengua con el cerebro es un paso que la locución comercial abandona a cambio de una audiencia ávida de su ración diaria de ignorancia. Porque hay que decirlo; tenemos la radio que nos merecemos.

Bueno, bueno... probando... 1,  2 , 3...

Los locutores contemporáneos de las grandes cadenas radiofónicas saben utilizar la voz a gritos, son maestros de la mala forma de hablar, de la grosería, la descortesía y la lírica barata para dar continuidad a sus programas.

Se dice que el lenguaje debe ser coloquial para alcanzar una identidad con el público, pero es una manera barata de vender el medio.

Se puede afirmar porque basta con escuchar a la gente necesitada agradeciendo el paquete de 3 cuadernos y 2 lápices que la radiodifusora otorgó por motivo del regreso a clases. Dedican estos testimoniales como forma de santificación para sus acciones. Y pasado ese bello momento, empiezan de nuevo a hacer chistes, bromas de la realidad del día a día. Insertándose de la manera más hueca posible.

Y es que parte de este negocio, es crear al auditorio que se ría de sus comentarios baratos o bromas telefónicas.

Comunicar o entretener...

Los locutores son personas cultivadas en todas las áreas, deben poder hablar y conocer el entorno que les rodea, ayudar a visualizarlo y entenderlo, tiene que utilizar su herramienta para difundir conocimiento y aportar al crecimiento del seso en la audiencia.

Saben tratar y mediar ante las formas de comunicación de un experto, artista, científico, empresario, campesino, abogado. Exprimirlo los recursos técnicos y creativos para obtener nuevas ideas.

Un "animador" de la radio se dedica a poner cancioncitas, mandar saluditos, regalar sabanitas, chucherías de los clientes de la estación, contar chistes, hacerse el payasito para mantener cautivo al auditorio. Difícilmente comprende que tiene que LEER para HABLAR ante un micrófono.

Cambiar la radio o cambiar las formas de hacer radio

La radio abierta, la de más alcance es incambiable, porque su modelo de negocio es crear audiencias para vender. Solicitar que haya mejores programas, mejores contenidos y sobre todo, mejores locutores es imposible cuando se aprende a reir a las 10 de la mañana escuchando como le dicen a un señor que su hija salió embarazada y que no saben quien es el papá.

Abandonar la radio abierta por una radio más inteligente no significa una radio aburrida. Hay mil y un maneras de crear radio propositiva.

También es importante saber que una radio alternativa no es aquella que imita a la radio comercial. Existen miles de estaciones en internet que tratan de cultivar el mercado de la audiencia en su localidad copiando a las empresas de radio abierta.

El fracaso es inminente porque nunca se alcanzará ese nivel. La mayoría puede dedicarse a trabajar como animadores de fiestas o eventos gubernamentales, sociales y salones de fiesta. No digo maestro de ceremonias porque ellos manejan un protocolo que les separa del locutor "perico".

Profesionalizar al locutor es imposible. El mismo debe tomar conciencia de su realidad, de su falta de preparación y no escudarse tras el típico argumento de "me divierte y es un hobby".

Esta forma de pensar ha puesto a su gremio en serios problemas. Hablar de como ser un mejor locutor no tiene sentido si no se conoce la problemática de fondo.

Conclusión

La radio y su campo está pasando por una crisis enorme. Hace poco descubrí una nota sobre la que platicaré más adelante, donde la persona líder en radiodifusión cultural menciona que se debe "competir" con la radio comercial. Analizaré este artículo más adelante porque me parece una declaración aberrante. Una radio cultural no compite. No es su fondo competir. Debe sin embargo, esforzarse en alcanzar a la audiencia que le requiere de una forma amena y procurar integrarse a su vida diaria. Pero si seguimos viendo a la radio como un medio de "entretenimiento", si los locutores no se hacen consientes de su falta de preparación y si se siguen abriendo radio internet sin propósitos reales, entonces cambiar a una radio inteligente, se ve particularmente difícil.

Más sobre este tema en siguientes post.

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Escríbeme directamente a nuestra dirección de correo electrónico blog@adlibitumestudio.com

A partir de la siguiente semana ya podrás seguir el nuevo post desde las 6 am. Estamos ajustando poco a poco la manera de trabajar en esta red.

Un saludo y pasen excelente fin de semana

Rafael Mendoza
Productor de audio en Ad Libitum Estudio
rmh@adlibitumestudio.com




jueves, 30 de mayo de 2013

Disqueras: Producir discos o vender discos maquilados

Disqueras: Producir discos o vender discos maquilados

La diferencia entre producir o desarrollar una industria

Por fin, después de mucho sacrificio, una banda, solista, intérprete o productor, obtiene el recurso suficiente para iniciar su producción.

Busca en el directorio  e internet el ansiado lugar donde se realizará la grabación.

En varias entrevistas conoce a los dueños que le hablan de las posibilidades técnicas y artísticas que pueden realizar en su estudio, y por un costo adicional tener el material maquilado listo para ventas.

Hasta aquí la idea es un sueño para cualquier persona que tiene un proyecto de audio producción.


La triste realidad

El negocio de una disquera es la de producir, desarrollar y crear un producto llamado "disco". Después de desarrollarlo debe reproducirlo para su venta. Como a todo producto, desarrolla una imagen para venderlo, agrega su sello o marca y queda listo para la venta.

Físicamente existe un producto... pero el contenido puede ser bastante malo.

Aquí no entra en juego la situación de si el músico o el proyecto tiene la capacidad de venta real.

El problema es que muchas disqueras llevan operando años con la idea que hacer un disco es sólo eso; grabar, mezclar y maquilar.

La importancia de trabajar para la industria

Al evitar replantear su forma operativa, las casas disqueras han ido cavando su propia tumba. Grabar un disco puede ser tan barato como comprarse una interfase de 250 dólares. Al entrar al mercado las interfases y el equipo para el home studio, el último eslabón que permitía a los estudios de grabación y casas disqueras mantenerse con vida se rompió y ya nada fué igual.

El argumento de las casas disqueras siempre fué la instalación acústica, el equipo de grabación, la experiencia del ingeniero, más nunca cultivaron la calidad de los proyectos musicales.

Hacer un producto masivo es rentable cuando se vende a volúmenes altos. Las disqueras han querido mantener este modelo para obtener mayores ganancias. Pero cuando un artista no vende porque su material está mal diseñado, culpan al artista, al mercado, a la economía.

Errores que matan

Las disqueras se están desmoronando contínuamente al tratar de imitar a las empresas que controlan el monopolio cuando tienen la sartén por el mango de la oportunidad.
Las disqueras independientes son los proveedores de talentos para mercados específicos en diversas áreas del planeta. Son ellos quienes pueden proveer verdaderas muestras de productos nuevos, de alentar ideas creativas... son ciegos porque principalmente los dueños de las mismas  en su mayoría no son ni artistas, ni músicos ni conocen el proceso creativo que requiere un disco. 

Un álbum que desarrolla las capacidades de un artista, que tiene un sentido estético y musical específico es el que sobre sale, permite la competencia sana, abre espacios y mercados a sectores específicos, obtiene reconocimiento el artista pero sobre todo.... LA DISQUERA OBTIENE EL RECONOCIMIENTO DE SU GREMIO...

Conclusión

Ganar un grammy puede ser una manera de impactar el mercado, pero no pasa en dos días... una disquera debe pasar años cultivando una generación de artistas, propuestas y producirlas con la misma calidad no basado en costos... Ninguna disquera que siga sin proyectar sus perspectivas de venta, que no contrate a un director musical, un arreglista, un compositor, un productor, nunca va a repuntar. 

Para cerrar debo decir.. que una disquera se construye.. no se compra con un espacio acústico, equipo, ingeniero-productor-todologo. 

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miércoles, 29 de mayo de 2013

Derecho de autor 10 elementos clave

Derecho de Autor

10 elementos clave


Uno de los tópicos más preguntados dentro de la producción en todas sus vertientes es sobre los derechos de autor.

Es importante saber a que tienes derecho al registrar una obra, firmar un contrato discográfico o de cualquier medio que incluya el derecho de autor.

En México, la Ley Federal de Derechos de Autor está disponible en línea, así que no hay pretexto para leerla y consultar en que se basa primordialmente.

Conocer mejor tus derechos permite establecer puntos de trabajo hacia la originalidad y abrir campo en esta crisis creativa que tanto afecta a la audio producción.

Desafortunadamente, los dueños de las empresas desconocen múltiples puntos al respecto y establecen contratos que son verdaderos asaltos para grupos musicales, solistas o artistas enlazados a la audio producción.

Elementos clave

1.- Las obras objeto de protección pueden ser: (las obras que pueden protegerse)
  • Conocidas: Llevan tu nombre completo
  • Anónimas: Sin que se identifique el autor, por voluntad propia o porque no se pudo establecer su origen
  • Seudónimas: Registradas con un nombre, signo o firma del autor
2.- Las obras pueden ser:

Divulgadas: Que ya se hayan presentado al público
Inéditas: Que sólo el autor conozca su creación
Publicadas: Que han sido editadas o puestas a disposición del público.

3.- Por su creación pueden ser:

Primigenias: Originales en su totalidad o que presenten bases para establecer que no son parecidas o iguales a algunas obras registradas.

Derivadas: Que tomaron de referencia un material previamente registrado (Cover, arreglo, versiones alteradas, samples, popurrís, instrumentales, etc)

4.- Pueden considerarse por su creación como:

Individuales: Una sola persona desarrolla toda la obra (este artículo por ejemplo)
De colaboración: La obra fué creada en su totalidad o en partes por diferentes personas (Letra de un autor y música de un compositor)
Colectivas: Cuando se realiza a nombre de una persona física o moral sin que pueda diferenciarse el trabajo desarrollado por cada parte. (compañias teatrales)

5.- La protección de los derechos de autor inicia cuando la obra se fija a un soporte fìsico: Es decir, aunque escribas una letra en un papel de servilleta, la ley te protege desde ese mismo momento. Basta agregar la palabra Copyright y año para que quede sustentado el derecho de autor.

6.- Las obras  que se pueden registrar:
Literaria, Musical (con o sin letra), Dramática (teatro), Danza, Pictórica o de Dibujo, Escultórica y de carácter Plástico, Caricatura e historieta, Arquitectónica, Cinematográfica y medios audiovisuales, Programas de radio y televisión, Programas de cómputo (Software), Fotográfica, Obras de arte aplicado (diseño gráfico o textil) y/o compilaciones de obras (enciclopedias, materiales didácticos).

7.-Existen 6 derechos que van implícitos en el Derecho de autor y pueden ser permitidos o no por separado:

Divulgación: Puedes permitir que se divulgue o no una obra (siempre que sea tuya)

Publicación: Puedes permitir o restringir que se publique temporalmente, continuamente y en el formato que tu desees (electrónico, impreso, auditivo)

Comunicación Pública: Puedes permitir su difusión sin que sea necesario distribuirla fìsicamente (un concierto que se ejecute, pero que no  se grabe).

Distribución: Puedes permitir o restringir que se copie, venda, traspase, rente y va enlazado con el siguiente.

Reproducción: Permitir o restringir que se duplique de forma temporal o permanente en cualquier forma tangible, electrónica o física.

8.- Todos estos derechos son irrenunciables, es decir, aunque quieras no puedes venderlos, lo que si puedes es dar licencias sobre los mismos.

9.- Nadie puede obligarte a renunciar, firmar, entregar, regalar, licenciar, permitir o evitar estos derechos.

10.- Antes de firmar un contrato, llévalo con un abogado especializado en derechos de autor.

Conclusión:

En México, la mayoría de las disqueras abusan de las ganas del artista para hacer una producción, otorgando el primer contrato más ventajoso posible. Es importante que tengas asesoría profesional. Hay disqueras que están haciendo tratos de distribución, reproducción, venta, difusión sin protección, bajo la amenaza de que pueden hacer con el material lo que quieran.

Si no quieren firmar un acuerdo donde especifiques cuanto tiempo y sobre que condiciones estás dando licencia a tu material, será mejor no firmar nada sin la asesoría de un abogado y tal vez deberás buscar otra disquera.

TUS DERECHOS DE AUTOR SON IRRENUNCIABLES, recúerdalo siempre.

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martes, 28 de mayo de 2013

Management: ¿Quien lo ejerce y para que?


Management: ¿Quién lo ejerce y para qué?

¿Es lo mismo representante que manager?


Bienvenidos al blog. Hoy vamos a tratar un tema también muy confuso.

Empecemos por delimitar algunas funciones dentro de la audio producción. Las casas disqueras están en el negocio de vender discos, las editoriales en vender libros. Las radiodifusoras construyen audiencias que venden a sus clientes a través de impactos publicitarios.

Los manager, están en el negocio del desarrollo a largo plazo de sus clientes. Esto incluye mercadeo, giras, licencias, patrocinios y todo lo que tenga que ver con la explotación (en términos comerciales) de un artista, proyecto o producto de audio producción.

¿Qué hace el Manager?

Ayer hablábamos del trabajo del Productor. El Productor cuida los requerimientos y el desarrollo del proyecto.
El Manager es quien desarrolla este proyecto, de esta manera, el productor vigila que se haga lo que el Manager ha decidido realizar.

Sus tareas principales son:

Planeación: En pocas palabras es algo así como identificar a dónde se quiere ir, porqué se quiere ir ahí, cómo ir ahí, que necesitas para ir ahí y finalmente, cómo saber si estás ahí o no.

Organización: En apoyo del productor, director y asistentes, maneja coordinadamente los requerimientos del proyecto.

Dirección y Liderazgo: Mantiene el rumbo del proyecto en sentido recto y ayuda a tomar decisiones ante los posibles retrasos o complicaciones de un proyecto.

Control (lo que menos gusta al artista del proyecto): Se debe anteponer a las problemáticas para modificar los tiempos, recursos y posibilidades antes que sucedan.

Por ejemplo, si sabe que está mal el clima en Sinaloa, no cancela un concierto o presentación, provee y solicita lo necesario para mantener en orden la situación.

¿Un representante artístico y un manager es lo mismo?

Se confunden las fronteras entre uno y otro constantemente. En México el representante artístico es también confundido con el Booking Agent.  El representante es la cara comercial del proyecto. A quien se refiere un cliente ante una solicitud, reclamo o negociación.

El Manager tiene que ir más allá de eso, pues tiene que revisar las condiciones de cada uno de sus áreas. Por ejemplo, si el gutarrista está fallando mucho en vivo, puede deberse a una lesión, una mala técnica o que psicológicamente esté muy alterado. El manager es un factor humano dentro de la maquinaria de la producción. Lo que hará es ajustar o buscar en sus tiempos un espacio donde el guitarrista pueda diagnosticarse y restaurarlo a su mejor condición.

¿Cómo reconozco un mal manager?

Aguas para los que ya tengan uno encima y para los que están por echárselo al bolsillo

Un mal manager normalmente se montará como el jefe del grupo, pasará más tiempo ofreciendo los servicios del grupo que ejercitando a los integrantes del proyecto en su área.

Presionará para ir más rápido aunque la infraestructura no lo permita.

Acelera procesos como sacar discos uno tras de otro, ventas de apariciones sobre cubiertas (2 o 3 eventos en un dìa), limitará el uso de recursos en aspectos importantes (seguros de salud, vida, alimentación, transporte) y en la mayoría de los casos, querrá manejar el dinero directamente.

Si ya tienes uno encima será difícil quitarlo, porque algunos se manejan en base a contratos. Lo mejor es terminar la relación laboral en su momento y previamente buscar una nueva opción que permita negociar mejor las comisiones, formas de trabajo y soporte.


Conclusion

El Manager tiene que ver con esta y muchas tareas más. Su trabajo no es sencillo y comprenderlo a veces es causa de rupturas al interior de los proyectos, principalmente porque los esquemas de trabajo son muy específicos... en futuras entregas hablaremos más sobre este personaje.

Al inicio de una banda obtener un managment es difícil por los costos, falta de planeación y construcción de una meta definida.


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lunes, 27 de mayo de 2013

Los rasgados límites de la producción




¿Quién y que hace un productor en audio producción?

La trampa secreta del TODO EN UNO.

 

Hoy en día tenemos por todos lados estudios de grabación dispuestos en casas, departamentos, bodegas, cuartos de dormir o garages. 
Todos en búsqueda de ofrecer un servicio de calidad, precios adecuados y múltiples opciones para los posibles clientes.

Algunos con buena ubicación e instalaciones, otros con la experiencia a cuestas y muchos más en desarrollo profesional.
¿Pero realmente se puede nombrar productor a quien graba, mezcla, masteriza, maquila, distribuye y tiene sello discográfico?.

¿Quién es el productor?

El productor es esa entidad que comprende, maneja y desarrolla un proyecto de audio producción. Su capacidad y experiencia le permite dar algunas opiniones sobre el proceso creativo. 
Si... ALGUNAS...

Un productor es muy similar al director de una orquesta. Tiene múltiples conocimientos y sobre todo sabe donde inicia su participación, donde termina y donde es necesario que alguien más cumpla con ella.

A veces se le confunde con el Manager, con el agente de Booking, o con el dueño del grupo o proyecto. Ninguna de estas entidades, tiene al 100% la capacidad de realizarlo todo. Si no pregúntenle al papá de Selena o al de Ashley Simpson.

¿Que hace un productor?

Casi nada.
Organiza desde sus orígenes un proyecto, cuida que se organicen los tiempos y recursos de un proyecto, está al tanto de las necesidades y prioridades de un proyecto para que no cambie su curso.
Lleva a cabo las reuniones y coordina los temas a debatir para que la producción no se detenga, retrase y avance suavemente sobre nubes de algodón. 

Ayuda a solucionar conflictos creativos, internos y externos para el desarrollo de la producción. Coordina al equipo creativo junto al equipo técnico para que el talento pueda obtener el resultado proyectado previamente. Por eso es comparable a un director de orquesta. El mantiene la batuta marcando el ritmo para que la orquesta sepa, sienta y termine una pieza musical escrita por un creativo.

Un productor pasa entre 8 y 12 meses como mínimo coordinando un proyecto. Es pagado por la productora para funcionar durante ese tiempo y en los casos externos, se le paga por asegurarse que el proyecto no gaste más de los recursos que le fueron asignados. 

¿Qué no hace un productor?

Sencillo, y si te sientes productor, lo mejor será quitar ese título de tu sitio web o perfil de facebook.

Un productor no graba, mezcla, masteriza, arregla, compone, distribuye, vende, afina voces, decide el diseño, maquila o edita las versiones de radio y del disco.

No elige los track que quedarán en el disco. Su trabajo fundamental es meramente organizacional.

Un productor no le dice que grabar, como grabar y en que momento a un talento. No es un ser mítico equiparable a un santo. 

¿Que debe saber un productor?

Debe conocer primero que nada, que el es la cabeza ORGANIZACIONAL de un proyecto. Que sus decisiones son inútiles porque depende de muchas personas. Su único jefe o línea es el boceto del proyecto que se va a realizar, respetar sus tiempos, hacer que se confirmen, utilizar los recursos que se le han provisto de la mejor manera. Obtener los resultados y aceitar la máquina con porras, ánimo, buena vibra y facilidad de palabra. 

¿Quienes se dicen productores, saben realmente serlo?

Cuando un servicio de producción te dice lo que tienes que hacer, como debes hacerlo y respeta tu visión original, antes de grabar tan sólo una palabra, sonido o nota musical, entonces mi amigo, has encontrado una casa productora honesta, que está previniendo no sólo lo que puede fallarte, sino que su trabajo se centre en realizar el producto creativo que necesitas.

Si por el contrario, te dicen que han grabado los discos de una lista interminable de artistas, marcas o productos que no conoces, que si quieres empiezan mañana mismo sin revisar si quiera el estatus de tu proyecto, que ellos tomarán las decisiones para que no sufras, que te van a poner en el cielo con lo que te van a hacer, que en 2 semanas tienes tu proyecto terminado o que simplemente cierres la boca y te dejes guiar... entonces tienes a un prospecto de fracaso comercial que se basa en volumen y no calidad.

La realidad es otra y se necesita ser todologo...

Es el argumento más común en nuestro país para asignar un todólogo a un proyecto nuevo. Nadie quiere pagar lo que vale una producción. Es posible que se logre con poco presupuesto. Pero tampoco es trabajo del productor decidir si se puede hacer con más o menos dinero.

Reducir costos al máximo en producción, significa actualmente omitir gente en el proceso de producción. Existen disqueras que trabajan hasta sin el equipo necesario para desarrollar su trabajo y cobran lo que pueden para mantenerse vivos. 

Estas disqueras son víctimas de sus propias malas desiciones, de eliminar al director musical, productor, arreglista, compositor.  Los productos son cada vez más mediocres generando la eterna espiral de grabar o refritear material. Se siguen usando los covers como forma de venta "segura", hundiendo a la productora en la dependencia comercial, en vez de ofrecer mejores productos a la industria.

Conclusión...

Ser productor no se estudia en una escuela o academia musical... es un proceso de años en el que una persona conoce lo suficiente de su área como para coordinar a un equipo mayor... un productor, delega a la mejor persona posible un trabajo específico... su trabajo es detectar a esta gente específica para colaborar a la calidad del producto.

Su trabajo es tan importante que productoras como Blue Note, han desarrollado verdaderas escuelas sobre producción manteniéndose con un alto estándar y calidad sin necesidad de comprometer sus operaciones. 

En estos tiempos de estancamiento creativo dar vida a nuevos proyectos es fundamental y es necesario desarrollar a los nuevos productores de esta generación multimedia. Fueron, son y serán siempre indispensables en el proceso de audio producción.

Nos vemos mañana con otro tópico
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viernes, 24 de mayo de 2013

Audio Producción Profesional o Profesional en Audio Producción IV


Audio Producción Profesional 

Profesional en Audio Producción

Parte IV y Última

El factor humano en la audio producción


Bienvenidos a este ejercicio de análisis sobre la importancia de conocer los elementos de la audio producción.

Ya vimos que un espacio de audio producción es necesario para obtener la mejor calidad de la muestra, que la herramientas son para utilizarlas creativamente y que no fueron diseñadas para utilizarse correctivamente como función principal.

Ahora pasemos al elemento que amalgama a las 2 anteriores.

Se le otorga al Ingeniero en audio capacidades que van más allá de la comprensión humana. Se le dice mago, gurú, semidios o chamán bajo circunstancias donde ha probado sobre todo, que puede tapar las fallas de una ejecución, pronunciación, grabación o mezcla.

"Arreglarlo después" es la frase favorita utilizada para forzar al ingeniero de mezcla a "colaborar" con la falta de tacto, preparación, conocimiento y experiencia en un proyecto.

Actualmente su rol está siendo invadido por la delgada línea que cubre la tecnología. You tube, los foros de internet, grupos de Facebook, han enarbolado la bandera de la libertad, pero también lo hacen de forma inconsiente.

La vieja escuela de audio producción

Anteriormente obtener las habilidades técnicas para grabar un proyecto, era casi secreto del pentágono. No se podía estudiar de forma sencilla y había que pasar por un proceso de tormento medieval, una ceremonia de iniciación y probar que se era posible insertar un huevo sin romperlo dentro de un botella para recibir una oportunidad de trabajar como asistente.

Una vez dentro, el candidato sufría todo tipo de presión, trabajando como mesero, mensajero, recepcionista, cableador, intendente y cargador para tener la oportunidad de hacer un reseteo de consola (poner todos los botones de una mezcladora en 0) y era el encargado de cerrar el changarro.

Después de todo esto, finalmente se le iba integrando y su aprendizaje se iba dando por "absorción". En algunos casos, los libros correctos caían en las manos correctas y buscaban aplicarle un nuevo toque a la forma de trabajar.

Posteriormente, la proliferación de escuelas de enseñanza contribuyeron a crear a una generación de ingenieros en audio con la preparación básica necesaria para integrarse a los espacios de audio producción.

La visión actual sobre el encargado de la audio producción

Los tiempos han cambiado, las tecnologías simplificaron los pasos para realizar audio producción, los tamaños de los equipos se redujeron.
Lo mismo pasó en las oficinas y la tecnología aceleró los procesos en todos los campos.

Esto hizo pensar que el factor humano en la audio producción ahora sería un mero accesorio para desarrollar tareas como autómata.

Actualmente existen "empresas de sonorización" que solicitan más un "chofer-cargador-operador" que un especialista en audio producción, estudios de grabación que contratan "ingeniero-productor-mezclador-masterizador-psicólogo" por freelance. Agencias de publicidad que pagan a "productor-locutor-editor-masterizador" por una mínima cantidad de dinero y pagaderos a 90 días.

Lamento profundamente decir, que es la falta de integración del factor humano en audio producción, quien permite estos atropellos en su comunidad.

Nuevos talentos o graduados de internet

Internet ha permitido la accesibilidad de los datos, garantizando una mejor distribución. Conseguir videos, libros o tips de audio producción en línea, ha permitido a una nueva generación, acceder a conocimientos que antes sólo eran de aprender en los espacios de audio producción.

Sin embargo, se ha popularizado el abaratamiento de los procesos. Hacer una audio producción cuesta horas hombre, luz, desgaste de equipo, alimentación, transporte, vestido.

La respuesta común a esto es: "mi papá me alimenta en casa, me viste y yo puedo hacer trabajos para empezar por una décima parte de lo que cobraría un estudio, ingeniero de sala."

La idea generalizada de que "todo está en internet" no hace más que volcarnos a esta revolución tecnológica armados de prejuicios, impresiones y falsas expectativas.

Las empresas que venden software y hardware, popularizan la idea de que grabar en casa es barato, confiable y con resultados perfectos. Pero cuando llega la factura de la luz, el costo de las reparaciones, los retrasos para las entregas para el cliebte, ahí se desembolsa casi lo mismo que con un experto.

Menos es más

Cuando un producto es similar a otro, cuenta con las mismas características, procesos, ingredientes y tiempos de entrega, la forma más fácil de diferenciar y obtener la posibilidad de realizar el trabajo es bajar costos.

En la audio producción actualmente, se gana más con menos, justificando que más vale ganarse el 50% de algo, que el 100 % de nada. Pero esto contribuye a una crisis interna.

El ingeniero de audio producción ahora pasa más tiempo "conquistando" clientes que trabajando en su estudio. Tiene que ser un "Don Juan" ante sus posibles oportunidades laborales. Responde a su publicidad poniendo nombres de marcas, cantidades de equipo y fotografías tratando de demostrar lo que es capaz de realizar.

Haga lo que haga, nunca obtendrá una cuenta de publicidad, un demo para producir, un proyecto de sonido para una obra teatral, porque siempre existirá el factor "cobrar lo que se pueda" antes que prepararse y desarrollar su trabajo.

Conclusión

Al igual que con los 2 pilares anteriores, el factor humano en la audio producción es esencial, porque es la fuerza que trabaja para desarrollar los proyectos.

Es el pilar más complejo, porque intervienen las relaciones personales y las diferencias creativas o estéticas lo complican.

La experiencia es un factor que no se puede sustituir con un video de You Tube, un manual de internet o un tutorial en DVD.

Estos elementos son complementos, nuevas visiones o enfoques sobre temas diversos. Nunca substituirán el conocimiento central de la experiencia, los conocimientos técnicos y la disciplina de la audio producción.

Analizando estos 3 pilares y quitando la palabra mágica "profesional" a cualquiera de ellos, es fácil evaluar los posibles resultados de una audio producción.

La mejor recomendación es informarse no con el proveedor de servicio, sino acercarse a otro medio de confianza. No se debe preguntar sólo el precio, sino las formas de trabajo, las herramientas disponibles, las condiciones de trabajo físico para la audio producción.

Gracias por seguirnos esta primer semana de publicación diaria y a quien se ha suscrito a Facebook, Twitter y ha hecho G+ para Google...
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Feliz fin de semana, nos bloggeamos el lunes...



jueves, 23 de mayo de 2013

Audio Producción Profesional o Profesional en Audio Producción Parte III




Audio Producción Profesional 

o

 Profesional en Audio Producción

Parte III

La identidad real del equipo de sonido

Que tal bloggers de Ad Libitum. Hoy vamos a continuar con la respuesta a la pregunta del millón, ¿Porqué mi proyecto no tuvo la respuesta que esperaba?

Contenido dentro del recinto acústico, el equipamiento básico indispensable dentro de un proveedor de audio producción, poseer un conjunto de herramientas diversas para la manipulación del sonido al capturarlo y después de capturarlo.

Existen muchas corrientes y polémicas sobre el tipo de equipos o cantidad de los mismos, sin embargo existe siempre una tendencia a promover una eterna pelea entre 2 campos principales.

Análogo vs. Digital
La comunidad de ingenieros en audio, todavía no se pone de acuerdo en validar cada uno de estos campos. Existen razones técnicas para definirlos adecuadamente, sin embargo, el sonido obtenido es lo que divide a la comunidad por su calidad.

En el sistema análogo, tenemos equipos basados en los principios de la grabación. La cadena de sonido está armada de dispositivos electrónicos basados en tecnología de principios de siglo. 

Se le llama análogo porque su forma de respuesta ante las muestras de sonido es muy similar al oído humano.

Por el contrario el sistema digital, posee la capacidad de ofrecer una edición, ajuste y monitoreo del material más preciso. Cortes más exactos, automatización controlada. 

Un sinfín de opciones que reducen el tiempo de producción para obtener mejores resultados.

¿Más herramientas es igual a mejor sonido?

Elegir un formato de audio producción puede ser complejo si no se toman en cuenta las posibilidades técnicas de los aparatos.

Los equipos de audio se desarrollaron para controlar, modificar o utilizar creativamente su uso en el sonido durante el proceso de audio producción.
Un error común una marca, va a hacer el trabajo que corresponde al músico, artista, publicista, locutor o sonidista. Es cierto que la calidad de los componentes entre equipo varía significativamente, pero no se trata de calidad de sonido, sino timbre o color del sonido.

Algunas consolas pueden sonar un tanto nasales, otras un tanto medias graves y otras totalmente planas. Esto depende de la ingeniería invertida en su desarrollo, el tipo de componentes y el diseño de su operatividad.

Un sistema de monitoreo decoroso es costoso, porque permite reproducir fielmente zonas del espectro que en las bocinas o equipos tradicionales son difíciles de percibir.

Con ello se incrementa el uso de las herramientas de procesamiento.

No hay problema... arréglalo en la mezcla...

Aunque las capacidades de los equipos de audio producción son un tanto ilimitadas, siempre queda un espacio para los elementos que no son controlables por un click de mouse.

Es aquí donde la ética del ingeniero se ve más afectada al recibir del cliente la exigencia de utilizar los aparatos CORRECTIVAMENTE y no CREATIVAMENTE.

El cliente es el primero en ponerse la soga al cuello cuando piensa que "sabe" lo que quiere, y si por el fuera hasta haría a un lado al ingeniero para sentarse a operar el mismo.

Los desarrolladores de equipo de audio producción y principalmente aquellos que se dedican a realizar productos para el mercado del estudio casero, propagan la idea de que tener el software y el hardware le permite al usuario transformarse instantáneamente en un productor experimentado.

"No pongas límite a tu potencial", reza la mayoría de anuncios dentro de las revistas, sitios con publicidad enfocados a la audio producción y las grandes mamparas de las "escuelas" de sonido actuales. Gran mentira.

Es cierto que las nuevas tecnologías permiten acelerar el proceso de producción en términos de edición, mezcla, post producción y masterización. Sin embargo, el proceso creativo y las bases para desarrollarlo toman años de experiencia y aplicarlas adecuadamente, va más allá de un par de minutos u horas. Tiempo es dinero y esto obliga a hacer el trabajo en el menor tiempo posible. Pero la originalidad se pierde y con ello la posibilidad de realizar un trabajo de alto nivel.

Lleve su paquete de producción y sea artista en 25 días

Piense esto por un momento, elaborar una sopa aguada llevaba un procedimiento sencillo. 

Elegir el tipo de pasta, poner a calentar el agua, moler el jitomate, la cebolla y el ajo. Sofreir la pasta para que no quede cruda, colar el preparado y agregar sal, caldo de pollo o lo que vaya a ponerle. Tardará en cocerse de 20 a 30 minutos. ¿Delicioso no le parece?.

Por otro lado, podría salir a la tienda más cercana, comprar una sopa maruchan, calentar agua por 3 minutos y en 6 minutos tiene una deliciosa sopa en sus manos.

El costo de una sopa tradicional puede ser de 3 a 4 dólares dependiendo los ingredientes.
Una sopa maruchan cuesta 60 centavos a 1 dólar.

En uno obtuvo un sabor casero, innigualable. Podría repetir el plato si quisiera y lo volvería a hacer al día siguiente.

En otro obtuvo un sabor procesado industrializado, poco natural y delicioso. Lo va a combinar con salsa picante y limón para darle un "toque" natural. En realidad solo está disfrazando el sabor tan procesado que tiene.

¿Porqué mi grabación, campaña publicitaria, podcast, canción, proyecto, obra de teatro, película, video no tuvo la reacción que esperaba?

El "sabor" que puede obtener un proyecto no dependerá nunca de el plato donde fué servido. La elección de los ingredientes, el tiempo de preparación, el conocimiento y experiencia en la realización del plato son causantes de la reacción a quien pruebe el platillo.

En el caso de un proyecto, imagine que usted le sirve a su auditorio, audiencia, cliente o club de fans una deliciosa sopa casera o por el contrario, una deliciosa sopa maruchan.

¿Cuál cree que su cliente, audiencia, auditorio o fans preferirá probar?

Es inegable que se puede realizar audio producción con un cuarto limitado, algunos equipos adicionales y habilidad del ingeniero (cocinero). Pero será primordialmente el poseedor del proyecto el que decida que quiere, puede y le importa pagar.

Mañana continuamos con la última parte de este proceso de reconocimiento sobre los 3 pilares de la audio producción. 

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miércoles, 22 de mayo de 2013

Audio Producción Profesional o Profesional en Audio Producción II


AUDIO PRODUCCIÓN PROFESIONAL 

O PROFESIONAL EN AUDIO PRODUCCIÓN

PARTE II

El entorno de la Audio Producción


En el post anterior mencionamos que existen 3 elementos clave para la audio producción: El espacio de trabajo, las herramientas y el factor humano.

En esta entrega analizaremos que tan importante o considerable es conocer los requerimientos mínimos para obtener una muestra de sonido que sea óptima para trabajar.

¿Cuáles son los espacios de trabajo en audio producción?

El estudio de grabación es sólo un ejemplo del entorno de trabajo para la audio producción. Cuando hablamos de tipos de producción encontraremos campos como la grabación, mezcla, masterización, sonorización, edición, pre- producción, post- producción. Sin embargo estos espacios se extienden al exterior.

Las salas de conciertos, auditorios, teatros, plazas, cabinas de radio y foros multiculturales son otros ejemplos de espacios para la audio producción. Actualmente los estadios son considerados por sus propiedades de capacidad más que por sus propiedades acústicas. En otros post evaluaremos mejor este concepto de ética en la producción de eventos.

El estudio de grabación ¿profesional?

Un estudio no se mide por la cantidad de equipo que presenta, sino por la calidad o trabajo acústico que conlleva. 

Existen bases para comprender que un medio controlado permite una mejor captación del sonido. A veces se piensa que basta con atenuar las reflexiones (reverberización) de un cuarto. 

El tamaño, altura y forma del cuarto acústico, define las posibilidades técnicas del mismo para desarrollar ciertas frecuencias de manera correcta. 

Con esto digo que no todos los cuartos son óptimos y tampoco pueden ser descartados. Simplemente, algunos cuartos sirven mejor para algunas cosas que para otras.

En el home studio, es común encontrar cuartos acústicos pequeños que a través de técnicas y conocimiento correcto del mismo, se puede obtener un buen sonido para cierto tipo de requerimientos. 

Cuando un cuarto no ha sido tratado adecuadamente, la percepción de tonalidades, texturas y claridad se ven afectadas. 

No suena como yo esperaba...

En alguna etapa o proyecto, seguramente te ha pasado que encuentras algo diferente o comparas el sonido de tu proyecto con el de un grupo musical conocido.

Aunque el sonido está ahí, puede carecer de profundidad, de brillo, de graves, de punch.... 

No todos los estudios grandes están bien acondicionados o medidos, y no todos los cuartos de control están bien estructurados. Encontrar y juzgar un estudio de grabación por su equipamiento electrónico es la falla más común a la hora de elegir un espacio de audio producción.

También es un error juzgarlo por el presupuesto. No se trata de grabar y ya, la magia del equipo lo hace todo. Cuando un cuarto acústico está afectando en el resultado, puede alterar hasta un 30 % el sonido final. Es por ello que aunque haya un estudio equipado con una consola de alto rango, el sonido final no llegue a ese punto donde puede ser manipulado.

La acústica también llega de fuera...

Algo que siempre es común pensar, es que la acústica de un estudio es malo porque nuestro instrumento suena raro o diferente a como lo escuchamos en casa. 

Y es que nuestro cerebro registra el sonido de nuestra sala de ensayo, el que hemos revisado y utilizado por 5 años para practicar el instrumento.

Juzgar un estudio de grabación por el sonido que presenta un instrumento dentro de el, no debería ser un problema. 

El problema es llevar un instrumento de baja calidad a un estudio o recinto tratado. Es común pedir al ingeniero o sonidista mejorar el sonido del instrumento con equipo de sonido. Pero lo ideal es cambiar al instrumento. 

A veces esperamos que nuestra guitarra de 70 dólares suene a la que utiliza Eric Clapton de 1200 dólares. Se puede obtener un sonido decente con la primer guitarra, pero definitivamente nunca alcanzará el grado de la última.

Esto lleva a utilizar las herramientas como compensación de un mal recinto acústico o un mal instrumento.  Actualmente se diseña más software para limpiar mejor el sonido, para corregir el cuarto acústico o mejorar la voz del cantante. 

La industria siempre responde al llamado de las necesidades, pero a cambio, abandona las prácticas y relega los conocimientos básicos a una simple descarga y algunos dólares.

Conclusión

Aunque existen formas de compensar un mal cuarto acústico o un instrumento, siempre se verá como eso; un instrumento procesado que fue grabado dentro de un mal cuarto acústico.

Si pienso grabar un demo, tal vez me sea más barato y óptimo hacerlo en la sala de la casa, el garage, la cocina o el teatro escolar. Puedo utilizar un sistema de grabación portátil de 250 dólares, un micrófono de 80 y una laptop de 400 para hacer una grabación completa y suficiente para mi objetivo.

Pero no puedo decir que es suficiente para un producto de calidad.

Cuando uno tiene hambre y no hay dinero suficiente o un restaurante a algunos metros a la redonda, lo primero que encontremos será una opción. Con el tanque lleno, puede parecer que mitigamos nuestra necesidad. Sin embargo, sabremos que una sopa maruchan no es un buen alimento y que a la larga puede producir problemas estomacales, úlceras y si no se trata, hasta cáncer de estómago.

Algunos músicos, productores, arreglistas, compositores, publicistas, mercadólogos, comunicólogos y todo aquel ligado a la audio producción, prefieren comer maruchan por la eternidad.  

Tampoco podemos decir que un cuarto bien diseñado, tiene la facultad de hacer magia. Existen disqueras, productoras, agencias publicitarias, estudios de proyectos y home studios que prometen la superioridad de calidad. Pero siempre están basados en las capacidades de las herramientas, pasando la mayor parte del día corrigiendo sus problemas de cuarto.

Hay instrumentistas que juran tener el instrumento más dócil, confiable y sonoro del mundo. Pero de un tiempo a acá, la industrialización de los productos, ha afectado el sonido de un buen instrumento. 

En resumen, todo conlleva a perder calidad de producción.

 Y ahora pregunto, ¿dónde está la palabra profesional?


Los esperamos mañana con la parte 3 de esta serie de audio producción.

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martes, 21 de mayo de 2013

Audio Producción Profesional o Profesional de Audio Producción

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Audio Producción Profesional 

Profesional de Audio Producción

Poniendo los conceptos en orden


La audio producción es una disciplina creativa que permite capturar, manipular y plasmar un producto auditivo.
La materia prima de esta disciplina es el sonido. El concepto más olvidado de este tópico es precisamente la palabra “disciplina”. Se considera tradicionalmente que el proceso creativo (diseño de sonido, música, efectos de sonido) no debe estar atado a las formas.
La difusión de programas de edición, ha permitido a la mayoría de las personas realizar tareas que normalmente se realizaban por expertos en su manejo.
Es precisamente donde la delgada línea entre el amateur y el experto ha quedado eliminado con una consecuencia severa en las formas de producir.
Y digo consecuencias severas porque actualmente la mayoría de la gente cree que no se puede diferenciar entre  un amateur y un experto.
La culpa de todo esto lo tiene un adjetivo calificativo. La palabra “profesional” se ha aplicado a todo, con poco criterio y más bien con desinformación de por medio.
Así que por un momento eliminaremos este adjetivo para comprender la Audio Producción.
¿Qué es la Audio Producción?
La audio producción es una disciplina donde la actividad principal consiste en la captura, procesamiento y verter el resultado en un medio reproducible.
Quiero acentuar la palabra “disciplina”, porque tradicionalmente se considera que durante el proceso, el orden de los factores no altera el producto. Este es el primer mito a derrumbar. Los cambios en los procesos de audio producción, pueden afectar gravemente el resultado final. Pocos son los casos donde se beneficia, pero es un mero accidente y normalmente se trata como “casualidad”.
Los 3 pilares de la Audio Producción
Para que esta disciplina se desarrolle se requieren 3 componentes esenciales para obtener el mejor producto posible. O por lo menos reduce en gran medida las fallas que proveen un producto mejor o peor.  Estos son, el espacio, las herramientas y el factor humano.
El espacio: La materia prima de la audio producción es el sonido, un conjunto de ondas que tienen características únicas. Su tratamiento requiere al igual que en un laboratorio, obtener la muestra más limpia posible para su tratamiento. En realidad los primeros estudios de grabación eran laboratorios de física con aparatos como analizadores de espectro y medidores de resonancia. Un espacio diseñado acústicamente, permite obtener un entorno libre de ruidos, interferencias y contaminación auditiva. En este ejemplo encajan las cámaras anecoicas, los recintos acústicos, las salas de concierto, los teatros, los estudios de grabación, las cabinas de radio, los home estudios, estudios de proyectos, estudios de masterización y de mezcla surround.
Las Herramientas: Una vez que se obtiene la muestra de sonido, debe ser tratada para poder manipularla y obtener de ella el máximo provecho creativo. Los micrófonos, consolas, preamplificadotes, instrumentos, procesadores de señal, amplificadores y computadoras, interfases y todo dispositivo técnico que permita su manipulación. También puede considerarse los conocimientos, técnicas y formas de trabajo que se han desarrollado como punto de referencia para obtener las mejores muestras, moldearlas y pulirlas.
El factor humano: Aquí podemos incluir a esa pieza importante del proceso, porque toma las decisiones de forma inteligente y en respuesta a su formación. El ingeniero en audio, sonidista, músico, compositor, diseñador de sonido, guionista, arreglista, actor, intérprete. Toda aquella forma humana que realice una función dentro del proceso de la audio producción.
Hasta aquí podríamos decir que estos 3 elementos son los pilares de la audio producción. Debo decir que es la calidad y no la cantidad de estos elementos, lo que puede hacer de un proyecto un producto fiel y óptimo para la finalidad que fue creado.
En los siguientes post, analizaremos como estos 3 pueden ser evaluados para considerar los resultados que pueden proveer.
Quiero aclarara que no  estamos evaluando la idea creativa, sino el proceso de la audio producción.
Aprovecho para enviar un saludo a Stereoheadphones Band que ha sido nominado a los premios Indie-O Music Awards 2013.
Tuve el placer de trabajar con ellos en este proyecto. Ánimo y les deseo lo mejor.
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lunes, 20 de mayo de 2013

La Ética Profesional En La Audio Producción






La Ética Profesional En La Audio Producción

¿Qué es lo justo para todos?



Principalmente este tópico tiene que ver más con la palabra "profesional" que con la palabra ética.

La ética se confunde como la forma de bien actuar, aunque en realidad, estudia que es lo moral (que se aporta), cómo se justifica (porqué es importante), y cómo ha de aplicarse (para qué se aplica).


Es un tema difícil de abordar, porque normalmente va cargado de excusas. Desde cualquier punto de vista, la ética profesional es un problema que ha frenado ampliamente el desarrollo en cualquier área que se aplique.


Ya hemos referido en otro artículo (http://blogadlibitumestudio.blogspot.mx/2013/04/el-estancamiento-de-la-audio-produccion.html), que la audio producción como en otros sectores,  se encuentra en un bloqueo creativo. 

Veremos ahora, que hay factores internos y externos, los que favorecen a este estancamiento creativo.

 Cualquier persona atada a la audio producción tiene el potencial de aplicar ante cada desición la ética profesional.

Un ejemplo de la vida cotidiana


Dicen que una mentira dicha mil veces se vuelve verdad, pero afecta económica, cultural y creativamente a la audio producción.

A partir de estas líneas, el texto se volverá difícil de leer.

No por su contenido, sino por las reacciones que pueden provocar en el lector.

Un músico, cantante, intérprete, grupo musical, publicista, guionista, diseñador de sonido, editor, productor, arreglista o compositor, no puede ser ético profesionalmente si acepta realizar un proyecto musical, donde desconoce el proceso real de un tipo de producto en particular.

Tener conocimientos en diversas áreas, no garantiza que estemos capacitados para hacerlo.

Actualmente en el mercado tenemos músicos que no componen, arreglistas que no cantan, compositores que no arreglan, publicistas que producen sin saberlo, guionistas que hacen jingles, cantantes que hacen managment, agencias publicitarias que quieren ser consultoras de crecimiento empresarial e instrumentistas que hacen diseño gráfico.

El mercado al estancarse produce bajas económicas impresionantes, que obligan a estos personajes a "ampliar" sus oportunidades. Sin embargo esta práctica lo que hace es crear desconfianza en el sector ante los pobres resultados y con ello, dañar más las oportunidades de trabajo para el arreglista que sí arregla o a los productores que sí producen. Es un círculo vicioso.

¿Disqueras o rastros culturales?

Las disqueras y casas productoras no se salvan. Viven estancadas en las fórmulas comerciales de siempre. Pensando que crear otra banda sinaloense va a permitirles sobrevivir 6 meses más hasta que hacen desfallecer a la banda y acaban consumiéndola por dentro. Esto no es ético, es de lo más visto y es lo más memorable.

Hay otras "maquiladoras" disfrazadas de disqueras, que realizan una producción semanal, de muy baja calidad por su elaboración, calidad interpretativa y soporte del artista. Presumen el nombre de disquera y sus dueños no tienen siquiera algún conocimiento musical. No sustentan a su artista. Les hacen fotografías en los baños de las instalaciones, cuartos acústicos sin trabajo de fondo, equipo en mal estado, cobrando la producción como si se tratase de alto nivel y pagando sueldos de freelance principante.

Sin embargo, todavía es peor encontrar grupos, solistas, bandas que "añoran" esta explotación confundiéndola con éxito musical.

Actualmente encontramos en todos lados "representantes, publicistas, managers y genios musicales" que sólo les falta vender Avon en cada lugar donde se paran.

Y que hay de los Ingenieros en audio, productores o gurús musicales y publicitarios.
Exponen en sus sitios web toda una lista de procedimientos que realizan y que no se especializan en ellos.

No es que no puedan ofrecer esos servicios, sino que la hacen de una manera mediocre para ganarse un dinero extra.  Opciones tienen, porque pudieran trasladar ese proyecto o trabajo hacia una persona experimentada. Sin embargo, en vez de ganar la confianza de su cliente reconociendo sus limitaciones como profesionales, buscan ganarse una reputación que no se merecen, entregando trabajos mal realizados.

En algún momento alguien me mencionaba "cuando pregunten si sabes hacer algo, dí a todo que sí".... el problema es que no nos enseñan a decir "no lo hago yo, pero aquí está el teléfono de la persona que buscas o que te puede orientar", y recordarle la especialidad a la que te dedicas.

Los proveedores de herramientas también aportan.

Las empresas desarrolladoras de software y hardware casero, carecen de una ética profesional mayor. Muchas no proporcionan los servicios que ofrecen. Si el hardware tiene fallas de diseño alegan que es para mercado de "consumidor". Si el software tiene fallas y pocas ventas, no le dan el soporte técnico adecuado, porque no costea arreglar un software que no reportó ganancias.

Digidesign, la empresa que ha creado al monstruo Protools dejó de ser un parámetro profesional debido a sus constantes actualizaciones, requerimientos de sistema y  no dando un trato de soporte profesional a sus compradores.

Conozco estudios publicitarios que compraron un sistema Protools HD para grabar voz de perifoneos, editar máximo 4 tracks y aparte tuvieron que comprar la licencia de codificación mp3 para sus sistemas obsoletos. Cambiar estos sistemas no son opción. ¿Quién los asesoró? Pues un distribuidor directo de Digidesign en México.

Vender la idea a las nuevas generaciones que podrán ser los próximos Alan Parson o Benny Faconne del medio con una interfase de 200 dólares, es otra falta de ética. Vender masivamente para subsistir no ha resuelto el problema de la industria y a contribuido al crecimiento de productos económicos diseñados para el consumidor promedio.

"Cualquiera puede grabar" dice la publicidad de estas empresas... pero no cualquiera puede aportar creatividad de calidad a un proyecto.

Conclusión

La falta de ética hoy más que nunca, es el cáncer que enferma la audio producción.
Cambiar este enfoque implica sepultar el concepto de todólogo en la audio producción.
No hay parámetros para medir el profesionalismo de un editor, productor o manager si existe desconocimiento de los procesos de audio producción.

Conocer mejor esta disciplina, sus técnicas y bases de trabajo, contribuirá a mejorar la confianza y desarrollo de propuestas creativas donde el dinero, tiempo y esfuerzo invertido, se verán multiplicados por la calidad que realmente pueden aportar los especialistas a un proyecto en particular.

Gracias por seguir este blog... Mañana seguimos con un tema importante..

¿Cómo reconozco a un profesional de la audio producción?

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lunes, 13 de mayo de 2013

Desconocimiento sobre los derechos de autor en México


Desconocimiento sobre los Derechos de Autor en México

La difusión de la propiedad intelectual en México


La piratería es un problema económico y cultural que se arraigó en nuestro país. La falta de oportunidades y un adecuado uso del derecho de autor, ha logrado ubicar en la categoría de problema social esta industria informal.

La piratería sostiene a muchas familias mexicanas a falta de oportunidades educativas, sociales y económicas. Prospera simplemente porque los costos de los productos originales tampoco parecen coincidir con los bolsillos mexicanos.

El estudio

El Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI) lanzó con bombo y platillo una investigación realizada durante 2011 y 2012. Originado en municipios de Toluca, Guadalajara,Oaxaca, Tijuana, Villahermosa y Querétaro, se aplicó a personas de entre 19 y 65 años para conocer sus principales preferencias de consumo. 

Los estudios arrojaron que la comunidad conoce el concepto de productos piratas en diversos campos, sin embargo, la reconocen y acentúan propias de la venta de fonogramas y videogramas.

Se desprenden 5 premisas de análisis sobre el estado de la piratería en nuestro país:

- Los videogramas son los artículos más vendidos, con una ligera diferencia de entre el 1 y 3 % sobre los fonogramas.
- Que se reconoce la calidad superior de un producto original a uno pirata
- Que es una alternativa económica para familias de escasos recursos
- El reconocimiento de que el gobierno no está desarrollando las políticas adecuadas para solucionar el problema
- Que se conoce el término "Derechos de propiedad intelectual", sin embargo se desconoce a la autoridad que lo regula.

A mi parecer, esta última arroja la realidad y el tamaño del problema de fondo aplicable a todos los campos de la propiedad intelectual en nuestro país.

La piratería no es un problema mesurable, sobre todo cuando ya se encuentra insertado en la sociedad. Se le ve con naturalidad y hasta cierto punto justificable porque contribuye a la economía nacional.

La gran falla del IMPI

Es importante para el IMPI, aceptar y reconocer, que antes de un problema legal autoral, está enseñar, capacitar y difundir la importancia de la protección a los Derechos de Propiedad Intelectual.

La gran falla del IMPI es querer presentar estos datos a modo de defensa. Pretende presentar un trabajo pobre (a lo mucho se hicieron 15 preguntas que no arrojaron muchos datos), como un trabajo incansable. 

Si por el contrario, continúa haciendo encuestas en pocas ciudades, difundiendo una cada 3 años en su portal oficial y sin realizar un trabajo de difusión, nunca encontraremos el equilibrio para fomentar no sólo la industria fonográfica, sino cualquier industria que necesite de la defensa de sus ideas por parte de las autoridades competentes.

No se trata de evaluar o contabilizar los daños, sino de presentar oportunidades y soluciones para ir modificando las conductas de consumo.

En realidad, el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial, no desarrolla campañas de difusión sobre su área de aplicación, no opera productos, carteles, folletos que se manejen de forma externa. Tal vez lo haga enfocado al sector de Micro, pequeña y mediana empresa...

No hace programas de concientización en radio, televisión, escuelas primarias, secundarias, preparatorias... por lo menos ninguna enfocada con personajes para comprender desde pequeños, los derechos de la propiedad intelectual.

Pero si consideramos que vivimos bajo un estado de gobernabilidad, donde ni siquiera los derechos humanos básicos como la alimentación, vivienda, protección, legislación son difundidos, mucho menos habrá campañas sobre la propiedad intelectual.

Tampoco es cosa de satanizar al mercado porque indica que la principal causa de este fenómeno es que la gente no puede pagar más

Falta la intervención, interacción e invitación hacia las grandes empresas transnacionales por fomentar el mercado nacional, la producción de ideas nacionales, sin ingresar o favorecer a los artistas, productoras, grabadoras y sellos transnacionales que ocupan el mercado en nuestro país y que facilitan la tarea para las propuestas extranjeras.

Conclusión

El IMPI debió presentar un análisis más completo, sobre todo debió anexar en su cuestionario preguntas como:

¿Conoce usted el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial?
¿Sabe cuales son sus derechos como creador intelectual?
¿Cómo afecta su consumo, el desconocimiento de los Derechos Intelectuales?
¿Considera que su orientación de compra cambiaría al conocer de fondo el impacto de la piratería en un producto con Propiedad Intelectual?
¿A que edad considera se debería hablar de la propiedad intelectual?

Más que mostrar una realidad palpable, deberá enfocarse en el desarrollo de propuestas y difusión de la propiedad intelectual, más allá de sus servicios de tramitación y registro de la propiedad industrial.



Si desea consultar el estudio aquí está el link:

http://www.impi.gob.mx/wb/IMPI/resultados_de_la_encuesta_de_habitos_de_consumo_20