Patrocinios: ¿Cómo obtener uno?

El sueño dorado del músico, ingeniero o atleta: Un patrocinio.

En el artículo pasado explicamos a grandes rasgos lo que representa un patrocinio y la realidad de los mismos en el país y una gran parte del mundo.

Hoy veremos las 5 razones principales de evaluación para un patrocinio.

1.- Alcance de personas: ¿Cuantas personas tienes de fans?, ¿son constantes?, ¿visitan tus redes e interactúan más allá de un par de comentarios?. Una base de fans se construye con esfuerzo y constancia. Los fans saben que quieren saber de tí y esperan que se los digas. De otra forma se alejan de tus redes instantáneamente.

2.- Espacio de regionalización: Tu base de fans es local, municipal, estatal, nacional. Entre más alcance tengas eres mejor elegible. También interviene el tipo de género al que te integres. ¿Son estos fans capaces de adquirir el artículo de un patrocinador?. Realiza encuestas a tus fans.

3.- ¿Utilizas la marca desde hace tiempo?: Un patrocinador te pedirá demuestres que utilizas su marca y que la conoces bien. Que puedes referirla como una base de desarrollo personal y la forma en que interactúas con ella. Los mejores patrocinios llegan con el uso creativo del producto. Se trata de utilizar creativamente un producto como parte de tu sonido. Tampoco esperes obtener un kit de micrófonos gratis cuando utilizas una serie comúnmente en los instrumentos señalados por el fabricante. Si eres músico, debes tener elementos sólidos que te hayan llevado a integrar un estilo único en base a un producto. 3 años es lo mínimo que podría considerar un patrocinador.

4.- ¿Porqué deberían patrocinarte?: La pregunta del millón tiene miles de respuestas, pero finalmente se trata de explicar si estás conciente del alcance de tu poder de patrocinio. Normalmente se utiliza argumentación de lo que podría ser o ayudarte un patrocinio. Sin embago, el patrocinador espera que le digas que has hecho sin patrocinio y cómo te sientes identificado con la marca. Razones directas y concisas de porqué prefieres su producto y cómo reflejas ese uso en tu persona.

5.- ¿Quien te patrocinaría?: Una pregunta común es si podría patrocinarte alguien más aparte de la marca que estás buscando. La mayoría de las marcas firman convenios de exclusividad y pocas veces usan alianzas estratégicas con otras marcas. Cuando un ingeniero anuncia una consola Yamaha, normalmente se centrará en los productos Yamaha como opciones de soporte. Hablará de opciones en micrófonos y aparatos que Yamaha no produzca, sin embargo, no podrá mencionar otra consola o marcas de consolas contrarias.

Conclusión

Si tienes un gran nombre o estás trabajando con grandes nombres, un patrocinio llegará sin pedirlo. De hecho, el esfuerzo para conseguirlo a veces vale la pena y otras tantas no, simplemente porque puedes estar lidiando con marcas que buscan un posicionamiento más específico de su producto. Algunos patrocinados se quejan que los invitan a pocos eventos, pero están ahí porque la marca que los patrocina los considera solamente para cierto tipo de mercado.

Lo ideal es centrarte en el desarrollo de tu trabajo y dejar que el patrocinador se encuentre un día con algo que hayas hecho, se cuestione si tienes una base de gente que te siga y entonces dará el siguiente paso.

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Patrocinios de marca: Los mitos más comunes...

Si, es toda una aventura. Te levantas y vas a tocar a los mejores escenarios posibles. Puedes tomar aviones y dar entrevistas. Atiendes temprano a tu club de fans vía Twitter y Facebook, llegas al escenario y enciendes todo el reluciente equipo que has obtenido gratis por parte de tu patrocinador.

Sólo hay un pequeño detalle en esta historia... el equipo gratis es una mentira.

Se supone que mucha gente visualiza el patrocinio (endorsment en inglés) como un acuerdo entre dos partes que se ayudan simbióticamente y precisamente se trata de ello. Sin embargo, no significa que sea gratis para una de estas partes.

Entonces ¿qué es un patrocinio?

Es un acuerdo comercial en el que una empresa o marca, utiliza la imagen y nombre de una persona con fines promocionales. La clave para entenderlo es la palabra "utiliza", porque se trata de una opción entre muchas para promocionar. Es decir, el artista o deportista, autoriza a la marca o empresa para incorporarlo a su campaña de publicidad y formas de marketing a cambio de una retribución.

Aunque los patrocinios implican una retribución, no existe una ley que obligue a aportarlo en bienes monetarios. Una de las fallas más comunes es considerar que se puede aplicar de igual forma un patrocinio deportivo a una figura artística.

En los deportes es más común el arreglo monetario porque el mercado lo permite. Sin embargo, estos arreglos se realizan entre empresas. Por ejemplo Nike tiene un arreglo con el Barcelona, lo que implica que todos los jugadores de este equipo deben portar el logotipo en sus camisetas y respetar las políticas de patrocinio.

Las apariciones de Messi en el pan Bimbo no se considera patrocinio sino campaña de marketing. Ahí la cosa cambia. 

¿Pero que ocurre en el mercado de audio producción?

Tanto artistas, intérpretes, músicos, ingenieros y productores, trabajan bajo un esquema menos considerado. Los patrocinios en este sentido se están basando principalmente en el número de audiencia que pueden alcanzar y los beneficios que se obtienen.

Un baterista local, puede influir en una zona comercial predeterminada o consumidores de producto en un género específico. Normalmente un patrocinio se refleja en descuentos sobre ciertos productos, como playeras, cuerdas o modelos específicos de equipo e instrumentos. 

En personajes con más influencia dentro de su mercado, el patrocinio los utiliza como referencia de uso en equipamiento y testimonio de venta. Algunos cuentan con la posibilidad de hacer pruebas sobre los productos y emitir opiniones sobre su diseño, portabilidad, facilidad de uso y mejoras posibles para prototipos posteriores.

Si el artista decide quedarse con el producto, puede obtenerlo en algún periodo de tiempo para liquidarlo con un descuento aplicable sobre ese producto.

Siempre existe una relación comercial y pocas cosas son gratuitas, generalmente artículos promocionales de las campañas de marketing.

¿Que ocurre en México?

En Estados Unidos, esta figura ya está un poco más conceptualizada que en nuestro país. Sin embargo, algunas empresas ya están aplicando cada vez más sobre artistas latinos en busca de mayor identidad y acercamiento a ciertos públicos.

Uno de los principales problemas del mercado mexicano, es que mucha gente prefiere comprar artículos usados o de segunda mano para ahorrar dinero por un objeto deseado. Las consolas de videojuegos, smartphones, computadoras y los instrumentos musicales, caen en esta categoría debido a los problemas recientes en la economía.

Algunas empresas nacientes están impulsando artistas locales. Sin embargo, el patrocinio en productos de audio producción o musicales representan a nivel global un 10 a 12 % respecto al patrocinio deportivo que es más rentable para las empresas por su modelo de negocio.

Los acuerdos en México se complican porque la infraestructura de compra de artículos originales está siendo disminuida por la integración de marcas chinas. Hasta hace un tiempo, empresas como Autec y Coreelo iniciaban la lucha por los patrocinios ante el desaire de las grandes empresas. 

Sin embargo, las políticas económicas han mermado a estos nuevos intentos y en algunos casos, han decidido dejar de producir equipos mexicanos de venta masiva por la reventa de artículos de origen chino.

Conclusión

El patrocinio en audio producción, no es una industria de lo gratuito y representa un acuerdo basado en la experiencia y audiencia de exposición.

En México, la integración de patrocinios está muy reservada y es más grande para estrategia de marketing deportivo. Existen eventos de difusión y clínicas que se están realizando con mayor frecuencia en el interior de la república, pero son eventos aislados y se promueven más en las grandes expos como la Expo Sound Check. 

¿Qué busca un patrocinador?... Bueno, en el siguiente post daremos algunas bases para un acercamiento benéfico a un posible patrocinador.

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Viernes de Video: Interstellar y su diseño de sonido...

Se estrenó hace unos días la nueva película de Christopher Nolan. Un grupo de astronautas viajan a través de un "agujero de gusanos" en busca de un nuevo planeta que sustente la vida terrestre.

El argumento principal hace volar la imaginación sobre el diseño de sonido que requiere un film de esta naturaleza. Sin embargo, Nolan prefirió mantenerlo lo más limpio posible.

Soundworks es la empresa que lo hizo posible a través Richard King y su equipo de trabajo, quien ya ha trabajado con Nolan en "The Dark Night".

King ha ganado el Oscar como diseñador y supervisor de diseño de sonido en películas como "Master & Commander: The Far Side of World", "The Dark Night", "Inception"  y nominado por "War of the worlds".

En este breve documental emitido por Soundworks, nos muestra la visión de Nolan para este proyecto y algunos "behind scenes" sobre el diseño de sonido de esta película que se perfila como nominada a varios premios en el mundo.

Subtitulado en exclusiva por Ad Libitum para nuestro canal de YouTube.

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Eligiendo la interfaz adecuada... Parte 2

Retomamos el tópico de la entrada anterior. Ya conocemos las características principales para elegir una interfaz de grabación a disco duro. Ahora vamos a proyectar las variantes de interfaces de acuerdo a las necesidades de cada campo en Audio Producción.

Broadcasting (Radio, TV, Cortometrajes, Podcasting,Videoblog)

Requerimientos básicos

2 o 4 entradas de Micrófono XLR/Line

Phantom Power

1 o 2 salidas de audífono (preferentemente)

2 salidas adicionales de las principales

Compatibilidad ASIO y WMD

USB, Firewire o Thunderbolt

Extras

Salida SPDIF

MIDI In/Out

Recomendaciones: Evitar interfaces con salidas RCA, considerar controlador de edición digital, software o plugins de limpieza de tracks y audífonos.

Pre Producción Musical, Diseño de Sonido, Composición, Plataformas MIDI, DJ's Remixing.

2-4 Entradas de Micrófono XLR/LIne

Phantom Power

1-2 Salidas de Audífonos

2-4 Salidas auxiliares adicionales a Main Out

MIDI In/Out

SPDIF

Compatibilidad ASIO,WMD.

USB, Firewire o Thunderbolt

Recomendaciones: Considerar la compra de un controlador MIDI, evitar salidas RCA .

Producción Musical en Vivo y Estudio

8 -32 Entradas de Micrófono XLR/Line

Phantom Power

Pad Atenuador

2 salidas de Audífonos

4-8 Salidas adicionales a Main Out

Midi In/Out

SPDIF

ADAT In/Out

Word Clock

Conectividad (MADI o S/MUX)

Firewire o Thunderbolt (USB limitado a 16 tracks)

Recomendaciones: 

Adquirir 2 interfaces de la misma marca o verificar reviews de compatibilidad entre distintos modelos.

Si existen 2 interfaces distintas, considerar a la más reciente como unidad maestra.

Considerar la compra de un controlador digital de mezcla.

Conclusión

Muchas veces compramos interfases más caras con entradas adicionales "por si se ofrece" en el futuro. Esto de planear crecer es buena opción, sin embargo hay que considerar la compra del equipo para una duración aproximada de 3 a 5 años con la tarea que llevaremos a cabo. Si nuestro sistema maneja solamente edición para sistema broadcast, dificilmente se utilizarán más allá de un par de salidas adicionales al Main Out.

Delimitar el campo de mercado nos servirá más a nuestro propósito. He estado en situaciones donde a pesar de tener una interfase de 8 tracks 24 bits 96 Khz, solamente se ocupa para monitorear spots en sistema monoaural, lo que supone un desperdicio de requerimientos. 

Sea cual sea la finalidad de tu interfaz, considerala una opción base. Es mejor invertir 3500 en una interfase de calidad decente a 2 tracks, que 5000 por una unidad con 8 entradas, malos preamplificadores y compatibilidad dudosa entre software.

Rafael Mendoza produce con interfaces desde hace 16 años... 

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Eligiendo la interfaz adecuada... Parte I

Grabar en casa ya era una particularidad durante los años 70. Aunque se consideraba caro contar con una grabadora portastudio o de carrete abierto, la verdadera evolución de los sistemas digitales inició durante los años 80's.

Actualmente, la disponibilidad de interfaces digitales en el mercado actual es tan amplia que muchas veces causa confusión sobre su verdaderas capacidades. 

Comprar una interfaz que satisfaga las necesidades de nuestros requerimientos de audio producción puede ayudar a ahorrar algo de dinero o potenciar las posibilidades de nuestro campo.

En este artículo de dos partes, te mostraré algunas consideraciones básicas para elegir lo mejor de acuerdo a tus necesidades.

Entradas y salidas

Siempre se considera el número de entradas y salidas como el requerimiento más importante para seleccionar una interfaz. Realmente un sistema 16x8 no dice nada al consumidor, puesto que lo que debe ser más importante es conocer que tipo de conexiones puede soportar.

Las entradas XLR (micrófono) actualmente son comunes en diversas interfaces y algunas soportan entradas de plug 1/4 (guitarras, teclados) al mismo tiempo. Anteriormente la mayoría de las interfaces solamente manejaban entradas de plug 1/4 donde se enviaban las señales pre-amplificadas por una consola a través de las salidas directas.

Actualmente existen interfaces con estas características en sistemas de alto rango y cada vez son más comunes las que incluyen entradas de micrófono directas.

Las ventajas de conectar directamente los micrófonos a las interfaces son una fácil transportación y ampliar significativamente el número de canales disponibles a través de expansiones de pre amplificadores. La desventaja principal es la calidad de algunos de estos pre amplificadores de rango económico que podrían colorear la señal o dar la impresión de un pre amplificador tan cristalino que se considera "frio"

El número de entradas plug de 1/4 puede apoyar la grabación de guitarras, bajos y teclados porque utilizan un nivel operativo distinto del XLR. Sin embargo, grabar a través del XLR utilizando una caja directa es mucho mejor opción y equipos como tornamesas podrían requerir un pre amplificador Phono para funcionar de mejor manera.

Entradas y Salidas Digitales

Normalmente se incluyen en formatos AES/EBU, ADAT, MADI o SPDIF. Se trata de conexiones entre equipo que puede manejar canales simultáneos respetando sincronía entre interfaces. Los controladores normales (ASIO, WDM) no son muy estables para mantener "amarrados" los sistemas. Por ello estas interfaces normalmente también incluyen entradas de Word Clock (BNC) para asegurar esta sincronía.

¿Cuántas entradas y salidas en realidad?

La mayoría de las marcas utilizan los factores más altos de entradas y salidas como estímulo de venta.

Algunos pueden manejar interfases 16x8, 20x8 y hasta 32x12.

Según su estrategia de venta, estás comprando una interfase de 16 entradas con 8 salidas, pero el número de entradas físicas es sólo 4 u 8 conexiones. Normalmente se refieren a la suma de configuraciones internas de ruteo por software. 

Elige adecuadamente basado en el número de entradas disponibles más que los ruteos digitales si tu misión es capturar el número mayor número de canales simultáneos posibles. Por el contrario, si requieres hacer post producción externa, lo ideal es poseer el mayor número de ruteos digitales disponibles.

Pads atenuadores

El pad atenuador permite controlar mejor los niveles de entrada con mayor intensidad. Tal vez tengas un baterista que disfruta reventar los oídos de la audiencia al golpear la tarola. A pesar de bajar el nivel de entrada la señal podría clipear y distorsionar. Ante esta situación, el pad proveerá una atenuación de entre - 20 y -40 dB en algunas interfaces. Con ello tendrás bajo control las señales más intensas.

Phantom Power

Los micrófonos de condensador requieren un voltaje de 48 volts para funcionar que se envía a través del cable del micrófono. La mayoría de las interfaces proveen esta capacidad actualmente, pero he visto modelos donde sólo están permitidos en 2 o 4 entradas solamente. Revisa bien esta posibilidad.

Entradas de alta impedancia (Hi-Z) 

Cada vez es menos común encontrar las entradas de línea rotuladas con la leyenda "Hi-Z". En realidad son entradas de plug 1/4 para conectar guitarras, teclados o bajos con un voltaje adecuado para estos instrumentos. La mayoría de las interfaces actuales incluyen estas opciones en entradas híbridas, conectores XLR con una entrada de 1/4 en medio que se modifica automáticamente con el conector y algunas utilizan un switch para modificarlo.

S/MUX

Cada vez más común en las conexiones digitales, se refiere a la capacidad del sistema para manejar la trasferencia de datos a altas resoluciones.

Un conector ADAT digital, puede manejar sin problemas 8 canales a una resolución de 44.1 o 48 khz. Sin embargo, cuando sube a 88.1 y 96 khz, el número de canales se reduce a la mitad, proveyendo solamente 4 canales de transferencia en pares. 

Difícilmente requerirás utilizar una alta resolución de transferencia si haces grabaciones caseras, pero debes considerarlo para realizar vaciados de alta transferencia a sistemas de cinta digital o trabajos de sincronía audio con video.

Conclusión

Hasta aquí tenemos la primer parte de este artículo pues es mucha información por digerir. En la segunda y última parte pondré ejemplos claros de aplicaciones para algunas de las interfaces más comunes y las posibilidades que pueden ofrecer de acuerdo a los diversos campos en audio producción.

Rafael Mendoza asesora en Ad Libitum

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Viernes de Video: A Bad Day At The Office

El 24 de Junio de 1973, Pink Floyd se presenta en Detroit, Michigan durante su gira de presentación para el recién salido "The Dark Side Of The Moon".

Una grabadora permanece como testigo de la conversación por intercom entre Arthur Max y su improvisado equipo de operadores de spotlights.

La legislación de Estados Unidos, estipulaba que en los eventos extranjeros, se debía emplear al personal de los locales. La sindicalización de empresas de espectáculos no quería perder recursos y los contratantes debían cumplir con estos requisitos.

Era común realizar este tipo de intercambios de operadores, sin embargo, una producción como la que Pink Floyd llevaba, quedaba fuera de cualquier estándar.

Una grabadora capta esa noche de 1973, los esfuerzos del diseñador de iluminación por sacar el proyecto adelante. 

Cliff Port, un cineasta fanático de Pink Floyd recuperó el audio de aquella noche y animó este pequeño corto que llamó "A Bad Day At The Office".

Lo presentó como parte de la celebración de los 40 años de lanzamiento de "The Dark Side Of The Moon" en el Festival de Glastonbury en 2013.

Un documento que refleja 12 minutos de lo que ocurre previo a un evento de producción y las voces anónimas de aquellos que hacen una labor titánica para cumplir con un espectáculo de calidad.

Un homenaje a todos aquellos que detrás de bambalinas nos ofrecen conciertos impresionantes, pero sobre todo recordar el poder de un documento sonoro.

Ha sido subtitulado enteramente por Ad Libitum para ustedes a través de Notas de Producción.

Disfrútenlo y compártanlo...

 

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Youtube Music Key: La pelea inicia

Ayer YouTube anunció lo que habíamos estado mencionando los últimos meses. Spotify ha ganado un mercado importante a través de la distribución musical los últimos años y las luces rojas se han encendido en Apple.

YouTube liberó ayer la primer versión beta del servicio "Music Key" en los 7 países de mayor consumo en recursos musicales digitales (Estados Unidos, Gran Bretaña, España, Portugal, Italia, Irlanda y Finlandia).

¿Que hará diferente a YouTube por encima de sus competidores más cercanos?

Streaming en serio

YouTube lleva años puliendo su plataforma streaming basada en contenidos de video. Transmitir video por internet requiere de una plataforma más poderosa, pues la velocidad de datos por segundo de empuje debe ser constante para evitar cuadros perdidos.

La monetización que ha generado este tipo de servicios para las grandes disqueras y artistas, suponen el mejor argumento de venta para YouTube.

Hasta ayer, artistas como Adele y     serían bloqueados de los servicios si no firmaban el acuerdo de YouTube para la distribución a través de la nueva plataforma.

El servicio será provisto a través de una aplicación que costará 9.99 Euros y que elimina los anuncios en la reproducción de videos, así como contenidos exclusivos y lanzamientos por parte de disqueras. Warner Music ha sido la primera en firmar el lanzamiento de contenido exclusivo a través de la plataforma de video.

¿Spotify debe preocuparse?

Aunque recientemente la salida de Taylor Swift del catálogo supuso un pequeño "escándalo" generado por parte de la artista, la realidad es que Spotify tiene bien delimitado su segmento de mercado. El playlist sigue siendo una alternativa puramente auditiva, que ofrece beneficios específicos a los amantes de la música.

Quien si podría ponerse un poco incómodo con la situación es Apple a través de su servicio de iTunes, puesto que ha visto descender dramáticamente las ventas a través de su sitio web y con la pérdida de streaming en video va a tener que buscar formas nuevas de negociar estos productos.

También hay que resaltar, que iRadio no ha conseguido consolidarse o dar de que hablar recientemente. Esperaremos algunos meses para ver la respuesta del gigante de Silicon Valley.

Conclusión

YouTube no tiene competidor en este espacio porque lleva a un nuevo nivel las suscripciones en música y video. Su experiencia en el mercado lo hace un soporte inmejorable de transmisión y sus alianzas con Google a través de Google Play puede realizar ajustes a su estrategia ilimitadamente.

Estamos por iniciar una nueva era en la distribución musical y sobre todo en el manejo de contenidos. Ahora puede ser una oportunidad para insistir que el material deberá tener estándares de calidad más altos no sólo en la parte técnica, sino en el desarrollo e idea creativa.

Rafael Mendoza sube videos a través de YouTube.

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Ganancias post mortem: ¿Se puede vender más muerto que vivo?

La industria del entretenimiento tiene la facultad de crear vínculos emocionales profundos con el consumidor.

Una vez que todo el aparato mercadotécnico ha sido puesto en marcha, difícilmente se detendrá hasta no exprimir el último centavo posible.

La nostalgia es uno de las emociones que prácticamente lo vende todo. La revista Forbes acaba de lanzar su top de los 10 artistas que siguen vendiendo después de muertos y que más ganaron en el último año. Las cifras manejadas son bastante impresionantes para alguien que ya no tiene cuerpo físico en esta tierra.

1.- Michael Jackson: A nadie le gustó el holograma presentado en los premios Billboard pasados, aunque ya se ha trabajado anteriormente con artistas como Elvis Presley y Tupac. Sin embargo, este nuevo modelo de resucitar a los artistas ya demostró su potencial. Michael Jackson generó 140 millones de dólares, ubicándolo en la primera posición.

2.- Elvis Presley: Su managment ya está planeando su regreso en holograma, pues se ha mantenido vigente en el espectáculo que Cirque du Soleil ha dedicado al artista. Con 55 millones de dólares generado este año, se queda un poco detrás del número 1.

3.-Charles Shultz: Creador de Peanuts ganó 40 millones de dólares y se espera que el siguiente año se incremente con la salida de la película 3D de sus personajes.

4.-Elizabeth Taylor: 25 millones y se esperan nuevos espectáculos 3D

5.- Bob Marley: Increíblemente y por encima de otros artistas de su generación, Marley sigue vendiendo gracias a su modelo diversificado. Desde café, ropa y hasta su modelo de grabación eco-amigable, se llevó 20 millones de dólares este año.

6.- Marilyn Monroe: 17 millones recaudados gracias a su leyenda y recientemente una línea de ropa lanzada con su nombre.

7.- John Lennon: Sorpresivamente y con 12 millones de dólares, Lennon queda por debajo de 4 lugares del Rey del Rock gracias a las ventas en iTunes y acuerdos de comercialización con distintas empresas.

8.- Albert Einstein: El único científico de la lista. 11 millones de dólares para un ícono de la ciencia que ahora cuenta con su propia línea de tabletas diseñadas para el científico actual y una lista impresionante de merchandising con su imagen.

9.- Theodore Geisel: Mejor conocido como Dr. Seuss ha incrementado los ingresos gracias a la venta de licencias para realizar películas sobre sus personajes. 9 millones de dólares este año

10.- Bruce Lee: Quien lo diría... Todavía genera ingresos con sus apariciones en películas de culto. empatado con Dr. Seuss con 9 millones.

La lista continúa con Steve McQueen, Betty Page (de quien se espera holograma este año) y James Dean.

Conclusión

Las técnicas digitales para recrear a personajes del pasado se está convirtiendo en la fuente de nuevas formas de comercializar. Ya habíamos tratado el caso de Michael Jackson y su aparición en los premios Billboard. que ahora confirma que invertir en esta tecnología deja sus dividendos.

Seguramente los artistas actuales iniciarán una cruzada por hacer capturas digitales de sus cuerpos para uso posterior en los años venideros.

Siempre desconoceremos si Michael Jackson se hubiese querido jubilar después de un tiempo. Por el momento ya no hay excusa para seguir explotando su marca.

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Rammstein: Más allá del music business...

Rammstein lleva 20 años en el negocio musical. Nunca antes una banda alemana (incluyendo Scorpions) había desatado tanta polémica en el terreno del rock metal.

Recientemente, Taylor Swift decidió sacar su catálogo de la plataforma Spotify, bajo lo que consideró como una medida de protección a su marca.

Años antes, Rammstein había tomado la decisión de no integrarse a la plataforma playlist en línea, decisión que también tomaron artistas como AC/DC y en su momento Metallica (después se arrepintió o llegó a un jugoso acuerdo).

La polémica como forma de venta...

Rammstein se caracteriza por incitar las situaciones incómodas de la sociedad y restregarlas de manera cínica ante el espectador. Sus letras "amorosas" donde se resguardan temas como el incesto, la pedofilia, el canibalismo y el amor profundo pero por momentos obsesivo, lo han llevado a ganarse un espacio muy específico en el mercado musical.

Sus decisiones comerciales han superado los esquemas y paradigmas éticos del music business, sobre todo creando una estrategia llena de genialidad mercadotecnica.

Se ha polemizado profundamente la manera en que retratan ciertos hechos sociales y preservando el sentido de izquierda.

Varias veces se ha visto involucrado en críticas por parte de los medios y su forma de mediatizar la información.

Esto hace de Rammstein una franquicia siempre vigente, pues lo oculto, prohibido y hasta brutalmente honesto se ha convertido en una forma de venta en nuestra generación. La televisión no se salva de este esquema al tener programas como Breaking Bad, Dr. House y series de culto similares.

Merchandising y mercados más adultos

Rammstein no es fácil de digerir en cuanto merchandising se trata. Kiss ha rebasado los límites en ocasiones de una manera un tanto "divertida" con el lanzamiento de sus condones y hasta féretros personalizados.

Rammstein ha encontrado un vehículo mucho más permanente y sobre todo más objetivo. De entrada muchos de sus temas hablan al subconciente del adulto promedio. En sus videos ha quedado expuesto  que el placer humano es la fuente de sus acciones.

El estallido provino con el lanzamiento de "Pussy", un tema abiertamente explícito, que siembra las bases para sus posteriores mercados de venta.

Recientemente se lanzó un kit de juguetes para adultos en una caja especial con el nombre del grupo, que se ha vendido como pan caliente alrededor del mundo.

Alarmarse de este tipo de situaciones son las que precisamente, contribuyen a la venta no solo de estos kits, sino de videos, presentaciones y demás merchandising que el grupo maneja.

Conclusión

Rammstein ha sabido mantener su franquicia fresca a través de la incomodidad del que lo desaprueba más que de los seguidores. Utilizar las expresiones morales más inquietantes como modelo de negocio requiere de sutileza y control adecuado. Siempre han negado ese vínculo con lo polémico aunque si han aceptado abiertamente un doble discurso que puede ser interpretado por el consumidor.

Mientras otras bandas se preocupan por hacer conciertos por pedido, giras costosas con vestuarios salidos del futuro y hasta perfumes o muñecos con su imagen, Rammstein ha apostado a un mercado maduro, poseedor de recursos financieros suficientes, que llena sus estadios y compra su merchandising instantáneamente.

Su decisión de no integrarse a Spotify, habla de que para ellos es claro que su música no es el principal medio de ingresos. Es una de las pocas bandas que se ha manifestado por restituir el valor real de álbum para que el artista se beneficie de sus propios proyectos. Ellos mismos financian la mayoría de sus tours y videos, utilizando a la disquera como medio de distribución.

Pocas bandas han podido darse el lujo de participar en sus decisiones discográficas como Rammstein, aunque para la mayoría de los alemanes, la banda no representa sus mejores grupos o intérpretes. 

Rammstein también es muestra de que nadie es profeta en su tierra y que para establecerse como una banda sólida en un mercado competido, ubicar a la franquicia en el lugar correcto hace un gran porcentaje del trabajo.

Tardaremos varios años en encontrar algo similar en el mercado.. mientras tanto Taylor Swift deberá empezar a buscar nuevas formas de comercializar su imagen... Y no dudo que busque salir más allá del modelo 360..

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Viernes de Video: Rammstein en estudio

Rammstein es uno de los mayores vendedores de música metal en nuestros tiempos.
Hoy vamos a relajarnos un poco para mirar este video de sus inicios en el estudio y como han ido superando sus formas de producción.

La siguiente semana dedicaremos un post enteramente al caso Rammstein para mostrar aspectos que definieron su crecimiento comercial en los últimos años.

Nos vemos el lunes y que lo disfruten.

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Cómo sobrevivir a una sesión fotográfica...

Después de largas sesiones de grabación, arreglos, composición y buscar las mejores opciones para pulir el sonido de tu proyecto, llega la pesadilla y la piedra más común en el zapato del músico: La sesión fotográfica.

He visto pasar varios productos por mis manos que suenan increíblemente bien, pero al mirar la fotografía usada en el arte me queda claro que un iphone no es la mejor opción para hacerlo.

Hacer un post sobre fotografía debería quedar a cargo de un fotógrafo profesional y ya estamos trabajando en ello, pero por el momento me pondré del lado de aquellos que no se han enfrentado a esta situación y que sepan lo que se puede esperar.

A) Elige el motivo de la sesión: Por cuestiones de economía siempre pensamos que una sesión fotográfica bastará para tener todo el arte del disco. Lo vimos en los extras del DVD de nuestra banda favorita y hasta pareció divertido. En realidad, una sesión de fotos puede servir para un sólo propósito. Si tu foto estará en la portada del disco, puede llevar una sesión entera obtener la mejor toma, iluminación y diseño de imagen para ello. Las fotos en interiores pueden ser más rápidas, pero dependerá de la línea creativa.  Si harás imágenes en vivo debes asegurarte que el fotógrafo tenga los permisos necesarios en el local o evento para hacerlo.

B) Elige un profesional: Saber elegir al profesional de tu fotografía tiene que estar basado primordialmente en el tipo de proyecto que eliges desarrollar. Busca portafolios de fotógrafos que hayan manejado bandas y estilos similares al que tienes. No te vayas por el tipo de equipo, sino por el uso creativo que tiene el fotógrafo. Obvio debe tener un mínimo de herramientas para hacer un buen trabajo. Negocia con él una sesión adicional de 2 horas para revisar todas las imágenes. También debes preguntar por el tiempo de entrega y si ofrece algún tipo de retoque digital o creativo. Establezcan el acuerdo en un papel que indique la fecha de la sesión, horarios de trabajo, número de fotografías, retoque y tiempo de entrega en físico si es el caso. Formato de entrega y resolución de trabajo. Sería bueno pedirle información sobre obturación, iluminación, velocidad de obturación y presentarlo en su momento si es necesario a un artista de retoque.

C) Utilería, maquillaje y vestuario: 

Utilería: De la misma manera, elegir el tipo de utilería debe ser adecuado pero aquí es donde puede ser más creativo. Cadenas es lo más lógico para una banda de metal, pero también podría ser una guitarra estilo española.

Maquillaje: El maquillaje debería ser aplicado con alguien con experiencia en tv y teatro. No uses demasiado a menos que se trate de un proyecto muy creativo. Si tienes damas en tu alineación, lo mejor será llamar a un artista de maquillaje que colabore a exponer mejor sus expresiones. Polvo para evitar el reflejo no es todo lo que puedes necesitar.

Vestuario: Debes llevar por lo menos 3 cambios de ropa que combinen entre sí. Accesorios que acompañen durante toda la sesión pueden ayudar a crear un enlace de continuidad y cambios a distintos tipos de encuadre. Recuerda negociar con el fotógrafo sobre el tiempo y número de cambios que puedes manejar para la sesión.

D) Tipos de encuadres: Obtén el mayor número posible de fotografías de cuerpo entero, medium shots, grupales, close-ups. No te detengas demasiado en revisar cierto tipo de ideas, lleva algunas referencias que el fotógrafo pueda utilizar.  Si no conoces la terminología de encuadres, date una vuelta por youtube y revisa el material de otros artistas que te gusten. Algunas fotografías grupales fueron tomadas como un full shot y recortadas o procesadas digitalmente.

E) Deja espacio para la creatividad del fotógrafo: Si elegiste bien a tu fotógrafo, el te dará algunas opciones previas a la sesión. Se involucrará en el estilo que buscas y hasta podría comentarte que normalmente utiliza otras técnicas contrarias a las que estás solicitando. El fotógrafo es un creativo igual que tú y está para aportar su experiencia, conocimiento y visión a tu proyecto. Es indispensable hablen un par de veces antes de la sesión para saber si congenian creativamente.

Conclusión

Seguramente te habrás dado cuenta que has subestimado la sesión fotográfica un poco. Tener cuidado en estos detalles permitirá obtener imágenes de alta calidad para tu proyecto. Una foto puede ayudar a a tus fans a sentirte cercano, a identificarse más con tu música y visión creativa.

El fotógrafo es fundamental para este tipo de trabajos. No escatimes pensando que un iPhone o smartphone con cámara de 13 Megapixeles y algunas apps te van a sacar del problema. Invertir en la sesión fotográfica se verá reflejado en la venta de tu material.

Rafael Mendoza desarrolla producción en Ad Libitum

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Freelance Online: Una fantasía sobre los contratos profesionales...

Ultimamente se han popularizado mucho las plataformas de ofrecimiento de servicios freelance.

Estos sitios impulsan a profesionales a registrarse para obtener trabajos por proyecto mejor conocido como "freelance", calificar para ellos y cobrar una comisión si este se llega a realizar.

Un profesional debe abrir su perfil, insertar su curriculum laboral y postularse para las opciones de contratación que solicitan trabajos de profesionales.

¿Será esta una plataforma adecuada para servicios en audio producción?

Un ejemplo habla más que mil palabras...

Navegando recientemente en uno de estos sitios, encontré la siguiente propuesta de trabajo que me hizo reflexionar para escribir este blog. Leamos con atención:

MUSICA: CONTRATO POR ENCARGO

Composición musical de 4 minutos aproximadamente.

Tema: Protección del medio ambiente.
Instrumento: solo piano.
Influencia musical para el tema musical: Yiruma, Jim Brickman, Joe Bongiorno y Rob Costlow.
Aceptación de feedback sobre los avances.
Copyright compartido entre el creador (freelancer) y el autor corporativo (quien encarga el servicio).
El título será elegido entre los autores.
Detalles adicionales también serán acordados entre los autores.
El autor corporativo podrá usar libremente el tema musical, entendiéndose que el creador
ha efectuado la transferencia al autor corporativo de todos los derechos de propiedad intelectual.
La mención del copyright compartido es para efectos de reconocer la coautoría,que permanece inalterable.
Publicación del audio por el creador en la plataforma soundcloud.
Entrega mediante correo electrónico del audio. Calidad del archivo: alta calidad.
El creador proporcionará un pequeño perfil biográfico de 70 palabras aproximadamente.
Plazo de entrega: 10 días hábiles.

Hasta aquí todo parece sano hasta que hacemos la siguiente reflexión.

Clientes fuera de la realidad...

El proyecto está redactado por alguien que utiliza referencias muy específicas pero con un total desconocimiento sobre los derechos de autor. 

De entrada quiere basar su cotización en la duración final del material. Ningún proyecto de este tipo se basa en la duración final, sino en el tiempo de desarrollo que el artista utilizará para crearlo.

Solicita que el tema esté influenciado por 4 referencias. El primer problema llega con la condición "Aceptación de Feedback sobre los avances". Esto se traduce mejor como "si no nos gusta puede ser que tengas que componer 3 o 4 veces para que lo aceptemos".

También solicita que el autor "corporativo" (primera vez que encuentro este termino para un trabajo freelance), podrá usar libremente el tema musical, "entendiéndose que el creador ha efectuado la transferencia al autor corporativo de todos los derechos de propiedad intelectual". 

Ya hemos planteado en artículos sobre derechos de autor, que TODOS, absolutamente TODOS los derechos de propiedad intelectual son INTRANSFERIBLES. Por tanto, el "autor corporativo" no puede utilizar dichos derechos a menos que obtenga una LICENCIA DE USO por parte del autor del tema. 

Las obras por encargo no son propiedad del que las paga, sino de quien las crea y ofrece una licencia libre a perpetuidad en favor de un grupo corporativo o su representante. Aún así, los periodos de renovación de licencia pueden ser negociados antes de producir el tema.

El copyright compartido no exime al autor original de su autoría, aún cuando quede asentado en un acta de registro porque es proporcional al origen de la obra. 

Conclusión

Como este, existen muchos proyectos que Nubelo, Freelancer y otras plataformas de trabajo online ofrecen a diversos sectores creativos . Nada ampara al creativo del buen "gusto" de los contratantes, puesto que aunque existe una garantía de entrega por depósito, no se puede regular la calidad  de un proyecto en línea de esta forma. 

Los clientes de estos sitios solicitan cosas tan intangibles como "una edición atractiva e innovadora", "sonidos de impacto comercial", "atrayente y con enfoque de venta". Todos estos términos tan mal utilizados generan frustración y hablan mucho del control que puede ejercer el contratante para un trabajador freelance. Estos sitios cumplen con el enlace y cobrar por el acto de contratar. 

Si deseas trabajar en alguna de estas plataformas, lo mejor sería establecer un contacto directo con el cliente y establecer los términos y garantías basados en tu experiencia. No es malo obtener los contactos en estas redes. Pero aún dista mucho de ser un servicio que realmente ofrezca una experiencia real de negociación virtual.

Para cerrar me gustaría decir, que los derechos de propiedad intelectual no están contemplados en las políticas de estos sitios, aún cuando son el valor fundamental para realizar proyectos creativos.

Ojalá que esto cambie y mientras yo recomendaría mantenerse alejado de este tipo de proyectos hasta que no exista una verdadera cultura por la comercialización de servicios online.

Rafael Mendoza realiza proyectos freelance y produce en Ad Libitum

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Hell & Heaven Metal Fest 2014: ¿Si se pudo?

Hell & Heaven Metal Fest se llevó a cabo el pasado 25 de Octubre. Tras muchos dimes y diretes la organización Live Talent tuvo que demostrar que esto no se trataba de un complot, un bloqueo de intereses, venganzas gubernamentales y demás rumores que se corrieron con la primer cancelación.

He de mencionar que hablaremos específicamente de la organización del evento y lejos del entendimiento a un metal fan, porque la objetividad de este post es precisamente lo que nos atañe.

Por lo menos, los organizadores llamaron a este evento en sus propias palabras "El Festival de Rock Metal Más Grande de la Historia"... 

Problemas de venta

El festival siguió pintando problemas en cuanto a logística y sobre todo comunicación a través de redes sociales. Su falla siempre fue mantener un enlace de prensa restringido. En ningún momento se pudo conseguir información fidedigna sobre los horarios y escenarios hasta un par de días previos al festival.

El festival ofreció boletos de 2x1 4 días antes de la realización del evento, algo que indudablemente molestó a quienes ya habían adquirido su boleto previamente.

La difusión del evento y publicidad se limitó a redes sociales, algunas notas en periódicos independientes y su página oficial.

Del árbol caído...

Corona salvó de la bancarrota al evento. Sin embargo, la planeación y logística no fueron suficientes. La propuesta general del Hell & Heaven se basó primordialmente en publicidad visual. Un hombre con máscara anti-gas que fue reducido a un miembro de un equipo de búsqueda para una nueva sede en el video de relanzamiento del festival.

Corona quería una sola cosa... aprovechar la cantidad de gente asistente para venderle cerveza. Nada tenía ya que ver con la cultura del metal, de los headbangers, las manos alzadas y los símbolos que representan a este género.

Problemas técnicos...

Una gran mayoría de los asistentes refirió los problemas técnicos del festival. Escenarios acumulados uno junto al otro que empañaban la claridad, canales de consola que se negaron a funcionar y hasta un bajista afectado porque su amplificador reventó durante al presentación de su banda.

Los niveles de sonido fueron por apreciación de la audiencia como "muy bajos" y la cantidad de fallas constantes hasta en el escenario mayor fueron inclusive molestia para bandas como Korn, Rob Zombie y Kiss.

Varias veces se vio a Gene Simmons arremeter contra los ingenieros de sonido.

Conclusión

Se anuncia ya el desarrollo del Hell & Heaven Metal Fest 2015... Un festival que no cumplió con las expectativas generadas por su publicidad.

Muchas fallas que Live Talent tendrá que replantearse para otra emisión. Con la salida del Festival me quedan muchas dudas sobre los siguientes tópicos:

- ¿Existieron realmente los planes de protección civil que avalarían al Festival en Texcoco?

. ¿Existió realmente la participación de OCESA como un agente monopolizador de un evento de este tipo?

- ¿Live Talent tiene la capacidad de generar un Festival Masivo de este género?

. ¿Quienes pensaron el proyecto, realmente estaban consientes de lo que querían invocar?

Solamente el tiempo dejará salir las respuestas correctas a este tema. Dedicarle un post a Hell & Heaven es importante porque representa nuestra visión en la producción de eventos masivos y donde nos queda claro porqué empresas como OCESA todavía no desarrolla un plan para este tipo de eventos. Corona podría retomar esta experiencia a futuro y todos los patrocinadores del evento seguramente tendrán más restricciones para apoyar este tipo de proyectos.

Ojalá que algún día tengamos un festival de metal con bandas mexicanas de tradición... Yo sugiero 10 bandas, un escenario digno, equipo sonoro de alto nivel y que dure sólo 6 o 7 horas... 

Una propuesta realmente basada en la música y no en el trabajo visual... 

Rafael Mendoza escribe sobre audio producción

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