7 pasos básicos para elegir productor...

Elegir productor para un proyecto puede ser una tarea difícil o sencilla. Algunas agencias eligen al productor basados en sus resultados anteriores, lo cual no significa que sea la elección correcta. En la medida de lo posible, debes pedir que sea una elección de concenso.

Aunque no sea así, es muy común ver artistas visitando a los productores sin las preguntas adecuadas o la visión completa de lo que están buscando. Siempre debes saber que buscas y porqué.

Aquí tienes 10 tips básicos para encontrar primero la ruta de tu proyecto para elegir a tu productor..

1.- Conoce tu presupuesto real: Contratar un productor de alto rango puede ser muy costoso y de nada servirá si no cuentas con los recursos económicos para sustentar los cambios. Muchas bandas se molestan cuando el productor les pide vender su pedalera para rentar unos más apropiados para la grabación. Este tipo de decisiones siempre generan molestia y crean conflictos. Si estás considerando un productor de alto rango, prepárate para este tipo de gastos, como la elección del estudio adecuado También deberás considerar la distribución y equipamiento necesario para recrear tu concepto en vivo.

2.- Debes ser claro en tus necesidades: El productor siempre querrá un panorama claro de lo que va a conseguir con tu material. Primero que nada, debes definir correctamente a que género pertences, en que estilo y cual es el enfoque que deseas aportar. Llegar con el clásico "es una propuesta fresca nueva y diferente a todo lo demás" es síntoma de que no sabes en donde estás parado con tu propuesta. Utiliza material de referencia, habla de tu meta a corto y mediano plazo. Un buen productor, siempre te llevará al siguiente paso inmediato... nunca más allá... ¡No son Sheng Long!

3.- Escucha la mayor cantidad de discos que ha producido: Imagínate tu disco producido de esa manera. No te quedes simplemente en dejar que pasen los tracks uno tras otro. Haz una lista de los temas que más te gustaron y específicamente las partes o instrumentos que te agradaron. El productor observa el conjunto del arreglo para saber sus posibilidades desde el demo. Dale la oportunidad de saber porqué lo has buscado.

4.- ¡Llévale un demo!: Ahora es cuando habrá valido la pena pagar por el estudio y la sesión de fin de semana. Ofrécele escuchar los 3 temas más significativos de la banda y con eso bastará para que sepa la proporción real en que puede intervenir en cuanto arreglos, producción, mezcla y conexión con la banda. No te desanimes si se niega a producir tu producto, seguramente sabe que no es la persona indicada y hasta podría recomendarte a alguien más acorde a tu proyecto.

5.- Haz muchas preguntas: Todo lo que puedas preguntar sobre el manejo de tu proyecto estará bien indicado. Si lo ves interesado, pregúntale que tipo de tratamiento basado en su discografía aplicaría a tu producto. Revisa con tu lista de discos si encajas en su mayoría con el concepto, entonces tienes un candidato fuerte. No compres nombre, sino experiencia, punto de vista y sobre todo estás eligiendo a un artesano para que te ayude a proyectar tu música.

6.- Derechos de producción: Bajo algunos criterios, los productores podrían interesarse en participar de tu proyecto. Es momento de preguntar sobre derechos de producción y aportación artística. Tal vez eleve el precio si decide cobrarte por ello, pero seguramente incluirá seguimiento previo a tu proyecto. Intervendrá en las decisiones del arreglo y hará recomendaciones sobre la técnica de los integrantes. Una cosa es cierta.. Si un productor te guía es porque se identifica con tu proyecto.. ¡Aprovéchalo!

7.- Entrevista directa o a distancia: Actualmente es posible realizar una entrevista vía virtual con el posible productor. Algunos de ellos, tendrán determinados tiempos disponibles para realizar la entrevista. Recuerda que no estás preguntando por credenciales solamente, sino por la interacción de tu material con sus habilidades. Con respecto a dineros, algunos prefieren hacer la propuesta después de la entrevista, porque hay consideraciones de renta en equipo, músicos adicionales, disponibilidad de estudio y requerimientos humanos. No pidas una cifra inmediata. Sé paciente. Si la propuesta económica se sale de tu presupuesto, podrías preguntar por algún ajuste.  Contrasta los diversos presupuestos y elige hasta el final.

Conclusión

Actualmente el productor es una figura que se le ha satanizado por sus procesos, sin embargo, la principal causa de ello es que difícilmente nos acercan a la figura real.

Muchas bandas pagan a productores importantes para realizar su proyecto y no cuentan con un plan de marketing, distribución, difusión y diseño de producción en vivo. El trabajo del productor es entregarte un producto listo para comercializarse. El éxito del proyecto recae más en las decisiones del artista y el plan que previamente se marcó.

No siempre el productor más caro es el más indicado. Pon en tu lista por lo menos 5 o 7 productores y ve tomando notas al respecto.

Al final, la experiencia de trabajo y el tiempo dedicado a la elección del productor, se verá bien reflejado en el producto final.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Características comunes en los "Hits" musicales...

 Hace unos meses la revista Music Conection publicó un artículo que desglosa las principales características comunes de un hit musical.

Si esta regla aplica a cualquier hit, debería procurarse hacer un análisis de cada tema y primero delimitar lo que es un Hit.

La lista es básica pero es cuestión de aplicarla a un hit que conozcas. Hazlo y por favor escríbenos si encontraste una relación con tu hit.

Características de los Hits

1.- La mayoría de los hits son cortos: El promedio actual de duración en un tema musical es de 3:47 minutos, que es mucho más amplia de aquellos hits de los años 50 y 60 de tan sólo 2:50 máximo.

2.- Tienen una introducción corta: El promedio actual de una introducción musical es de 7 1/2 segundos, pero recientemente se entra directo al grano. Cuestión de enfoques.

3.- Limitan el número de elementos en el arreglo que ocurren al mismo tiempo: Me trae a la mente esa frase de la película "Amadeus" donde el Rey le dice que tiene "demasiadas notas". La mayoría contiene sólo tres o cuatro elementos al mismo tiempo. Difícilmente hay 5 elementos tocando al mismo tiempo.

4.- El arreglo se va desarrollando en el curso de la canción: Normalmente se hace más presente en el puente o el último coro.

5.- Usan el arreglo para mantener el interés: Otra excelente razón para aprender arreglos musicales y música. Siempre habrá elementos dando frescura a una parte

6.- Utilizan un puente o la repetición de una sección para usarla de puente: Es un truco de arreglo muy usado para mantener el interés y que la canción fluya. Es muy natural en una sesión de post producción.

7.- Son dinámicos, con mucha tensión y relajamiento armónico o rítmico, cambiando en intensidad: Se consigue con la adición o susbstracción de instrumentos o tracks vocales, pero tambien puede ser que repose en las dinámicas de ejecución del músico y por ello más recomendable.

8.- Hay excepciones a todas estas reglas: Es raro encontrar una canción que siga todas estas reglas exactamente. A menudo lo que hace un hit, es la habilidad de manejar varias o intercalar sorpresivamente estas reglas

Conclusión

La receta para un hit musical aún es la piedra filosofal de la producción. Muchas veces pensamos que el tema de PSY "Gangnam Style" es un track sin sentido, pero cuando estimula las terminales nerviosas adecuadas, se convierte en un hitazo. En México creamos nuestros hits en base a imitación anglosajona con más o menos algún éxito. Sólo el tiempo dirá si podemos generar una identidad musical propia. Por lo menos hay que intentarlo

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10 consejos para cantantes en el estudio...

En la semana platicamos de la voz como materia prima. La técnica de canto es la manera en que aprendemos a domar a nuestras cuerdas vocales y reconocer sus límites.

Pero al llegar al estudio, los errores técnicos y de actitud, pueden revelar detalles hasta en el cantante más experimentado.

Aquí los 10 consejos principales para el cantante en el estudio.

1.- Ensaya con la pista antes de ir al estudio: En tu etapa de pre-producción, verifica y solicita que te den una pista sin mezclar para que tengas unos 2 o 3 días para practicar los temas antes de entrar al estudio. Muchas veces no es posible obtenerlas por el tiempo de estudio, pero si puedes presentarlas como parte de tu esquema de grabación.

2.- Delimita tu técnica antes de grabar: Conocer la letra, usar trucos para llegar a notas altas que tu registro no permite o imprimirle "feeling" no substituye una técnica vocal adecuada. Si un tema no te es sencillo de cantar por la tonalidad, requerimiento de técnica o intensidad de tu voz, simplemente no permitas que sea considerada para grabar. En el estudio estás para ofrecer tu mejor performance, no intentar algo que no puedes hacer.

3.- Mensaje y emoción son la meta: Antes de entrar a grabar, debes revisar la letra y hacer anotaciones sobre ella. Hay partes donde la respiración puede ayudarte con la emoción y otras donde pronunciar suavemente o intensamente brindarán un mejor panorama del mensaje que lleva la letra.

4.- Imagina a la audiencia: Muchas veces se le dice al cantante que interprete mirando la escena que describe o la sensación que le produce el tema, pero en realidad está realizando una interpretación. Así que debe imaginarse cantando para una audiencia presente, tan grande como desee imprimir su interpretación.

5.-Haz tu sesión bien descansad@: Muchas veces para ahorrar dinero, se realizan sesiones a altas horas de la noche o después de un día de trabajo. Una planeación implica mantenerse descansado y sin desvelarse. Duerme bien días antes  de la grabación.

6.-Elige tu micrófono para grabar: Normalmente le dejamos esta tarea al productor o ingeniero de grabación, pero siempre que sea posible utiliza unos minutos del pre calentamiento para escuchar varios micrófonos. Tal vez el productor elija uno para grabarte, pero puedes solicitar el que más te agrade para que lo envíen a tu monitoreo personal. Si tienes duda, pregúntale al ingeniero cual es el favorito de los cantantes y mantente abierto a sugerencias.

7.- Ajusta los niveles de tu mezcla: Esto normalmente es realizado por el ingeniero en el cuarto de control, pero si la reverb en exceso te molesta o te agrada, es tiempo de comentarlo. Tal vez prefieras escuchar una parte más fuerte del bajo o el sintetizador del fondo. La mezcla final dependerá de múltiples factores. Acomodar la mezcla para tu performance es la meta al grabar.

8.- Aprende a usar el "puncheo" como tu aliado: El punch in es una técnica de grabación donde substituimos solamente aquella parte que requiere de regrabarse en una interpretación. A veces será una frase, otras tantas un verso completo. Lo ideal es que cantes el fraseo completo y dejes esta tarea al ingeniero de grabación. Es un performance contínuo lo que se busca, no fraseos recortados.

9.- Enfócate en vocales y consonantes: Una de las fallas más comunes del cantante amateur es pronunciar demasiado fuerte algunas consonantes como la b, p, t y ch. Esto produce "golpes" de aire en el micrófono. O por el contrario, acentúa demasiado ciertas letras y se piensa que eso es manejar un estilo. Lo ideal es que pronuncies las consonantes con la misma intensidad que su vocal vecina, dejándolas en segundo plano. Finalmente la armonía de una canción se refleja en las vocales y no en las consonantes.

10.- Revisa los tracks grabados: Con apoyo de tu director musical, debes buscar los siguientes aspectos en tu interpretación (pide al director musical que aisle a los demás músicos de estas decisiones.)

Importante: No preguntes si se puede arreglar en la mezcla o con edición, prefiere volverlo a grabar por encima de decisiones de post producción.

Ritmo y fraseo: Ubicar donde los fraseos salen de la métrica del tema, por interpretación o que quede ausente de sentido y significado

Afinación: Parece demasiado repetirlo pero es una de las metas en la técnica. Existe un promedio de cambio en tono de un 3 a 5 % de acuerdo al tipo de letra o fraseo. Hasta cierto punto puede considerarse normal y natural. Más allá de eso significa una mala afinación. En programas como Autotune podemos decir que si se encuentra entre las 5 y 15 centésimas de tono hacia arriba o abajo puede funcionar. En lo posible intenta una nota mejor afinada que adornada..

Forma vocal: Busca si la interpretación suena débil, demasiado fuerte, estresada o delicada para el estilo del tema. Muchas veces pensamos que todos los temas deben sonar homogeneos pero en realidad cada una debe tener su carácter. Verifica que los coros sean tan intensos o profundos como se necesita.

Interpretación completa: ¿Suena bien?, ¿La interpretación es creíble?, ¿El mensaje es claro?.. Delimita los errores técnicos para reparar en un porcentaje. Una buena interpretación requerirá un retoque de hasta un 20% para pulir una buena interpretación. Más allá de eso estamos hablando de trabajo de edición que hará sonar la toma falsa o sobre producida. El objetivo es que la interpretación te mantenga inmerso en el tema.

Conclusión
Muchos detalles de producción en voz pueden ser reparados y apoyados con la tecnología digital. Pero nunca debes llegar al estudio pidiendo a gritos un autotune porque hablará sobre tu calidad musical. La técnica es fundamental para obtener un buen performance y hay géneros donde no es tan exigente, como la música folcklórica o étnica. Géneros como Pop, Hard Rock, Blues y Salsa son mucho más exigentes en grados como el Jazz o Clásico. Puedes tener buenas letras y buena música, pero tu voz es quien aporta el mensaje central y debes ser un buen mensajero

Rafael Mendoza produce voz en Ad Libitum

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Cómo buscar banda y no morir en el intento...

Una de las preguntas más comunes, es cómo conformar una banda imparable.

Un buen sonido es importante, una buena presencia escénica y habilidades suficientes son ingredientes necesarios para conformar una buena banda.

Pero cuando llevamos escogiendo una banda que llene nuestras expectativas, a veces nos encontramos con incompatibilidades que se transformarán en problemas irreconciliables.

Entonces.. ¿Cómo encontrar una banda adecuada?

1.- Busca cerca de tu área de domicilio, los costos de gasolina o transporte pueden dificultar tu desplazamiento y paciencia
2.- Los anuncios de "Busco baterista como... o guitarrista como" son sinónimo de expectativas que muchas veces ni el solicitante puede ofrecer.  Llama y pregunta si están interesados en un guitarrista de soporte o en una fusión jazz alternativo. Podría funcionar
3.- Nunca olvides la etiqueta básica al buscar banda. Cosas como "hacer las cosas mejor que Led Zepellin" no ayuda.
4.- Sé conciente de tus capacidades técnicas. Tu nivel musical va a intervenir en el proceso de elección de tu banda. No te frustres o corras por alcanzar un nivel.
5.- Deja que la experiencia de un ensayo te de un panorama general. No esperes la "chispa", es un concepto tan ambiguo como decir que irás a un bar a conocer una modelo que se quede contigo.

Tomando en cuenta esto te doy las siguientes recomendaciones:


Si buscas banda de hobby:

- No deberás esperar ganancias de esa banda
- No deberás esperar fama y fortuna de esa banda
- Invertirás tu dinero en transportación, equipamiento y tiempo sin retribución alguna (es tu hobby)
- No te enojarás con la banda por llevar a sus amigos, amigas, esposas, novias o persona que creas "roba la atención de la banda"
- Deberás cargar tus instrumentos como cualquier otra persona sin preferencias ni condicionamientos.
- Dedicarás tiempos de ensayo, convivencia y recreación con la banda.

Si buscas banda con proyecto serio

- Deberás aceptar las condiciones y requerimientos de trabajo (ensayos, reglamentos, calendarios y prácticas fuera de ensayo)
- Deberás evitar opinar sobre el concepto, letras y música que no te gusten. Estás ahí para interpretar y ejecutar de la mejor manera posible sin gestos, caras y humores.
- Invertirás parte de tu dinero en la mejora de equipamiento, vestuario y herramientas para tu desarrollo musical. (Bateristas.. no se vale cambiar parches cada 3 años o cuando se rompe querer cobrar la cooperación)
- Tu instrumento es tu responsabilidad, mantenerlo en óptimo estado y protegerlo de las eventualidades. Negocia la parte de transportación y cuidados con tu empleador.
- Te abstendrás de llevar a tu novia, amiga, amigo, compañera, esposa y similares a tu evento. Estás ahí para trabajar.

Conclusión

Ser parte de una banda de hobby es estrictamente diversión. Cuando no es posible fincar una responsabilidad o establecimiento formal de una banda, entonces estás en un proyecto hobby. Establecer una banda implica compromiso más allá de sacar la canción de moda en 3 ensayos.
Existen proyectos abiertos, que ofrecen alternativas a sus integrantes, pero dependerá del objetivo final los requerimientos.

Espacio aparte requiere las obligaciones del administrador del grupo o "caimán".. Hablaremos de él nuestro siguiente post.

Rafael Mendoza ha grabado y editado bandas en Ad Libitum

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5 razones para fallar como artista independiente..

Muchas de las razones por las que se falla como artista independiente, tienen diferentes implicaciones.
En México, pocos músicos o artistas consiguen establecerse como una opción viable para disqueras o empresarios simplemente porque tienen ensamblado un plan de trabajo.

Muchas veces se quejan de que artistas como Belinda, Jenny Rivera o La Banda Limón posean mejor éxito que muchas bandas que llevan 15 años en el espectáculo y tal vez con mejores letras, música o performance.

Si tienen todo para triunfar (aparentemente), entonces... ¿porqué fallan como artistas independientes?.

Aquí 5 razones para tomar en cuenta. Estas razones aplican a cualquier proyecto en Audio Producción, sustituyendo los elementos clave.

1.- Falta de estudio del mercado musical: Un artista es un proveedor de servicios. Nada se le regala y todo lo compra. Su guitarra, su batería, su teclado. Todo esto tiene un costo que se debe ver reflejado en su trabajo. Pero la gran mayoría de los artistas que inician y muchos otros que están viviendo de los eventos versátiles, caen en su zona de comfort, no deseando saber sobre el mercado de la música.

No necesitas ser erudito para comprender porqué el mercado digital se ha levantado los últimos años. Pero hacer a un lado esta información es como mantenerse ciego en un juego donde muchos corren y puedes salir atropellado.

2.- No tomarse en serio la etapa creativa (escribir y componer): Muchos artistas piensan que sus temas no necesitan tanto relajo como un tema de Arjona para ser buenos. Pero aunque no lo quieran creer, Arjona y sus compositores deben tomar en cuenta muchos elementos para poder mantener un criterio de continuidad. Puedes escribir siempre de tu depresión, tu amor prohibido o hasta del color del cielo rosa. Pero de nada sirve si repites el mismo patrón y la misma temática. No habrá elementos para diferenciar.

3.- No tener originalidad y creatividad: Muchas bandas pasan horas enteras tratando de ser Metallica, Bruno Mars o Cristina Aguilera. Eso no sucederá nunca por muchas cuestiones. Cuando leo un anuncio en las tiendas de música como "Busco guitarrista con influencias de (escriba aquí las bandas necesarias) y que quiera hacer música como (escriba otro tanto), lo único que me dice ese proyecto es que está basado en realizar imitadores. Es como ver a los imitadores de Tatiana o Spiderman en una fiesta infantil. Una cosa es que tus influencias te empujen a hacer un grupo y otra que no seas capaz de sacar tus propias uñas para defenderte.

4.- No tener suficiente experiencia en vivo: Pasar horas aprendiéndote el solo de Creeping Death no asegura que alguien vaya a apreciarlo en vivo. Querer cantar como Withney Houston teniendo la voz de Paquita la Del Barrio tampoco es una opción. La imitación colabora mucho en este sentido porque te limita a espacios muy específicos como concursos o plazas donde todos te van a aplaudir nada más por estar participando. Consolidarse como artista implica exponerte no sólo a tu público sino a otros públicos muy diversos.

5.- Falta de profesionalismo: El más crítico de todos. Profesionalismo es tomar clases de tu instrumento, aprender música, renovarte en nuevas tecnologías, estar dado de alta en Hacienda, tener un contrato bien elaborado, planear tus salidas adecuadamente, negociar como profesional, tener una actitud laboral comprometida con tus tiempos y requerimientos, conocer tus límites y tus alcances. No es sólo vestirte como X o Y  para dar el gatazo. Conozco infinidad de artistas que hasta ponen en peligro sus vidas por seguir su "sueño". Es muy bonito y romántico haciéndola en bola.  No necesitas tocar en un Vive Latino para ser un profesional.

Conclusión

Trabajar con artistas no es sencillo, más cuando viven encerrados en la idea de que su material les hará hacer cosas superiores nada más con parecerse a otros artistas. Es como cuando inicias una mentira y después habrá que mentir mucho más para cubrir la primera. Evítate problemas, no dudo que seas el próximo Bruno Mars mexicano. Pero tu preparación llevará años aunque quieras hacerlo "fuera del estándar". Llegar no es problema, sino sostenerse.

Rafael Mendoza produce con enfoque de permanencia en Ad Libitum

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El Productor: Equilibrio indispensable en audio producción

En pre-producción todos los elementos creativos, técnicos y requerimientos son presentados. Hacemos una lista de todo aquello que será indispensable para cumplir la meta, cronometramos los tiempos, hacemos agendas, hablamos y contratamos a la gente, pero nunca tomamos en cuenta el ego artístico generalizado del proyecto.

Las áreas en producción de medios, requieren de atención y enfoque a detalles comunes que pueden salirse de control, simplemente porque hay una delgada línea entre lo posible, lo imposible, lo tolerable y lo intolerable.

El "profesionalismo" a veces desconoce aquellos límites y disfraza acciones o actitudes en favor de presionar o limitar el desarrollo en la producción.

El productor, es el profesional encargado de equilibrar el karma, los presupuestos y los tiempos.

Recursos humanos ante todo

Si bien es cierto que no se puede ser monedita de oro para caerle bien a todos, como productores si debemos anticiparnos a las circunstancias que pueden darse durante la producción, pues es la etapa más crítica del desarrollo en los proyectos.

Conozcamos o no a las personas involucradas en los proyectos, debemos referirnos a trabajos anteriores y preguntar de primera mano situaciones que pueden salirse de control.

Un productor puede ajustar los tiempos y planear con calma si el baterista se cae al pasear a su chihuahua y que no pueda tocar 1 o 2 semanas, pero no puedes prevenir el rompimiento creativo simplemente porque entre al cantante no le gustó la playera floreada que trae puesta el guitarrista líder ese día.

Muchos grupos, cantantes, locutores y artistas en audio producción, no delimitan adecuadamente sus criterios profesionales por encima de sus emociones personales.

Se dice comúnmente que las emociones son plasmadas en los proyectos y que para ello el artista debe utilizar sus emociones como motivación.Coincido totalmente con ello, pero una cosa es motivarse y otra muy diferente descargarse sobre el proyecto.

El productor como impulsor creativo

Anteriormente los proyectos conceptuales tenían un mayor margen de arrancar en partes o cancelarse porque a industria estaba más estable. Por ejemplo, una disquera tenía varios artistas entre los que se podía compartir la responsabilidad de un intento fallido sin problemas.

Actualmente producir un proyecto tiene un riesgo mucho más alto porque depende de la distribución digital, compra directa, originalidad creativa y volumen de producción. Los errores deben ser mínimos.

Esto nos indica que producir algo que no se va a lanzar no es negocio desde cualquier perspectiva y mucho menos si queda a la mitad de algo importante, simplemente porque el baterista quería usar su nuevo kit electrónico para darle profundidad al disco country que ha estado ensayando.

Hay proyectos que permiten materializar todas las sugerencias y por el contrario existen muchas otras donde por el concepto más vale mantenerlas al margen.

La asistencia de un productor es fundamental para equilibrar estas batallas creativas donde pisotear al perdedor de forma aplastante, sólo sumará rencores que pueden estallar en el momento o días después del lanzamiento.

Luchando con las "diferencias creativas"

El productor si bien tiene que trabajar a veces como psicólogo y mediador, debe ante todo evitar los roces y conflictos pues tiene un panorama general de cada individuo dentro del proyecto.
También debe fomentar la creatividad, más que "picar" al artista para que saque lo mejor de él, sin dañar el panorama personal y emocional.

Debe ser duro pero no gritón, sino honesto para que los involucrados conozcan sus limitantes y las superen con sus capacidades. Podrá manejarlo pues antes de tomar el proyecto se ha preocupado por visualizar los posibles problemas a nivel artístico, creativo, psicológico, emocional y técnico de un proyecto.

Dejar en manos de un grupo su destino sin mediar el ego, va a provocar como consecuencia un "rencor creativo". Cuando llegue el momento de externarlo, siempre tendemos a no escuchar un argumento adecuadamente y muchas veces se confunde con crítica en mal sentido.

Una diferencia creativa es salvable cuando la convivencia y compromiso en una banda es compartida. Se deben escuchar todas las ideas pero se debe jerarquizar y dar prioridad aquellas que están más cerca de conformar un proyecto. Si nuestra meta es hacer un licuado de plátano y la disquera nos pide hacer una versión más original, tal vez podamos poner un poco de canela para acompañar, pero no significa que cambiemos la fruta totalmente.

Conclusión

El productor es fundamental en estas etapas y es quien previamente tendrá internamente un perfil (no opinión personal) sobre las personas involucradas. No pedirá algo a alguien que no pueda hacer ni hará competir a los miembros del equipo entre ellos para obtener un resultado adecuado. Los productores han cambiado con el tiempo y se han convertido en verdaderos directores de una orquesta donde no sólo se ejecutan instrumentos, sino se transforma y aterriza una idea creativa en algo palpable para compartir.

Siempre trata en lo posible, de contar con un buen productor. Sobre todo si las vibras son muy diversas durante la planeación del proyecto. Tu producto lo va a agradecer y redituar .

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum Estudio

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10 errores comunes de la producción...

Producir es el arte de ordenar, organizar y desarrollar un producto que ha sido previamente estructurado, planeado y pensado para un mercado específico.

Cuando hablamos de ideas creativas, siempre se piensa en que plasmar la obra es el único paso necesario para darle vida.

Seremos muy insistentes en decir que pre-producción, producción y post-producción, son las etapas que conforman el desarrollo de un producto creativo en audio producción y otras disciplinas.

Aquí va una lista de los 10 errores más comunes en la producción.


1.- Tiempo insuficiente de producción: Un spot de 20 segundos, puede requerir entre 10 a 20 horas para su desarrollo, producción, edición y ajuste para llegar a su versión final. 20 segundos es el trabajo condensado de una labor dura tras bambalinas. La radio abusa de este concepto para vender espacios publicitarios "regalando" la producción del estudio. Si no vendes, entonces no se vale quejarse de dejar que una estación domine tu negocio.

2.- Hacer cambios al momento: Si bien es cierto que un ajuste de entre un 10 y 20 % de tu producto se realiza en la etapa de producción, no significa que sea necesario realizarlo. Si tu pre-producción está bien hecha, seguramente no alterarás más del 5% del contenido. Cambiarlo en el momento no es una opción, pagas doble y el resultado es bajo presión.

3.- Confianza en internet: No conseguiste una música adecuada, un efecto de sonido, un preset de guitarra. Llegas al estudio esperando que el operador, ingeniero o la secretaria te resuelvan bajar el efecto de un caballo galopando al ritmo de "Sopita de caracol". Nunca confíes que internet te brindará la solución. Ellos están tan confiados como tú.

4.- Grabar "al vuelo" un spot: Todos sabemos que la locución en estos tiempos debería llamarse "imitación". Ya no existen voces que conecten la masa gris con la boca. Esperan que su talento les permita salir avantes repitiendo como pericos la misma frase que les hizo vender a "mamá Lucha".
He visto locutor@s salir llorando de una sesión, porque su ego los azotó contra el suelo para vender un jabón.

5.- Documentos de efectos: El preset 54 en el coro puede sonar bonito en tu guitarra, pero si olvidas apuntarlo para entrar al estudio, vas a quedarte con la duda por unas 2 horas gastando tiempo valioso de estudio. La plumilla, baqueta, cuaderno y pentagrama no son los mejores amigos del músico. El lápiz es tu verdadero héroe.

6.- "Quiero sonar a": Llegar con una expectativa de imitación, hecha por tierra el valor interno y creativo de tu proyecto. Si estás en un estudio es para proponer tu visión cualquiera que esta sea. No lo arruines con miedos de último momento para garantizar que alguien escuche tu propuesta.

7.- "Si ya sabía"..: La frase ganadora que tres minutos después, debes comerte porque te has dado cuenta que olvidaste el cable sobre la carreola de tu sobrinito. También es escuchada cuando la estructura de un tema musical no está claro porque nadie tiene entre sus cosas un boceto básico de la canción.

8.- Bullying por justificación: Todos tocan La menor y el bajista lleva una armonía en La mayor. La mayoría aplastante empieza a "regañar" al caído. Su error fue tocar toda la vida esta armonía que nadie tomó en cuenta durante los altos volúmenes de ensayo. Como resultado, el pobre bajista termina de tocar su rola, sale del estudio y no se le vuelve a ver hasta dentro de 2 días después. El error no es suyo, sino del grupo en conjunto al aplicar "disciplina" en forma de bullying. ¿Te suena?

9.- Calidad por ahorro: Un estudio puede proveer una buena grabación independientemente del presupuesto. Lo que encarece algunos productos y procesos es la falta te preparación del artista o locutor. Un buen productor sabe ganar tiempo de estudio con tiempo de preparación.

10.- "Nadie va a notar los errores": Es la razón número 1 para que tu proyecto no llegue a donde debe. Siempre habrá quien note la falta de planeación, talento, ejecución, producción, costo y desarrollo de tu proyecto. Engañarás fácilmente a la familia y algunos amigos, pero no podrás dormir sabiendo que el 70% de lo que tienes en tus manos, lo desarrolló una herramienta digital.


Conclusión

Todos participamos de estos vicios tanto dentro como fuera de la producción. La mayoría se resuelven con un hecho común. Honestidad. Pagar puede hacer de tus proyectos un éxito, pero de nada sirve si al terminarlo quedas debiéndote a tí mismo una lección sobre ello.

Las clases de canto, digitación, armonía, lectura, respiración y técnica, deben ser retomadas cuanto antes para trabajar a fondo en los detalles de tu producción. Si sobrevives a ello seguramente no volverás a dejar que estos errores se repitan. Si lo haces de nuevo, estás atrapado en un círculo vicioso que absorberá tu dinero y tu proyecto con el tiempo.

Rafael Mendoza diseña producción en Ad Libitum

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Viernes de video: Documental Dark Side of The Moon...

Hablar de "Dark Side Of The Moon" de entrada es un placer.

Es el único disco que se ha mantenido en las listas Billboard desde que salió.

Se han calculado 50 millones de copias vendidas.

Alan Parson aportó su talento a completar las ideas del grupo en lo que sería un álbum icónico y que marcaría el rumbo del rock conceptual.

No se puede más que hechar una mirada años más tarde a su creación.

Subtitulado en Español, es un buen material para analizar que un buen disco, no fluye espontáneamente.

Excelente fin de semana.. nos vemos el Lunes.

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Metrónomo correcto, músicos felices...

 

A veces, no hay nada más frustrante que proveer un buen metrónomo para los músicos, tanto en estudio como en vivo.

Se complica cuando para uno es cómodo pero para el otro suena bastante marcado. Entonces la pregunta es ¿se puede enviar un buen metrónomo a través de la mezcla?

Recomendaciones para el metrónomo

Elige el número de clicks por compás: La mayoría de los musicos les gusta en notas negras (1 click por tiempo). Sin embargo otros trabajan mejor con corcheas (1 click cada 1/2 tiempo).

 Me ha funcionado mucho mejor el segundo sobre todo en tempos lentos, principalmente porque tienes una referencia clara durante el tiempo sincopado. A veces los músicos se desesperan al principio, pero no pasan más de 10 minutos acostumbrándose al sonido. Intenta ambos.

Elige el sonido adecuado: Los sonidos del metrónomo por default, rara vez son del total agrado del músico. Intenta agregar un elemento percusivo de acuerdo al tipo de tema que estés usando. Daniel Beltrán, un baterista excelente me recomendó utilizar 2 sonidos diferentes. Por ejemplo un sonido de campana go-go aguda en el primer tiempo tiempo del compás y una gogo grave para complementar.

Ajústalo al tema: Agrega un poco de delay para que suene más integrado al tema. Esto produce una sensaciòn de no tocar con un reloj sino con otro elemento de la música.

Sugerencias para aislar a los micrófonos de audífonos.

Muchas veces, el click está tan fuerte que llega a colarse por los micrófonos. Existen soluciones sencillas y prácticas para este tipo de problemas.

Aunque parezca un problema exclusivo de bateristas, cuando grabamos instrumentos acústicos puede ser un verdadero problema por el uso de micrófonos de condensador o listón.

Utiliza diferentes audífonos: Existen algunos de cierre casi hermético contra el exterior. Los in ear pueden ser una solución pero requieren mucho mantenimiento y limpieza. Vic Firth tiene una línea de protección adicional para bateristas. El modelo S1H1 son excelentes.

Pasa el click por un ecualizador: Corta las frecuentcias altas en un punto donde se meta lo menos posible a los micrófonos.

Utiliza audífonos de un solo lado: Muchos músicos como los saxofonistas, cuerdas y coros prefieren este tipo de audífono, porque les permite escuchar a los demás músicos en el cuarto. También son muy usados en la re grabación de diálogos para cine y televisión. Un ejemplo son los Beyer DT102-

Conclusión

Un track de audio limpio te ofrece posibilidades infinitas. El metrónomo es una herramienta tan útil como un afinador que no debe faltar en el estudio. Utilizar los audífonos correctamente permitirá al músico enfocarse más en su interpretación que en salirse de tiempo.

Los ingenieros de monitoreo pueden ayudarte con mejores ideas para mantener en vivo un monitoreo seguro y darte opciones como los in-ear.

Un metrónomo correcto produce músicos y música feliz...

Rafael Mendoza graba con metrónomo en Ad Libitum

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El demo: La base del éxito...

Hasta hace algunos años, era el objeto de culto más preciado para las bandas que iniciaban. Poner por fin su obra en un medio que se podía presumir no sólo a la disquera sino a los amigos y familia.

Tener equipo en casa resultaba caro y poco productivo. Algunos cooperaban para comprar una multitrack de cassete y sacaban el mayor partido.. pero eran los menos.

En México, la cultura del demo está subvalorada, pues la mayor parte de las bands quiere tener un material terminado. Veamos las ventajas de integrar esta práctica en todas las áreas de audioproducción.


El demo no es un proyecto terminado...

Todos aceptan esta filosofía, pero principalmente porque miran al demo como un producto "inferior".

Algo que tiene que quedar claro, es que para hacer una producción, es necesario "echar a perder" en términos creativos, operativos y estructurales para descartar o reforzar la intención de trabajar sobre un proyecto específico.

Se debe medir cuanto tiempo tarda prepararlo, tiempos de ajuste, si existen las habilidades y materiales necesarios, duración  y sirve hasta para evaluar cuantas órdenes de comida china harán falta para completar el proyecto.

El demo es la oportunidad perfecta para despertar a la realidad del proyecto. El demo es un espejo irrefutable y en vez de mirarse con triunfalismo o autoengaño, debe ser objetivo y crítico.


¿Cuántos demos se necesita para avalar un proyecto?

Todos los necesarios. Es importante grabar lo más posible, pues permitirá registrar momentos de inspiración o detalles que son fáciles de olvidar durante la etapa de trabajo. No es necesario almacenar todo, basta con hacer una selección al final del día lo que se considera bueno y anotar la razón por la que fue guardado.

Los archivos de audio y video permiten guardar en ellos Metadata, que son datos más allá de la fecha y hora en que fueron grabados.

Existe software gratuito que puede servirte para insertar y editar estos datos. Una bitácora de registro digital es muy útil en todos los proyectos.

Por estas razones, quien trabaja en orden desde el principio, tiene mayor factor de crear algo original y bien estructurado. Casi nadie hace este proceso a pesar de ser más sencillo que llevar un libro de anotaciones.

Conclusión

El demo hace la diferencia entre la gloria y el infierno. Muchos proyectos de audio producción se desarrollan sin haber hecho una prueba de lo que van a vender. Gastan recursos en terminar un material que aunque físicamente existe, no significa que esté bien elaborado.

Ahorran costos operativos y de recursos humanos para terminar con un proyecto estéril, poco comercializable y aún así les parece haber gastado una millonada.

Cuando los resultados son medianamente aceptables, deciden mirar hacia el otro lado y pensar que ya aprendieron mucho con ese material, pero cuando arrancan el nuevo cometen el mismo error.

El demo es a mi forma de ver, mucho más importante que el álbum finalizado. Aquellos álbumes considerados clásicos, en su mayoría pasaron por etapas demo evolutivas que los hicieron todo un éxito.

Así que no pierdas más tiempo, graba con tu celular ensayos, pruebas de voz, argumentos, programas y haz la chamba desde abajo... Tu proyecto lo va a agradecer...

 Rafael Mendoza hace demos en Ad Libitum

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Radio Universitaria: Debilidades y Fortalezas

Desde hace un tiempo nos han pedido que hablemos de las radios universitarias o de los proyectos de radios estudiantiles. Para hablar de ello es indispensable conocer varias propuestas de lo que están generando estas instituciones educativas, y nos dimos a la tarea de buscar, oír y analizar las propuestas auditivas que existen dentro de este universo.

Si bien he podido escuchar un gran número de estaciones  universitarias o estudiantiles, en este artículo hablare de  ellas de manera general sin llegar a ejemplificar ni hablar específicamente de una sola. Para empezar debemos de definir cuáles serían  los objetivos de una radio universitaria.

Objetivos de la Radio Universitaria

Sin lugar a dudas una radio universitaria debe de buscar el acercar el conocimiento al escucha.

Debe de tener una función educativa, ser propositiva y critica. Debe implementar y enfocarse a nuevos procesos de producción,  investigar y sobre todo de instruir a una gran cantidad de jóvenes que pretenden pasar sus vidas dentro de una cabina de radio, una isla de edición o bien una sala de juntas de producción.

Una radio universitaria o estudiantil debe mantenerse en continuo proceso de cambio, ya que se va renovando dependiendo de la generaciones que se incorporen a ella, ser vanguardista y sobretodo autónoma en su manejo, abierta a diferentes formas de pensamiento y a la creciente hambre de un intercambio cultural.

A decir verdad he escuchado varios de los trabajos que se transmiten; sin embargo y desgraciadamente me he encontrado que muchos de estos objetivos no se cumplen.

Si bien las propuestas programáticas y musicales son diferentes a la de una radio comercial, los formatos con los que se pretenden presentar estas propuestas son los mismos de cualquier estación de los 40 principales. Su estructura está limitada a una cadena de música, seguida por comentarios de un locutor  y un espacio de información publicitaria ( eventos y talleres  que se ofertan en las diferentes universidades).

Noticieros que lejos de  presentar un análisis y selección de la información,  se enfocan a ser mucho más ligeros en los comentarios y a presentar pocos reportajes de análisis.

La mayoría de estos proyectos presentan este problema. No digo que todas las estaciones lo hagan; hay algunas excepciones, donde también se cae en el fanatismo y en la crítica radical sin  presentar análisis con soluciones a los problemas que se atacan.

Programas de revista en los que se presentan un número de especialistas de diversos temas y con la finalidad de ser entrevistados e informar al público de las características y problemáticas del tema en cuestión, nos presentan a titulares del programa con muy poca preparación a cerca de los temas, llegando a un punto de la entrevista en la que se pierde objetividad y profundidad de la misma, donde es más fácil caer en comentarios personales y anécdotas de los presentadores, haciendo a un lado  la experiencia y profesionalismo del invitado para manejar los ítems.

¿En que se basan estas deficiencias o cual es el problema real de las  radios universitarias?

Debilidades de la Radio Universitaria

Una excusa constante en estas radios es la falta de presupuestos, seguida del constante  cambio en los puestos administrativos, la salida del capital humano para buscar el crecimiento económico trabajando en la iniciativa privada.

Lamento mucho que estas sean sus "limitantes". Para mí, simplemente son justificaciones baratas, si bien podemos decir que los recursos económicos de las radios estudiantiles son limitados, tiene la ventaja de no depender  de contratos económicos  que les harían cumplir con tiempos de producción y de trasmisión.

Es posible la experimentación dentro de la programación, buscar en los formatos radiofónicos  que han abandonado las radios comerciales una alternativa nueva para volverse diferentes.  Es decir, un radioteatro para presentar la historia y la música de un jazzista en lugar de solo presentarlos los datos biográficos y discográficos para luego escuchar uno de sus temas más famosos.

El radio arte, enfocándose en el sonido para despertar la imaginación del escucha, para poner su entorno sonoro diferente, capaz de manejar sus emociones y alejarlo de su cotidianeidad, de las mismas voces que le dan los chismes de los artistas famosos o los resultados de los partidos de fútbol.

El radio documental le permite al escucha obtener un conocimiento nuevo, volverse crítico  y cuestionarse  acerca de lo que sabe o creía saber, este es un género que no solo requiere de una investigación y tiempo de producción sino que también  representa un reto  creativo ya que la información debe de ser presentada de manera que el que la escuche pueda crear imágenes mentales de lo que se expone.

Por otra parte los cambios de directivos son comunes también en las cadenas de radio comercial, por lo que justificarse en esto vuelve a ser un mero pretexto para jugar al formato seguro, sin embargo la concepción de un proyecto y su desarrollo con calidad podrá sortear las  “nuevas políticas” de director que también al recibir su puesto evitara cambiar las cosas  que funcionan para no perderlo en un abrir y cerrar de ojos.

Hemos mencionado que los cambios en una radio universitaria son esenciales para su mejoramiento continuo y eso debe de entenderlo los directivos y estar dispuestos a recibir y generar nuevas propuestas.

El cambio de personal también es un problema de fondo, ya que eso quiere decir que la creciente cantidad de jóvenes a los que se les incluye como parte de su aprendizaje  dentro de una carrera es nulo  por lo cual se vuelve imposible sustituir a un elemento nuevo con la misma capacidad.

Imaginémonos a un equipo de fútbol incapaz de encontrar en los jóvenes el recambio para los jugadores viejos, obviamente sus procesos de búsqueda de talento estaría fallando así como sus entrenadores de fuerzas básicas.

Lo mismo pasa en las radios universitarias, encontraremos a aquel personal que ha vivido toda una vida en la radio sin representar un cambio significativo como el nuevo que carece de preparación y experiencia.

Si todas estas son las debilidades de las radios universitarias ¿cuáles son sus fortalezas?

Fortalezas de la radio universitaria

Como he mencionado no todas las canicas caen en el mismo bote, hay muchas propuestas con  frescura en sus contenidos y formatos, programas que han utilizado maneras diferentes de presentar su discurso.

. La principal fortaleza de estas radiodifusoras es su estructura institucional.

Partiendo de los valores de una universidad y la búsqueda por el conocimiento, las estaciones de radio tienen justificada la experimentación, la creación y el uso de todas las técnicas, escuelas teóricas, prácticas y experimentales para la producción de sus contenidos.

Tienen la libertad y  autonomía  de debatir los tópicos  más  variados presentarlos a un público cuya información en las estaciones de radio comercial está limitada por los compromisos comerciales, estudios de mercado,  resultados de audiencia, etc.

La capacidad de generar contenidos desde adentro de la misma institución, las universidades dentro de sus claustros académicos deberían contribuir con sus investigaciones, sus eventos culturales, equipos deportivos y grupos artísticos son la materia prima para su programación.

Ya que uno de los objetivos de las radios universitarias es el de acercar la cultura y el conocimiento a la audiencia tiene el compromiso de buscar las maneras de que sus discurso pueda ser entendido por la mayor cantidad de público. 

Las radios universitarias no deben de justificar en su carácter de institución de nivel superior para manejar un lenguaje elitista o científico; al contrario, deben de buscar la manera de adaptar sus discursos para que la mayor cantidad de audiencia pueda entenderlos.

Desde el puesto de escucha creo que la radio universitaria si es una alternativa para alejarnos de la  monotonía de las cadenas comerciales, pero no debe de renunciar a competir  por las audiencias de estas, si utiliza los mismos modelos de ella es evidente que terminara  perdiendo, la programación de la radio universitaria encontrara  en sus contenidos más que en sus formas la respuesta a la competencia con las radios comerciales.

Conclusión 

Los problemas de la radio universitaria son variados desde este artículo no pretendo quedarme como un crítico que solo ve los errores pretendo debatir con ustedes y analizar  el problema para poder presentar las soluciones.

 Por mi parte que puedo aportar, recomendar la lectura de todo tipo investigación, periodismo, ficción, no hay nada mejor que la lectura para enriquecer el lenguaje y el conocimiento, con esto tendremos mejores guionistas, reporteros, locutores, productores.

Perder el miedo al fracaso es fundamental, hay que recordar que cualquier producción de audio está fundamentada en la creatividad más que en el manejo de las técnicas y los aparatos. Es preferible  encontrar un diamante único que usar la misma piedra de fantasía fabricada en serie.

Invitar a los jóvenes a que expresen sus ideas sin juzgarlos y siempre con la mentalidad  de que también de ellos podemos aprender,  guiarlos en el camino para que encuentren dentro de la radio su medio de comunicación.

Por ultimo no quiero pasar sin agradecer a los que se han tomado el tiempo de leer el blog y de enviar sus comentarios, ha sido muy enriquecedor poder expresar algunas de mis ideas me han hecho crecer mucho y espero que este año me sigan acompañando. 

Raúl Beltrán produce en Ad Libitum

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