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martes, 6 de diciembre de 2016

2017: Retos de estrategia para desarrollar hacia el 2020...


Se nos viene el cierre de año y con ello, las expectativas para el negocio de la música parecieran por momentos inciertos o más difíciles. Durante el 2016, nuestro país experimentó cambios de tipo económico, político y social, que han modificado el terreno para las industrias creativas.

Aunque parece complicado, estos cambios se han realizado en todas las latitudes y longitudes del mundo, a veces con apoyo de gobiernos, instituciones, asociaciones y la comunidad del negocio. En otros casos, la esterilidad de respaldo en cualquiera de sus formas, ha erosionado severamente el campo de las industrias creativas.

Reconocer anticipadamente los cambios clave de la industria, no significa que sirva para operar el siguiente año de forma óptima.

Te invito a comprender este artículo como parte de una estrategia para tu proyecto, utilizando el 2017 para tomar decisiones clave que puedes aplicar en los próximos 3 años y poner la mira en el 2020.

1.-Streaming: Hace unos días Spotify anunció que está muy cerca de convertirse en la primer Startup dentro del negocio de la música que alcanzará un modelo de negocio sustentable y rentable. Las alarmas y quejas principales de la industria, provienen de los artistas que han pugnado por un mejor pago de regalías. El reto para las propuestas musicales contemporáneas es transformar las oportunidades que los servicios de streaming ofrecen en soportes estratégicos de difusión y no de comercialización.

2.- Tendencia vinil: Aunque los viniles están empezando a crecer en consumo, aún no significan una fuente sustentable de ingresos. Aunados a la problemática de distribución y comercialización, los factores ambientales que podrían derivar, aún no han sido evaluados del todo. La compra de equipos para reproducir viniles ha desacelerado su crecimiento e incluso ha mostrado cierta tendencia a crear un mercado de reventa. El reto es analizar si vale la pena acceder en etapas tempranas de comercialización a una tendencia que comienza a bajar.

3.- Producción Musical: Las necesidades de grabación para un artista han iniciado una tendencia de corte minimalista. Se ha intentado culpar a los Estudios de Proyecto Personales de "minar" las oportunidades a los grandes estudios, cuando los recursos y habilidades creativas (contenido y mensaje) han sido visualizadas como el factor integral de un proyecto. El reto es delimitar mejor las facultades y oportunidades para los estudios, disqueras, productoras y maquiladoras, que las transforme en personajes más activos en la cadena creativa y no solamente espectadores pasivos en los cambios de la industria

4.- Certificación y Premios: Una industria que cambia constantemente es difícil de evaluar y aplicar criterios estables. Lo que para unos representa el mayor logro, para otros significa uno de los pasos recurrentes en su trayectoria. Paralelamente, el reconocimiento no está bien definido en muchos campos de la industria musical. La certificación ha demostrado avalar ciertos perfiles, pero falla en la delimitación de habilidades, criterios y funciones en los procesos de la industria. El reto es encontrar un pleno reconocimiento y delimitación creativa para crear una diferenciación más eficaz, que promueva el desarrollo de cada campo en la industria.

5.- Medios masivos y Redes Sociales: La transparencia es una de las herramientas clave para la industria en estos momentos. Anteriormente, los medios masivos se habían restringido de insertarse en el mundo de la era de información digital. La replicación mediática, ha abierto nuevas posibilidades, pero su crecimiento desmedido, ha diluido más el criterio y conocimiento. No es raro encontrar 25 versiones de una misma nota con preocupantes fallas de origen, que han vuelto más opaco el criterio. El reto es disipar y disminuir el excesivo uso de las redes sociales para la formación de criterios masivos y en lo posible, generar contenidos más integrales y de mejor calidad.

6.- Desempleo Generalizado: No podemos dejar de lado que las tendencias económicas están provocando cambios en productos y servicios de forma generalizada. En general, se están cambiando las políticas de contratación hacia la resolución por habilidades más que por grados académicos. Esta representa una gran oportunidad para las industrias creativas, porque integralmente hacen interactuar todos los potenciales del cerebro para generar respuestas integrales a problemas que anteriormente se veían como "distracciones" en el entorno laboral. El reto es expandir las habilidades creativas en el sector laboral y transformarlas en herramientas de desarrollo que estimulen el uso de las artes para la resolución de problemas complejos.

7.- Conciertos y Festivales: Los altos precios de acceso a espectáculos masivos ha limitado las posibilidades para nuevos Festivales. Indudablemente, los conciertos masivos han sido criticados en los últimos años por no abastecer espacio suficiente para todos los proyectos existentes. Para alcanzar un equilibrio entre la demanda y oferta de productos creativos, es necesario construir mejores redes, vinculación y organización de eventos. El reto, es constituir a los profesionales (gestores, promotores, managers y brokers) en un entorno de desarrollo en infraestructura organizacional, que permita el desarrollo de Festivales locales con una visión más significativa de simplemente brindar entretenimiento.

Conclusión

2017 representa un año de nuevos retos. Los caminos tradicionales en el negocio de la música serán reevaluados durante los primeros meses y en algunos casos veremos conflictos intensos en materia de distribución, producción y medios.

Aunque los puntos aquí expuestos buscan iniciar una reflexión profunda de nuestro entorno, no significa que sea un decreto que refleje simplemente problemas potenciales.

Este panorama tiene más soluciones que restricciones, puesto que hoy más que nunca, es posible generar oportunidades conjuntas, sinergias efectivas y por supuesto, integración humana que ha demostrado navegar y encontrar alternativas a los problemas cambiantes del entorno.

Lo hemos hecho desde la era de las cuevas... ¿Porqué no hacerlo ahora?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
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martes, 2 de agosto de 2016

Pokémon Go: Cachetada con guante blanco para el Music Business...




¡He vuelto!... Nos enfocamos en hacer realidad la Primer Edición de nuestro Curso-Taller "Cómo emprender un proyecto para el Music Business".. ¡Ya vamos por la segunda edición!...

Entremos en materia. La Pokemanía se ha vuelto un fenómeno tecnológico, social y cultural. Tanto sus detractores como sus impulsores, han dejado claro muchas oportunidades clave para el negocio de la música.

¿Qué podemos aprender de una aplicación como Pokémon Go en el negocio de la música?

1.- La tecnología puede cambiar un modelo de negocio: Estamos en la era del streaming y en lo personal creo que la tecnología disponible, puede ofrecer una dimensionalidad diferente para el negocio de la música. No hablo de dimensionalidad simplemente espacial, sino de marco económico y cultural que no se puede obtener simplemente de los modelos tradicionales aplicados al Music Business. La realidad aumentada ya empezó a ser aplicada a los productos de la música y la creatividad e innovación van implícitos en esta nueva realidad que la tecnología nos ha vuelto inmersos.

2.- La música está 20 años en atraso tecnológico: Si, tener DVD-Audio, DTS y grados de audiófilo para equipos digitales, no significa que el negocio de la música haya evolucionado. Esta particularidad del mercado por ser espectadores pasivos, poco exigentes con los contenidos y experiencias que el negocio de la música puede proveer, ha permitido al mercado preservar su modelo de negocio arrancado desde la era del CD. El consumidor mismo prefiere vivir atado a una librería de contenidos digitales que retomar la experiencia consiente de la música en todos los niveles. ¿Quién puede dar una solución desde la vía digital a la pasividad del consumidor?

3.- Desperdicio de emociones y sensaciones en el Music Business: La realidad aumentada ha existido desde tiempos inmemoriables en la industria. Transporta y genera entornos realistas en quien la escucha. ¿Sabías que el mercado de la música sirve como plataforma de prueba para medir el impacto de productos audiovisuales en las grandes marcas?... Es tiempo de sacar a la música de su sagrado bowl de cristal y dejar a las audiencias que lo palpen a través de todos sus sentidos...

4.- Realidad aumentada como experiencia de la música: Pocos se han aventurado a desarrollar realidad aumentada para el Music Business... Pero si consideramos más allá las oportunidades que brindan los sentidos, no necesitas desarrollar una aplicación y generar una red de servers alrededor del mundo para proveerla.. Pokémon Go ha gastado millones de dólares en su desarrollo para despertar a usuarios dormidos en su consumo... ¡Todo desde sus sentidos!...

Conclusión

La experiencia Pokémon Go ha dejado un mundo de posibilidades para el negocio de la música.. En estos momentos se me ocurren infinidad de formas para despertar a un mercado somnoliento y enganchado al mundo de las librerías sonoras, cuyas experiencias como consumidor de la música se van a volver intensas los próximos años. 

La tecnología ha invadido al mundo económico, cultural, social y político desde hace años, pero se nos olvida que somos seres con sensibilidades únicas que un dispositivo móvil nunca podrá imitar.

La pregunta clave es: ¿Estás preparado para imaginar la innovación y creatividad aplicada a la música durante los próximos 20 años?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum
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lunes, 7 de septiembre de 2015

Secretaría de Cultura: El show debe continuar...



El pasado 1ero de Septiembre, Enrique Peña Nieto anunció la creación de la nueva Secretaría de Cultura, en un pasaje de su Tercer Informe de Gobierno.

Un anuncio que vendría a generar todo tipo de reacciones políticas, artísticas, sociales y particularmente entre los diversos campos que abarca el término de "cultura".

La gran pregunta es: ¿Es la Secretaría de Cultura una necesidad? ¿Aportaría algo a la industria del Music Business en México?

La tradición política en México

Para la mayoría de los mexicanos, el anuncio de nuevas instituciones significa esperanzas y sueños de crecimiento. Dentro del sector cultural, siendo tan amplio concepto en un país que integra infinidad de expresiones culturales, el anuncio de una Secretaría suena a barco de salvación para unos y desaucio para otros.

En México, no podemos negar que existen élites sociales y también en los diversos sectores económicos del país.

Para algunos, la creación de una Secretaría de Cultura, serviría simplemente para extender las prácticas obsoletas de financiamiento vitalicio a ciertos sectores políticos y culturales.

Quedarte una beca de Conaculta ha quedado en la mira de los millones de artistas que habitan el territorio nacional y lo anhelan como el pago necesario para sobrevivir sus carreras.

La otra opción es entregar tu legado cultural a las empresas transnacionales que cuentan con recursos e infraestructura legal, económica y mercantil para explotar tus recursos culturales.

En el Music Business en México, se traduce en entregar el legado musical a las Majors, llevándose con ello los beneficios tan necesarios para los creativos mexicanos.

¿Entonces?... ¿No tiene sentido?

Tendría sentido una Secretaría de Cultura, si la demás infraestructura del Estado cumpliera cabalmente con sus responsabilidades inmediatas para las que fueron creadas.

Dentro del Music Business, hay instituciones clave que están fallando brutalmente en la administración, organización y difusión de sus objetivos.

El Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI), se dedica a perseguir revendedores de piratería musical y videogramas que las Majors le señalan, en vez de desarrollar campañas de prevención. 

No hay talleres o cursos enfocados a la protección intelectual accesibles, mucho menos enfocados a la materia de empresas culturales como disqueras, tianguis de discos, estudios de grabación o diseño gráfico.

Simplemente se ha convertido en el brazo ejecutor del Instituto Nacional del Derecho de Autor (INDAUTOR), que tampoco cuenta con programas de difusión y prevención de la protección intelectual en los sectores más vulnerables. 

Pertenece a la Secretaría de Educación Pública (SEP), en cuyos programas de estudio no existe referencia a la protección intelectual que debería ser incluída con muchos otros derechos ciudadanos que desconocemos hasta entrados en la Universidad.

Al mismo tiempo, la SEP no cuenta con procesos de certificación para campos fundamentales del audio producción como Ingeniería en Audio, Masterización, Producción Musical y Negocios del Music Business, delegándolo a las Universidades Privadas que simplemente complementan sus temarios de Comunicación, Diseño, Administración y Ciencias de las Artes con "embarraditas" sobre los modelos de negocios y estrategias en otros países no aplicables al caso mexicano.

Otras opciones son las escuelas comerciales que utilizan el sistema REVOE para validar los conocimientos adquiridos, muchas veces con carencias educativas sustituídas por tecnología que pocas veces está disponible en el campo de trabajo en México.

¿Qué tendría más sentido?

Una mejor opción a la Secretaría de Cultura, a mi parecer, es impulsar y establecer una Reforma Cultural. El artículo 4to Constitucional dice:

"Toda persona tiene derecho al acceso a la cultura y al disfrute de los bienes y servicios que presta el Estado en la materia, así como el ejercicio de sus derechos culturales. El Estado promoverá los medios para la difusión y desarrollo de la cultura, atendiendo a la diversidad cultural en todas sus manifestaciones y expresiones con pleno respeto a la libertad creativa. La ley establecerá los mecanismos para el acceso y participación a cualquier manifestación cultural."

Aunque representa una garantía de acceso, no implica una obligación particular del Estado a crear los mecanismos de gestión, organización, difusión y entrega de la cultura a los mexicanos.

Es decir, tenemos derecho a acceder a la cultura tal y cual la presta el Estado, más no obliga al Estado a asegurarla con un derecho de calidad y justa distribución.

CONACULTA es la institución encargada de organizar los bienes económicos y culturales en el país. Sin embargo, las cabeceras municipales, gobiernos estatales y comunidades individuales, dependen de sus propios programas para establecer casas de cultura, eventos culturales (que normalmente son utilizados con fines políticos) y que carecen totalmente de un plan de trabajo en gestión y administración cultural apropiados.

Una Reforma Cultural, obligaría al Estado a establecer los mecanismos de infraestructura y recursos adecuados para cumplir con las necesidades propias de cada comunidad independientemente de sus gobiernos locales.

Conclusión

Una Secretaría de Cultura, vendría a agregar principalmente trámites y organización de proyectos sobre un terreno abonado para el desastre. No existen mecanismos legales apropiados, no hay impulso a la propiedad intelectual, no hay presupuesto para crear los espacios adecuados o restaurar los actuales. Peor aún, no existe la industria cultural necesaria que permita tangibilizar los avances propuestos por una Secretaría de Cultura. 

La mejor opción es profundizar en los procesos de las Instituciones activas, optimizar sus procedimientos y recursos que sienten las bases para un florecimiento cultural adecuado.  Recientemente ha habido propuestas importantes en materia cultural, como la propuesta por el GRECU-UAM Xochimilco que encabeza el Mtro. Eduardo Cruz Vázquez. La propuesta para estos cambios en la legislación pueden consultarlos en la siguiente liga:  http://economiacultural.xoc.uam.mx/index.php/reforma

Es momento crucial para los actores culturales del país, comprender que la unidad va más allá de salir a las calles a exigir becas que nunca llegarán a sus manos. 

Cambiar la mentalidad cultural es un proceso difícil pero no imposible.

De otra forma, hasta la flor más bella se secará en el ambiente cultural tan hostil que vivimos en nuestros días.

Rafael Mendoza analiza el Music Business en México
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martes, 3 de febrero de 2015

Escolarización en audio producción



Un gran cuestionamiento sobre la educación y sus formas tradicionales ha llevado a pensar en nuevas alternativas en el aprendizaje basado en sistemas digitales.

El sistema de aprendizaje está cambiando radicalmente. Si bien no es posible desaparecer todo el sistema educativo en un instante, ya es tiempo de iniciar una transición de fondo.

Las generaciones actuales tienen a su alcance el conocimiento de forma inimaginable.

¿Pero que pasa cuando la educación pasa de ser un instrumento de desarrollo humano y se transforma en un bien de consumo?

Escolarización como negocio

Todos hemos participado de la experiencia de asistir a una escuela y compartir las experiencias buenas o malas de los sistemas educativos y privados en base a una tradición de asistencia.

Para quienes nacimos en el siglo pasado (si... siglo pasado), eliminar el sistema de educación basado en la congregación para aprender parece casi inconcebible.

Las nuevas tecnologías y particularmente el internet abrieron panoramas y escuelas virtuales que creímos imposibles.

La humanidad dio un salto importante en su desarrollo. Sin embargo el aprendizaje se valoraba como oro molido, pues ciertos temas estaban reservados solo para privilegiados.

Así, las escuelas usaban estos conocimientos como base para establecer negocios y lo consiguieron durante un buen tiempo.

En México contadas escuelas se dieron el lujo de elegir a sus estudiantes. El acceso a temas específicos se quedó en espacios de élite por un tiempo.

Educación en audio producción

Cuando yo inicie mis estudios en audio, aprendí de forma directa de mis maestros y las prácticas del día a día un poco sobre la importancia de la producción. Sin embargo, otros esquemas como la interpretación de contenidos y sentido cultural de la audio producción nunca fue señalada.

Se nos guió de forma técnica y se nos dejó literalmente crecer como la verdolaga en el sistema.

Esto te hace desarrollar un sentido de crecimiento interno y autodidacta que es imposible de adquirir en una escuela.

Con la llegada del Internet, todavía recuerdo y cuento con las impresiones de un taller impartido en Alemania sobre las técnicas de producción de la DW que ofrecía como capacitación a sus empleados. También los primeros tratados sobre conceptos de digitalización y mastering que tuve oportunidad de estudiar.

Más aún, un tratado de 40 páginaS que daba cuenta de las consideraciones al momento de realizar una transferencia y restauración digital que me dio de comer durante los primeros años de mi vida.

Entonces, la pregunta en el aire es ¿ha llegado el momento de liberar los conocimientos en audio producción al mundo en general?

Intentos de educación en línea gratuita.

En 2007 la empresa Udacity inició un curso de robótica libre en línea. El sistema estableció los primeros resultados sobre el aprendizaje en línea medibles. Las críticas estuvieron divididas. Por un lado se defendió la libertad de conocimientos y por el otro el sistema de evaluación.

 La universidad de Stanford firmó un acuerdo con la empresa para desarrollar los cursos en línea y los resultados no fueron los esperados. Actualmente el sistema está en espera de ser reactivado y evaluado. ¿Entonces que fallo?

Para mí, la omisión obvia fue que intentaron establecer un sistema que está diseñado para una aplicación educativa presencial. Estos estudiantes se mostraron decepcionados por la falta de interactividad a la que estaban acostumbrados.

Es decir, se sintieron solos mas emocionalmente que educativamente.

Si estas aplicaciones se desarrollarán para una nueva generación de niños que tuvieran un aprendízaje substancial y transitorio, mas qué imponerlo a generaciones actuales, los resultados podrían haber sido más propicios.

Conclusión

La audio producción es un aprendizaje del dia a día basado en conocimientos técnicos. La mayoría de mis colegas, podría avalar o descartar mis argumentos cuando digo que mucho de lo aprendido es la experiencia.

Se aprende a editar, editando, mezclar mezclando y producir produciendo. Ninguna escuela da ese soporte por muy bellos laboratorios, instalaciones y facilidades, porque en el día a día siempre encontrarás dispositivos  (sobre todo en México) actuando de formas diferentes a los que no fueron diseñados.

Las nuevas escuelas que promueven los desarrollos en áreas como la producción musical y music bussiness están tratando de mantener un stablishment en México de la educación tradicional en tiempos de nuevas generaciones ávidas de aprender.

El debate queda abierto y me gustaría saber su opinión. A mi me queda claro que hacer negocios de la educación de forma factible, incluyente y sobre todo de calidad. Se trata creo yo, de crear escuelas de aprendizaje y no aulas intramuros. Claro que los laboratorios son importantes, pero que mejor que salir al mundo real a experimentarlo.

Dudo mucho que la teoría de la evolución se hubiera podido desarrollar sin que Darwin visitara Galápagos... ¿No creen?..

Rafael Mendoza se educa también en línea
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jueves, 15 de enero de 2015

Realitys de Talento: ¿Ayudan a la industria?



La moda de los realitys de talento ya lleva algunos años en nuestro país. Para la mayoría, los Realitys son fraudes bien montados y con motivaciones de control mental. 

En un principio, la motivación tanto artística como del público en general, creó una expectativa en la apertura de estos espacios.

No es nada nuevo puesto que en la radio y televisión mexicana, siempre hemos tenido estos festivales de la canción en todos los rubros. Lo diferente de estos proyectos es la fórmula franquiciataria que manejan.

Esto también es un punto de conversación a parte, así que me referiré principalmente a los de estilo importado (La Voz México, Factor X y American Idol). 

Como nuestro enfoque es audio producción, haré a un lado la crítica social y mediática para centrarnos en la parte sustancial del asunto.

La percepción es todo

Una de las cuestiones más profundas de este tipo de programas es el factor de la percepción.

Un público cautivo reacciona más emocionalmente a lo que tiene enfrente. Este es el primer factor que daña la credibilidad del certamen. 

La fórmula de pre selección y desarrollo de los candidatos parece ser más democrática y basados en un sistema de votación de 3 o 4 jueces.  Sin embargo, son los mismos jueces los que a veces son incapaces de creer sus propias decisiones.

El sistema de The Voice supone que 4 jueces elijan su equipo de competidores "a ciegas". Puede parecer de mucha sorpresa para ellos voltear y encontrar el rostro de aquellas voces que atraen. Sin embargo para la audiencia es obvio que será una respuesta estandarizada.

Cuando a un personaje le dedican pequeños segmentos en el programa sobre su vida, el día a día y saber si tuvieron que vender su computadora para comprarse un micrófono, la percepción lo cambia todo.

Talento... palabra peligrosa...

Aunque existen participantes con voces tratables, la gran mayoría no cuenta con una trayectoria integral. Entiendo que se busque extraer la piedra filosofal para obtener el oro de un participante, pero hay que definir la palabra "talento".

Ya hemos hablado anteriormente de que el talento simplifica y hace más cortos los tiempos de aprendizaje, pero no te vuelve un semidios.

La definición oficial de talento se refiere a una aptitud inteligente... es decir, facilidad para desarrollar una habilidad. Esta habilidad puede ser cantar, pero eso no significa que garantize un buen cantante.

Sin embargo, estos realitys lo manejan como un don divino.

Cuando se habla musicalmente de Mozart, Beethoven, Schubert o Chopin se les reconoce como genios de la música. 

La denominación de genio con respecto a la superioridad humana es "Capacidad mental extraordinaria para crear o inventar cosas nuevas y admirables".

Entonces lo que escuchamos de un intérprete de estos realitys es meramente una definición de aptitud inteligente que les permite desarrollarse potencialmente, mas no creativamente.

Es aquí que el debate se vuelve más encarnizado, porque para un sector, apoyar a estrellas nacientes amateurs con talento es una pérdida de tiempo y para la gente entusiasta de las historias de éxito en estos programas, la emoción es el condimento que le hace permanecer en su sillón por horas observando el televisor.

Reciclando fórmulas para monetizar

¿Ayudan los realitys a monetizar la industria?... Si y no. 

Sí porque son una forma de mantener el estatus de las grandes disqueras y el reposicionamiento de su mercado. Los temas no son nuevos porque es más económico reutilizar derechos de distribución, difusión y comercialización que crear nuevos compositores, arreglistas y músicos a quien deba pagarse por su trabajo.

La forma de comercializar las interpretaciones representan un margen muy pequeño para el participante y para el compositor, puesto que al hacer versiones compatibles se registran derechos por interpretación y arreglo musical.

Aún así, el grueso de estas ganancias va directamente al sello discográfico que tiene los derechos.

La otra ganancia es la monetización de los sistemas de votación, que va directo a la producción del programa, el pago de su regalía por franquicia y tiempo aire del producto.

En estos casos, parece que el dinero es suficiente como para hacer estos pagos y presentar una ganancia. Son fórmulas probadas fuera con la garantía de un sello. Una franquicia.

Ahora pasemos al no...

No ayuda a monetizar la industria en su parte más vulnerable y más importante... el potencial creativo.

Actualmente es posible desarrollar todo tipo de productos auditivos en cualquier parte de forma económica. Sin embargo, existe una crisis creativa que pone en riesgo la industria.

Pocos grupos actualmente se impulsan a realizar producciones más personales sin coquetear con la comercialización. El cover y la fórmula probada son una constante. 

El riesgo parece menor al grabar un éxito e insertarlo en un disco, sin embargo bloquea al artista en un sistema de regalías cada vez más extendido.

Si esto es hecho por un artista, puede no parecer ofensivo, pero puedo probar que en menos de un año grabé 17 veces "Caminos de Michoacán" con diferentes intérpretes, bandas y estilos.

No ayuda a monetizar porque colabora principalmente a incrementar el consumo de los mismos temas que se promueven en los realitys.  

Sin contar que la derrama proveniente de descargas, artículos promocionales y demás funciones del modelo 360 de la industria se queda en la franquicia que lo presenta.

Conclusión

En pocas palabras, los realitys de talento son tiendas de talento "fast food". El modelo operativo genera altas ganancias para las disqueras, la televisora y los productores. 

Poco aporta al desarrollo de nuevos espacios de trabajo, a menos que sea en el área de touring del artista. Los patrocinios son bienvenidos en muchos de ellos y es una fórmula particular de operar principalmente en México (La Costeña en La Voz México).

Los Realitys proyectan la idea que basta aprender bien un tema musical, tener facilidad para ejecutarlo (talento), exponerse a un jurado y hacer una carrera discográfica.

No es un pecado tener talento... de hecho la frase "desarrollar un talento" es totalmente contraria.

El talento es una aptitud. No se desarrolla, se pone a trabajar. Aún para los guitarristas más talentosos, les lleva décadas pulir su arte.

El Reality nos dice a la audiencia y a las generaciones actuales que es posible "comerse" años de desarrollo siempre y cuando podamos repetir con gracia los azotes de La Trevi.

Ambas perspectivas son válidas y obedecen a una meta. Generar ingresos. Los Realitys hacen eso.

Ahora depende de usted decidir de que lado estar.

Rafael Mendoza ha visto Realitys antes de producir
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lunes, 12 de enero de 2015

7 temas importantes de audio producción para el 2015...



Se acabó un año más y agradezco mucho a quienes han colaborado para que nuestro blog se esté posicionando en su gusto... Llegamos a cerca de los 13000 visitas en estos meses y esperamos con mucho ánimo llegar a la meta de 20000 para fin de año.

El 2014 dejó temas muy abiertos para resolverse en este año que hay que tomar en cuenta para entender el mercado de audio producción.

Estos son algunos de los tópicos que debemos tener en cuenta:

1.- Formatos de alta resolución en línea: El término Calidad CD será una realidad en servicios de streaming abiertos. Empresas como Tidal y Deezer ya están realizando las primeras pruebas beta y antes de que el año termine se espera que la velocidad de transferencia por buffer se vea resuelta gracias a algoritmos y sistemas de servers más potentes. Calidad directa online.

2.- Apertura total a los servicios de pago por streaming: Spotify lo probó y YouTube lo confirmó a final de año. En estos momentos, la gente está más abierta a comprar servicios de streaming para contenido directo con plataformas como Netflix, Xbox Music, Pandora y YouTube. Comienza la era de la distribución directa.

3.- Pandora moverá su plan de distribución: El año pasado, Pandora recibió el golpe más duro al quedar como la 4ta fuerza de distribución por internet. La entrada de YouTube Music y los planes retrasados de Apple para Itunes Radio lo han puesto en un descenso gradual. Mucha gente no se preocupa en nuestro país por este tópico, sin embargo, modificar su modelo de oferta si afectará directamente los mercados de Spotify y YouTube Music. Hay que ver si deciden seguir peleando o cambiar su entorno.

4.- La Radio no desaparecerá (aún): Las estaciones de radio seguirán siendo parte importante en la difusión de productos masivos. Para los artistas independientes, la radio nunca ha sido plataforma principal. Lo que si podría sucederle a la radio es caer en una espiral comercial estancada que podría disminuirla radicalmente.

5.- El vinil ha resucitado: Desde hace 40 años no se diseñaba equipo nuevo para este formato. Hoy existen 3 plantas de producción que están desarrollando las nuevas estampadoras de vinil en el mundo. El cassete empieza a recuperar su fuerza. A sacar el Walkman.

6.- Las disqueras (que no se adapten) seguirán desapareciendo: En un podcast hablamos de las nuevas funciones y habilidades que requiere un manager para estar al frente de un artista. Pues las disqueras tienen que actualizarse y olvidar los viejos modelos. Con la llegada de la distribución digital, prácticamente deben reorganizarse. Aclaro, no se trata de quitar puestos, sino capacitar a su personal con nuevas funciones.

7.- Apple podría repuntar al final de año: Itunes Radio no ha caminado como se debe, pero las capacidades de los nuevos dispositivos de Apple podrían dar un paso más allá con el soporte directo de otras empresas interesadas en la distribución de contenidos. Podríamos mirar alianzas concretas y Apple Pay es el primer paso de ello.

Conclusión

2015 es un año clave para el cambio de la industria para los próximos 5 años. Si tienes una banda, estudio, proyecto o idea, es el momento de mirar a la industria con ánimos renovados e involucrarte en estos tópicos. 

En 2016 se estima que la distribución de contenidos Inbox para teléfonos celulares, dispositivos móviles y transferencia de datos directos se concretaría globalmente. Es decir, podrás comprar contenidos en cualquier parte del mundo y recibirlos directamente a tu dispositivo con una velocidad de descarga corta y con licencia para compartirlo a varios dispositivos. 

Nunca antes el alcance digital había prosperado tanto y la venta del CD está bajando drásticamente. En el caso de los sistemas análogos, te sugiero aceptar el tocadiscos de tu abuelo o tu tía porque el vinil se está regenerando como una plataforma comercial directa.

Les deseo un 2015 lleno de salud y oportunidades. El blog continuará hasta que Blogger desaparezca o llegue Disney a comprar a Google... veremos que pasa primero.

Pero mientras, nos vemos todo el año..


Rafael Mendoza produce en Ad Libitum
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martes, 2 de septiembre de 2014

Las 10 habilidades indispensables para el Ingeniero en Audio contemporáneo...



Antes que nada, quiero agradecer el soporte que tuvieron para nuestro post " Los 10 especímenes comunes del ingeniero en audio.
Sabemos que hay muchas dudas para reconocer mejor nuestro trabajo y como indicarnos el camino hacia la profesionalización.

Hay muchas habilidades que desarrollamos de forma individual como ingenieros en audio, sin embargo, existen 10 indispensables que nos facilitaran crecer en nuestra área de audio producción, cualquiera que esta sea.

Aquí las 10 habilidades indispensables para el Ingeniero en Audio Conteporáneo.

1.- Conocer el idioma inglés: No hay pretexto para ningún profesionista de cualquier área, desconocer el idioma anglosajón. Estés a favor o en contra del sistema yanqui, un gran número de artículos, libros y aprendizaje de todos los niveles está en este idioma. Un segundo debería ser el francés, pero básico será el inglés.

2.- Conocer las 5 características principales de cada software: ¡Para qué te sirve Ableton Live?, ¿Que puedes hacer con Protools y que no?... Leer la lista de "features" de un sofwtare tiene una aplicación meramente comercial, porque en la praxis, la curva de aprendizaje y utilidad se modifican. Conoce bien tu software y conoce sus límites.

3.- Olvidar el criterio Mac o PC: Los argumentos son muchos, buenos y malos para ambas plataformas, pero tu trabajas con herramientas que requiere tu creatividad. Yo he sufrido algunas veces bullying hasta por parte de académicos cuando uso una Laptop para hacer mi trabajo de edición. Pero pregúntame cuántos de ellos han sido capaces de terminar siquiera una edición a 2 track decente con Audacity en una Macbook.

4.- Características del Sonido: Tu materia prima es sonido, no ideas creativas. Poner una audio en un software no significa que sepas lo que estás mirando. Todas las ondas se ven igual, pero su contenido armónico, fase, amplitud, frecuencia son totalmente diferentes. Si no te gusta profundizar en la parte téorica, por lo menos date una idea de lo que sucede cuando estas entran en conflicto. Muchos problemas de sonorización parten de esta ausencia de base física. Seamos profesionales.

5.- Adoptar las formas de distribución digital: Siempre será mejor trabajar a altas resoluciones, sin embargo para comodidad y soporte de producción, el mp3 ahorra tiempo valioso de producción en una subida. Úsala como medio de mensajería, pero sigue trabajando en alta resolución.

6.- Conocimientos de Audio Digital: Compartir conocimientos a través de Youtube y buscar como se hacen sonar las guitarras metaleras con un plugin es algo impensable para nuestra comunidad hace unos años. Pero cada vez encuentro más problemas con las mezclas de estudios caseros con resolución, distorsión digital, jitter, samples de baja resolución y otra serie de problemas que acabas pidiendo al artista que mejor traiga su computadora para ayudarle a bajar tracks.

7.- Conocimientos básicos de cada área: Masterizar no es poner 5 plugins en cadena y voilá como te dice un distribuidor de software o un popular servicio en internet. Hacer radio por internet no es conectar un streaming y hablar como perico. Diseñar sonido no es nada más grabar tos y estornudos para ecualizar y poner presets. La tecnología a facilitado la parte técnica, pero la parte creativa y de experiencia llega con los años. Si haces música no significa que no debas saber como se estructura un guión. Si haces radio, no significa que no debas conocer el proceso de sampling.

8.- Conocimientos de síntesis: Antes se pensaba que sólo los tecladistas debían conocerla para entender al sintetizador. Hoy la síntesis se ha fusionado para obtener mejores resultados en todas las áreas de audio producción. La síntesis te ayudará a comprender como el envolvente acústico de los sonidos te puede ayudar a crear nuevas paletas de texturas o sonidos impresionantes. Dolerá la cabeza pero vale la pena escucharlos.

9.- Integración Midi: Mucha gente piensa que el MIDI se quedó para las secuencias o los tonos de celular. Pero hoy más que nunca, cambiar parámetros por automatización, utilizar instrumentos virtuales más realistas y construir arreglos tan complejos serían imposibles sin MIDI. Si no tienes buenas bases es momento de aprender sysex y  parámetros avanzados.

10.- Bases de administración y negocios: Hay licenciaturas por ahí de administración del negocio musical. Pero lo ideal es que conozcas los procesos completos. Aunque la pieza central de un artista o proyecto sea un archivo terminado en 2 tracks, los requerimientos de producción dependen de un origen comercial, marca, imagen, publicidad y hasta conocimiento de mercado en muchas ocasiones. A veces, sentimos represión y obligación para hacer un proceso porque "somos artistas", pero la mayor parte del tiempo somos profesionales que ayudamos a otros a aterrizar sus proyectos y proveedores de su servicio.

Conclusión

Defiendo ampliamente la educación autodidacta y a distancia, porque me parece una forma libre de abrirse a los nuevos tiempos. Voto a favor por la divulgación de la información, compartir información y técnicas en internet. Pero de nada sirve toda esta vorágine de artículos, videos o cursos en línea si no tienes una buena base que te ayude a proyectarla.

Ser mejor ingeniero viene con los años de aprendizaje, experiencia y conocimiento contínuo. Pasar horas tras una mixer es algo que no todos pueden hacer y que por ello nos necesitan. Hagámoslo correctamente para que nuestros clientes salgan satisfechos y retornen constantemente a hacer sus producciones con nosotros...

Rafael Mendoza aprende y desarrolla sus conocimientos en Ad Libitum
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martes, 26 de agosto de 2014

Los 10 especímenes comunes del Ingeniero en Audio



Darwin habló de las especies como un proceso evolutivo. Pero nunca pensó que el Ingeniero en audio se cocinaba aparte.

Hasta ahora nos hemos referido a nuestro campo de manera profesional, pero vale la pena mirarnos y comprender un poquito nuestra línea con un poco de humor.

Aquí los 10 especímenes comunes del Ingeniero en Audio.

1.- Ingeniero de Mezcla: Uno de los rangos más buscados en el mundo del Ingeniero en Audio. La mezcla es una habilidad básica, pero sólo algunos consiguen crear verdaderos ambientes sonoros con los tracks grabados. Estos especímenes viven entre aparatos análogos y digitales combinando cables y llevando al extremo el diseño de cualquier bahía de parcheo. Son extremadamente sutiles en sus cambios y se les contrata para que hagan su magia.  Se recomienda atención especial cuando llega la hora del almuerzo, ayudará a su proceso creativo. Su alimentación está basada en quesos, vinos y comidas suculentas.

2.- Ingeniero de Masterización: A este especie se le atribuyen poderes mágicos como arreglar todo un trabajo mal mezclado. Son una raza aparte y construyen su entorno de trabajo muy diferente al de cualquier estudio de tracking. Su talento radica en dar la forma más limpia a los tracks antes de maquilarlo. Los mejores de su categoría anticiparán al cliente sobre las posibilidades de su material antes de trabajarlo. Prefieren los entornos pequeños y bien equilibrados. Su alimentación es a base de pequeños snacks y refrigerios inmediatos de la nevera

3.- Ingeniero de Sonorización: Vive en entornos extremadamente fríos o calientes. Sus habilidades le permiten montar un sistema amplificado y reducir su metabolismo al máximo posible. Son capaces de comer una vez al día y beber sólo hasta que el evento ha terminado un vaso de agua, refresco. Su capacidad es extremadamente nocturna, pero se desempeñan muy bien a medio día y por la tarde. Se les tacha de hiperactivos y conocen las 10 propiedades de un cable que revisan antes de conectarlo. No se les debe molestar en sus horas de sueño, podrìan desquitarse en la mezcla del show. Comen lo que les sea posible en pequeñas cantidades.

4.- Ingeniero de Edición: Es el equivalente al mago del Photoshop. No me malentiendan. Su trabajo debe ser como el de un sastre. Surcido invisible, presencia natural y corte fino que ayuda a poner en orden desde un baterista poco cuadrado hasta una voz con dinámicas variables. Sus herramientas son la navaja, el copy-paste y usan magistralmente el crossfade como aliado. Se les atribuye muchas veces el éxito real del material. Aunque son condenados muchas veces por convertir proyectos inservibles en piezas legibles. Les gusta comer pizza diariamente y pasan la noche preparando los tracks para que los ingenieros de mezcla no los devoren.

5.- Ingeniero de Monitores: Este especimen es poco usado en niveles amateurs y semiprofesionales por ignorancia. Este especimen tiene propiedades de lectura mental, pues se anticipa mejor que Kalimán a los requerimientos del cantante, guitarrista y baterista. Su aliado es el bajista y tecladista que prefieren mirarse pasivamente ante la fiereza de sus compañeros y no le exigen más volumen que la base rítmica. Tiene un sentido agudo visual mejor que las cámaras digitales para detectar la felicidad de los músicos o su cara de desagrado a distancia. Cuando termina el show son muy solitarios y arman un pequeño nido con sus manuales, cables y colchones para descansar. No cenan a menudo pero desayunan que da miedo.

6.- Ingeniero de restauración: Es común encontrarlos entre las fichas técnicas de equipos análogos. Son amantes del papel viejo y el cartón impreso en offset. Comúnmente trabajarán rodeados de café, galletas y datos técnicos impresos de internet. Se habla de tú con el hiss, el hum, el buzz, el click y el crackle como si se tratara de una mafia con la cual negociar. Algunos dicen que los han mirado construir pequeñas cuevas con equipo descontinuado y que la mayoría de las especies consideran "carroña tecnológica".
Irónicamente, entregan tracks tan limpios y pulcros que podrían servir de ejemplo al Ingeniero de Tracking. Es un comensal solitario, lejano de su zona de trabajo, tal vez el único que come sentado y a sus horas.

7.- Ingeniero de tracking: Su pasión es probar miles de configuraciones posibles en la colocación de micrófonos. Muy similarmente a los castores, recopila la mayor cantidad de equipo como micrófonos, pedestales, preamps, cables y adaptadores. Aunque viven en la cueva del estudio, siempre prueban en el baño y la cocina nuevos sonidos. Se acompañan principalmente de un asistente que estorba más que ayudar... es sólo compañía en la mayoría de las veces. Su trabajo es revisado por el ingeniero de mezcla al mínimo detalle y alabado por el ingeniero de mastering. A veces el mismo mezcla su trabajo y cuando lo hace es muy celoso de ello. Se recomienda invitarle una cena al término de la sesión como recompensa a su esfuerzo sin hablar del trabajo. Consume sus proteínas durante la sesión y siempre habrá de encontrar espacio para una invitación.

8.- Ingeniero de audio para video o cine: Este especímen es muy estructurado. Llega por las mañanas a su trabajo y se olvida por la tarde del resto. Cuando un trabajo urge es capaz de desarrollar 2 brazos adicionales y puede aparecer gente en el estudio como si de un Dios se tratara. Se complementa muy bien con el ingeniero de Edición y se dice que tienen una cooperación simbiótica muy interesante. Para este ingeniero el guión es la encarnación misma del espíritu santo. Es una especie muy tribal, por lo que se alimenta con su familia en casa. Siempre lleva un sandwich por si acaso.

9.- Ingeniero de remastering: Es el Ingeniero más raro de todos, pues posee un oído interno, externo y suprasensorial. Este oído adicional es similar al ojo de Vishnú, porque puede ubicar sonidos y resonancias profundas en un archivo de sonido. Se dice que en su infancia son entrenados en cámaras anecóicas donde a través de un proceso similar al entrenamiento Jedi, pueden tolerar escuchar sus órganos internos sin paniquearse. Se considera la escala máxima del Ingeniero en Audio por su capacidad evolutiva.. es el denominado "Super Ingeniero". Su alimentación es principalmente de tipo dietético, porque su organismo no tolera muy bien la lactosa del queso en la pizza. Años de abuso en la comida rápida le hacen pensar que sus nietos no están bien alimentados.

10.- Ingeniero de soporte: Es el ingeniero que cohabita el estudio de grabación y se beneficia de la observación de todos los especímenes. Su especialidad es limpiar el disco duro para hacer espacio a los nuevos proyectos, resetear consolas y limpiar anaqueles, micrófonos y barrer las instalaciones con esmero. Al chasquido de un ingeniero debe ofrecer 3 diferentes tipos de comida rápida, 4 combinaciones de bebida energizante, 3 opciones de café capuccino (no de Starbucks) y 4 tipos de comida sana para la novia (del ingeniero que lo contrata). Los espécimenes anteriores son formas evolutivas de este "ingeniero primigenio".  A veces tiene la oportunidad de "carroñear" trozos de pizza olvidados en la caja, o la quesadilla de hongos con queso que nadie quiso. Su suerte a veces le hace ser invitado a las comilonas de otros ingenieros pero siempre se reserva para no mostrar su apetito real.

Conclusión

Si es usted ingeniero, tómeselo con calma y recuerde a algunos de sus colegas. Si la descripción es errónea es porque usted no quiere aceptar que convive en este ecosistema de esa forma. Si es atinada le invito a compartirla con otros ingenieros y que nos ayuden a buscar las familias y subfamilias de esta especie.

Si es usted amateur, entonces puede comprender mejor que ser Ingeniero en audio, no está al alcance de unos clicks en Youtube.

Rafael Mendoza evolucionó en una subespecie ezquizoide en Ad Libitum Estudio
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lunes, 25 de agosto de 2014

Mezcla monoaural: Previniendo desastres


Durante las primeras décadas en la historia de la grabación, capturar sonidos tenía un estándar técnico. La grabación monoaural se consideraba un hito impresionante para aquellos años.

En México conservamos piezas enigmáticas grabadas en sistema monoaural de los estudios como Peerless. Pérez Prado, Pedro Infante, Jorge Negrete, Toña La Negra son artistas grabados con sistema monoaural y cuyas interpretaciones podemos disfrutar aún con este sistema.

La llegada del sistema estereofónico puso en jaque a la industria porque los altos ejecutivos veían con recelo las nuevas técnicas. Los Beatles fueron de las primeras bandas en experimentar con el sonido estereofónico y después se les unieron otras bandas como los Rolling Stones.

Actualmente el sonido estereofónico es el rey de los formatos, sin embargo, las técnicas de mezcla monoaural ofrecen ventajas mucho mayores.

¿Se utiliza el sistema monoaural?

Puede ser una pregunta que parece fuera de lugar en una era donde el sistema SACD, DVD Audio, Dolby Digital, DTS y THX predominan el mercado del consumidor.

Sí, el sistema monoaural sigue presente en muchos aspectos de la vida diaria. La transmisión radiofónica en la banda AM todavía es un estándar en las comunidades lejanas a las grandes ciudades, las radio comunitarias y algunos sistemas de radio universitaria manejan este formato.

Los radios en los sistemas automotrices convierten la señal FM en monoaural cuando la señal es demasiado débil para representar la estereofonía.

En los conciertos masivos, es más sencillo utilizar un sistema monoaural que un sistema estereofónico, porque de otra forma, los asistentes perderían percepción de ciertos instrumentos.

La televisión en ciertas televisoras locales, todavía transmiten su señal en monoaural.

En internet, bajo ciertas circunstancias, se utilizan los streaming monoaurales para mejorar la transmisión online y flujo de datos. Los menús telefónicos, ventas por promoción y difusión celular se emiten en sistema monoaural.

Las películas de épocas de oro están codificadas en este sistema y se han intentado emulaciones digitales para recrearlas estereofónicamente.

¿Porqué mezclar en monoaural?

Mezclar en monoaural puede significar un problema para la mayoría si no estamos acostumbrados a realizarla. El masking o fenómeno de enmascaramiento sonoro se debe controlar similarmente al sistema monoaural y guardando el aspecto estético.

Una mezcla estereofónica poco cuidada sonará con problemas de fase, niveles y calidad de distribución acústica en un sistema monoaural. Una mezcla monoaural, sena sin complicaciones y problemas en un sistema estereofónico porque el balance es similar a lo que como humanos percibimos auditivamente, sin reflexiones o cancelaciones provocadas por los entornos acústicos.

Conclusión

Sea cual sea el destino de tu mezcla, debes revisarla en sistemas monoaurales para obtener el mejor resultado. Basta colocar un plugin o activar el modo mono a la salida de tu Workstation digital o en tu consola. En vivo, un sistema de mezcla mono para calibrar niveles y el soundcheck te va ayudar a sentar los niveles principales de la mezcla. Si haces publicidad, es fundamental y básico realizar esta tarea, porque seguramente tu material se aparecerá en algún medio monoaural.

Rafael Mendoza mezcla en mono en Ad Libitum Estudio
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lunes, 11 de agosto de 2014

¿Estamos viviendo una revolución musical?...





El fin de semana me tocó intervenir en una conversación sobre si estamos viviendo una revolución musical o simplemente estamos dando vueltas cíclicamente.

Para quien adopte las formas y paradigmas de su infancia o adolescencia, es claro que la "revolución" musical tiene que ver con las redes sociales, la distribución online y los procesos de transferencia de archivos.

Para las nuevas generaciones, la "revolución" implica que existen nuevas maneras de decir las cosas y cada vez más libremente. Entremos al debate.

¿Qué es una revolución? 

Revolución significa dar la vuelta a algo, no necesariamente un cambio, simplemente poner un lado contrario ya existente.

Las revoluciones pueden ser políticas, sociales o económicas. Se consideran principales porque su trasfondo es claro. La política se trata de cambiar un poder por otro, la social, una implementación de nuevos valores, usos y costumbres en una sociedad, y la económica gira a una nueva concepción para regular el uso de recursos.

Una revolución musical podría partir de varios aspectos basados en estos puntos principales.

Socialmente, la música debería estar al alcance de todos, pero no sólo en un formato distribuíble, sino realmente dignificada en las escuelas, institutos, comunidades y sobre todo, con posibilidades reales de desarrollo. Es una pena que en algunas localidades les duela a los padres de familia pagar 20 pesos por una hora de clase musical y paguen hasta 1000 pesos un curso de autoayuda.

Económicamente. la música debería proveer una derrama económica reconocida legalmente. Las empresas culturales empiezan a nacer y  a ofrecer sistemas de apoyo al sector, legalizando y participando de la organización de músicos y proyectos musicales para incorporarlos a un sistema económico que no tiene una base para ellos.

Políticamente es otro cantar, porque dependería de los esquemas culturales, las transnacionales, la voluntad de gobierno para crear los espacios de diálogo y principalmente el músico entender que debe poner orden en la casa.

¿Qué impide una revolución musical en México?

Principalmente el egocentrismo, la ilegalidad, el compadrazgo, la ignorancia sobre la música y sobre todo, la irresponsabilidad como sociedad de mirar en el músico un concepto de diversión, más que de identidad y cultura.

Hay pocos estudios sobre este aspecto que me ha parecido importante y que iré develando mientras los leo y analizo. 

Conclusión

Ser músico es una condición social, económica y política que vale la pena buscar. La mayoría del músico piensa que políticamente, la música no debe involucrarse porque pierde su "alegría". Sin embargo, la mejor vía para generar un cambio se encuentra precisamente en el arte. 

Socialmente, queda mucho por hacer porque va de la mano de la calidad educativa y los elementos del entorno en que se desarrolle. Así como admiramos la música tradicional japonesa, hay que presumir la música tradicional mexicana quitándole los elementos de "romanticismo" europeo, los elementos emocionales que incitan al consumo de alcohol como forma de identidad, o que se usan como símbolos en mundiales y eventos similares.

Económicamente, mientras el gremio no luche por su posiciòn y reconocimiento de la aportación económica que realiza al país, difícilmente se verá beneficiado de los programas sociales y de promoción a la cultura. De que sirve protestar ante los recursos asignados a Conaculta, si llegamos tarde a la información. Sindicatos hay... pero quien los opera... quien los utiliza... a quien benefician...

Este cambio se debe generar en muchos aspectos, escuelas, maestros, alumnos, disqueras, agencias, intérpretes, productores, sonidistas, directores, orquestas... Fácil no es... pero posible...

Rafael Mendoza produce música en Ad Libitum
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martes, 5 de agosto de 2014

Instrumentos virtuales ¿Se acercan a la perfección?...



La respuesta de la industria hacia el mercado del home studio y ofrecer soluciones prácticas a estudios con presupuestos muy ajustados, han permitido el desarrollo de nuevos esquemas y productos en los instrumentos virtuales.

Las empresas desarrolladoras se vieron inmersas en un mar de posibilidades y tuvieron que luchar con múltiples limitantes para crear sus productos.

Ahora esos detalles se han reducido y la comunidad de producción duda muchas veces de sus posibilidades reales.


Los inicios

Los instrumentos virtuales se derivan principalmente de los samplers digitales que aparecieron en los años 80.

Durante esos años, la compatibilidad MIDI no estaba bien establecida. La pelea eterna entre Yamaha y Roland por establecer como estandar el General Midi o General Standard respectivamente, era una receta para evitar desarrollo y compatibilidad.

Estas prácticas de bloqueo pusieron muchas veces a los fabricantes en situaciones complejas y divisionismo en el consumidor.

Los samplers cargaban pequeñas muestras, su memoria no rebasaba los 8 o 16 MB en los sistemas más caros y había que samplear o convertir las muestras a una baja resolución. Se cargaban muestras por intervalos de nota, lo que alteraba significativamente el envolvente acústico del instrumento. Los límites en el almacenaje eran una dura barrera que esperaba crecer en poco tiempo.

El arribo software..

A principios de los años 90's, la evolución de Steinberg hacia un formato VST como estándar para la aplicación de plugins, sirvió de base para el desarrollo de software virtual. Desarrolló pequeños software virtuales.
Es hasta 1999 que la versión de Cubase 3.7 permitía el uso de Instrumentos virtuales, pues su plataforma Vst estaba aplicada a procesos de audio y MIDI.

El primer instrumento VST incluído fue Neón, un pequeño sintetizador que permitía automatizar sus parámetros en tiempo real o por track.

Sería el primero en muchos que desarrollaría Steinberg buscando convencer a las empresas desarrolladoras para crear nuevos esquemas.

Una de las primeras empresas interesadas en la tecnología fue Propellerheads, que distribuyó a través de Steinberg Reaktor y Recycle, 2 instrumentos virtuales que podían trabajarse de forma independiente a un host vst.

Nemesys Gigasampler y el estallido virtual

En 1998, Nemesys Music, había desarrollado la primer plataforma sampler independiente de un host VST. Para 1999 lanzó al mercado Gigasampler, el primer sampler virtual de alta calidad.
Su estándar tenía un formato propio que competía con AKAI, Roland, EMU Systems y demás samples virtuales, porque permitía realizar conversiones directas de esta plataforma a su propio estándar, el archivo GIG.

No contento con ello, desarrollaron también su propio estándar aislado del VST. Los controladores GSIF se concedían solamente a aquellas tarjetas de sonido que podían manejar los requerimientos mínimos de reproducción.

Pequeñas empresas como Echoaudio, Ardvaark y SoundBlaster, vieron una oportunidad de crecimiento en este estándar y decidieron promover el standar de Gigasampler como una forma de incorporación al mercado.

Native Instruments,IK Multimedia y el mismo Steinberg, tuvieron que responder ante la imponente presencia de Gigasampler, pues su calidad sonora y flexibilidad de formato, permitían al usuario crear sus propios instrumentos virtuales utilizando las herramientas que incluía el software.

Kontakt, Sampletank, Halion, son resultado de la respuesta y abierta competencia hacia Gigasampler.

El problema fue, que pocos sistemas se acomplaban a la arquitectura del software y la distribución de samples se hacía de forma poco contínua. Era común no conseguir ciertos samples en las casas de música porque estaban agotados. Había pocas piezas y la piratería empezó a hacer de las suyas.

Tascam recuperó a Nemesys absorbiéndola e impulsando el software al siguiente nivel, Gigaestudio. Pero la franquicia reventó con el incremento de instrumentos vst disponibles, facilidad de distribución y poco interés en aplicar el software en vivo. Una tendencia creciente en la década del 2000.

Conclusión

Los instrumentos virtuales han pasado por un largo camino. Actualmente las velocidades de procesador, RAM y discos duros, permiten un almacenamiento mejorado. La latencia en las tarjetas de sonido ha evolucionado de forma acelerada. Existen muchos instrumentos virtuales ahora creados por empresas independientes que buscan posicionarse en un mercado global.

Ahora más que nunca está al alcance de todos los sonidos de un tambor taiko o un didgeridoo que hace algunos años.
Han dado el salto hacia las plataformas portátiles, iphones y teléfonos inteligentes. Con sus limitaciones, estas nuevas formas de realizar música se están extendiendo de forma acelerada y hay que evaluar su potencial de forma más integral.

Aprovechar esta nueva fuente de inspiración, texturas y sonidos abre una paleta de posibilidades infinita.

Rafael Mendoza utiliza instrumentos virtuales en Ad Libitum
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martes, 24 de junio de 2014

Zappa y la cruzada anti-censura...




El 19 de septiembre de 1985 (el mismo día del temblor en México), Frank Zappa se presentó en el Comité de comercio, tecnología y transporte en el Senado de Estados Unidos, vestido de traje negro, pelo recortado y un desafío que ningún músico ha presentado.

La Parent Music Resource Center (PMRC), es una organización fundada por la esposa del senador Al Gore y otras esposas de políticos, escudadas bajo la preocupación de los mensajes y letras de los álbumes de la época.

En aquel entonces, el rock pesado estaba en su apogeo underground, debido a que las iglesias cristianas dominaban el panorama ético y social de Estados Unidos. Acusados de ser satánicos, responsables de suicidios en adolescentes y marcados como una agresión a las buenas costumbres de los Estados Unidos, los rockeros y artistas radicales se vieron de pronto ante la presión de poner en las tapas de los discos, etiquetas que previnieran o censuraran las palabras, imágenes fuertes y clasificaran al igual que en las películas los contenidos de los discos.

Para Zappa, esto significaba una medida que abriría la puerta a la censura en todos los niveles. El argumento principal de la PMRC, era que los niños no deberían tener acceso a la música con contenidos de tipo sexual y que trastocaran los valores religiosos. Que no deberían escuchar música rock hasta tener cierta edad y que los padres pudieran evaluar las peticiones de sus hijos basados en una etiqueta que se los informara.

Zappa hizo su alegato principal cuando pudo exponer en el Senado su punto de vista:

"La propuesta del PMRC es un disparate malintencionado que falla en su intento de beneficiar a los niños, infringe las libertades de las personas que no son niños, y que promete mantener los juzgados llenos durante años interpretando y ejecutando los problemas inherentes a la propuesta. Yo tenía entendido que, en leyes, al decidir sobre enmiendas se debe optar por las menos restrictivas. En este contexto, las demandas del PMRC son el equivalente a tratar la caspa decapitando... 

El establecimiento de un sistema de clasificación, voluntaria o no, abre las puertas a un desfile de programas de control de calidad basado en cosas que no gustan a algunos cristianos. ¿Qué pasa si el próximo puñado de esposas de Washington pide una enorme 'J' amarilla en todo el material compuesto o tocado por judíos, para salvar a los indefensos niños de la exposición a la doctrina sionista?"...

La Senadora de Florida, Paula Hawkins, le preguntó sobre el tipo de juguetes que les daba a sus hijos y que por algo los juguetes estaban reglamentados por edades.

Zappa nunca aceptó como válido el argumento, diciéndole que una etiqueta no medía el coeficiente intelectual de sus hijos, ni de ningún humano. Que esas atribuciones no le correspondían al Estado, sino a los padres evaluar si sus hijos tienen o no los criterios adecuados para evaluar.


Frank Zappa nunca dejó que el sistema le hiciera su juego. Sacó a sus hijos de las escuelas basadas en la educación del Estado y los educó en casa. La alerta que Zappa estaba encendiendo tenía que ver con el criterio de unos cuantos sobre el trabajo de un artista, fuera plástico, músico, teatral, interpretativo o cualquier manifestación artística posible.

La victoria del sistema

Poco después de esta reunión, la PMRC trabajaría en conjunto con la RIAA (Recording Industry American Asociation) para implementar la etiqueta Parental Advisory. Según la RIAA, quedaba a título de la disquera decidir si sus productos deberían llevar o no la etiqueta y hacia donde los extendía.

Para Zappa significó una entrega total por parte de la industria ante una liga de mujeres refinadas que deseaban minimizar el impacto de las leyes de expresión en una sociedad conservadora.

El imprimió sus propias etiquetas en sus discos con la siguiente leyenda:

"¡CUIDADO! Este álbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. El lenguaje y conceptos contenidos aquí garantizan no causar tormento en el sitio donde el tío de los cuernos y tridente lleva sus asuntos. Esta garantía es tan real como la de los fundamentalistas que atacan la música rock en su vano intento de transformar América en una nación de estúpidos (en el nombre de Jesucristo). Si hay un infierno, sus llamas les esperan a ellos, no a nosotros."..



Conclusión
En diciembre de 1993, Frank Zappa perdió su lucha contra el cáncer. Su legado musical, sólo es rebasado por la visión libertaria de un mundo artístico libre de censura. Zappa rompió los esquemas de educación artística, cultural e ideológia en un país donde el conservadurismo es la piedra angular de su decadencia. Los tiempos no cambian en USA y se ha trasminado a los países vecinos sus políticas de juicio moral peligrosamente.

Hoy más que nunca necesitamos músicos con visión abierta y conciencia social. Menos copias de la industria norteamericana y más música que proponga cambios de fondo a una sociedad dividida por los recursos económicos y el acceso a las tecnologías..

Rafael Mendoza escucha a Frank Zappa en Ad Libitum
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jueves, 3 de abril de 2014

5 razones para pagar un abogado en audio producción...




La vida es bella cuando todo fluye. Tienes en tus manos un producto impecable que desarrollaste con mucho esfuerzo, un concepto diferente o un hitazo entre las manos. Las nubes se abren para mostrarte aquella puerta celestial y estás listo para ascender a los terrenos más lejanos de los inmortales.... Hasta que un contrato te baja hasta el suelo.

La televisión y radio constantemente emite notas acerca de los problemas entre productores de obras musicales, teatrales, marcas, diseños.

En lo personal me causa mucha risa escuchar a los involucrados diciendo cosas como "así no era la cosa", "hay cosas que no debieron pasar" y algunas hasta agresivas como "me robó la idea", "confié en él". Pues la respuesta correcta es que no sólo fueron inocentes, sino hasta un poco confiados con la vida. Un abogado siempre se contrata cuando ya está todo perdido.

Por eso te damos una idea de cuando consultar a un abogado:

1.- Antes de formalizar una banda: Las bandas entran al ring del negocio con mucho entusiasmo, pero difícilmente han logrado acuerdos entre ellos. Debe existir alguien que tome las decisiones, o si el concepto incluye miembros adicionales, darles y asignarles sus derechos y obligaciones. Cuando se formaliza la banda cada miembro debe acudir a la negociación con un abogado para equilibrar el asunto. Si van a vivir unidos por un concepto, es igual que vivir unidos con una persona. Un acuerdo "prenupcial" es lo mejor para ustedes.

2.- Antes de firmar un managment: El mánager va a disponer de sus vidas totalmente. Pero vale la pena negociar cómo va a disponer de ellas y bajo que circunstancias. Muchos managment fracasan porque en la negociación no se especifican horarios y esquemas de trabajo que compensen desveladas y días de asueto. El abogado ayuda a establecer estos términos.

3.- Antes de firmar con una disquera: Las políticas de promoción, venta y distribución dependen del modelo que siga la disquera. El abogado debe negociar que partes están disponibles y cuales interesan a sus clientes. La confrontación aquí es crítica pero debe sacarse el mejor partido. La única manera de que tu abogado pueda hacer algo profesionalmente es que tenga un profesional que respaldar. Si no sabes música, secuenciación, herramientas digitales y quieres que se haga lo que tu talento dicta, busca un psicólogo primero.

4.- Ante de registrar obras y conceptos de diseño: El abogado podrá ayudar a debatir los acuerdos entre los miembros de la banda bajo ciertos conceptos. Supongamos que el bajista quiere ganar 2000 pesos por cada evento pero la banda sólo puede pagarle 1000. Entonces bajo un acuerdo parte de las ganancias adicionales o créditos en concepto pueden ser negociables a mediano y largo plazo.

5.- Antes de firmar un sistema de distribución tradicional o digital: Estos acuerdos incluyen pago de regalías y distribución de porcentajes en conceptos tan absurdos como la comida de los promotores. Esos costos se descuentan del pago en descargas y uso de marcas como iTunes para difusión de productos. El abogado prevalecerá sobre todo, la propiedad de los derechos que son más valiosos que los $ 0.99 centavos que cuesta tu canción.

Conclusión
Seguramente te has doblado un pie caminando en la calle. Ahora imagínate que en ese momento se rompe el piso y te fracturas hasta la cadera imposibilitándote de por vida para caminar. Antes de demandar al Estado por esta situación, déjame decirte en que te ayudaría el abogado. 

El abogado te diría que NO CAMINARAS por esa calle en mal estado. El abogado te diría que si decides transitarla NO LA CAMINES DE NOCHE y que utilices CALZADO ADECUADO para hacerlo. Todo el terreno en nuestra industria está minado. Si decides recorrerlo por tu cuenta, es como adivinar donde está la mina con los pies descalzos.. Un saludo a mis amigos abogados...

Rafael Mendoza produce y cree que los abogados no son tan malos como los pintan..
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