5 tips para cobrar lo justo en Audio Producción...

 Uno de los problemas más comunes al iniciar un negocio de grabación o producción es saber cuánto se puede cobrar.

El tema de las tarifas ha escalado proporciones bíblicas puesto que se piensa que sólo algunos tienen derecho a cobrar de forma justa por su trabajo.

Recientemente me encontré publicaciones de contratación para editores en Protools donde les piden excelencia de producción y un pago similar al de un cargo de recepcionista. 

De entrada para aquellos que trabajan en esquemas empresariales es difícil negociar el sueldo y su crecimiento. Pero cuando somos dueños de nuestra fuerza de producción, siempre habrá opciones para cobrar los precios justos. 

Una de las fallas comunes es usar los mismos esquemas de cobro para todo.

Aquí 5 tips de como cobrar y bajo que situaciones aplicar estas circunstancias.

1.- Cobrar por proyecto: Es una de las opciones más atractivas para el cliente, pues espera saber cuanto pagará en total por todo el servicio.

Debes considerar el tiempo promedio que llevará realizarlo, las habilidades técnicas y reales de la banda o solista, su ingreso promedio y el número de canciones que se habrán de realizar.

Uno de los errores más comunes es anticipar un costo sin haberlo calculado. El cliente buscará sacarte la cifra en ese mismo momento. Bajo esa presión podrías revelar una cantidad sin considerar otros aspectos.

Enumera los requerimientos del cliente y basado en ello, tómate unas horas para realizar una cotización apropiada. No se trata de poner una cifra en un papel, sino de hacerle saber al cliente que consideras importante hacer en su proyecto para que este florezca. 

Haz llegar esta información y sobre todo aprende a negociar ese costo en base a sus necesidades y requerimientos. Se trata de que ambas partes ganen.

Aplicaciones: Preferentemente bandas de Jazz, Blues, Cantantes solistas de nivel intermedio y alto, Cantautores y Grupos Corales Tradicionales (Estudiantinas, Rondallas y Orquestas típicas), música clásica, de cámara y solistas.

Piénsalo 2 veces si: La banda no tiene mucho entrenamiento musical o las fechas de grabación son muy distanciadas por falta de tiempo en la banda (trabajo, familia, distancia)

2.- Cobrar por canción: Algunos artistas prefieren hacer un recuento de su material y lo ensayan previamente tomando el tiempo que podría llevarles hacerlo. 

Desafortunadamente no hay un esquema que nos indique que tan rápido o lento podría grabar una canción. A veces ocupará 4 horas en grabar todo el material y te dirá en el último momento que si puede grabar una canción extra. Es difícil rechazarlo con todo el equipo montado para seguir grabando.

Pero esta práctica no es muy buena puesto que consume recursos adicionales no contemplados como energía eléctrica extra para mezclar y masterizar.

Te sugiero establecer el precio por canción siempre y cuando el artista acepte un tiempo promedio aproximado por tema. Este tiempo es el necesario que consideras tomará captar una buena toma de una canción. 

También debes evaluar si con las herramientas que posees te será posible acortar o hacer más sencilla la grabación. En promedio 2:30 por canción no es una exageración. Si cobras por hora, basta que hagas un promedio del tiempo para especificar el costo por canción. 

Si las canciones son con varios instrumentistas entonces haz un cálculo base de tiempo por canción.

El cliente pedirá un descuento o una versión más económica, entonces reduce el tiempo de grabación por tema y házlo saber al cliente para que decida.

Aplicaciones: Solistas con pistas, orquestas de cámara, bandas de jazz, cantautores.

Piénsalo 2 veces si: El grupo o artista quiere organizar el tiempo de producción. Es el clásico cliente que te dice que en 30 minutos conectan y pueden empezar a grabar, pensando que eso les hará salir más barata la grabación. Bandas sin ensayo adecuado que al primer tema los guitarristas ya están enojandose con el baterista.

3.- Cobrar por hora: Aunque es la menos usada de forma directa, es el parámetro para establecer cualquier presupuesto. Sin embargo, puede ser menos atractivo bajo ciertos conceptos de trabajo como el musical por la presión que ejerce en el músico. 

Anteriormente en la vieja escuela era la forma común de cobro. Si me lo preguntas, para mí es la mejor manera de hacer trabajar una banda adecuadamente, puesto que llegan al estudio a grabar más que a crear una plataforma creativa que podría ser más costosa. 

Aplicaciones: Proyectos radiofónicos, publicidad de medios, cantantes con pistas y todo aquel proyecto que no requiera de un montaje tan complejo como una banda.  Proyectos musicales de medio y alto presupuesto soportados por disqueras o empresas que puedan manejar el costo.

Piénsalo 2 veces si: Tienes que montar más de 4 micrófonos y setear monitoreo excesivamente. Editar y Post-Producir demasiado. Existe dependencia de otros factores para su realización (locutores en el extranjero, músicos en otro estado o similares

4.- Cobrar en especie: Uno de los cobros más usados en nuestro país como forma de liquidación ante una deuda. Y es que puedes recibir especie siempre y cuando acuerdes desde un inicio el costo que será cubierto, con que será cubierto y que ambas partes estén de acuerdo en el valor que le darán a los objetos o la especie. 

Usarla como solución es una pérdida de dinero, tiempo y retrasa recuperar tu dinero por factores como venta, recolección, subasta y en su caso hasta reparación. El cobro en especie es una consideración que tú debes ofrecer al cliente y no el cliente presionarte a recibirlo.

Aplicaciones: Proyectos que rebasen más de 50 horas promedio, establecimiento de relaciones comerciales y de alianza. 

Piénsalo 2 veces si: Es un equipo que consideras no podrías usar para tu estudio si no consigues venderlo. Si es difícil repararlo o conseguir refacciones. Si es impulsado como parte de la negociación por parte del cliente.

5.- Cobrar combinando todas las anteriores: A veces por ciertas circunstancias siempre podrás elegir ganar más que sólo dinero. Otras opciones podría ser el crédito directo en una grabación, colaborar con alguien de la industria que te interese y entonces podrás flexibilizar tus opciones basado en ello.

Aplicaciones: Todos los proyectos

Piénsalo 2 veces si: Tu estatus financiero no te permite arriesgar demasiado con la negociación y que pueda comprometer tu tiempo de trabajo para realizar otros proyectos.

Conclusión

Cobrar debería ser la parte más sencilla si el cliente conoce tu trabajo y lo respeta. La negociación no significa ceder o perder para ganar. Significa valorar todos los aspectos de forma real y encontrar un pago justo para ambas partes. Todos tus acuerdos de venta deben estar escritos y firmados por tu cliente para que puedas recordarle que eran 50 horas y que las 4 horas adicionales no son gratis cuando son atribuibles al cliente. Siempre negociar con flexibilidad hará mejores negocios para ambos. 

Rafael Mendoza ha negociado proyectos para Ad Libitum

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5 elementos clave para grabar estudiantinas, rondallas, orquestas típicas y similares.

Este artículo está enfocado hacia los directores de ensambles grupales tradicionales, a fin de ayudar a comprender los requerimientos mínimos para mejorar realizar una grabación más profesional.

Grabar ensambles grupales tradicionales tiene un poco de ciencia y un poco de mito. En México, los ensambles grupales tradicionales más comunes son coros escolares, estudiantinas, rondallas y grupos religiosos.

Las técnicas son las mismas, pero hay elementos que se salen de lo tradicional para grabar lo tradicional. La disciplina técnica se convierte en reto sobre todo cuando tienes poco tiempo para grabar ensambles tan numerosos.

Aquí las 10 cosas que nunca fallan para grabar ensambles grupales más comúnes.

1.- El recinto acústico: La elección más común es una iglesia, salón de actividades múltiples o auditorios pequeños. Aunque grabar en una gran catedral es un tema atrayente, la verdad es que no se recomienda utilizar recintos con más de 2 a 3 segundos de reverb, a menos que seas muy experimentado en este campo.

De estas tres posibles locaciones recomendaría el auditorio por tener capacidades de reflejo y control más adecuadas. 

El espacio debe ser suficiente para el tamaño del coro sin tenerlos tan apretados unos contra otros. Contar con sanitarios limpios y zonas de descanso. También es recomendable que no estén cerca de avenidas, calles transitadas o zonas aéreas. Aunque el recinto puede estar aislado, las vibraciones de baja frecuencia pueden hacer resonar el edificio.

Si la grabación será en estudio, el cuarto deberá tener los requerimientos de espacio necesarios. El monitoreo suficiente, pero no esperen tener audífonos por cada integrante. Es costoso y se lleva mucho tiempo verificar cada audífono. Un ensamble de hasta 6 u 8 personas es posible. 

Más de 12  audífonos se vuelve una pesadilla que consume tiempo y retarda el ritmo de grabación.

2.- Elegir temas adecuados: Muchos ensambles quieren grabar los 75 minutos del CD. Yo sugiero grabar solo aquellos temas que más confianza les generan. Hay temas muy bien arreglados que no tienen aún el ensayo suficiente. Es mejor evitarlos para atenuar el stress. 

Un hecho es que si el CD sale bien grabado por ejecución, poca post-producción será necesaria. Con ello, la probabilidad de un segundo material se vislumbrará desde el horizonte y ahí podrán ingresar aquellos temas que no estaban al 100%.  Evitar en lo posible el desgaste vocal excesivo.

Elegir los instrumentistas más hábiles como principales y descartar aquellos que no conozcan sus partes en un 100%. Es mejor decirles no ANTES de la grabación, que sacarlos DURANTE la grabación.

Elegir a los solistas por calidad vocal y no por EMPATÍA. 

Ser director conlleva este tipo de desiciones por el grupo. Un líder sabe elegir a sus cartas fuertes y una grabación requiere toma de decisiones de un líder.

3.- Ensayos previos: Un gran problema con los ensambles es la disponibilidad de sus integrantes. A veces no todos pueden confluir en el ensayo y se presentan al único ensayo general previo a la grabación. 

Yo recomiendo al director hacer una planeación de ensayos y si es posible, retrasar la grabación el tiempo suficiente para realizar 3 grandes ensayos. Durante el segundo y tercer ensayo, llevo conmigo una grabadora digital de mano para conocer el material. 

Esto me permite planear el posicionamiento del coro desde antes de la grabación y saber exactamente que busco en su sonido para completarlo con la reverb natural del espacio acústico.

Papeles deben estar permitidos en casos excepcionales, pero si un elemento no se sabe la letra en el primer ensayo general, entonces sugiero que el director pida al integrante aprenderse bien su parte. Si para el segundo ensayo hay fallas lo mejor será descartar al integrante para la grabación. 

Esto también permite elegir la distribución de integrantes en el escenario para la colocación de micrófonos.

4- Elegir bien al Ingeniero en audio: A mayor preparación del ensamble grupal, se requiere un ingeniero más experimentado en la captación de voces e instrumentos simultáneamente.

La distancia entre elementos es fundamental en este tipo de grabaciones para redistribuir mejor el equilibrio espacial. Los encargados de panderos, claves, percusiones y sonidos percusivos, deben estar acostumbrados a trabajar a distancia del grupo y bajo la guía del director.

El ingeniero en audio debe promover la comunicación entre el director y el grupo, ajustando el monitoreo principalmente al director y coadyuvar a que el grupo se sienta cómodo con este esquema.

La selección de micrófonos y equipamiento va en relación al presupuesto asignado, pero se requiere una calidad mayor ante un grupo mucho más experimentado.

Un ingeniero experimentado documentará todo el proceso de principio a fin y se involucrará en el proceso de pre-producción. A veces, el presupuesto no permite siquiera su participación hasta el día de la grabación. Pero la grabación sufrirá retrasos, problemas, fallas de monitoreo y pérdida de tiempo que se verá reflejado en el sonido.

Fundamental pedir las referencias de trabajos anteriores.

5.- Presupuesto suficiente: Hay que hacer las cuentas. No hacer un presupuesto es como ir al amazonas con un palillo de dientes como defensa.  ¿Cuanto cuesta llevar al ensamble hasta el lugar de grabación?, si llevan adicionales (padres de un grupo coral infantil), ¿cuanto cuesta la renta del recinto?, ¿quien grabará y cuanto cobrará?. ¿Incluye el equipo o hay que rentarlo aparte?. ¿Alimentación y bebidas disponibles (agua)? 

Una grabación así requiere de muchas personas de soporte para la organización. Ahorrarse estos detalles se verá reflejado en el producto final. Nadie canta bien con hambre o sed. Un tiempo para relajarse es importante y se debe considerar un espacio de descanso.

¿Cada quien llevará su refrigerio? ¿Conviene encargar alguien realice la comida? ¿La locación tiene un área que pueda ser usada como comedor o de descanso? ¿Tiene costo adicional?

Una vez hecha la grabación, ya se debe saber cuanto costará hacer el arte del disco, que formato, que requerimientos tiene, cuantas copias, que formato (CD, o digital en alta resolución). 

Un presupuesto es fundamental para comprender el tamaño del proyecto.

Conclusiones

He grabado algunos proyectos con futuro donde consiguen todo casi gratis pero les prestan un recinto por 2 horas. No hay tiempo suficiente para montar micrófonos y aclarar el monitoreo. Se graba contra reloj para evitar les de hambre a los integrantes.

La grabación se realiza, pero el resultado no valió la pena en uno de los proyectos y se tuvo que volver a realizar, ahora si con una planeación.

En otro la grabación era suficiente pero la falta de organización y permitir a integrantes sin preparación hizo difícil la decisión de utilizar el master para duplicado. El material quedó como demo referencia para una segunda grabación, porque al director no le gustó la disparidad de interpretaciones en las guitarras.

Así que tener un punto de referencia clave como un Ingeniero en audio experimentado y un equipo de producción bien organizado puede llevar al éxito una grabación de este tipo.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum Estudio

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Grabando grupos corales...

Uno de los grandes retos en la grabación de voces son los grupos corales, porque dependen de muchos factores a considerar.

Principalmente el reto implica la organización para realizarla y un elemento indispensable es la disciplina del grupo en la grabación.

Veamos algunas consideraciones para definir por pasos el esquema de grabación en este tipo de proyectos.  Existen configuraciones mucho más complejas y detalles que se deben tomar en cuenta, pero estos son las bases para lograrlo.

El grupo vocal

Muy pocas veces podemos tener una visión del grupo vocal completo, porque el director nos ofrece solamente su visión personal sobre su ensamble. La visión del director es importante porque es quien ha desarrollado todo el trabajo musical previo.

Sin embargo, es el grupo coral el que presenta un reto mayor, porque finalmente está involucrado un grupo de individuos con un fin común.

Los siguientes aspectos te darán datos importantes:

- Adultos o niños

- Edad promedio del grupo

- Número de elementos

- Disponibilidad de tiempo

- Tiempo de integración

- Número de elementos nuevos

Tener esta información, te permitirá conocer el entorno de grabación, tiempo promedio de trabajo por sesión, lo que puedes esperar vocalmente del grupo y prevenir en su caso al director sobre posibles fallas de interpretación que alarguen la sesión.

El director

Aquí es donde las habilidades musicales entran al rescate. Conocer teoría musical y bases de armonización te permitirán detectar algunas fallas o pasajes difíciles en el arreglo musical. El director a veces integra secciones o pasajes que son la firma y reto de su calidad musical.

Cuando el grupo es pequeño estas partes se pueden superar de mejor manera. Un grupo más numeroso debe estar bien ensayado para poder lograr estas partes.

Solicitar la partitura previamente te ayudará a marcar estos puntos y recordárselos al director. Me ha pasado que ante ciertas dificultades, el director opta por sacar a los elementos que no pueden conseguir la parte en la grabación y piden doblarlas con las voces más hábiles.

Esto implica ajustes y tiempo extra para parchar estas partes. Lo mejor es recomendar al director que evalúe grabar desde un inicio solamente con los integrantes capaces de lograrlo.

Cuando el coro es lírico, como ocurre normalmente con coros grupales (estudiantinas, rondallas, grupos religiosos amateurs) es importante revisar con ellos el tiempo y velocidad de los temas.

Lo mejor es grabar una guía hablada con el director para que el mismo se vaya guiando y conduciendo a su grupo. Con la partitura es un poco más sencillo, sin embargo, recomiendo pasar el arreglo a un varios tracks midi con apoyo de piano para que el director tenga a la mano la reproducción y corrección de las voces.

El lugar

El espacio y la ventilación son fundamentales. Un cuarto de control con buenas características acústicas valdrá cada peso invertido. Conseguir una sala de conciertos pequeña o un foro de tamaño mediano puede brindar un buen punto de inicio.

Muchas veces se deja la elección al director sobre el lugar porque le agrada la acústica. Sin embargo, para ahorrar dinero eligen solamente por espacio. Ubica y mantén un directorio de lugares que pueden servir para este propósito.

Algunos te cobrarán y otros podrán hacerlo gratis. Sin embargo, incluye en el costo algún agradecimiento como una placa, un arreglo frutal y el crédito en tamaño suficiente dentro del CD con una copia para quien autorizó el uso.

Los lugares cerrados ofrecen mejor enfoque del grupo para trabajar. En esta categoría pueden ser iglesias, foros cerrados, teatros locales.

Los lugares al aire libre implican varios problemas. El polvo y cambio de temperatura afecta la forma de canto en el grupo. El equipo también puede llenarse de polvo y la sesión puede hecharse a perder si el clima se complica. 

El constante ruido externo puede obligar a hacer más tomas y extender el tiempo de grabación. A veces no hay más opción que realizarlo de esta manera, pero vale la pena lo menciones al director o manager del proyecto para que reconozca esta posibilidad si algún track clave se ensucia o turbia con estas condiciones.

El formato

Te puedes complicar o simplificar el día con tomar esta decisión. Principalmente los proyectos de bajo presupuesto pueden significar oportunidades para probar configuraciones de micrófonos, monitoreo y técnicas de grabación en vivo.

Sin embargo, el equipo disponible debe reducirse al máximo posible, puesto que entre más micrófonos coloques, requerirás de más soporte humano para controlar la infraestructura.

2 o 4 tracks son la mejor opción para este tipo de proyectos. 8 tracks te sirven para un control por sección y sólo lo recomendaría cuando existe un instrumento guía como piano, guitarra o cuerdas.

Lo ideal es llegar al mínimo posible de infraestructura, para que el trabajo sea más creativo que técnico.

Micrófoneo

Micrófonos de condensador y omnidireccionales para captación de ambiente pueden ser una opción cuando el lugar lo permite. 

Los micrófonos dinámicos sirven mejor en condiciones donde hay bandas tocando junto al coro. También hay coros que utilizan mucho monitoreo porque no están acostumbrados a cantar con una pista. También aquí los dinámicos son una opción.

 

En promedio 2 secciones de voces usarán 2 micrófonos en configuración estéreo.

Un grupo coral de 4 voces está mejor cubierto con un sistema de 3 micrófonos. Estudia la técnica DeccaTree como punto de apoyo.

Técnicas como XY y la ORTF también son de gran ayuda. La técnica AB puede ser un buen punto de partida, pero en lo personal creo que capta más ambiente del entorno.

Monitoreo

Puedes utilizar un par de monitores de piso o de pedestal. Utiliza la colocación para crear desfase en la entrada del micrófono. La meta es alejar al máximo posible el monitor del micrófono sin que sufra el coro.

Los preamps de audífonos son muy útiles en grupos pequeños. Normalmente hay personas dentro del coro que sirven de referencia a otros. El director conoce a estas personas de referencia.

Si tienes pocos audífonos, asígnalos a estos cantantes natos. Dales un tiempo para acostumbrarse al monitoreo. Con ello conseguirás bajar el nivel de los monitores externos y mejorar la afinación por secciones.

Tiempo de sesión

Lo ideal es grabar piezas contundentes en 3 tomas. Antes de grabar, realiza un pequeño ensayo un día antes si es posible en la locación para colocar micrófonos y el sistema de monitoreo.

También puede servir iniciar temprano una sesión de ensayo para que el grupo se acople a la forma de trabajo. Muchos ingenieros integran gratuitamente esa parte de la sesión porque les permite tener un mejor control.

El grupo debe acoplarse a las señales del director con monitoreo y también te sirve para acoplarte a la terminología utilizada por el grupo. También sirve para romper el hielo con los integrantes, parte fundamental del proceso creativo.

No te molestes si las fallas vocales te hacen reiniciar una y otra vez la grabación. Ofrece alternativas de punch recording al Director, sólo si te lo pregunta.

Recomienda grabar sesiones de una hora por 20 minutos de descanso. En conjuntos infantiles yo recomiendo tiempos de grabación de 1 hora o más si están concentrados.

El director puede elegir mejor estos tiempos con niños. Eso sí, deberás estar listo y disponible cuando los niños se reenfoquen y puedas aprovechar esos momentos de conciencia.

Conclusión

A mi me sirvió mucho trabajar como ingeniero de sonido para televisión, donde cada semana tenía la oportunidad de grabar grupos de jazz, musicales, solistas, duetos y con pocos o casi nulos recursos.

Todo se mezclaba en una consola de 8 canales a 2 tracks de video.  Mis herramientas disponibles en un inicio eran un par de AKG c414. Después incorporé un pequeño kit de Audix y un par de sm57.

A veces puedes pensar que requieres un gran set de equipo para crear una grabación de voces grupales adecuada. Sin embargo, 3 micrófonos pueden ser la clave para obtener una buena grabación.

La mejor forma de hacerlo es grabando diversos grupos corales gratuitamente o por un bajo costo. Esas prácticas te van a ayudar a hacer mejores grabaciones con menos recursos.

Independientemente de si el grupo coral es muy profesional o lírico, la parte técnica debe proveerles un soporte y entorno de monitoreo cómodo para que realicen su mejor performance.

Insisto que aprender elementos musicales te va a ayudar a comprender mejor lo que el director desea capturar y profundizar en la mecánica del mensaje musical.

 

Rafael Mendoza ha grabado grupos corales fuera y dentro de Ad Libitum

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Eligiendo la interfaz adecuada... Parte I

Grabar en casa ya era una particularidad durante los años 70. Aunque se consideraba caro contar con una grabadora portastudio o de carrete abierto, la verdadera evolución de los sistemas digitales inició durante los años 80's.

Actualmente, la disponibilidad de interfaces digitales en el mercado actual es tan amplia que muchas veces causa confusión sobre su verdaderas capacidades. 

Comprar una interfaz que satisfaga las necesidades de nuestros requerimientos de audio producción puede ayudar a ahorrar algo de dinero o potenciar las posibilidades de nuestro campo.

En este artículo de dos partes, te mostraré algunas consideraciones básicas para elegir lo mejor de acuerdo a tus necesidades.

Entradas y salidas

Siempre se considera el número de entradas y salidas como el requerimiento más importante para seleccionar una interfaz. Realmente un sistema 16x8 no dice nada al consumidor, puesto que lo que debe ser más importante es conocer que tipo de conexiones puede soportar.

Las entradas XLR (micrófono) actualmente son comunes en diversas interfaces y algunas soportan entradas de plug 1/4 (guitarras, teclados) al mismo tiempo. Anteriormente la mayoría de las interfaces solamente manejaban entradas de plug 1/4 donde se enviaban las señales pre-amplificadas por una consola a través de las salidas directas.

Actualmente existen interfaces con estas características en sistemas de alto rango y cada vez son más comunes las que incluyen entradas de micrófono directas.

Las ventajas de conectar directamente los micrófonos a las interfaces son una fácil transportación y ampliar significativamente el número de canales disponibles a través de expansiones de pre amplificadores. La desventaja principal es la calidad de algunos de estos pre amplificadores de rango económico que podrían colorear la señal o dar la impresión de un pre amplificador tan cristalino que se considera "frio"

El número de entradas plug de 1/4 puede apoyar la grabación de guitarras, bajos y teclados porque utilizan un nivel operativo distinto del XLR. Sin embargo, grabar a través del XLR utilizando una caja directa es mucho mejor opción y equipos como tornamesas podrían requerir un pre amplificador Phono para funcionar de mejor manera.

Entradas y Salidas Digitales

Normalmente se incluyen en formatos AES/EBU, ADAT, MADI o SPDIF. Se trata de conexiones entre equipo que puede manejar canales simultáneos respetando sincronía entre interfaces. Los controladores normales (ASIO, WDM) no son muy estables para mantener "amarrados" los sistemas. Por ello estas interfaces normalmente también incluyen entradas de Word Clock (BNC) para asegurar esta sincronía.

¿Cuántas entradas y salidas en realidad?

La mayoría de las marcas utilizan los factores más altos de entradas y salidas como estímulo de venta.

Algunos pueden manejar interfases 16x8, 20x8 y hasta 32x12.

Según su estrategia de venta, estás comprando una interfase de 16 entradas con 8 salidas, pero el número de entradas físicas es sólo 4 u 8 conexiones. Normalmente se refieren a la suma de configuraciones internas de ruteo por software. 

Elige adecuadamente basado en el número de entradas disponibles más que los ruteos digitales si tu misión es capturar el número mayor número de canales simultáneos posibles. Por el contrario, si requieres hacer post producción externa, lo ideal es poseer el mayor número de ruteos digitales disponibles.

Pads atenuadores

El pad atenuador permite controlar mejor los niveles de entrada con mayor intensidad. Tal vez tengas un baterista que disfruta reventar los oídos de la audiencia al golpear la tarola. A pesar de bajar el nivel de entrada la señal podría clipear y distorsionar. Ante esta situación, el pad proveerá una atenuación de entre - 20 y -40 dB en algunas interfaces. Con ello tendrás bajo control las señales más intensas.

Phantom Power

Los micrófonos de condensador requieren un voltaje de 48 volts para funcionar que se envía a través del cable del micrófono. La mayoría de las interfaces proveen esta capacidad actualmente, pero he visto modelos donde sólo están permitidos en 2 o 4 entradas solamente. Revisa bien esta posibilidad.

Entradas de alta impedancia (Hi-Z) 

Cada vez es menos común encontrar las entradas de línea rotuladas con la leyenda "Hi-Z". En realidad son entradas de plug 1/4 para conectar guitarras, teclados o bajos con un voltaje adecuado para estos instrumentos. La mayoría de las interfaces actuales incluyen estas opciones en entradas híbridas, conectores XLR con una entrada de 1/4 en medio que se modifica automáticamente con el conector y algunas utilizan un switch para modificarlo.

S/MUX

Cada vez más común en las conexiones digitales, se refiere a la capacidad del sistema para manejar la trasferencia de datos a altas resoluciones.

Un conector ADAT digital, puede manejar sin problemas 8 canales a una resolución de 44.1 o 48 khz. Sin embargo, cuando sube a 88.1 y 96 khz, el número de canales se reduce a la mitad, proveyendo solamente 4 canales de transferencia en pares. 

Difícilmente requerirás utilizar una alta resolución de transferencia si haces grabaciones caseras, pero debes considerarlo para realizar vaciados de alta transferencia a sistemas de cinta digital o trabajos de sincronía audio con video.

Conclusión

Hasta aquí tenemos la primer parte de este artículo pues es mucha información por digerir. En la segunda y última parte pondré ejemplos claros de aplicaciones para algunas de las interfaces más comunes y las posibilidades que pueden ofrecer de acuerdo a los diversos campos en audio producción.

Rafael Mendoza asesora en Ad Libitum

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Juan Switalski: 35 años de historia en audio producción

Presentar a Juan Switalski en este blog, es una de las metas más importantes alcanzadas por su servidor.

Hace 3 meses planeando el aniversario de "Control Room" y su tercer temporada, teníamos en mente solicitarle una entrevista. 

Desde 1979, Juan Switalski inicia una travesía por la historia musical de este país. Es referencia para muchos movimientos musicales nacientes durante la época de los 80. Juan impulsó el desarrollo del rock mexicano y artistas que se fueron consumando a través de tiempo. 

Más de 400 álbumes dejan constancia de su dedicación a la producción musical. Su arte ha quedado registrado en discos de Eugenia León, Fernando Delgadillo (el reconocido álbum Febrero 13 Vols. I y II), El Tri (Simplemente), Botellita de Jerez e incontables trabajos acompañando al maestro Eugenio Toussaint con quien desarrolló una amistad muy cercana. 

Abordar temas para una institución de 35 años en audio producción en México no es nada fácil. Más cuando se entiende que ha sido mentor en muchos sentidos a los ingenieros en audio de México a través de conferencias, talleres y escuelas que lo invitan a participar para compartir su experiencia.

Durante la entrevista, le preguntamos sobre sus inicios, sus mentores. En cada respuesta nos obsequia una visión muy natural de su trabajo, su pasión por registrar arte en sonidos. 

Habló también sobre su nominación al Grammy Latino en la categoría de Mejor Grabación de Sonido para un Álbum, sobre las necesidades y visión que tiene de la producción en México.

Una charla que duró poco más de 35 minutos, pero que ha quedado registrado para compartirlo con las nuevas generaciones, porque brinda aportes importantes sobre el oficio de la audio producción.

Juan Switalski ha estado desarrollando producciones en recintos acústicos dentro del país y ha compartido esta experiencia en talleres recientes.  

Antes de comenzar, platicamos unos minutos sobre su último proyecto y me invitó a escuchar un par de las grabaciones más recientes... pero el tiempo se terminó con la charla.

 Espero volver muy pronto a tener el privilegio de escuchar al natural y con su visión original, alguna de sus grabaciones y escucharlo describir a detalle cada razón que tuvo para considerar una grabación bien realizada. 

Los invito a escuchar esta entrevista y experimentar la calidez, atención y compromiso que Juan Switalski ha puesto al arte de grabar sonidos, invitando a realizar e impulsar a la audio producción con un enfoque más comprometido y sobre todo en busca de mostrar el potencial de los ingenieros en audio de México.

Agradezco infinitamente el tiempo de Juan otorgado a este trabajo y le enviamos un cordial abrazo, porque coincidentemente hoy es su honomástico.

Nos vemos mañana en "Control Room"... ¡No se lo pierdan por iVoox, iTunes y Soundcloud!

Rafael Mendoza es locutor en Control Room

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El Productor: Equilibrio indispensable en audio producción

En pre-producción todos los elementos creativos, técnicos y requerimientos son presentados. Hacemos una lista de todo aquello que será indispensable para cumplir la meta, cronometramos los tiempos, hacemos agendas, hablamos y contratamos a la gente, pero nunca tomamos en cuenta el ego artístico generalizado del proyecto.

Las áreas en producción de medios, requieren de atención y enfoque a detalles comunes que pueden salirse de control, simplemente porque hay una delgada línea entre lo posible, lo imposible, lo tolerable y lo intolerable.

El "profesionalismo" a veces desconoce aquellos límites y disfraza acciones o actitudes en favor de presionar o limitar el desarrollo en la producción.

El productor, es el profesional encargado de equilibrar el karma, los presupuestos y los tiempos.

Recursos humanos ante todo

Si bien es cierto que no se puede ser monedita de oro para caerle bien a todos, como productores si debemos anticiparnos a las circunstancias que pueden darse durante la producción, pues es la etapa más crítica del desarrollo en los proyectos.

Conozcamos o no a las personas involucradas en los proyectos, debemos referirnos a trabajos anteriores y preguntar de primera mano situaciones que pueden salirse de control.

Un productor puede ajustar los tiempos y planear con calma si el baterista se cae al pasear a su chihuahua y que no pueda tocar 1 o 2 semanas, pero no puedes prevenir el rompimiento creativo simplemente porque entre al cantante no le gustó la playera floreada que trae puesta el guitarrista líder ese día.

Muchos grupos, cantantes, locutores y artistas en audio producción, no delimitan adecuadamente sus criterios profesionales por encima de sus emociones personales.

Se dice comúnmente que las emociones son plasmadas en los proyectos y que para ello el artista debe utilizar sus emociones como motivación.Coincido totalmente con ello, pero una cosa es motivarse y otra muy diferente descargarse sobre el proyecto.

El productor como impulsor creativo

Anteriormente los proyectos conceptuales tenían un mayor margen de arrancar en partes o cancelarse porque a industria estaba más estable. Por ejemplo, una disquera tenía varios artistas entre los que se podía compartir la responsabilidad de un intento fallido sin problemas.

Actualmente producir un proyecto tiene un riesgo mucho más alto porque depende de la distribución digital, compra directa, originalidad creativa y volumen de producción. Los errores deben ser mínimos.

Esto nos indica que producir algo que no se va a lanzar no es negocio desde cualquier perspectiva y mucho menos si queda a la mitad de algo importante, simplemente porque el baterista quería usar su nuevo kit electrónico para darle profundidad al disco country que ha estado ensayando.

Hay proyectos que permiten materializar todas las sugerencias y por el contrario existen muchas otras donde por el concepto más vale mantenerlas al margen.

La asistencia de un productor es fundamental para equilibrar estas batallas creativas donde pisotear al perdedor de forma aplastante, sólo sumará rencores que pueden estallar en el momento o días después del lanzamiento.

Luchando con las "diferencias creativas"

El productor si bien tiene que trabajar a veces como psicólogo y mediador, debe ante todo evitar los roces y conflictos pues tiene un panorama general de cada individuo dentro del proyecto.
También debe fomentar la creatividad, más que "picar" al artista para que saque lo mejor de él, sin dañar el panorama personal y emocional.

Debe ser duro pero no gritón, sino honesto para que los involucrados conozcan sus limitantes y las superen con sus capacidades. Podrá manejarlo pues antes de tomar el proyecto se ha preocupado por visualizar los posibles problemas a nivel artístico, creativo, psicológico, emocional y técnico de un proyecto.

Dejar en manos de un grupo su destino sin mediar el ego, va a provocar como consecuencia un "rencor creativo". Cuando llegue el momento de externarlo, siempre tendemos a no escuchar un argumento adecuadamente y muchas veces se confunde con crítica en mal sentido.

Una diferencia creativa es salvable cuando la convivencia y compromiso en una banda es compartida. Se deben escuchar todas las ideas pero se debe jerarquizar y dar prioridad aquellas que están más cerca de conformar un proyecto. Si nuestra meta es hacer un licuado de plátano y la disquera nos pide hacer una versión más original, tal vez podamos poner un poco de canela para acompañar, pero no significa que cambiemos la fruta totalmente.

Conclusión

El productor es fundamental en estas etapas y es quien previamente tendrá internamente un perfil (no opinión personal) sobre las personas involucradas. No pedirá algo a alguien que no pueda hacer ni hará competir a los miembros del equipo entre ellos para obtener un resultado adecuado. Los productores han cambiado con el tiempo y se han convertido en verdaderos directores de una orquesta donde no sólo se ejecutan instrumentos, sino se transforma y aterriza una idea creativa en algo palpable para compartir.

Siempre trata en lo posible, de contar con un buen productor. Sobre todo si las vibras son muy diversas durante la planeación del proyecto. Tu producto lo va a agradecer y redituar .

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3 razones para no fumar en el estudio...

Hoy andamos apurados y decidí escribir cortito el blog de hoy.

Aunque el glamour que provee el fumar dentro del estudio de grabación puede ser visto en múltiples documentales y películas de artistas en los años 60 y 70's, es una realidad que puede ser mortal para un estudio de grabación.

Una de las preguntas más comunes y con menos respuesta es porqué el humo afecta tanto un estudio.

Razón 1:  Fumar en un espacio cerrado y sobre todo aislado deja un olor desagradable en el ambiente. Ojalá el cliente pueda comprender que nos agrada tenerlo de visita en el estudio, pero que no nos gustaría oler su "gracia" por el resto del año.  Poner un letrero e inclusive agregarlo al contrato permitirá mantener el área libre de este olor.

Razón 2: El humo causa un detrimento en las funciones del equipo. Al igual que el polvo, su principal víctima son los micrófonos de condensador, los faders y potenciómetros de los equipos.

Esto se debe a que las partículas de tabaco y nicotina que quedan en el ambiente, forman con el tiempo una capa que se adhiere a las placas de los micrófonos de condensador, impidiendo que se muevan con la rapidez necesaria para mantener su respuesta de frecuencia.

Este efecto causa que los faders se atoren con mayor facilidad y pierdan sensibilidad al toque.

Razón 3: Los micrófonos, windscreens y pop filters se impregnan no sólo del aroma a humo sino al aliento del fumador. No es agradable para otros cantantes respirar frente a un equipo expuesto al humo de cigarro.


Conclusión: No fumar en el estudio, no sólo está prohibido por el tipo de desgaste que ofrece al equipo, sino a los mismos pulmones del músico y peor aún, los de aquellos que nunca han fumado.

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum sin fumar

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El demo: La base del éxito...

Hasta hace algunos años, era el objeto de culto más preciado para las bandas que iniciaban. Poner por fin su obra en un medio que se podía presumir no sólo a la disquera sino a los amigos y familia.

Tener equipo en casa resultaba caro y poco productivo. Algunos cooperaban para comprar una multitrack de cassete y sacaban el mayor partido.. pero eran los menos.

En México, la cultura del demo está subvalorada, pues la mayor parte de las bands quiere tener un material terminado. Veamos las ventajas de integrar esta práctica en todas las áreas de audioproducción.


El demo no es un proyecto terminado...

Todos aceptan esta filosofía, pero principalmente porque miran al demo como un producto "inferior".

Algo que tiene que quedar claro, es que para hacer una producción, es necesario "echar a perder" en términos creativos, operativos y estructurales para descartar o reforzar la intención de trabajar sobre un proyecto específico.

Se debe medir cuanto tiempo tarda prepararlo, tiempos de ajuste, si existen las habilidades y materiales necesarios, duración  y sirve hasta para evaluar cuantas órdenes de comida china harán falta para completar el proyecto.

El demo es la oportunidad perfecta para despertar a la realidad del proyecto. El demo es un espejo irrefutable y en vez de mirarse con triunfalismo o autoengaño, debe ser objetivo y crítico.


¿Cuántos demos se necesita para avalar un proyecto?

Todos los necesarios. Es importante grabar lo más posible, pues permitirá registrar momentos de inspiración o detalles que son fáciles de olvidar durante la etapa de trabajo. No es necesario almacenar todo, basta con hacer una selección al final del día lo que se considera bueno y anotar la razón por la que fue guardado.

Los archivos de audio y video permiten guardar en ellos Metadata, que son datos más allá de la fecha y hora en que fueron grabados.

Existe software gratuito que puede servirte para insertar y editar estos datos. Una bitácora de registro digital es muy útil en todos los proyectos.

Por estas razones, quien trabaja en orden desde el principio, tiene mayor factor de crear algo original y bien estructurado. Casi nadie hace este proceso a pesar de ser más sencillo que llevar un libro de anotaciones.

Conclusión

El demo hace la diferencia entre la gloria y el infierno. Muchos proyectos de audio producción se desarrollan sin haber hecho una prueba de lo que van a vender. Gastan recursos en terminar un material que aunque físicamente existe, no significa que esté bien elaborado.

Ahorran costos operativos y de recursos humanos para terminar con un proyecto estéril, poco comercializable y aún así les parece haber gastado una millonada.

Cuando los resultados son medianamente aceptables, deciden mirar hacia el otro lado y pensar que ya aprendieron mucho con ese material, pero cuando arrancan el nuevo cometen el mismo error.

El demo es a mi forma de ver, mucho más importante que el álbum finalizado. Aquellos álbumes considerados clásicos, en su mayoría pasaron por etapas demo evolutivas que los hicieron todo un éxito.

Así que no pierdas más tiempo, graba con tu celular ensayos, pruebas de voz, argumentos, programas y haz la chamba desde abajo... Tu proyecto lo va a agradecer...

 Rafael Mendoza hace demos en Ad Libitum

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100 entradas... Y lo que falta..

Bienvenidos a la entrada número 100 de nuestro blog. En Ad Libitum Estudio estamos de fiesta porque hemos conseguido llevar este medio electrónico más allá de nuestras posibilidades.

Iniciamos publicando semanalmente por sólo 2 periodos; luego lunes, miércoles y viernes.

Sólo una semana duró esta configuración, hasta que este blog se convirtió en un diario en Audio Producción.

Escribir diariamente sobre Audio Producción nos parecía una labor titánica.. Y lo es.

No todo el día tenemos el tiempo o la mente tan despejada para escribir con coherencia (la hemos perdido por momentos).

Pero nos dimos cuenta que siempre hay algo que escribir sobre Audio Producción.

En abril, desarrollamos el plan de trabajo que nos rige, buscando un objetivo claro.

Informar a la comunidad tanto dentro, como fuera del campo en Audio Producción, no es una tarea sencilla principalmente porque estamos educados con conceptos erróneos desde pequeños.

Los prejuicios, las modas, los conceptos que parecen obvios, pero que están causando más daños que avances, nos hacen impulsar hoy más que nunca nuestro compromiso de informar y difundir las prácticas buenas, malas, debidas, indebidas y hasta las carentes de importancia.

Todo cabe en este espacio, porque simplemente todos tenemos el mismo problema; vivimos desinformados por gusto.

En septiembre, el Blog despegó de su forma escrita a la hablada con el podcast "Control Room". Llevamos 8 emisiones que se producen todos los miércoles y el alcance que poco a poco a ido obteniendo nos empieza a llevar en el sentido correcto.

La gente que trabaja profesionalmente, la que consume todos los días audio producción, el que vende los discos piratas en las esquinas, la mamá del joven que quiere ser DJ, el reggaetonero, el ingeniero que sufre bullying en sonorización, el músico que aprende a conducirse un poco en el medio, la secretaria del estudio de grabación, el asistente de ingeniero, el locutor, el empresario de publicidad... todos estamos unidos por una misma línea y todos tenemos los mismos miedos.

El cambio en la industria está mas palpable que nunca.

Cada día la lucha por vivir un día más es para algunos sencillo con abundante empleo, complejo para quien empieza a sentir los golpes económicos y bastante gris para quienes libran la batalla por colocarse en un espacio dentro de la industria.

El Blog Oficial de Ad Libitum Estudio, Control Room y próximamente nuestro canal por YouTube, seguirán aportando información, despejando dudas y mitos, investigando y proponiendo de fondo para quien trabaje, utilice, conozca, juzgue, critique, compre, venda, produzca, dirija, emprenda y aprenda Audio Producción.

Gracias por conseguir  3500 visitas a nuestro blog en 3 meses. Cualquiera diría que es un promedio bajo.

Pero no cualquiera puede decir que sus visitantes son asiduos lectores del blog, concentrados en 8 países diferentes que día a día visitan nuestro blog desde links en Facebook, Google  y acceso a Twitter.

Vienen nuevas cosas y proyectos que desarrollar para esta causa. Sólo el tiempo dirá y marcará las tendencias de la nueva industria. Y mientras eso sucede, seremos intérpretes para todos aquellos que deseen aprender un poco más, sobre Audio Producción.

A nosotros nos queda claro que siempre habrá algo nuevo que aprender.

Gracias a Raúl Beltrán por mantenerse al tanto de este proceso, a Elizabeth Bernáldez por secundarlo en algunos de sus trabajos.  La vamos a comprometer a que escriba más en esta segunda etapa de el Blog.

Y en lo personal, gracias a todos ustedes por leer estas letras...

Rafael Mendoza escribe en el Blog casi diario

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Microfoneo vocal: Tips para grabar mejores voces en el home studio

Uno de los problemas comunes en las producciones caseras es definitivamente la forma incorrecta de captar la voz. Mientras algunos estilos son muy específicos, si hay puntos de referencia para obtener una mejor calidad vocal.

Una regla de oro sería que el cantante sepa usar mejor la herramienta. Se le deja al ingeniero la toma de decisiones o al productor, sin embargo, bajo ciertas circunstancias, estos consejos pueden ayudar al cantante, locutor o actor de doblaje para hacerlo correctamente en un estudio personal.


Consideraciones importantes

Hay elementos que preceden a la grabación que son inalterables. Es decir, no se pueden modificar a profundidad con software o aplicar plugins "milagro". (Buen tema para otro post).

• La voz tiene un timbre específico. No todas las personas pueden tener la voz grave para anunciar una estación de radio. 
• Engolar la voz es engañarse uno mismo, que ni la mejor ecualización o procesamiento pueden simular. Contrata a un locutor profesional o cambia el enfoque si tu voz es propia para un consultorio dental.
• Un micrófono caro no es el mejor micrófono para grabar. Es posible conocer el color y calidez del sonido en un micro, sin embargo, puede ser que aquel micrófono karaoke te de un mejor resultado para el tipo de grabación que necesitas.
• Mantener el micrófono libre de vibraciones del suelo y lejos de situaciones ruidosas. Es posible filtrar algunos de estos problemas en la mix, sin embargo podría afectar a frecuencias graves deseables y presentes en una voz.
• El pop filter es para eliminar ruidos naturales de la voz en cierto límite. Una voz entrenada reduce considerablemente estos ruidos de forma natural. Aprende a escuchar donde tienes más problemas y aplica ejercicios en ello
• La distancia al micrófono está controlada por el ingeniero en audio, sin embargo, un buen cantante, locutor o actor, conoce mejor la distancia en donde puede escuchar mejor su voz. Practica con audífonos el punto donde sientas más cómodo y natural tu sonido.
• El seseo (pronunciación contínua de la letra "s") debe evitarse en el guión, la letra o texto a leer. Aplicar un deeser puede ser la solución en post, pero lo mejor es modificarlo antes de grabarlo.

Técnica básica de microfoneo para la voz

A) Colocar el micrófono frente a los labios del cantante, locutor o actor, usando de referencia "una mano de distancia", entre sus labios y la cápsula del micrófono. 
Pìdele que cante el verso, lea o interprete la parte más intensa. Escucha con atención si hay popeo (generación de ruido producido por las letras p,t,b,q) o respiración audible.

B) Si existen estos problemas, ponlo a 2 manos de distancia. Ajusta la ganancia de entrada y pídele que lea el mismo pasaje.  Escucha los posibles ruidos y verifica que se hayan minimizado.

C) Mueve al cantante, locutor o actor a su posición de una mano de distancia. Puedes intentar ahora con la mano extendida para mejorar el nivel de respiración. Ahora eleva la cápsula del micrófono hacia su nariz y que vuelva a leer su parte. Escucha si los ruidos se hacen menos evidentes o si cambia el color de la voz, si se hace más presente o menos entendible.

D) Ahora posiciona el micro frente a sus ojos y direcciona la cápsula hacia sus labios. Escucha los resultados de la misma prueba.

E) Con todos estos elementos ya habrás escuchado infinidad de tintes y colores de un mismo micrófono. Posiciónalo donde creas que te ha gustado más el sonido, cambia el patrón polar o la atenuación si es necesario.

Ahora ya puedes elegir tu sonido no sólo en una voz sino en diferentes partes del tema o interpretación cambiando la posición del micro.   Si agregas más voces, estos ligeros cambios ayudarán a crear un entorno o complementar la sonoridad. Digamos que puedes tener voces más nasales en los coros o más sutiles alejandolo de la voz. Experimenta con estos matices o las interpretaciones del artista vocal.

Graba varias tomas y conserva las que te sirvan.. al final tendrás que ir eligiendo los mejores cortes y crear combinaciones. Aunque se considera que un buen artista vocal graba a la primera, en realidad se toman muchas decisiones que pueden ayudar a mejorar la percepción artística y enfoque del autor.

Nos vemos mañana con el video de la semana, un saludo y gracias por sus comentarios sobre el último programa de Control Room.

Rafael Mendoza graba, produce y edita audio en Ad Libitum Estudio.

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Holofonía: El arte de recrear sonido en 3D

Buena tarde viernes de video, en este caso pondremos a consideración el caso de la Holofonía.

En 1980 Hugo Zucarelli desarrolló la técnica de espacialización sonora. Es similar a la holografía pero aplicada a sonido.

"Ringo" fue el primer prototipo de sonido artificial, por su parecido al boxeador Oscar Ringo Bonavena.

La holofonía es el único sistema con percepción 3D que puede escucharse en mono, puesto que su fase no se anula aún cuando se invierte la polaridad de un canal.

No confundir con el Qsound. que es un sistema por cancelación diafónica.

Les dejo este video demo, les sugiero utilicen audífonos y cierren los ojos para dejar a sus oídos hacer el trabajo correcto.

Un saludo y nos vemos el viernes.

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Premezclando El Arreglo Musical....

Una de las etapas críticas en la producción es la mezcla. Lidiar con los canales grabados puede ser una pesadilla para cualquier operador, si la materia prima no está bien aplicada.

Imaginemos un estacionamiento de un supermercado. Coloquemos las flechas de entrada y salida. Ahora dejemos que entren los coches en todos los niveles y dejemos que se acomoden en el lugar que mejor les apetezca.

En una hora, los camiones más grandes habrán de rozar, chocar o colisionar con los más pequeños, los más pequeños tendrán dificultades para estacionarse o salir adecuadamente.

Este mismo efecto se presenta cuando el arreglo musical no está bien equilibrado. Las guitarras pueden ser demasiado ruidosas o mantenerse en un registro donde la posición vocal no encaja. El bajo puede estar realizando armonías sin soporte de otros instrumentos graves. Aquí te damos ideas para mejorar tu arreglo, antes de entrar al estudio

1.- Base rítmica estable: Cualquier instrumento que mantenga la sensación rítmica del género se le considera base rítmica. En la música tradicional, los instrumentos como la guitarra, guitarrón, bajo sexto o vihuela, proporcionan la base rítmica. En estilos más eléctricos, esta responsabilidad subyace en la batería, bajo y guitarras rítmicas. Utilizar el mismo ritmo para todos puede ser monótono. Mejor dale una rítmica a la batería, el bajo puede complementar el feeling y haz que la guitarra no se sume o estorbe con rasgueos contínuos. Se nos olvida que los silencios también son música.

2.- Los instrumentos de cuerda: son particularmente quisquillosos con su espectro. Mueve su distancia tonal lejos de la voz y guitarras. Los violines suenan mejor en 3eras para ciertos estilos. Pero puedes agregar dramatismo o crecimiento subiendo su tonalidad en partes altas de la balada. Reserva los Cellos, Violas y Contrabajos para hacer contrapeso sobre la sección rítmica.

3.- Los sintetizadores y pianos tienen un amplio rango. Sé que a veces es irresistible hacer escalas entre los acordes y capas de cuerdas, pero por lo menos utiliza inversiones de acordes en partes donde cruza la voz.

4.- Las voces en coro suenan mejor cuando se vuelven una extensión de la voz principal. A menos que vayas a crear un canon o un contrapunto muy marcado, permíteles ser la extensión por frases, palabras o inclusive como respuesta a las cuerdas.

5.- Una base rítmica limpia no es tocar menos, sino tocar acompañando a toda la base rítmica. Establece al percusionista donde puede hacer fills y donde al baterista. El baterista debería tocar menos con un soporte de percusión.

6.- Los trombones, trompetas y saxofones, debes elegir entre ponerlos como armonías continuas cuando la voz tiene mucho fraseo o rítmicos cuando la base rítmica se mantiene estable. Utilizar los tutti es más bonito cuando tienen un peso en el arreglo como para resaltar. No lo uses cada 3 o 4 compases.

7.- Utiliza subdivisiones de notas en la percusión para acelerar un tema sin cambiar su tempo y a la inversa obtienes una sensación de suspensión.

8.- Nunca permitas que las guitarras o instrumentos similares trabajen en el mismo rango de acordes. Modifica por rítmica y acorde para que se enriquezca la armonía.

9.- Si vas a utilizar distorsión en un arreglo, procura darle el espacio necesario en la zona grave o como solista. Evitarás ensuciar la mezcla final, simplemente porque ese efecto suena increíble, pero no aporta nada al tema.

10.- No es necesario que utilices 24 canales para grabar. Utiliza lo necesario sobre todo cuando tengas menos experiencia como arreglista.

Espero que estos tips te ayuden a encontrar un mejor camino hacia la premezcla en el arreglo. Mañana nos vemos con el video y no olviden de escuchar "Control Room" a través de Sound Cloud y Podbean.

Rafael Mendoza produce audio en Ad Libitum Estudio

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10 frases de cortesía para clientes intolerantes en el estudio...

En nuestro entorno, a pesar de hacer una planeación adecuada, no todos los procesos son entendidos por nuestros clientes.

El desconocimiento de los procesos y el exceso de confianza que produce consultar ciertas cosas en internet, les da valor para confrontar una situación  que no conocen o creen adoptar con lo poco que están enterados de las situaciones.

Les presento 10 formas de pedir al cliente abandone su idea sin daños a terceros... Aclaro...  La regla de oro para que esto funcione es crear confianza en tu cliente. Si sabes que el problema ha sido creado por una falla tuya, el primer paso es aceptar.

Estas 10 frases se utilizan cuando tienes la razón y los elementos para sostenerlo... si tienes la culpa, evítate un problema mayor siendo honesto y ético en tus acciones.

1.- Me gustaría sugerirte que grabemos la línea directa de tu instrumento sin efecto para tener opciones en la mezcla

Caso de uso: Guitarristas, tecladistas, bajistas y DJ's con cajas de ritmos y sintes..

2.- Puedo grabar tu batería buscando otro enfoque... pero mi experiencia me dice que tu estilo propio es mejor para este proyecto

Caso de uso: Bateristas que quieren sonar a Lars Ulrich pero que tocan como Choche de Bronco

3.- Esas pequeñas imperfecciones de ejecución le dan naturalidad al solo... es más importante lo musical..

Caso de uso: Guitarristas, bajistas, batistas, cantantes fanáticos de la perfección estilística pero sin sentimiento

4.- Si me permiten hacer un premix del producto final, ajustaremos sólo lo necesario con ayuda del productor y un representante de la banda elegido por ustedes...

Caso de uso: Integrantes que no están contentos con la mezcla porque el ego les gana a montones..

5.- Podemos bajar ahora medio tono al tema... no quisiera que lastimaras tu garganta desde ahora..

Caso de uso: Cantantes durante la pre producción, que desean explotar su rango vocal como si fuera el performance delante de la reina Isabel en el Jubileo...

6.- Tu groove es muy bueno, podemos reservar esos remates para un solo intermedio o algún break en otro tema... No pongamos todos los huevos en una canasta...

Caso de uso: Bateristas y percusionistas que desean expresarse como Buddy Rich en medio de una balada pop

7.- Me gustaría grabar el MIDI de tu instrumento, así podré disparar el mismo sample si algún golpe falla..

Caso de Uso: Percusionistas electrónicos, pianistas o instrumentistas MIDI con problemas de rango tonal o tempo...

8.- Sabes que me gusta de tu arreglo... que podríamos usarlo como base para un segundo tema o una versión alterna... Terminemos esta línea y apartemos esta idea por el momento..

Caso de Uso: Músicos que encuentran cambios de último minuto, o influenciados por un video visto en You tube que le inspiró cambios... Perdidos de enfoque...

9.- Puedo subir más a tus audífonos, pero tu percepción del sonido es diferente en el estudio... probemos cantando en el control room... a cambio de sacrificar un poco de procesamiento...

Caso de Uso: Cantantes medio sordos que necesitan altos niveles de monitoreo. Normalmente el ego va primero y si la voz no tiene la misma oportunidad, se resignan a escuchar mejor por sí mismos.

10.- Puedo ajustarlo un poco en la mezcla... Arreglarlo no es opción porque se pierde el aporte musical de su proyecto

Caso de Uso: Cuando todo parece que será una sesión " yo hago que toco, tu haces que grabas y lo arreglas en la mezcla"...

Espero que estas frases se apliquen a alguno de tus casos.. modifícalos de acuerdo a tus necesidades.. recuerda.. solo si el cliente es intolerante... no sonrías en esos casos.. puede parecer que te burlas.. atiendelo con una actitud de enfoque... escúchalo... y cuando deje de hablar, aplica esta frase...

Se toman decisiones mejores con ambos lados calmados que en conflicto...

Rafael Mendoza ha resuelto conflictos de producción en Ad Libitum Estudio.

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El Sonido a través de la historia... (Parte II)

Continuamos con los momentos clave de los eventos históricos que colaboraron al desarrollo de la audio producción.

1935
AEG "Magnetophon"

A pesar de que el cilindro comenzaba a popularizarse y la radio era un medio apenas en desarrollo, AEG lanzó al mercado la primera grabadora de cinta. Por fín se podía registrar en tiempo real un canal sonoro en una delgada cinta enrollable. La magnetofonía, es el proceso mediante el cuál un magneto en la cabeza de la grabadora, alínea partículas de magnoferrita en la cinta, reproduciendo análogamente la señal electrónica del micrófono. El proceso ahora inverso, producía un sonido más nítido y extremadamente cálido. Tal fué el impacto de este invento, que fue premiado en la Feria Berlinesa de la Radio ese año.

1947
Columbia lanza el LP
 
Los discos de pasta y vinil, dificultaban el proceso de distribución en la primer etapa de la industria discográfica. Además sólo era posible reproducir un tema en ambas caras.
Columbia, desarrolló un sistema más eficiente, reduciendo el tamaño de la aguja y extendiendo el tamaño del disco. Reducir la velocidad a 33 1/3 de revoluciones por minuto y filtrando un poco los extremos graves y agudos. A esta filtración se le denominó RIAA más adelante, porque se estandarizó ante la Recording Industry American Asociation... El mercado ya no fué el mismo.

1948
Pierr Schaeffer compone el primer trabajo de "música concreta"

El uso de las nuevas tecnologías, permitió a Schaeffer componer "Étude aux chemins de fer". Utilizando simplemente samples de sonidos de trenes, realizó el primer trabajo de "loop".
Aunque fué secuencial inicialmente, con el tiempo utilizó otras tecnologías para complementar su trabajo.

1952
John Cage y su pieza 4' 33''

En un blog anterior de viernes hemos posteado el video de esta obra de John cage. Estructurada en 3 movimientos, la nota que se interpreta es silencio "tacet". Los cambios de movimiento son informados por el director y la pieza dura exactamente 4 minutos con 33 segundos.

1958
Comercialización de la grabación Esteorofónica.

Aunque originalmente se había intentado utilizar una o más bocinas para reproducirlo, el sonido siempre se consideró monoaural. Las casas disqueras eran renuentes a modificar la tecnología que tenían para crear grabaciones estereo. El argumento era que sería como mirar el cine en dos pantallas o tomar una ducha con dos regaderas.

1959
Karlheinz Stockhausen compone "Kontakte"

 El primer tema totalmente electrónico desarrollado a partir de la modificación por Osciladores de frecuencia variables y osciladores de voltaje variable. Los principios de la síntesis integrada ahora a sonidos previamente grabados de instrumentos reales. Nacía con ello el sampling y diseño de sonido.
Kontakte, se llamó así por establecer los límites entre lo electrónico y musical en un contacto pleno.

Hasta aquí esta nueva parte sobre este recorrido por la historia.. les sugiero buscar en Youtube estas primeras representaciones y grabaciones existentes... Nos vemos mañana.

Rafael Mendoza produce, edita, graba y moldea audio en Ad Libitum Estudio

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Protools: La historia del genio en la lámpara.

Había una vez un programa que mágicamente te afinaba, digitalizaba y  te creaba un hit, un éxito musical de la nada. Todo parecía hecho por arte de magia y así se  creó una religión en torno a este nuevo programa.

Hemos hablado en el blog de Ad Libitum de las diferentes plataformas que existen en el mercado para la producción musical en ella siempre mencionaremos a Pro tools como el estándar de la industria.   

Sin embargo, para entender como se ha tornado en la referencia profesional para audio producción, deberemos basarnos en su historia. 

Digidrums/Digidesing

Evan Brooks  y Peter Gotcher  eran dos pequeños escolapios interesados en la música, el arte de la grabación,  la electrónica  y la programación informática.

 Tomando como base el  sistema  drumulator, comenzaron una compañía  cuya actividad era generar nuevas galerías de sonido,  dándole nombre de digidrums.  La empresa  resultó exitosa y previeron la  necesidad  de los clientes de  tener más opciones a solo agregar sonidos a sus equipos.

 Para este propósito  utilizaron una computadora mac  y comenzaron  desarrollar software capaz de  ayudar a su reciente empresa a grabar editar y modificar los sonidos que ellos  vendían en sus galerías.

Al pasar del tiempo pronto entendieron  este software que creaban para uso propio podría tener aplicaciones comerciales no solo para ellos, si no para la mayoría de músicos. Así que en un trabajo conjunto con E-MU comenzaron  la creación de un software capas de editar loops y que funcionara con su controlador Emulator II keyboard.

Gracias a esta fusión la empresa cambio de nombre convirtiéndose en lo que nosotros conocemos como Digidesing. Al principio se encargaron de crear el software que ayudaría a trabajar a las diferentes marcas de sintetizadores que existían en el mercado, como AKAI, ROLAND  y por supuesto E-MU.

Paso siguiente.

El paso normal de esta empresa  era la creación de su propio software, en 1989 lanzan Sound tools, un sistema de grabación en disco duro completamente basado en una computadora como estación de trabajo.

Desarrollar este sistema necesitaba de requerimientos técnicos, capaces de realizar los procesos de manera eficiente y sin que el sistema colapsara; esa fue la razón principal por la cual los creadores de Digidesign se plantearon el uso del sistema Mac.

 La razón era simple. Macintosh diseñaba sus computadoras pensándolo como en un todo, sus componentes son más estables,  sin problemas de compatibilidad, caso contrario a las PC,  que al utilizar diferentes  fabricantes los componentes, necesitaban de una mayor configuración para volver estable el sistema.

Hardware/ software

El primer Protools fue lanzado en 1991. Era una versión mejorada del Sound tools, siempre  tomando en cuenta,  que  una estación de audio digital debe ser  diseñada  desde la visión de hardware y software.

En pocas palabras, Digidesing nunca dejó  todo el proceso de digitalización de audio a  los componentes propios de una computadora, simplemente vio en Mac la oportunidad de  estabilidad en un sistema, pero el proceso lo generaba el mismo hardware que ellos fabricaban.

Desde la primera versión hasta la versión 8 Pro tools vendrá acompañado de su propia interface en las versiones más básicas  y con sus superficies de control como suplemento de los equipos más  costosos.

¿Por qué Pro tools se ha convertido en estándar?   

Mac en sus inicios podía presumir de la estabilidad  y rendimiento, razón por la cual  usar una plataforma Mac en proceso de diseño, imagen, sonido y video  era la solución  para conseguir lo mejores resultados.

El triunfo de Digidesing se basa en afianzar un producto que se volvió sinónimo de calidad y estabilidad. 

Podrías no saber absolutamente nada de audio digital,  pero sí confiar en la marca Apple  como sinónimo de calidad. 

Así todos los programas que trabajaran con sus sistema operativo tendrían de una calidad irreprochable.

Otra alianza estratégica  para que Protools se volviera el estándar, fue la compatibilidad para trabajar bajo sistemas de edición creados por Avid. 

Actualmente la compañía digidesing ya forma parte del conglomerado de Avid.

Con estos dos aliados, Pro toosl se creó un nombre dentro de la industria, volviéndose un estándar en el mercado de la audioproducción.

 ¿Pro tools es el genio?

 Yo diría que es una simple herramienta como muchas otras, es un estándar  para calificar. 

La calidad de un producto, al final del día, provendrá del genio. En este caso, será la creatividad y capacidad del ingeniero productor o músico de explotar esta herramienta.

 Pro tools es bueno, tiene ciertas ventajas y desventajas con respecto a otras plataformas,  pero  su éxito está basado en que siempre fue pensado para tener de soporte una computadora y nunca para hacer de esta la parte esencial de sistema.

En la versión 9, Digidesign abre la posibilidad de utilizar Protools con otras interfaces... pero eso es otra historia que abordaremos en unos blog más... 

 Raúl Beltrán realiza diseño de sonido en Ad Libitum Estudio

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