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lunes, 22 de diciembre de 2014

Mundo Digital: Perdiendo experiencias sensitivas



Las  ventajas de los sistemas de grabación y reproducción digitales no tienen discusión.
Han vuelto muy sencillas las tareas inimaginables hasta hace unos 15 años.

Géneros como el DubStep, Reggaetón, Pop, Metal y K-Pop no hubieran sido posibles sin las ventajas de la edición digital. Los esquemas de giras, producción y avanzados sistemas de monitoreo serían imposibles sin el desarrollo de las herramientas digitales.

Sin embargo, hay experiencias sensitivas que hemos dejado atrás en favor de este crecimiento tecnológico.


Vinil

En los tiempos digitales, la experiencia de comprar un disco en una tienda se ha perdido para un sector de la población en forma instantánea. iTunes demostró que es posible simplificar los procesos de compra desde un solo lugar.

Pero visto desde otro enfoque, el uso de un sistema Apple también ha esclavizado al usuario a intentar hacer más desde un sólo lugar.

Comprar un disco de vinil era una experiencia muy grata. Salir a la tienda de discos a buscar el vinil deseado. Tener que esperar y resistir la ansiedad del viaje de regreso. Oler el celofán nuevo y descubrir en el interior de una caja de cartón casi plana un disco de vinil recién prensado. 

Sacar el disco y revisar la aguja para liberarla del polvo acumulado de otros viniles. Encender el estéreo y escuchar el ruido del amplificador a través de las bocinas. Colocar suavemente la aguja sobre el inicio del vinil.

El ruido de los bordes que eran tocados por primera vez... Una experiencia que se ha perdido con la descarga en MP3. 

Cinta análoga

Obtener un álbum completo en cinta análoga era todo un reto. Los cartuchos de 8 pistas eran más populares para los sistemas de automóviles. Regularmente, las cintas análogas eran grabadas desde tornamesas de vinil y otras cintas. Son las primeras versiones de los playlist digitales. Escogías aquellos temas que te gustaban y los pasabas a la cinta. Con la llegada de los reproductores Walkman, el cassete compacto se convirtió en una de las mejores maneras de recopilar material de la radio.

Todos los días recuerdo poner una grabadora con el botón de Record, Play y el botón de pausa, listo para grabar temas salidos de la cabina de La Pantera, Radio Cañón que eran las únicas estaciones que pasaban rock estilo metal. De vez en cuando se colaba alguna canción de Radio Universal y llenar 60 minutos de temas gloriosos se podía llevar hasta un mes y medio "cazando" la canción deseada.

Muchas veces grabé cintas completas con capítulos de los Cazafantasmas desde la bocina de la televisión. El Hombre Araña, He-Man y hasta emisiones matutinas de programas de revista.

Conclusión

La intromisión digital ha hecho grandes avances, pero también ha creado una generación poco sensible a las sensaciones. Grabar con una interfase representa un gran avance para todos. Pero sólo aquellos que lidiamos con los formatos análogos, sabemos que el valor de hacer sonar un vinil o cassete nos traslada a esas sensaciones impresionantes al tratar de comprender como una corriente de electricidad podía hacer permanente un sonido en una cinta.

En estas fechas, si eres parte de la generación del vinil o la cinta, busca un dispositivo y revive esa experiencia grata. Yo he podido hacerlo ahora con mis hijas en pequeñas dosis y han aprendido a utilizar una tornamesa de forma sensible. Tal vez algún día la usen para scratchear, pero por lo menos sabré que les enseñé la forma correcta.

Si perteneces a la generación digital, busca un dispositivo y pregunta a quien lo haya usado, te muestre la forma de hacerlo... tus abuelos, bisabuelos, padres, tíos mayores de 30 años seguramente sabrán como hacerlo. 

Vive esta experiencia y recobra el sentido que vincula el trabajo de una persona para generar un sonido y capturarlo en un dispositivo, listo para que esa comunicación a través de un sistema análogo, traspase su magia más allá de un fader.


Rafael Mendoza escucha viniles y cassetes en épocas de nostalgia
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martes, 16 de diciembre de 2014

¿Álbum terminado?: ¡No lo subas todavía!...



Por fin, después de tanto sacrificio, económico, social, emocional, psicológico y económico tienes al fin en tus manos el master terminado de tu proyecto.

Se te queman las habas por pasarselo a tus papás, hermanos, sobrinos, amigos, cuñados, vecinos, acreedores y demás personas que te vieron bajo presión los meses anteriores.

¿Qué sigue?... Bueno, se comenten muchos errores al tener el resultado en las manos.

Primero que nada debes entender que tu proyecto es un proceso único de identidad como artista.

Protegerlo, defenderlo y atesorarlo le corresponde a la primera persona interesada... ¡tú!

Aquí 5 pasos de lo que debes y no debes hacer con un disco terminado en las manos.

1.- ¡¡No subas el álbum todavía!!: Es el error más común. Subir tu material inmediatamente (10 a 15 días) después de recibirlo acaba con la magia. Si hiciste un plan adecuado para presentarlo entonces ya debe estar en marcha ese plan desde antes de la grabación.

Informa de su liberación 4 a 6 meses posteriores a su entrega. Habrá detalles que cubrir y debes darte tiempo a presentarlo de la mejor manera.

No importa si tienes un presupuesto o no. Crear expectativa sobre el proyecto es fundamental para que sea bien recibido. Pregúntale a un maestro de ceremonias que pasa cuando liberas toda la información en los primeros 5 minutos de un evento.

2.- Lista de medios: Hasta ahora ya habrás tenido oportunidad de revisar tu material y la lista de posibles medios donde lo difundirás. Mismo género, mismos intereses, mismo estilo. Revisa la lista varias veces y busca espacio en otros lados. NO CENTRES TU ATENCIÓN EN MEDIOS DIGITALES...  una entrevista en radio abierta, una aparición en la TV local, o la mención en un blog o periódico local pueden ayudarte. NO PAGUES LA PUBLICIDAD DEL MEDIO!!!!... Es tentador aparecer por 5000 pesos en la contraportada de sociales... pero nadie sabrá nada de tí y pasarás como el clásico anuncio de primera vez.
 
3.-MP3 en línea: Subir un tema elegido por tí es un poco arriesgado. Nada asegura que guste o no. Mucha gente genera un prejuicio de lo que escucha. Puedes subir un segmento del verso y coro que te interese promover. Por un lado darás una muestra pero no todo el contenido. Haz una investigación en la zona donde quieres moverte. Pasa el segmento de 3 canciones que eligas a unas 50 personas.
La que les haya gustado más es el single que deberás elegir. Yo entiendo que quieras pasar aquel solo que te costó grabar 435 tomas, pero finalmente tu audiencia te dicta lo que le gusta de tí.

4.- Revisa bien tu EPK: El Electronic Press Kit (EPK) debe estar actualizado y disponible en el sitio web. Aquí si debes enviar el tema completo a los medios que pueden revisarlo e interesarse, siempre acompañado del press Kit... En tu sitio web libera la versión completa a cambio de información como correo de contacto o mejor aún, perfil de Facebook o Twitter. 

5.- Redes Sociales: Crea y personaliza tu perfil como mampara promocional de tu disco. Pon links y reenvia los comentarios a diversos grupos de contacto que conozcas. NO LIBERES EL TRACK COMPLETO... Libera fotos de la sesión... videos cortos semi producidos. Envía contenido diferente uno cada día para mantener la expectativa.

Conclusión

El valor de tu álbum tiene que ser respetado por el artista primero que nadie. Si regalas tu material en 10 días te quedarás igual. Imagina que tienes una caja de galletas y quieres vender esa caja a todos los que conoces y a aquellos que piensas que la querrían comprar. Debes asignar una parte de las galletas como muestra pero no se las darás a quien no pueda influir en su compra. Es decir, tus amigos, familia y novia son lo que llamaríamos consumidores finales. Si llevas la muestra a un tendero, o mejor aún, aun almacén distribuidor, potencializas tu producto que si sólo regalaras a tus amigos las galletas.

Ese distribuidor o consumidor masivo querrá información sobre tí, tu producto y el método que puede utilizar para venderlo. Esto debe estar en tu sitio web y acompañado de tu EPK.
Valora tu CD como una caja de galletas muy especial. ¿A quien se la darías a probar?

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum
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viernes, 12 de diciembre de 2014

Viernes de Video: Friedemann Tischmeyer



Cómo ya lo habíamos comentado en la semana, a partir de Enero de 2015, el Ingeniero de origen alemán Friedemann Tischmeyer nos ha permitido utilizar su material en nuestro canal y traerlo para ustedes subtitulado en español.

Friedemann es miembro de la EBU, European Broadcast Union, quienes recientemente han creado un estándar para el control de los niveles de sonido en las transmisiones de los países europeos.

Estableció la Mastering-Academy, donde enseña a futuros ingenieros en audio, las destrezas necesarias para convertirse en especialistas de mastering.

Colabora con su canal en YouTube, aportando interesantes videos sobre tópicos de masterización en Inglés y alemán.

Ahora, gracias a la tecnología del internet, pudimos contactarlo y establecer una serie de pláticas sobre nuestro interés de traer su material al idioma español.

Agradecemos mucho la oportunidad que Friedemann nos ha brindado y les comparto la presentación para que el mismo comente sobre que veremos en sus videos.

¡Un saludo a Friedemann hasta Alemania!




martes, 9 de diciembre de 2014

Las 10 cantantes femeninas mejor pagadas del 2014



Forbes realizó un cálculo de Junio de 2013 a Junio de 2014 para evualuar a las 10 cantantes femeninas mejor pagadas del 2014.

La evaluación sumó los beneficios económicos de giras, ventas de discos, publicidad, merchandising y patrocinios.

La lista quedó como sigue:

1.-Beyoncé:115 millones de dólares. 95 conciertos y el top entre los favoritos en ventas de iTunes la posicionaron en el número uno.

2.- Taylor Swift: 64 millones de Dólares. Nacida en el country, Taylor expandió su mercado iniciando espacio en el pop  y sus patrocinios con Cover Girl, Keds y Diet Coke aportaron un empuje a su carrera.

3.- Pink: 52 millones de dolares. 85 conciertos y patrocinios con Cover Girl han aportado su fortuna.

4.- Rihanna: 48 millones de dólares. Tal vez el ejemplo claro de que las redes sociales son poderosas. Su marketing se redujo en costos y su número de seguidores en Twitter y Facebook son la base de fans virtual más grande hasta este momento.

5.-Katy Perry: 40 millones de dólares. Pocas giras pero efectivas ganancias en fiestas privadas y patrocinios con diversas empresas juveniles son su receta del éxito.

6.- Jennifer López: 37 millones de dólares. Su renovada aparición en American Idol y el mundial de Brasil 2014, colaboró a reactivar su carrera como cantante.

7.- Miley Cirus: 36 millones de dólares. EL Twerking surtió el efecto deseado. Sus recientes escándalos también han colaborado en su crecimiento en el gusto del público. Sin embargo, esta tendencia podría revertirse si permite que su carrera se sustente en ello.

8.-Celine Dion: 36 millones de dólares. Su permanencia vitalicia en los espectáculos de Las Vegas, le ha mantenido en el mundo del espectáculo. Recientemente dejó de utilizar los  homenajes en sus espectáculos gracias a las críticas hechas en sus interpretaciones de Michael Jackson y Queen.

9.- Lady Gaga: 33 millones de dólares. En 2010 sus ganancias ascendían a 90 Millones. Las fallas de sus nuevas decisiones y el cambio de manager han afectado drásticamente sus ganancias. El arte musicalizado está perdiendo su encanto.

10.- Britney Spears: 20 millones de dólares. Sea como sea, Britney se ha mantenido dentro de las listas, gracias a su residencia en Las Vegas. Los recientes escándalos sobre su actuación con playback y uso de afinador en vivo podrían disminuir la atención del publico.

Conclusión

Las ganancias que perciben estas artistas no provienen directamente de los shows. Sus apariciones están vínculadas a modelos 360 como la venta de merchandising y la publicidad. Los lugares más bajos están fundamentados en ventas de discos y espectáculos. Es posible mirar la diferencia y comprender que un buen management no es sólo aquél que vende eventos y fechas de giras, sino una hábil apertura hacia otros mercados.

Las redes sociales son determinantes en la vigencia de un artista, pero como podemos observar, no representan un ingreso significativo.

Las ganancias a través de redes sociales son mínimas y lentas. Por ello, las redes sociales sólo funcionan como parte de una estrategia de mercado y no como un objetivo.

Esperemos ver próximamente en estas listas artistas latinas, aunque muchas de ellas se reservan revelar sus millonarias fortunas como Shakira.

Rafael Mendoza produce para Ad Libitum 
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jueves, 4 de diciembre de 2014

Guía de Sobrevivientes: Cómo comprar un sistema de sonido



Se acerca la temporada de aguinaldos y compra de electrónicos. El Buen Fin se ha llevado los saldos pendientes de las tiendas y ya están acomodando los nuevos modelos.

Mucha gente que sólo le interesa escuchar música y no como se produce o graba siempre me hace preguntas acerca de los sistemas que le interesan.

Anteriormente las empresas tenían que gastar cantidades enormes en publicidad para insertar un sistema de sonido en casa, simplemente porque la gente prefería un sistema cómodo y económico.

Actualmente, las marcas comerciales de productos proponen miles de watts de potencia a cambio de miles de pesos a meses sin intereses.

En el gremio de la Ingeniería en Audio siempre tenemos el debate sobre la calidad de los sistemas caseros y la frustración de dejar horas de trabajo en producción para llegar a un estereo de mala calidad.

El cliente evalua diferente esta situación porque para él lo imporante es el tema en sí, el autor, el cantante o hasta la versión difícil de conseguir aunque venga de youtube grabada con un cel casero.

Hice memoria de algunas preguntas más comunes y aquí les dejo las respuestas que pueden ayudar esta temporada.

Tres cosas son importantes en su consideración: Para que lo quieres (música o cine), donde lo pondrás (sala de estar, cuarto aparte, en tu dormitorio) y cuanto aprecias la calidad de sonido (volumen contra calidad).

1.- ¿Cómo sé que un sistema es bueno o no? 

Respuesta: Un sistema es bueno en lo particular y no en lo general. 

Aquel que te ayude a sentir mejor la música que te gusta es el que debes comprar. Al llegar a la tienda nos ofrecen el último modelo de aparato disponible. En la mayoría de las tiendas, un amable vendedor, nos ofrecerá una muestra del sonido, ¡PONIENDO LA SALSA QUE MÁS LE GUSTA Y EN FORMATO MP3!...

Si eres un fan del jazz, del metal o cualquier género fijo, será sencillo elegirlo si llevas un CD ORIGINAL y pides que pongan una pieza que conozcas bien. 

Si tienes gustos multiculturales (el clásico "un poco de todo"), haz una lista de los géneros que escuchas y evalúalos por porcentajes, número de discos que tienes y cual es aquel que más te atrae. Elige un CD de este género que más escuches y haz una prueba.

Debes poder escuchar las relaciones de volumen entre todos los instrumentos. Evitar la Ecualización de presets y efectos adicionales. Debes escuchar el sistema tal cual es. 

2.- Yo no escucho la diferencia entre 2 equipos, para mí todos suenan iguales...

Respuesta: Te sorprenderá saber que todos los humanos tenemos la capacidad de distinguir sonidos gracias al timbre. 

Los equipos de sonido son desarrollados por diferentes personas que tienen criterios específicos sobre como debe sonar un equipo. Elige un lugar donde puedas probar el sistema con menos gente y mucho menos cuando hay un evento promocional. 

Usa la misma pista para probar todos los equipos que te interesen a nivel medio. Hasta la intensidad de volumen varía entre los sistemas porque lo que para un Sony es 15 de volumen, para un LG puede ser un 25.

3.- ¿Cuánto debo gastar en un equipo de sonido?

Respuesta: Tanto como tu desees. El precio no es el problema, sino lo que debes comprar. 

Un sistema todo en uno o Home Theater te va a dar una combinación "probada" de acuerdo al costo que estés pagando. Si compras un amplificador, deberás elegir un set de bocinas adecuadas, un receptor, si lo quieres innalámbrico, un subwoofer y varios elementos que van a hacer crecer el costo.

Un sistema de 20, 000 pesos mal configurado puede sonar tan mal como una grabadora china de 600 pesos. Hay sistemas bien calibrados en el mercado por encima de los 15,000 pesos, pero no esperes un efecto THX real en tu sala, porque la acústica de tu área de entretenimiento es fundamental. 

Si no tienes mucho espacio, elige algo que te permita estar cómodo para divertirte y haz un análisis del tiempo real que pasas al mes en esa área. Tal vez un sistema de 14,000 pesos sea suficiente acompañado de un buen sillón, un frigo bar y un horno para preparar las maruchan.

4.- ¿Que parte del estéreo es más importante?

Respuesta: El reproductor, el receptor de radio, la unidad lectora. 

Es la parte más importante porque sin ello no trabaja el sistema. El siguiente componente importante es el amplificador, el cableado y finalmente los monitores.

Mucha gente invierte en bocinas muy caras esperando el mejor resultado y potencia. Pero un amplificador no adecuado, creará un voltaje poco confiable para utilizar al máximo el potencial de la bocina. 

Es mejor tener un sistema de sonido de buena calidad y unas bocinas bien trabajadas, a tener un sistema con buenas bocinas y sonido pésimo. No es cantidad, es calidad de sonido.

Muchas personas compran equipos de perifoneo esperando rebasar por mucho un sistema casero. El problema es que estos sistemas siempre están pensados más en la portabilidad y uso de comercio que en calidad de sonido.

5.- Quiero tener un buen sistema y me resulta muy caro... ¿Por donde puedo empezar?

Respuesta: El sistema inicia con el reproductor. 

Un reproductor de calidad debe estar especializado en sus funciones. Si quieres algo netamente musical, un reproductor de CD o DVD Audio es lo ideal. Sus funciones permiten realizar reproducción programada, playlist y en algunos casos un buen sistema de karaoke (lo sé, está de moda).

Si deseas algo para ver películas, lo ideal es un sistema BluRay o DVD de alta definición. Los sistemas que se enlazan a internet para conectar Youtube y otras plataformas como Netflix valen la pena si no deseas tener un stock de películas en casa. El sonido que proveen estos servicios es suficientemente bueno, pero aún así, la lectura directa del BluRay es insuperable.

Muchos desean iniciar a partir de una videoconsola, pero no recomiendo esperar una expansión adecuada a través del cable óptico.

Compra una temporada tu sistema de arranque,el siguiente año un buen amplificador y al siguiente un buen sistema de bocinas. Este equipo valdrá la pena a largo plazo.

El número de salidas va en función de cuanto espacio tienes para colocar bocinas. Un Home Theater requiere al menos 5 bocinas y un subwoofer (sistema 5.1).

Meter un amplificador 10.2 en una sala pequeña es una pesadilla, aparte que las condiciones acústicas crearán cancelaciones de fase innecesarias.

6.- Estéreo o Surround.

Respuesta: El sistema Surround requiere de un subwoofer para procesar adecuadamente el sonido de las películas. Si la idea es reproducir sólo música, un subwoofer va a colaborar a que suene con más profundidad en los graves, pero no al nivel del soundtrack de una película, porque muchas frecuencias de ese rango se procesan en la masterización para adecuarlas a los sistemas de sonido tradicionales (más aún en los celulares con bocinita de 3 pesos).

Si quieres reproducir música, estereo es suficiente. Si quieres una experiencia "parecida" al cine, entonces un sistema surround es lo mejor.

7.- ¿Las marcas caras son mejores que las tradicionales?

Respuesta: Si, efectivamente la calidad de los componentes y el diseño del producto está dirigido a la calidad. Muchas personas se contrarían cuando un sistema Bose les ha costado un ojo de la cara y el volumen es menor que un Sony, sintiéndose estafados. La realidad es que los componentes que usa Bose junto a su diseño y consideración de los entornos caseros a los que va dirigido, es lo que sustenta su costo y rango de mercado.

Un Sony puede costar relativamente barato, pero cuando el laser se daña, el costo de reparación es elevado y gracias a la obsolecencia tecnológica, te sale más barato comprar un nuevo sistema.

Un sistema High End te va a durar 20 años (bajo condiciones normales de uso) y con mantenimiento mínimo. El precio final puede parecer alto, pero se calcula que en promedio, un estereo comercial llega a su límite de 5 años con uso constante.


Conclusión

Saber comprar un sistema no es difícil si desde antes de llegar sabemos que buscar. Normalmente vamos por el más barato y con más bocinas, el que anunciaron de oferta a una super rebaja y el que tiene más botones y opciones de conectividad (USB, Bluethoot, SD y MD Cards).

Sin embargo, un CD sigue siendo el mayor estándar de calidad en reproducción junto al formato FLAC. El MP3 se considera un formato audible y de distribución, pero representa una compresión muy alta de información.

Todo va de la mano. Si compras un CD con 200 MP3, no esperes a que tu sistema suene optimamente, o la película DVD pirata recomprimida mal denominada "clon". BluRay pirata tambièn requiere una recodificación para poder meterlo en un disco costeable para la piratería.

Un buen sistema de sonido requiere también un lugar adecuado, pero sobre todo, una visión diferente y una educación moral sobre los derechos de autor.

Lo que pagas, es lo que tienes.

Rafael Mendoza escucha sistemas caseros en temporada navideña.
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martes, 2 de diciembre de 2014

Sonido para cine: ¿Sabemos valorarlo como audiencia?



Siempre que vemos una película o video, pensamos que el sonido está tan natural en todos los aspectos de nuestra vida que damos por sentada su existencia.

Nuestra atención se centra en la imagen. Pero el sonido combinado a esa secuencia de fotogramas es quien realmente aporta la veracidad al cerebro.

Se considera un concepto técnico, frío y sin importancia la manipulación del sonido. El glamour que ofrece un movimiento de cámara para ofrecernos una realidad alternativa creíble se vuelve en un mito poderoso ante la calidad de grabación de un sonido para una imagen.


La percepción en la audiencia

Supongamos que entrevistamos a 20 personas sobre una película conocida por todos. Usemos Titanic como un ejemplo. Más allá del diálogo final entre Leonard Di Caprio y Kate Winslet en la escena final, existen un sinúmero de sonidos sucediendo simultáneamente que le aportan al diálogo la atmósfera adecuada.

Al fondo, se escuchan los gritos de auxilio, el llanto de quienes han perdido a sus seres queridos, la emergencia no ha pasado. ¿Quién puede recordar el silbato de auxilio sonando al fondo del diálogo?.

Para la audiencia, estos sonidos provienen de la misma escena e implican a un conjunto de gente interactuando al mismo tiempo. Un micrófono capta todo esto y es lo que podemos escuchar en la película. 

El siguiente vínculo podrán mirar la escena
http://youtu.be/Pqno7nrkGbM?t=5m57s


Conforme la escena va pasando, la intensidad y número de esos sonidos se va reduciendo, hasta que la música se hace cargo del pasaje más lamentable que es la muerte de Jack.

El efecto mágico

El sonido es pieza fundamental de esta escena porque al inicio, durante la emergencia, prepara al espectador para tener la sensación de peligro. Bajo esa circunstancia, la sensibilidad ante la desgracia se incrementa y con ello la tensión que provoca la desesperación de estar perdido en un océano helado en medio de la nada. Los sonidos se van apagando para dar la sensación de abandono y supervivencia. La música, recupera en el último tramo esta ausencia de sonido para proporcionar una sensibilidad ante la muerte del personaje principal.

Para la mayoría de la audiencia, sólo tiene que ver que ellos se aman y uno se pierde en el fondo del océano. Pero ha sido la combinación de imagen y sonido la que ha conseguido ese efecto. En promedio la escena dura 6 minutos, de los cuales el espectador podría decir en la encuesta que dura unos 3 minutos aproximadamente. 

Algunos dirán que dura un poco más, pues varios estudios han confirmado que el tiempo calculado varía con respecto a la sensibilidad del espectador. Aquellos que se sumergen más en la escena, que más se conmueven con ella, parecen tener la percepción de vivir minutos eternos de angustia y desgracia que aquellos que siguen linealmente la película.


Conclusión

Titanic es tan sólo un ejemplo de como el sonido es parte fundamental para recrear un entorno y darle validez a una historia. De nada serviría una magnífica edición y actuación, si no hubiera un entorno acústico que lo posicione en el momento adecuado.

El teatro juega una y otra vez con estos elementos. En la televisión se está profundizando mucho este aspecto estético en las series televisivas. 

Nunca antes, la audiencia ha tenido tantos elementos dando vueltas delante de él, volviéndolo inmerso en un mundo paralelo.

Reconocer este trabajo, más allá del público y objetivo al que va dirigido, es fundamental para pensar y crear conciencia, que comprar una película pirata nos expone como audiencia lineal.

Al final, la película ganó un Oscar por mejor sonido. Si este premio no te parecía importante, ahora sabrás porqué se otorga.

Rafael Mendoza desarrolla producción en Ad Libitum
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lunes, 1 de diciembre de 2014

Grabando grupos corales...



Uno de los grandes retos en la grabación de voces son los grupos corales, porque dependen de muchos factores a considerar.

Principalmente el reto implica la organización para realizarla y un elemento indispensable es la disciplina del grupo en la grabación.

Veamos algunas consideraciones para definir por pasos el esquema de grabación en este tipo de proyectos.  Existen configuraciones mucho más complejas y detalles que se deben tomar en cuenta, pero estos son las bases para lograrlo.

El grupo vocal

Muy pocas veces podemos tener una visión del grupo vocal completo, porque el director nos ofrece solamente su visión personal sobre su ensamble. La visión del director es importante porque es quien ha desarrollado todo el trabajo musical previo.

Sin embargo, es el grupo coral el que presenta un reto mayor, porque finalmente está involucrado un grupo de individuos con un fin común.

Los siguientes aspectos te darán datos importantes:

- Adultos o niños
- Edad promedio del grupo
- Número de elementos
- Disponibilidad de tiempo
- Tiempo de integración
- Número de elementos nuevos

Tener esta información, te permitirá conocer el entorno de grabación, tiempo promedio de trabajo por sesión, lo que puedes esperar vocalmente del grupo y prevenir en su caso al director sobre posibles fallas de interpretación que alarguen la sesión.

El director

Aquí es donde las habilidades musicales entran al rescate. Conocer teoría musical y bases de armonización te permitirán detectar algunas fallas o pasajes difíciles en el arreglo musical. El director a veces integra secciones o pasajes que son la firma y reto de su calidad musical.

Cuando el grupo es pequeño estas partes se pueden superar de mejor manera. Un grupo más numeroso debe estar bien ensayado para poder lograr estas partes.

Solicitar la partitura previamente te ayudará a marcar estos puntos y recordárselos al director. Me ha pasado que ante ciertas dificultades, el director opta por sacar a los elementos que no pueden conseguir la parte en la grabación y piden doblarlas con las voces más hábiles.

Esto implica ajustes y tiempo extra para parchar estas partes. Lo mejor es recomendar al director que evalúe grabar desde un inicio solamente con los integrantes capaces de lograrlo.

Cuando el coro es lírico, como ocurre normalmente con coros grupales (estudiantinas, rondallas, grupos religiosos amateurs) es importante revisar con ellos el tiempo y velocidad de los temas.

Lo mejor es grabar una guía hablada con el director para que el mismo se vaya guiando y conduciendo a su grupo. Con la partitura es un poco más sencillo, sin embargo, recomiendo pasar el arreglo a un varios tracks midi con apoyo de piano para que el director tenga a la mano la reproducción y corrección de las voces.

El lugar

El espacio y la ventilación son fundamentales. Un cuarto de control con buenas características acústicas valdrá cada peso invertido. Conseguir una sala de conciertos pequeña o un foro de tamaño mediano puede brindar un buen punto de inicio.

Muchas veces se deja la elección al director sobre el lugar porque le agrada la acústica. Sin embargo, para ahorrar dinero eligen solamente por espacio. Ubica y mantén un directorio de lugares que pueden servir para este propósito.

Algunos te cobrarán y otros podrán hacerlo gratis. Sin embargo, incluye en el costo algún agradecimiento como una placa, un arreglo frutal y el crédito en tamaño suficiente dentro del CD con una copia para quien autorizó el uso.

Los lugares cerrados ofrecen mejor enfoque del grupo para trabajar. En esta categoría pueden ser iglesias, foros cerrados, teatros locales.

Los lugares al aire libre implican varios problemas. El polvo y cambio de temperatura afecta la forma de canto en el grupo. El equipo también puede llenarse de polvo y la sesión puede hecharse a perder si el clima se complica. 

El constante ruido externo puede obligar a hacer más tomas y extender el tiempo de grabación. A veces no hay más opción que realizarlo de esta manera, pero vale la pena lo menciones al director o manager del proyecto para que reconozca esta posibilidad si algún track clave se ensucia o turbia con estas condiciones.

El formato

Te puedes complicar o simplificar el día con tomar esta decisión. Principalmente los proyectos de bajo presupuesto pueden significar oportunidades para probar configuraciones de micrófonos, monitoreo y técnicas de grabación en vivo.

Sin embargo, el equipo disponible debe reducirse al máximo posible, puesto que entre más micrófonos coloques, requerirás de más soporte humano para controlar la infraestructura.

2 o 4 tracks son la mejor opción para este tipo de proyectos. 8 tracks te sirven para un control por sección y sólo lo recomendaría cuando existe un instrumento guía como piano, guitarra o cuerdas.

Lo ideal es llegar al mínimo posible de infraestructura, para que el trabajo sea más creativo que técnico.

Micrófoneo

Micrófonos de condensador y omnidireccionales para captación de ambiente pueden ser una opción cuando el lugar lo permite. 

Los micrófonos dinámicos sirven mejor en condiciones donde hay bandas tocando junto al coro. También hay coros que utilizan mucho monitoreo porque no están acostumbrados a cantar con una pista. También aquí los dinámicos son una opción.
 
En promedio 2 secciones de voces usarán 2 micrófonos en configuración estéreo.

Un grupo coral de 4 voces está mejor cubierto con un sistema de 3 micrófonos. Estudia la técnica DeccaTree como punto de apoyo.

Técnicas como XY y la ORTF también son de gran ayuda. La técnica AB puede ser un buen punto de partida, pero en lo personal creo que capta más ambiente del entorno.

Monitoreo

Puedes utilizar un par de monitores de piso o de pedestal. Utiliza la colocación para crear desfase en la entrada del micrófono. La meta es alejar al máximo posible el monitor del micrófono sin que sufra el coro.

Los preamps de audífonos son muy útiles en grupos pequeños. Normalmente hay personas dentro del coro que sirven de referencia a otros. El director conoce a estas personas de referencia.

Si tienes pocos audífonos, asígnalos a estos cantantes natos. Dales un tiempo para acostumbrarse al monitoreo. Con ello conseguirás bajar el nivel de los monitores externos y mejorar la afinación por secciones.

Tiempo de sesión

Lo ideal es grabar piezas contundentes en 3 tomas. Antes de grabar, realiza un pequeño ensayo un día antes si es posible en la locación para colocar micrófonos y el sistema de monitoreo.

También puede servir iniciar temprano una sesión de ensayo para que el grupo se acople a la forma de trabajo. Muchos ingenieros integran gratuitamente esa parte de la sesión porque les permite tener un mejor control.

El grupo debe acoplarse a las señales del director con monitoreo y también te sirve para acoplarte a la terminología utilizada por el grupo. También sirve para romper el hielo con los integrantes, parte fundamental del proceso creativo.

No te molestes si las fallas vocales te hacen reiniciar una y otra vez la grabación. Ofrece alternativas de punch recording al Director, sólo si te lo pregunta.

Recomienda grabar sesiones de una hora por 20 minutos de descanso. En conjuntos infantiles yo recomiendo tiempos de grabación de 1 hora o más si están concentrados.

El director puede elegir mejor estos tiempos con niños. Eso sí, deberás estar listo y disponible cuando los niños se reenfoquen y puedas aprovechar esos momentos de conciencia.

Conclusión

A mi me sirvió mucho trabajar como ingeniero de sonido para televisión, donde cada semana tenía la oportunidad de grabar grupos de jazz, musicales, solistas, duetos y con pocos o casi nulos recursos.

Todo se mezclaba en una consola de 8 canales a 2 tracks de video.  Mis herramientas disponibles en un inicio eran un par de AKG c414. Después incorporé un pequeño kit de Audix y un par de sm57.

A veces puedes pensar que requieres un gran set de equipo para crear una grabación de voces grupales adecuada. Sin embargo, 3 micrófonos pueden ser la clave para obtener una buena grabación.

La mejor forma de hacerlo es grabando diversos grupos corales gratuitamente o por un bajo costo. Esas prácticas te van a ayudar a hacer mejores grabaciones con menos recursos.

Independientemente de si el grupo coral es muy profesional o lírico, la parte técnica debe proveerles un soporte y entorno de monitoreo cómodo para que realicen su mejor performance.

Insisto que aprender elementos musicales te va a ayudar a comprender mejor lo que el director desea capturar y profundizar en la mecánica del mensaje musical.
 

Rafael Mendoza ha grabado grupos corales fuera y dentro de Ad Libitum
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martes, 25 de noviembre de 2014

Patrocinios: ¿Cómo obtener uno?



El sueño dorado del músico, ingeniero o atleta: Un patrocinio.

En el artículo pasado explicamos a grandes rasgos lo que representa un patrocinio y la realidad de los mismos en el país y una gran parte del mundo.

Hoy veremos las 5 razones principales de evaluación para un patrocinio.

1.- Alcance de personas: ¿Cuantas personas tienes de fans?, ¿son constantes?, ¿visitan tus redes e interactúan más allá de un par de comentarios?. Una base de fans se construye con esfuerzo y constancia. Los fans saben que quieren saber de tí y esperan que se los digas. De otra forma se alejan de tus redes instantáneamente.

2.- Espacio de regionalización: Tu base de fans es local, municipal, estatal, nacional. Entre más alcance tengas eres mejor elegible. También interviene el tipo de género al que te integres. ¿Son estos fans capaces de adquirir el artículo de un patrocinador?. Realiza encuestas a tus fans.

3.- ¿Utilizas la marca desde hace tiempo?: Un patrocinador te pedirá demuestres que utilizas su marca y que la conoces bien. Que puedes referirla como una base de desarrollo personal y la forma en que interactúas con ella. Los mejores patrocinios llegan con el uso creativo del producto. Se trata de utilizar creativamente un producto como parte de tu sonido. Tampoco esperes obtener un kit de micrófonos gratis cuando utilizas una serie comúnmente en los instrumentos señalados por el fabricante. Si eres músico, debes tener elementos sólidos que te hayan llevado a integrar un estilo único en base a un producto. 3 años es lo mínimo que podría considerar un patrocinador.

4.- ¿Porqué deberían patrocinarte?: La pregunta del millón tiene miles de respuestas, pero finalmente se trata de explicar si estás conciente del alcance de tu poder de patrocinio. Normalmente se utiliza argumentación de lo que podría ser o ayudarte un patrocinio. Sin embago, el patrocinador espera que le digas que has hecho sin patrocinio y cómo te sientes identificado con la marca. Razones directas y concisas de porqué prefieres su producto y cómo reflejas ese uso en tu persona.

5.- ¿Quien te patrocinaría?: Una pregunta común es si podría patrocinarte alguien más aparte de la marca que estás buscando. La mayoría de las marcas firman convenios de exclusividad y pocas veces usan alianzas estratégicas con otras marcas. Cuando un ingeniero anuncia una consola Yamaha, normalmente se centrará en los productos Yamaha como opciones de soporte. Hablará de opciones en micrófonos y aparatos que Yamaha no produzca, sin embargo, no podrá mencionar otra consola o marcas de consolas contrarias.

Conclusión

Si tienes un gran nombre o estás trabajando con grandes nombres, un patrocinio llegará sin pedirlo. De hecho, el esfuerzo para conseguirlo a veces vale la pena y otras tantas no, simplemente porque puedes estar lidiando con marcas que buscan un posicionamiento más específico de su producto. Algunos patrocinados se quejan que los invitan a pocos eventos, pero están ahí porque la marca que los patrocina los considera solamente para cierto tipo de mercado.

Lo ideal es centrarte en el desarrollo de tu trabajo y dejar que el patrocinador se encuentre un día con algo que hayas hecho, se cuestione si tienes una base de gente que te siga y entonces dará el siguiente paso.


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lunes, 24 de noviembre de 2014

Patrocinios de marca: Los mitos más comunes...



Si, es toda una aventura. Te levantas y vas a tocar a los mejores escenarios posibles. Puedes tomar aviones y dar entrevistas. Atiendes temprano a tu club de fans vía Twitter y Facebook, llegas al escenario y enciendes todo el reluciente equipo que has obtenido gratis por parte de tu patrocinador.

Sólo hay un pequeño detalle en esta historia... el equipo gratis es una mentira.

Se supone que mucha gente visualiza el patrocinio (endorsment en inglés) como un acuerdo entre dos partes que se ayudan simbióticamente y precisamente se trata de ello. Sin embargo, no significa que sea gratis para una de estas partes.

Entonces ¿qué es un patrocinio?

Es un acuerdo comercial en el que una empresa o marca, utiliza la imagen y nombre de una persona con fines promocionales. La clave para entenderlo es la palabra "utiliza", porque se trata de una opción entre muchas para promocionar. Es decir, el artista o deportista, autoriza a la marca o empresa para incorporarlo a su campaña de publicidad y formas de marketing a cambio de una retribución.

Aunque los patrocinios implican una retribución, no existe una ley que obligue a aportarlo en bienes monetarios. Una de las fallas más comunes es considerar que se puede aplicar de igual forma un patrocinio deportivo a una figura artística.

En los deportes es más común el arreglo monetario porque el mercado lo permite. Sin embargo, estos arreglos se realizan entre empresas. Por ejemplo Nike tiene un arreglo con el Barcelona, lo que implica que todos los jugadores de este equipo deben portar el logotipo en sus camisetas y respetar las políticas de patrocinio.

Las apariciones de Messi en el pan Bimbo no se considera patrocinio sino campaña de marketing. Ahí la cosa cambia. 

¿Pero que ocurre en el mercado de audio producción?

Tanto artistas, intérpretes, músicos, ingenieros y productores, trabajan bajo un esquema menos considerado. Los patrocinios en este sentido se están basando principalmente en el número de audiencia que pueden alcanzar y los beneficios que se obtienen.

Un baterista local, puede influir en una zona comercial predeterminada o consumidores de producto en un género específico. Normalmente un patrocinio se refleja en descuentos sobre ciertos productos, como playeras, cuerdas o modelos específicos de equipo e instrumentos. 

En personajes con más influencia dentro de su mercado, el patrocinio los utiliza como referencia de uso en equipamiento y testimonio de venta. Algunos cuentan con la posibilidad de hacer pruebas sobre los productos y emitir opiniones sobre su diseño, portabilidad, facilidad de uso y mejoras posibles para prototipos posteriores.

Si el artista decide quedarse con el producto, puede obtenerlo en algún periodo de tiempo para liquidarlo con un descuento aplicable sobre ese producto.

Siempre existe una relación comercial y pocas cosas son gratuitas, generalmente artículos promocionales de las campañas de marketing.

¿Que ocurre en México?

En Estados Unidos, esta figura ya está un poco más conceptualizada que en nuestro país. Sin embargo, algunas empresas ya están aplicando cada vez más sobre artistas latinos en busca de mayor identidad y acercamiento a ciertos públicos.

Uno de los principales problemas del mercado mexicano, es que mucha gente prefiere comprar artículos usados o de segunda mano para ahorrar dinero por un objeto deseado. Las consolas de videojuegos, smartphones, computadoras y los instrumentos musicales, caen en esta categoría debido a los problemas recientes en la economía.

Algunas empresas nacientes están impulsando artistas locales. Sin embargo, el patrocinio en productos de audio producción o musicales representan a nivel global un 10 a 12 % respecto al patrocinio deportivo que es más rentable para las empresas por su modelo de negocio.

Los acuerdos en México se complican porque la infraestructura de compra de artículos originales está siendo disminuida por la integración de marcas chinas. Hasta hace un tiempo, empresas como Autec y Coreelo iniciaban la lucha por los patrocinios ante el desaire de las grandes empresas. 

Sin embargo, las políticas económicas han mermado a estos nuevos intentos y en algunos casos, han decidido dejar de producir equipos mexicanos de venta masiva por la reventa de artículos de origen chino.

Conclusión

El patrocinio en audio producción, no es una industria de lo gratuito y representa un acuerdo basado en la experiencia y audiencia de exposición.

En México, la integración de patrocinios está muy reservada y es más grande para estrategia de marketing deportivo. Existen eventos de difusión y clínicas que se están realizando con mayor frecuencia en el interior de la república, pero son eventos aislados y se promueven más en las grandes expos como la Expo Sound Check. 

¿Qué busca un patrocinador?... Bueno, en el siguiente post daremos algunas bases para un acercamiento benéfico a un posible patrocinador.

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viernes, 21 de noviembre de 2014

Viernes de Video: Interstellar y su diseño de sonido...



Se estrenó hace unos días la nueva película de Christopher Nolan. Un grupo de astronautas viajan a través de un "agujero de gusanos" en busca de un nuevo planeta que sustente la vida terrestre.

El argumento principal hace volar la imaginación sobre el diseño de sonido que requiere un film de esta naturaleza. Sin embargo, Nolan prefirió mantenerlo lo más limpio posible.

Soundworks es la empresa que lo hizo posible a través Richard King y su equipo de trabajo, quien ya ha trabajado con Nolan en "The Dark Night".

King ha ganado el Oscar como diseñador y supervisor de diseño de sonido en películas como "Master & Commander: The Far Side of World", "The Dark Night", "Inception"  y nominado por "War of the worlds".

En este breve documental emitido por Soundworks, nos muestra la visión de Nolan para este proyecto y algunos "behind scenes" sobre el diseño de sonido de esta película que se perfila como nominada a varios premios en el mundo.

Subtitulado en exclusiva por Ad Libitum para nuestro canal de YouTube.

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jueves, 20 de noviembre de 2014

Eligiendo la interfaz adecuada... Parte 2



Retomamos el tópico de la entrada anterior. Ya conocemos las características principales para elegir una interfaz de grabación a disco duro. Ahora vamos a proyectar las variantes de interfaces de acuerdo a las necesidades de cada campo en Audio Producción.

Broadcasting (Radio, TV, Cortometrajes, Podcasting,Videoblog)

Requerimientos básicos
2 o 4 entradas de Micrófono XLR/Line
Phantom Power
1 o 2 salidas de audífono (preferentemente)
2 salidas adicionales de las principales
Compatibilidad ASIO y WMD
USB, Firewire o Thunderbolt

Extras
Salida SPDIF
MIDI In/Out

Recomendaciones: Evitar interfaces con salidas RCA, considerar controlador de edición digital, software o plugins de limpieza de tracks y audífonos.

Pre Producción Musical, Diseño de Sonido, Composición, Plataformas MIDI, DJ's Remixing.

2-4 Entradas de Micrófono XLR/LIne
Phantom Power
1-2 Salidas de Audífonos
2-4 Salidas auxiliares adicionales a Main Out
MIDI In/Out
SPDIF
Compatibilidad ASIO,WMD.
USB, Firewire o Thunderbolt

Recomendaciones: Considerar la compra de un controlador MIDI, evitar salidas RCA .

Producción Musical en Vivo y Estudio

8 -32 Entradas de Micrófono XLR/Line
Phantom Power
Pad Atenuador
2 salidas de Audífonos
4-8 Salidas adicionales a Main Out
Midi In/Out
SPDIF
ADAT In/Out
Word Clock
Conectividad (MADI o S/MUX)
Firewire o Thunderbolt (USB limitado a 16 tracks)

Recomendaciones: 
Adquirir 2 interfaces de la misma marca o verificar reviews de compatibilidad entre distintos modelos.
Si existen 2 interfaces distintas, considerar a la más reciente como unidad maestra.
Considerar la compra de un controlador digital de mezcla.

Conclusión
Muchas veces compramos interfases más caras con entradas adicionales "por si se ofrece" en el futuro. Esto de planear crecer es buena opción, sin embargo hay que considerar la compra del equipo para una duración aproximada de 3 a 5 años con la tarea que llevaremos a cabo. Si nuestro sistema maneja solamente edición para sistema broadcast, dificilmente se utilizarán más allá de un par de salidas adicionales al Main Out.

Delimitar el campo de mercado nos servirá más a nuestro propósito. He estado en situaciones donde a pesar de tener una interfase de 8 tracks 24 bits 96 Khz, solamente se ocupa para monitorear spots en sistema monoaural, lo que supone un desperdicio de requerimientos. 

Sea cual sea la finalidad de tu interfaz, considerala una opción base. Es mejor invertir 3500 en una interfase de calidad decente a 2 tracks, que 5000 por una unidad con 8 entradas, malos preamplificadores y compatibilidad dudosa entre software.

Rafael Mendoza produce con interfaces desde hace 16 años... 
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martes, 18 de noviembre de 2014

Eligiendo la interfaz adecuada... Parte I



Grabar en casa ya era una particularidad durante los años 70. Aunque se consideraba caro contar con una grabadora portastudio o de carrete abierto, la verdadera evolución de los sistemas digitales inició durante los años 80's.

Actualmente, la disponibilidad de interfaces digitales en el mercado actual es tan amplia que muchas veces causa confusión sobre su verdaderas capacidades. 


Comprar una interfaz que satisfaga las necesidades de nuestros requerimientos de audio producción puede ayudar a ahorrar algo de dinero o potenciar las posibilidades de nuestro campo.


En este artículo de dos partes, te mostraré algunas consideraciones básicas para elegir lo mejor de acuerdo a tus necesidades.

Entradas y salidas

Siempre se considera el número de entradas y salidas como el requerimiento más importante para seleccionar una interfaz. Realmente un sistema 16x8 no dice nada al consumidor, puesto que lo que debe ser más importante es conocer que tipo de conexiones puede soportar.

Las entradas XLR (micrófono) actualmente son comunes en diversas interfaces y algunas soportan entradas de plug 1/4 (guitarras, teclados) al mismo tiempo. Anteriormente la mayoría de las interfaces solamente manejaban entradas de plug 1/4 donde se enviaban las señales pre-amplificadas por una consola a través de las salidas directas.

Actualmente existen interfaces con estas características en sistemas de alto rango y cada vez son más comunes las que incluyen entradas de micrófono directas.

Las ventajas de conectar directamente los micrófonos a las interfaces son una fácil transportación y ampliar significativamente el número de canales disponibles a través de expansiones de pre amplificadores. La desventaja principal es la calidad de algunos de estos pre amplificadores de rango económico que podrían colorear la señal o dar la impresión de un pre amplificador tan cristalino que se considera "frio"

El número de entradas plug de 1/4 puede apoyar la grabación de guitarras, bajos y teclados porque utilizan un nivel operativo distinto del XLR. Sin embargo, grabar a través del XLR utilizando una caja directa es mucho mejor opción y equipos como tornamesas podrían requerir un pre amplificador Phono para funcionar de mejor manera.

Entradas y Salidas Digitales

Normalmente se incluyen en formatos AES/EBU, ADAT, MADI o SPDIF. Se trata de conexiones entre equipo que puede manejar canales simultáneos respetando sincronía entre interfaces. Los controladores normales (ASIO, WDM) no son muy estables para mantener "amarrados" los sistemas. Por ello estas interfaces normalmente también incluyen entradas de Word Clock (BNC) para asegurar esta sincronía.

¿Cuántas entradas y salidas en realidad?

La mayoría de las marcas utilizan los factores más altos de entradas y salidas como estímulo de venta.
Algunos pueden manejar interfases 16x8, 20x8 y hasta 32x12.
Según su estrategia de venta, estás comprando una interfase de 16 entradas con 8 salidas, pero el número de entradas físicas es sólo 4 u 8 conexiones. Normalmente se refieren a la suma de configuraciones internas de ruteo por software. 

Elige adecuadamente basado en el número de entradas disponibles más que los ruteos digitales si tu misión es capturar el número mayor número de canales simultáneos posibles. Por el contrario, si requieres hacer post producción externa, lo ideal es poseer el mayor número de ruteos digitales disponibles.


Pads atenuadores

El pad atenuador permite controlar mejor los niveles de entrada con mayor intensidad. Tal vez tengas un baterista que disfruta reventar los oídos de la audiencia al golpear la tarola. A pesar de bajar el nivel de entrada la señal podría clipear y distorsionar. Ante esta situación, el pad proveerá una atenuación de entre - 20 y -40 dB en algunas interfaces. Con ello tendrás bajo control las señales más intensas.

Phantom Power

Los micrófonos de condensador requieren un voltaje de 48 volts para funcionar que se envía a través del cable del micrófono. La mayoría de las interfaces proveen esta capacidad actualmente, pero he visto modelos donde sólo están permitidos en 2 o 4 entradas solamente. Revisa bien esta posibilidad.

Entradas de alta impedancia (Hi-Z) 

Cada vez es menos común encontrar las entradas de línea rotuladas con la leyenda "Hi-Z". En realidad son entradas de plug 1/4 para conectar guitarras, teclados o bajos con un voltaje adecuado para estos instrumentos. La mayoría de las interfaces actuales incluyen estas opciones en entradas híbridas, conectores XLR con una entrada de 1/4 en medio que se modifica automáticamente con el conector y algunas utilizan un switch para modificarlo.

S/MUX

Cada vez más común en las conexiones digitales, se refiere a la capacidad del sistema para manejar la trasferencia de datos a altas resoluciones.

Un conector ADAT digital, puede manejar sin problemas 8 canales a una resolución de 44.1 o 48 khz. Sin embargo, cuando sube a 88.1 y 96 khz, el número de canales se reduce a la mitad, proveyendo solamente 4 canales de transferencia en pares. 

Difícilmente requerirás utilizar una alta resolución de transferencia si haces grabaciones caseras, pero debes considerarlo para realizar vaciados de alta transferencia a sistemas de cinta digital o trabajos de sincronía audio con video.

Conclusión

Hasta aquí tenemos la primer parte de este artículo pues es mucha información por digerir. En la segunda y última parte pondré ejemplos claros de aplicaciones para algunas de las interfaces más comunes y las posibilidades que pueden ofrecer de acuerdo a los diversos campos en audio producción.

Rafael Mendoza asesora en Ad Libitum
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viernes, 14 de noviembre de 2014

Viernes de Video: A Bad Day At The Office



El 24 de Junio de 1973, Pink Floyd se presenta en Detroit, Michigan durante su gira de presentación para el recién salido "The Dark Side Of The Moon".

Una grabadora permanece como testigo de la conversación por intercom entre Arthur Max y su improvisado equipo de operadores de spotlights.

La legislación de Estados Unidos, estipulaba que en los eventos extranjeros, se debía emplear al personal de los locales. La sindicalización de empresas de espectáculos no quería perder recursos y los contratantes debían cumplir con estos requisitos.

Era común realizar este tipo de intercambios de operadores, sin embargo, una producción como la que Pink Floyd llevaba, quedaba fuera de cualquier estándar.

Una grabadora capta esa noche de 1973, los esfuerzos del diseñador de iluminación por sacar el proyecto adelante. 

Cliff Port, un cineasta fanático de Pink Floyd recuperó el audio de aquella noche y animó este pequeño corto que llamó "A Bad Day At The Office".

Lo presentó como parte de la celebración de los 40 años de lanzamiento de "The Dark Side Of The Moon" en el Festival de Glastonbury en 2013.

Un documento que refleja 12 minutos de lo que ocurre previo a un evento de producción y las voces anónimas de aquellos que hacen una labor titánica para cumplir con un espectáculo de calidad.

Un homenaje a todos aquellos que detrás de bambalinas nos ofrecen conciertos impresionantes, pero sobre todo recordar el poder de un documento sonoro.

Ha sido subtitulado enteramente por Ad Libitum para ustedes a través de Notas de Producción.

Disfrútenlo y compártanlo...
 

jueves, 13 de noviembre de 2014

Youtube Music Key: La pelea inicia



Ayer YouTube anunció lo que habíamos estado mencionando los últimos meses. Spotify ha ganado un mercado importante a través de la distribución musical los últimos años y las luces rojas se han encendido en Apple.

YouTube liberó ayer la primer versión beta del servicio "Music Key" en los 7 países de mayor consumo en recursos musicales digitales (Estados Unidos, Gran Bretaña, España, Portugal, Italia, Irlanda y Finlandia).

¿Que hará diferente a YouTube por encima de sus competidores más cercanos?

Streaming en serio

YouTube lleva años puliendo su plataforma streaming basada en contenidos de video. Transmitir video por internet requiere de una plataforma más poderosa, pues la velocidad de datos por segundo de empuje debe ser constante para evitar cuadros perdidos.

La monetización que ha generado este tipo de servicios para las grandes disqueras y artistas, suponen el mejor argumento de venta para YouTube.

Hasta ayer, artistas como Adele y     serían bloqueados de los servicios si no firmaban el acuerdo de YouTube para la distribución a través de la nueva plataforma.

El servicio será provisto a través de una aplicación que costará 9.99 Euros y que elimina los anuncios en la reproducción de videos, así como contenidos exclusivos y lanzamientos por parte de disqueras. Warner Music ha sido la primera en firmar el lanzamiento de contenido exclusivo a través de la plataforma de video.


¿Spotify debe preocuparse?

Aunque recientemente la salida de Taylor Swift del catálogo supuso un pequeño "escándalo" generado por parte de la artista, la realidad es que Spotify tiene bien delimitado su segmento de mercado. El playlist sigue siendo una alternativa puramente auditiva, que ofrece beneficios específicos a los amantes de la música.

Quien si podría ponerse un poco incómodo con la situación es Apple a través de su servicio de iTunes, puesto que ha visto descender dramáticamente las ventas a través de su sitio web y con la pérdida de streaming en video va a tener que buscar formas nuevas de negociar estos productos.

También hay que resaltar, que iRadio no ha conseguido consolidarse o dar de que hablar recientemente. Esperaremos algunos meses para ver la respuesta del gigante de Silicon Valley.

Conclusión

YouTube no tiene competidor en este espacio porque lleva a un nuevo nivel las suscripciones en música y video. Su experiencia en el mercado lo hace un soporte inmejorable de transmisión y sus alianzas con Google a través de Google Play puede realizar ajustes a su estrategia ilimitadamente.

Estamos por iniciar una nueva era en la distribución musical y sobre todo en el manejo de contenidos. Ahora puede ser una oportunidad para insistir que el material deberá tener estándares de calidad más altos no sólo en la parte técnica, sino en el desarrollo e idea creativa.

Rafael Mendoza sube videos a través de YouTube.
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martes, 11 de noviembre de 2014

Ganancias post mortem: ¿Se puede vender más muerto que vivo?



La industria del entretenimiento tiene la facultad de crear vínculos emocionales profundos con el consumidor.
Una vez que todo el aparato mercadotécnico ha sido puesto en marcha, difícilmente se detendrá hasta no exprimir el último centavo posible.

La nostalgia es uno de las emociones que prácticamente lo vende todo. La revista Forbes acaba de lanzar su top de los 10 artistas que siguen vendiendo después de muertos y que más ganaron en el último año. Las cifras manejadas son bastante impresionantes para alguien que ya no tiene cuerpo físico en esta tierra.


1.- Michael Jackson: A nadie le gustó el holograma presentado en los premios Billboard pasados, aunque ya se ha trabajado anteriormente con artistas como Elvis Presley y Tupac. Sin embargo, este nuevo modelo de resucitar a los artistas ya demostró su potencial. Michael Jackson generó 140 millones de dólares, ubicándolo en la primera posición.

2.- Elvis Presley: Su managment ya está planeando su regreso en holograma, pues se ha mantenido vigente en el espectáculo que Cirque du Soleil ha dedicado al artista. Con 55 millones de dólares generado este año, se queda un poco detrás del número 1.

3.-Charles Shultz: Creador de Peanuts ganó 40 millones de dólares y se espera que el siguiente año se incremente con la salida de la película 3D de sus personajes.

4.-Elizabeth Taylor: 25 millones y se esperan nuevos espectáculos 3D

5.- Bob Marley: Increíblemente y por encima de otros artistas de su generación, Marley sigue vendiendo gracias a su modelo diversificado. Desde café, ropa y hasta su modelo de grabación eco-amigable, se llevó 20 millones de dólares este año.

6.- Marilyn Monroe: 17 millones recaudados gracias a su leyenda y recientemente una línea de ropa lanzada con su nombre.

7.- John Lennon: Sorpresivamente y con 12 millones de dólares, Lennon queda por debajo de 4 lugares del Rey del Rock gracias a las ventas en iTunes y acuerdos de comercialización con distintas empresas.

8.- Albert Einstein: El único científico de la lista. 11 millones de dólares para un ícono de la ciencia que ahora cuenta con su propia línea de tabletas diseñadas para el científico actual y una lista impresionante de merchandising con su imagen.

9.- Theodore Geisel: Mejor conocido como Dr. Seuss ha incrementado los ingresos gracias a la venta de licencias para realizar películas sobre sus personajes. 9 millones de dólares este año

10.- Bruce Lee: Quien lo diría... Todavía genera ingresos con sus apariciones en películas de culto. empatado con Dr. Seuss con 9 millones.

La lista continúa con Steve McQueen, Betty Page (de quien se espera holograma este año) y James Dean.

Conclusión
Las técnicas digitales para recrear a personajes del pasado se está convirtiendo en la fuente de nuevas formas de comercializar. Ya habíamos tratado el caso de Michael Jackson y su aparición en los premios Billboard. que ahora confirma que invertir en esta tecnología deja sus dividendos.

Seguramente los artistas actuales iniciarán una cruzada por hacer capturas digitales de sus cuerpos para uso posterior en los años venideros.

Siempre desconoceremos si Michael Jackson se hubiese querido jubilar después de un tiempo. Por el momento ya no hay excusa para seguir explotando su marca.

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