12 propósitos del músico profesional en 2017

Todos anhelamos hacer la lista de deseos y propósitos para iniciar el siguiente ciclo. Aunque los deseos simbolizan todo aquello que pedimos para nosotros, los propósitos son la parte esencial que podemos controlar para alcanzar objetivos. 

Como sabemos que hay mucho por hacer el día de hoy, entraremos en materia para que consideres estos propósitos para cambiar tu desarrollo como músico profesional en 2017.

1.- Trazar un plan de negocios antes del primer trimestre: De nada sirve una lista de própositos si no sabes como utilizarás tu tiempo en ello. Aprender a hacer un plan de negocios anual es la clave para conseguirlo.

2.- Interesarse por la Economía Creativa: En situaciones económicas complejas, solo quien está informado adecuadamente puede comprender los ciclos económicos para una mejor toma de decisiones

3.- Hacer una bitácora semanal de actividades: Al final del año podrás medir que desiciones te hicieron avanzar y cuales detuvieron tu avance

4.- Explorar otras alternativas entorno al negocio de la música: Existen actividades complementarias a la ejecución, docencia y performance de la música ¿Sabes cuales son?

5.- Poner en orden las prioridades de cada proyecto: Los músicos se diluyen muchas veces entre múltiples proyectos para alcanzar la rentabilidad. No todas las opciones son las más rentables.

6.- Desarrollar habilidades gerenciales individuales: No se puede ser líder de una banda sin tener liderazgo con uno mismo. Hay líderes natos, pero aún ellos requieren desarrollar sus habilidades

7.- Olvidar la sensación de que el tiempo es oro: Es muy común encontrarse con esta frase y delimitar el tiempo a algo tan obvio como es el dinero. Son aquellos que administran su tiempo y oportunidades en formas rentables los que consiguen sus objetivos.

8.- Dar seguimiento a los cambios en el negocio de la música: Saber que el MP3 ha sido sustituido por Spotify no basta. Hay que mirar los cambios íntegros en todos los campos del negocio de la música para comprender hacia donde se dirige.

9.- Comprometer ingresos a la construcción interna en otros campos de la música: Invertir en uno mismo es la mejor manera de desarrollar habilidades clave para que un proyecto navegue por varios puertos.

10.- Organizar mejor los recursos para mejorar oportunidades: Va de la mano con el punto anterior. ¿En verdad necesitas el iPhone 7 para impresionar a tus compañeros?

11.- Dividir tus prioridades personales de las prioridades musicales: Hay decisiones basadas más en lo que "yo" quiero que sea, que nublan por completo el criterio para abrirse a lo que "el mercado" quiere obtener. 

12.- Medir cada mes los resultados: El dinero es tan solo una medida cuantificable de los avances, pero existen otros resultados como posicionamiento, desarrollo interno, integración y recursos de negocio que se pueden contabilizar.

Como puedes darte cuenta, realizar estas actividades durante el año implica compromiso propio y personal, antes de que lo integres a cualquier proyecto que estés desarrollando. Es una forma más constructiva y por momentos puede parecer difícil de comprender. Sin embargo, cada uno de estos propósitos sienta la base de una mejor administración personal y de recursos que permite la adaptabilidad a las realidades de la economía nacional y el negocio de la música.

En Ad Libitum Incubadora, cerramos el año con diversos proyectos que tendrán su lanzamiento el próximo 9 de Enero a través de nuestras distintas plataformas. Te invitamos a conocerlos y mantenerte al tanto en nuestras redes sociales. 

Deseamos que el 2017 llegue cargado de oportunidades clave para tu desarrollo y esperamos conocerte en alguna etapa de tu desarrollo. 

¡Un abrazo cordial de todo el equipo Ad Libitum y nos vemos el próximo Lunes 2 de Enero!

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¡Te deseamos un 2017 próspero!

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2017: Retos de estrategia para desarrollar hacia el 2020...

Se nos viene el cierre de año y con ello, las expectativas para el negocio de la música parecieran por momentos inciertos o más difíciles. Durante el 2016, nuestro país experimentó cambios de tipo económico, político y social, que han modificado el terreno para las industrias creativas.

Aunque parece complicado, estos cambios se han realizado en todas las latitudes y longitudes del mundo, a veces con apoyo de gobiernos, instituciones, asociaciones y la comunidad del negocio. En otros casos, la esterilidad de respaldo en cualquiera de sus formas, ha erosionado severamente el campo de las industrias creativas.

Reconocer anticipadamente los cambios clave de la industria, no significa que sirva para operar el siguiente año de forma óptima.

Te invito a comprender este artículo como parte de una estrategia para tu proyecto, utilizando el 2017 para tomar decisiones clave que puedes aplicar en los próximos 3 años y poner la mira en el 2020.

1.-Streaming: Hace unos días Spotify anunció que está muy cerca de convertirse en la primer Startup dentro del negocio de la música que alcanzará un modelo de negocio sustentable y rentable. Las alarmas y quejas principales de la industria, provienen de los artistas que han pugnado por un mejor pago de regalías. El reto para las propuestas musicales contemporáneas es transformar las oportunidades que los servicios de streaming ofrecen en soportes estratégicos de difusión y no de comercialización.

2.- Tendencia vinil: Aunque los viniles están empezando a crecer en consumo, aún no significan una fuente sustentable de ingresos. Aunados a la problemática de distribución y comercialización, los factores ambientales que podrían derivar, aún no han sido evaluados del todo. La compra de equipos para reproducir viniles ha desacelerado su crecimiento e incluso ha mostrado cierta tendencia a crear un mercado de reventa. El reto es analizar si vale la pena acceder en etapas tempranas de comercialización a una tendencia que comienza a bajar.

3.- Producción Musical: Las necesidades de grabación para un artista han iniciado una tendencia de corte minimalista. Se ha intentado culpar a los Estudios de Proyecto Personales de "minar" las oportunidades a los grandes estudios, cuando los recursos y habilidades creativas (contenido y mensaje) han sido visualizadas como el factor integral de un proyecto. El reto es delimitar mejor las facultades y oportunidades para los estudios, disqueras, productoras y maquiladoras, que las transforme en personajes más activos en la cadena creativa y no solamente espectadores pasivos en los cambios de la industria

4.- Certificación y Premios: Una industria que cambia constantemente es difícil de evaluar y aplicar criterios estables. Lo que para unos representa el mayor logro, para otros significa uno de los pasos recurrentes en su trayectoria. Paralelamente, el reconocimiento no está bien definido en muchos campos de la industria musical. La certificación ha demostrado avalar ciertos perfiles, pero falla en la delimitación de habilidades, criterios y funciones en los procesos de la industria. El reto es encontrar un pleno reconocimiento y delimitación creativa para crear una diferenciación más eficaz, que promueva el desarrollo de cada campo en la industria.

5.- Medios masivos y Redes Sociales: La transparencia es una de las herramientas clave para la industria en estos momentos. Anteriormente, los medios masivos se habían restringido de insertarse en el mundo de la era de información digital. La replicación mediática, ha abierto nuevas posibilidades, pero su crecimiento desmedido, ha diluido más el criterio y conocimiento. No es raro encontrar 25 versiones de una misma nota con preocupantes fallas de origen, que han vuelto más opaco el criterio. El reto es disipar y disminuir el excesivo uso de las redes sociales para la formación de criterios masivos y en lo posible, generar contenidos más integrales y de mejor calidad.

6.- Desempleo Generalizado: No podemos dejar de lado que las tendencias económicas están provocando cambios en productos y servicios de forma generalizada. En general, se están cambiando las políticas de contratación hacia la resolución por habilidades más que por grados académicos. Esta representa una gran oportunidad para las industrias creativas, porque integralmente hacen interactuar todos los potenciales del cerebro para generar respuestas integrales a problemas que anteriormente se veían como "distracciones" en el entorno laboral. El reto es expandir las habilidades creativas en el sector laboral y transformarlas en herramientas de desarrollo que estimulen el uso de las artes para la resolución de problemas complejos.

7.- Conciertos y Festivales: Los altos precios de acceso a espectáculos masivos ha limitado las posibilidades para nuevos Festivales. Indudablemente, los conciertos masivos han sido criticados en los últimos años por no abastecer espacio suficiente para todos los proyectos existentes. Para alcanzar un equilibrio entre la demanda y oferta de productos creativos, es necesario construir mejores redes, vinculación y organización de eventos. El reto, es constituir a los profesionales (gestores, promotores, managers y brokers) en un entorno de desarrollo en infraestructura organizacional, que permita el desarrollo de Festivales locales con una visión más significativa de simplemente brindar entretenimiento.

Conclusión

2017 representa un año de nuevos retos. Los caminos tradicionales en el negocio de la música serán reevaluados durante los primeros meses y en algunos casos veremos conflictos intensos en materia de distribución, producción y medios.

Aunque los puntos aquí expuestos buscan iniciar una reflexión profunda de nuestro entorno, no significa que sea un decreto que refleje simplemente problemas potenciales.

Este panorama tiene más soluciones que restricciones, puesto que hoy más que nunca, es posible generar oportunidades conjuntas, sinergias efectivas y por supuesto, integración humana que ha demostrado navegar y encontrar alternativas a los problemas cambiantes del entorno.

Lo hemos hecho desde la era de las cuevas... ¿Porqué no hacerlo ahora?

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5 elementos clave que definen al músico profesional...

Dependiendo la generación que representas, el enfoque sobre el negocio de la música se vuelve de verdadera pesadilla a un mar de oportunidades.

Invariablemente, una de las cosas que más nos preguntan durante las Sesiones informativas, asesorías y coaching, es porqué el negocio de la música es tan difícil de abordar o tan limitado en muchas formas.

Hoy más que nunca es importante adaptarse a los cambios que han modificado la industria. Anclarse en las prácticas tradicionales puede significar la diferencia entre navegar libremente o esperar que el barco haga agua. 

No está mal realizar los procesos tradicionales, siempre y cuando existan los recursos económicos suficientes para impulsarlo en todas sus etapas. Desafortunadamente, ya no ocurre con tanta frecuencia y decidir que proyectos son susceptibles de hacerlo requiere de muchos filtros.

Entonces, ¿cuáles son los 5 elementos clave que definen al músico profesional?

1.- Organización: Si no te organizas, estarás ante serios problemas para cumplir las metas que como músico te has trazado. No significa saber solamente que día tienes hueso, tocada o evento y sentir que eres extremadamente organizado. ¿Sabes en qué condiciones está tu equipo?, ¿estás practicando lo suficiente?, ¿te has preocupado por revisar tu salud? Aunque parezca que lo haces de forma natural, muchos aspectos del músico requieren atención especializada. Si no has tomado en cuenta esto en tu organización del día a día, abres un gran boquete a tu desarrollo profesional.

2.- Planeación: La ecuación básica del músico es "aprendo a tocar + buscar una banda + escribo canciones + grabo un demo + me presento en vivo + mando mi demo a la radio + la gente me adora = éxito musical".

Si crees que es todo lo que necesitas saber para triunfar, entonces lo único que encontrarás es caminos sin salida que no te llevan a ninguna parte (si no es que ya estás en uno de ellos).

Hacer una planeación efectiva requiere saber como trabaja el negocio de la música, un entendimiento más integral del mercado, conocimiento de las tareas que mejor te lleven a obtener objetivos concretos (no simplemente actuar por actuar), información de situaciones externas que pueden vulnerar a tu proyecto y cientos de etcéteras que seguramente no has contemplado.

3.- Enfoque: Significa que debes comprender desde una vista general cada aspecto de tu proyecto y poder desmenuzarlo a conciencia. Dimensionar aspectos como la musicalidad, performance, grabación, promoción, negocios y situaciones legales reales de tu proyecto te impulsará a tomar decisiones más asertivas.

4.- Comunicación continua: El músico contemporáneo no tiene pretexto para estar parcialmente incomunicado o lejano de los nuevos usos tecnológicos de comunicación. Esto implica saber elegir que medios son los adecuados y cuales son simplemente complementarios. Invertir tiempo en desarrollar fans sin recursos económicos mínimos no significa que estés ahorrando recurso. ¡Podrías estar perdiendo dinero! Escribir adecuadamente y cuidar el lenguaje visual a través de tus canales de comunicación son fundamentales en este proceso. Si no lo separas adecuadamente, estás jugando en contra tuya.

5.- Contactos: Tu red de "Networking" es la base para extender tu planeación estratégica. Tarde o temprano, conocer a la gente clave (no es lo mismo que conocer gente famosa), te permitirá generar alianzas más efectivas. Desarrollar tus relaciones interpersonales y mejorar tu percepción como artista (pavonearse y tener actitud de "rockstar" no te servirá de nada a este nivel) son parte fundamental de este proceso. También hay que aprender el justo equilibrio entre amistad, relaciones más personales y contactos de negocio para obtener el mejor resultado, además de nuevas oportunidades.

Conclusión

Las generaciones antes de los millenials, ven en el negocio de la música una necrosis severa que va consumiendo al mercado, transformándolo en zombie económico. Las generaciones recientes, carecieron del amparo económico que representa crear, distribuir y comercializar un producto musical.

Los tiempos invariablemente han cambiado y con tomar un bote salvavidas tampoco es una opción. Lo ideal es refrendar tus conocimientos para tomar ventaja de tu entorno. El ambiente en el negocio de la música se encuentra cambiando constantemente. 

Muchos músicos entienden por "adaptación" como "agarrarse de donde se pueda".  Nada más falso que esta percepción, porque así como cambia el entorno, el músico evoluciona constantemente, un elemento vital para el desarrollo artístico y la fuente de juventud para nuevos proyectos.

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¿Quién es responsable del Himno Americanista?...

El Himno Centenario del América trasciende más allá de la polémica. Nos habla de un problema de fondo que arrastramos desde los años 50's del siglo pasado. Una industria que se replica una sola vez por casi 70 años.

México tiene una percepción distorsionada de la creatividad. En el colectivo generalizado se comprende como la habilidad de sustituir, cambiar, aprovechar, descubrir otros usos y hasta saltarse pasos para llegar a un mismo resultado. A estas acciones me gustaría llamarlas "creatividad positiva".

Pero también existe lo contrario, una creatividad que toma el camino fácil, basado en la situación de ventaja, el "nadie se va a dar cuenta" o "que importa, mientras yo salga del paso". Es una realidad que se aplica en todos los campos, niveles socio económicos y entornos sociales.

Copiar o no copiar

En toda actividad artística, nada se crea ni se destruye, solamente se transforma. Para el artista de cualquier disciplina, trascender e imaginar su obra como un parte aguas en el desarrollo artístico de la humanidad, se convierte en la motivación de vida.

La realidad es que siempre encontraremos elementos de otras épocas en cada obra artística de origen contemporáneo o milenario, que atraen por naturaleza a los sentidos humanos. Es la visión del artista la que se convierte en el factor diferenciador, relacionándolo a una época, técnica, cosmovisión y dirección de su obra.

Es una realidad que en México se ha cedido gran parte del trabajo creativo a la replicación desde inicios de los años 60's a la fecha. Musicalmente, hemos copiado en todo lo posible las fórmulas americanas, algunas europeas y desarrollado muy poco una visión más original.

La carencia educativa hacia la enseñanza de las artes, no ha permitido generar un criterio propio a cada mexicano para evaluar y reconocer las diferencias creativas entre las corrientes "clásicas", el folckor y la música popular.

Al contrastar la construcción musical del Himno Centenario Americanista y el Himno Sevillano, es claro que se tomó de referencia para ello. Más allá del reclamo y descarga popular contra el grupo musical "Matute" (grupo cuyo repertorio se centra en covers de los 80's), es importante reconocer hechos importantes que se deben tomar en cuenta para comprender la realidad de la industria musical en México.

Hacerse de la vista gorda...

La directiva americanista entregó un comunicado de prensa afirmando "desconocer" el origen de su Himno Centenario, sin aceptar que existe un tema de cercanía creativa en la construcción musical del mismo.

Para mi, existen 2 partes involucradas que permitieron sucediera la polémica: los responsables institucionales y los responsables creativos.

Por el lado institucional, la Directiva y su cuerpo de manejo institucional, hicieron una gran "omisión", porque no se puede dejar de vigilar un proceso tan delicado como tentar una demanda por derechos de autor en su proceso de identidad a 100 años de su fundación.

El departamento de Marketing se convierte en cómplice al no verificar el origen de la propuesta o en su caso también lo implica en aceptarla. Haya sido bajo presión institucional o corporativa, queda en sus manos aceptar llevar a cabo el proyecto.

Con respecto al lado creativo, el productor musical del tema podría haber descartado el proyecto al encontrar una similitud clara con el himno sevillano, el manager debió haber prevenido al responsable de la banda en cuanto a la exposición que podría significar y evitar caer en la tentación de colocarse en un escalón tan peligroso como este. 

Queda pendiente investigar si del lado creativo, la producción del Himno Centenario se llevó a cabo por órdenes directas de la disquera, la agencia de marketing, la directiva o los contratos con Televisa.

Un país sin memoria... de corto plazo

Trasciende el problema en los medios y se vuelve un polvorín interminable. Hace unos días, las redes sociales se volcaron sobre "Lady Plagio", una artista mexicana que realizó las ilustraciones para el lanzamiento de "Gears of Wars 4" en México. Se evidenció claramente que utilizó la visión de un artista español para generar su versión. XBOX México retiró inmediatamente toda la publicidad y cambió los empaques especiales diseñados para territorio mexicano, especificando que desconocía el origen creativo de la ilustración. 

Aunque no lo menciona, retirar la mercancía y promocionales de las tiendas, es un reflejo claro para evitar ser demandado por autoría intelectual sin retribución y licencia de los mismos.

Conclusión

Ambos hechos califican para probar que en México no existe una cultura sobre el respeto de la propiedad intelectual. Aunque existen peritajes sobre temas de autoría, es muy probable que se asiente una cercanía creativa entre ambos Himnos. No es coincidencia que el Club América haya decidido no volverlo a utilizar.

INDAUTOR (Instituto Nacional de Derechos de Autor) es un mero observador de la situación y no se ha pronunciado al respecto, como en otras circunstancias contempladas en la Ley Federal de Derechos de Autor, puesto que no organiza campañas a nivel nacional sobre la importancia del respeto al origen creativo.

Tampoco incide en sentar estas bases en los programas de estudio en primaria, secundaria, preparatoria y universidad. El caso de la Tesis de Peña Nieto es posible como muchos otros a distintos niveles. Trabajos académicos clonados, investigaciones con datos falsos, obras de teatro robadas, colecciones en museos certificados como auténticos siendo algunas piezas falsas y la lista sigue.

Siempre se ha culpado a la piratería como un cáncer que acaba con la industria, pero se trata de la distribución y comercialización ilegal de un proceso creativo registrado ante INDAUTOR e IMPI.

¿Qué hay entonces de los procesos creativos que son dejados pasar como meras "coincidencias" respaldadas como visiones legales? ¿Dónde está la mano de la Sociedad de Autores y Compositores de México, en cuyos videos promocionales se autonombran como los "únicos" autorizados para cobrar las regalías musicales y que debieron señalar la posibilidad de infracción autoral al Himno Americanista?...

En la industria musical "oficial" hay invariable cantidad de posibilidades... Una industria que permite este tipo de "omisiones" no debe ser renovada... sino sustituída.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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origen de la imagen: http://www.vanguardia.com.mx/articulo/asi-como-el-himno-del-america-otros-plagios-deportivos

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Diagnosticando la "estrellitis"...

Existen muchas razones por las que un proyecto musical de gran calidad o impacto puede fallar. Factores como la educación, cultura, tamaño de la escena o recursos económicos pueden determinar las oportunidades de crecer a un proyecto.

Sin embargo, estos factores se preservan de manera constante y normalmente se encuentran maneras de resolverlos, favoreciendo y multiplicando sus oportunidades. Por el contrario, las razones internas son las más peligrosas y destructivas. 

Síntomas clásicos de la "Estrellitis"

Este ejercicio de reconocimiento personal te ayudará a reconocer que tan influenciado te encuentras del concepto "estrella" y que muchas veces ha sido fomentado por nuestro círculo más inmediato. Si te reconoces en 3 o más de estas actitudes, probablemente estés empezando a sufrir "estrellitis" 

 - Caminar con la actitud y garbo de celebridad

 - Escribir y grabar canciones que imitan a un músico renombrado

 - Pensar que el negocio de la música es una competencia por ser mejor

 - Pensar que alguien más siempre es responsable de su fracaso.

 - Copiar una actitud que una estrella utiliza

 - Proclamar que eres "la propuesta musical que hace falta al mundo"

 - Pensar que eres "el gran artista desconocido"

 - Pensar que hacer un plan de trabajo para tu proyecto está de más

 - Tener la sensación de que "ya sabes" como le hizo un artista y basta con replicarlo 

Realidades que curan

La "estrellitis" es una enfermedad fácil de curar. Simplemente basta aterrizar tu visión personal en las siguientes realidades de la carrera musical.

- Diferenciar entre metas personales y las metas del proyecto

- Aprender habilidades en la gestión y administración de un proyecto musical

- Expandir la visión de tu proyecto y exponerlo a la crítica

- Aprender que "saber" no significa entender como funciona el negocio de la música

- Desarrollar las habilidades necesarias para diferenciarte por concepto musical y no por imitación      creativa

Conclusión

Un buen músico aprende a detectar estas señales que se convierten en alertas para trabajar con ciertos artistas. Los productores, managers y agentes toman mucho en cuenta estas señales para decidir si colaboran o no con ciertos proyectos.

Estamos acostumbrados a relacionar la "genialidad" artística con la "actitud" de estrella musical. Hasta cierto punto es inevitable desarrollar una imagen de artista consumado. Lo difícil es demostrar la grandeza artística basado en las actitudes y relaciones sociales que conlleva el medio.

La imagen y actitud de estrella pueden funcionar para la audiencia en la justa medida. Pero tras bambalinas, solamente una visión profesional y bien preparada colabora a establecer proyectos musicales de gran impacto.

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¿Política de conciertos o política en conciertos?...

Es inevitable tocar el tema de Waters en México y su presentación en el Zócalo capitalino. Las dudas saltan de primera mano; ¿quién lo pagó?, ¿porqué?, ¿que querrá a cambio?

Estas respuestas seguramente saldrán a la luz en unos meses o par de años, bajo conceptos totalmente desconcertantes en auditorías fiscales, papergates revelados en "exclusiva" por periodistas políticamente correctos en circunstancias politicamente claves.

El arte siempre ha estado ligado a las esferas del poder, porque implica el control intrínseco de la perfectibilidad a través de la historia. Quien controla el arte, controla las emociones humanas.

Los actos musicales ligados a la política podrían pasar desapercibidos por los fans, pero tiene mucho sentido utilizarlos como plataformas ideológicas.

Una evidencia tangible...

La organización Headcount (www.headcount.org) es una organización sin fines de lucro (sic) que trabaja con músicos para promover la participación en la democracia.

En 2012, realizó un estudio con una muestra de 10,000 personas asistentes a conciertos de distintos géneros en USA, para medir el impacto político que podía ejercer políticamente en su audiencia un artista a través de su mensaje musical.

Los resultados son más que reveladores:

- 80.02 % dijo haber escuchado sobre un asunto político o social en un concierto

- 49.65% dijo haber buscado su registro para votar, firmar una petición o escribir a un congresista

Las tendencias políticas también se ven representadas en el estudio:

- Fans de Maroon 5, O.A.T y John Mayer, se identificaban como republicanos.

- Fans de The Decemberist y The National, se identificaban como Demócratas

- Fans de The Disco Biscuits y Sound Tribe Sector 9 eran más libertarios

Ser partidario de uno de los bandos, ofrece también una métrica para la industria:

- Los demócratas asisten a más de 10 conciertos por año que los republicanos, pero los libertarios asisten al doble de eventos musicales que ambos.

Ante la pregunta "Cuando un músico apoya una causa o la comenta ¿Que provoca en ti?"

- El 56.73% dijo sentirse inspirado a tomar acción.

- El 31.52% dijo tomarlo como algo bien intencionado, pero no tomó parte de la acción

- El 7.44% no sintió impacto alguno y lo ignoró.

- El 4.30% simplemente se incomodó por considerarlo fuera de lugar.

Conclusión

La reciente visita de Roger Waters a México, coincide con una etapa clave para la definición de perfiles con intención de voto para el 2018. 

Aunque mucho se ha hablado de reclamo hacia Enrique Peña Nieto en sus conciertos, es claro que cuenta con un respaldo legal muy cercano, porque referirse al "Señor Presidente", no necesariamente se refería a alguno en particular. Podría ser el Presidente de Pepsi o el presidente de la Sociedad de Padres de Familia. 

Otra formas de intervenir políticamente en la incidencia de voto, es permitido en los EU y como ejemplo están los eventos de captación de recursos que apoyaron Kayne West, Jay Z, Madonna, Maroon 5 y bandas alternativas para la campaña de Obama.

Sea como fuera o "haiga sido como haiga sido", lo bailado no hay quien lo quite. Seguramente alguna empresa de marketing político estuvo tomando nota de cada detalle en el Zócalo y ofrecerá una solución armonizada a las demandas del público mexicano para los próximos meses. 

Y entonces, nuevamente, aparecerá un candidato que cumpla con los requisitos de intención al voto, sin que se evalue su trayectoria, pero que avanzará implacable sobre las encuestas y se colará a sentarse en la silla donde todo se puede, pero nada crece...

Rafa Mendoza analiza el music business...

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Fuente imagen: www.reporteindigo.com

Fuente datos: www.headcount.org

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¿Porqué es importante vender boletos?...

Es un gusto volver al blog después de algún tiempo. Gracias por acompañarme en las sesiones informativas de nuestro Curso-Taller. Pronto tendremos noticias para YouTube.

De un tiempo a acá, vender boletos se ha vuelto una tradición para las bandas emergentes, puesto que es una de las pruebas más difíciles de superar. Pasado algún tiempo, vender boletos deja de ser una actividad propia de la banda para centrarse específicamente en su presentación, concepto y performance.

Pero la venta de boletos es importante como base de negociación para llegar a espacios concretos y sobre todo representativos. El boleto representa un argumento importante, medible y visible de las capacidades de convocatoria para un concepto musical.

Evidencia para el futuro

Vivimos una era donde la tangibilidad física se ha vuelto particularmente volátil. Con ello, la credibilidad se ha ido esfumando, puesto que crear un concepto "virtual" está al alcance de unos cuantos clics y sitios de internet.

Generar likes a partir de anuncios patrocinados ha dejado de ser un referente, porque se conocen bien las estrategias para generar algoritmos de engrosamiento en percepción digital. 

Por ello, los festivales han incrementado el nivel de seguridad y verificación sobre las actividades de los artistas que buscan presentarse en sus escenarios.

Por otro lado, la ética profesional, es un tema olvidado últimamente por los nuevos promotores. Es bien conocida la estrategia de pagar para quedar dentro de un festival simbólico. Y es que analizando las particularidades de cada caso, la música es un mero pretexto para convertir un recinto de gran escala, en bares y tiendas gigantescas por un par de días.

Sin embargo, se deja de medir este impacto a través del boletaje, que normalmente es una forma directa de saber porqué una banda ha tenido éxito con su audiencia.

Cambios que generan cambios

Cambios siempre se pueden realizar. Los dueños de bares y centros de espectáculos deberían comprender mejor el tipo de consumidores a los que llegan. Imprimir boletos con leyendas "Cerveza 2x1", "Cubeta gratis" o "botana incluida" no es necesariamente una estrategia de marketing.

Las bandas deben aprender a identificar quien está tras la organización de un evento. Muchas lecciones se aprenderán en el proceso, principalmente encontrar que son pocos los lugares que se preocupan por presentar un atractivo adecuado para sus consumidores.

Participar en la venta de boletaje y aprender a medirlo de forma conjunta, sienta bases reales de las estadísticas de un concepto musical. En una era tan compleja para cualquier negocio, es imposible dejar pasar la captación de estos datos, que representarán argumentos claros y directos para cualquier negociación.

Físicamente preservar el boleto, también habla de cómo una banda se ha movido, donde ha buscado sus oportunidades y que tan activamente a participado en decisiones de negocio que lo beneficien. 

Conclusión

Vender boletos deja bien en claro los impactos que como propuesta se han ofrecido. Los mismos locales deberían utilizar esta estrategia para medir el éxito de los eventos organizados para generar mejores entornos que propicien el consumo en sus locales. Existe un gran desconocimiento sobre la evidencia clara y potencial que un boleto deja entrever. 

Participar activamente como promotor, agente de booking, artista y dueño del local, como una integración conjunta, puede incentivar mejores oportunidades y estrategias efectivas. Las sinergias no se tratan de repartir trabajo y cobrar conjuntamente, sino de establecer verdaderas estrategias conjuntas que permitan generar una estructura de negocio más robusta en una economía donde navegar solitarios puede significar perderse en las agitadas aguas de la economía. Nos vemos mañana en la siguiente entrada... Literal...

Rafa Mendoza es analista del Music Business y escribe para Ad Libitum

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5 tips para superar el alza del dólar...

Ayer una alarma se activó y no fue precisamente la del Megasimulacro. El dólar llegó a su nivel más alto superando la barrera de los 20 pesos. Las fluctuaciones monetarias son totalmente impredecibles. 

Está de más decir que impacta todos los niveles y sectores económicos. 

Existen mediciones y tendencias de mercado que ofrecen panoramas proporcionales a su incremento y fluctuación, pero ninguna que nos diga al 100% porqué colapsa un mercado y la rapidez con la que ocurrirá.

Así que los índices de precios y cotizaciones son meros referentes que impactan no sólo el comercio privado, sino también las políticas públicas y el bolsillo de todos.

Sin embargo, si es posible prevenir el impacto del tipo de cambio en el negocio de la música.

Te damos 5 tips para superar el alza del dólar.

1.- Decisión de compra más eficiente: A veces pensamos que el impacto del dólar se ve reflejado únicamente en los aparatos electrónicos o instrumentos musicales, sin embargo, los pigmentos, transporte, software, alojamiento web o servicios de la nube, incrementan su valor. Tener una pila de presupuestos para resolverlo después, puede impactar sensiblemente tu bolsillo. Concreta tus compras entre 7 y 10 días.

2.- Analizar bien las "ofertas": En momentos donde el dólar sube, algunas tiendas aprovechan para incrementar la venta de productos con inferior calidad. Estos precios no bajan aún cuando el dólar se acomoda nuevamente. Aunque pagues más por un producto o servicio de mejor calidad, valdrá la pena que preserve su valor original.

3.- Ser realista con el mercado actual: Todavía hay empresas y dueños de negocios que piensan inocentemente en una bajada del dólar. Las remesas se preservan a partir de la escasez de dólares. Así que un número que sube, no tiende a bajar nunca. A final de cuentas acabas pagando esa diferencia de una u otra forma en otros productos y servicios.

4.- Una mejor estrategia de precio: La única forma de mantener tu propuesta de valor intacta, es desarrollando una buena estrategia de precios. Basar el producto o servicio únicamente en su costo de producción y realización, no deja espacio para la negociación de factores como la fluctuación del dólar. ¡Aprende a hacer jugadas más inteligentes!

5.- Incrementa el valor de tu producto o servicio en alzas del dólar: No basta con construir un servicio o producto simplemente para navegar entre la competencia. Constantemente debes desarrollar valores agregados al mismo para aplicar en tiempos difíciles. Con la alzada existen también oportunidades en otras áreas que podrían agregar un valor importante a tu servicio o producto para que su precio pueda reubicarse o sostenerse en tu línea de mercado. ¡La creatividad ante todo!

Conclusión

El tipo de cambio afecta directamente a cualquier negocio y es una constante que como emprendedores y empresas debemos aceptar como parte de nuestras amenazas. 

Prevenir en lo posible las necesidades de nuestro negocio, proyecto o empresa nos permitirá realizar una operación más sana y competitiva, donde el tipo de cambio puede jugar también a nuestro favor.

Nos leemos en el siguiente blog...

Tips y estrategias como estos son parte de nuestro Curso-Taller "Cómo emprender un proyecto para el Music Business" que inicia este próximo 4 de octubre... ¡Inscribete ya!

Rafa Mendoza es Analista del Music Business

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Franquicias musicales: Juan Gabriel Versión Extendida...

Todavía no terminan los homenajes al Divo de Juárez y ya tuvimos de todo para comentar.

Desde la renuncia y disculpa pública de Nicolás Alvarado, hasta las teorías conspiratorias sobre la desaparición forzada de Juan Gabriel para evadir al fisco. (Después dirán que por eso hicieron renunciar a Aristóteles Nuñez).

Pero el mercado no deja de moverse con las etapas de luto. Ya es tradición la gran contradicción que todo músico o imitador propone en estos casos. Muere un ícono e inmediatamente se busca la manera de monetizar esa "inmortalidad, iconicidad y genialidad" a través de la venta de boletos, eventos artísticos y homenajes.

Esto no ocurre solamente en México. Sin embargo, analizando de fondo la psique mexicana, podemos decir que este gran disfraz del "homenaje artístico" es tan solo una visión inmaculada del negocio.

Murió Selena e inmediatamente empezamos a ver en las fiestas y salones de México, una gran cantidad de imitadores. Elvis, Beatles, José Alfredo Jiménez, Michael Jackson, Luis Miguel, José José... Ninguno se salva.

Hasta los que no han muerto, tienen asegurado ya su nivel franquiciatario. Es común ver en ciertos bares a grupos diversos nombrándose Cadetes de Linares, intérpretes de La Voz México que nunca participaron (o que pasaron en las eliminatorias), bandas tributo a Kiss y trovadores que pasan horas sentados en cafés recitando todas las noches los mismos temas que hicieron inolvidables a Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Luis Eduardo Aute, Fernando Delgadillo, Mercedes Sosa, Alberto Cortéz y una que otra de Mecano (no nos íbamos a olvidar de Nicho Hinojosa ¿eh?).

La gran contradicción

Este ánimo por hacer las cosas funcionar, debería ser suficiente para encaminar un mercado más estable dentro del campo del Music Business. Sin embargo, su gran contradicción es caer en la ilegalidad dentro de la legalidad.

No malinterpretemos el hecho. De acuerdo a la Ley Federal de Derechos de autor, una marca o personificación artística, tiene derecho a una retribución por uso de licencia. Una cosa es el homenaje artístico sin lucro (que tiene hasta cierto punto un respeto de tipo moral y social) y otra cosa es disfrazar el lucro a manera de homenaje.

Los imitadores, ofrecen una derrama económica importante y evaden infinidad de regalías por derechos de autor. En algún momento, Roberto Cantoral intentó certificar a los bares y grupos musicales por los derechos de sus canciones. La comunidad musical y la sociedad, pegaron el grito en el cielo y el autor de El Reloj desistió del intento. Sin embargo, a través de SOMEXFON, este giro al cobro de regalías en bares y restaurantes ya se está implementando.

Emular a Juan Gabriel, Luis Miguel, Arjona, Emmanuel o cualquier artista parecido en imagen y obra, bien podría servir de base para el cobro de regalías y derechos de uso. A la fecha, no he encontrado a ningun imitador preocupado por derivar en sus pagos de Hacienda, un porcentaje de regalías a la editora o al personaje en cuestión.

Con Juan Gabriel ocurrirá lo mismo. Ya desde ayer, la Orquesta Filarmónica de las Artes, anunció que le rendirá tributo el 11 de septiembre a modo de homenaje con entradas desde los 200 y 300 pesos para apoyar su causa. Y así veremos en bares, fiestas, salones, plazas públicas, festivales, ir y venir los temas de Juan Gabriel. ¿Pero que tal se regodeaban los artistas de alto nivel cuando los Ángeles Azules lanzó su disco con Orquesta Sinfónica?

En nuestro post "Ganancias Post Mortem: ¿Se puede vender más muerto que vivo?", hablamos de la rentabilidad que la "pérdida" sensible de un artista ofrece como ingreso a la industria. Juan Gabriel hoy más que nunca, se hunde en esta trama enmarañada de la ilegalidad. Aunque las bases técnicas, legales y fiscales existen para su comprensión, todavía no ha llegado una autoridad que aplique este concepto.

"¿Y porqué la queja entonces?" dirán ustedes...

Conclusión

El negocio de la música en México, necesita aplicar encausadamente los recursos humanos, legales, fiscales, sociales y políticos para generar un entorno adecuado que impulse su florecimiento. 

Mantener las posibilidades de comercializar lo no comercializable (en todos los sectores), ha llevado al país a una crisis económica dependiente de la palabra, la promesa y la inestabilidad práctica. Negociamos a la mexicana, esperando beneficios de economía europea o americana.

Son infinitas las voces que claman mejores oportunidades para el negocio de la música, pero de ellas muy pocas estarían dispuestas a entrar en los esquemas que delimiten el entorno y lo ayuden a florecer.

"Queremos una mejor industria" clama el sector... ¿Y cuántos sobrevivirían de ponerse todo en orden?... Después de todo, si Juan Gabriel ha significado tanto para la cultura mexicana, ¿no deberíamos reconocerle también en lo legal y fiscal su aportación?

Si tu respuesta es "las cosas así son y nunca van a cambiar", entonces tenemos nuestro propio epitafio.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Juan Gabriel: 45 años de negocio musical...

Todo mexicano tiene su historia con Juan Gabriel. Recuerdo a mi madre poner sus discos de "15 Grandes Éxitos" muchas veces durante mi infancia. Una portada azul con varias fotografías del cantante.

Su presencia en el hogar molestaba a mi padre, afecto a los boleros y la música folcklórica mexicana. Mi madre por el contrario, aprovechaba que su marido no estuviera en casa para escuchar a Juan Gabriel, Napoleón, Vicky Carr, Estela Nuñez.

Eran comunes las colecciones musicales de "Selecciones de Reader's Digest" (nunca pude entender quien era ese señor hasta que aprendí inglés), pero siempre estaba presente en el tocadiscos alguno de sus álbumes.

Eran discos tan utilizados, que se colocaban monedas sobre la pastilla (antes de quitarle 3 ceros al peso) para que la aguja sentara mejor y no saltara con los rayones provocados por el uso y las caídas de los brazos automáticos de las tornamesas. El desgaste de cada pasada, hacía necesario pensar en la compra de una copia más.

Juan Gabriel se insertó en el imaginario colectivo utilizando una estrategia diferente a otros intérpretes. Es una de las pocas mentes inteligentes del negocio de la música en México.

¿La clave? Su propuesta de valor como artista lo hizo diferenciarse de sus competidores y ubicarle facilmente en un entorno saturado por propuestas repetitivas que llenaban las estaciones de radio y programación de TV.

No buscó equiparar a José José en calidad vocal, agregar presencia a lo que Vicente Fernández estaba proponiendo o la clásica aparición de smoking y frack que acostumbraba Manolo Muñoz.  Su propio vestuario lo distinguió durante los 80's, 90`s, 00's y 10's.

En una época donde Siempre en Domingo se perfiló como el programa monopólico de la televisión mexicana, Juan Gabriel supo aprovechar la explotación de los íconos mexicanos desde sus inicios.

Cantaba al lado de Lucha Villa y Lola Beltrán, íconos de la música mexicana de aquellos años, para identificarse y mimetizarse con el público. Se le entregó a María Félix con su tema "María de todas las Marías" y con ello sembró un antecedente en el arte de las estrategias de marketing musical. Se dejaba "ver" con los grandes y eso le generó mucha simpatía.

Sus letras bajaron el tono de los intrincados arrumacos y dramas que proponían artistas como Raphael, Alberto Cortéz o Vicky Carr, para volverse cotidianos, simples, alegres y sin caer en el choteo de los cantantes de finales de los 60's que ya empezaban a descarrilar sus carreras cantando géneros "más maduros". Esas letras que hablaban tan parecido a como el resto de la gente siempre habló, es un sello que caracterizó los temas de Juan Gabriel.

Habló del amor prohibido, del amor sin condiciones, del Noa Noa, de no nacer para amar, del amor eterno (himno icónico para las madres en México) y todo aquello que siempre le rodeó. Apoyó a nuevas propuestas, porque sabía que seguiría atravesando las generaciones con esas referencias. Esos artistas son los que hoy llevan la palabra de "Juanga" a los nuevos públicos.

Estos elementos colaboraron a vender millones de copias en México y habla hispana, colocándolo como un artista vigente. No hay mexicano que haya dejado pasar la oportunidad de sentirse particularmente atraído por la música de Juan Gabriel.

Su relación con su madre siempre fue un mito que acompañó su carrera y que vinculó a una gran cantidad de seguidores con lo más sagrado que tiene el mexicano. Una identidad que se estimulaba por si misma.

Siempre existirá el debate con respecto a la calidad de sus arreglos musicales, su popularidad y su fama, pero en la industria discográfica, pocos artistas consiguen volverse icónicos y sumergirse en la piel de la memoria mexicana. 

Sea cual sea la razón por la que Juan Gabriel se haya sostenido en 45 años de carrera, es un hecho que no hubiese sido posible sin una visión del negocio en la música que recopiló de todas las entidades que conoció y aprovechó una red de contactos clave para posicionarse como uno de los ejemplos más exitosos en la industria.

Hoy, pocos artistas se dan cuenta de las sutilezas del negocio de la música, compitiendo en las mismas canchas, las mismas líneas o los mismos conceptos. Juan Gabriel pudo entender mejor que nadie a su audiencia y acercarle exactamente lo que quería. No tuvo reparos en identificarse con ellos y para ellos. Los escuchó, los siguió y atendió sin las herramientas que las redes sociales procuran en estos tiempos y que se han vuelto un mal necesario en el negocio de la música.

Viene la segunda pelea.. ¿Quién albergará los restos del cantante?.. ¿Parácuaro o Ciudad Juárez?... ¿Cuánta derrama económica podría dejar Juan Gabriel con su legado musical?... ¿Cuánto dinero podrían generar sus restos mortales asentados en alguna de estas ciudades?... Un capítulo sustancioso para analizar los próximos años...

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum Incubadora

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Río de Janeiro 2016: Blindaje Digital

El viernes pasado comenzó la XXXI Olimpiada en Río de Janeiro. El evento ha significado un suerte de contrariedades políticas, económicas y sociales al interior del país. Para muchos, es un espectáculo internacional que ocurre cada 4 años. 

El aprendizaje de fondo en estos eventos nunca deja de sorprender. Más allá del despliegue logístico, técnico y tecnológico, los Juegos Olímpicos de Río 2016 está dejando claro que todavía queda mucho que aprender y todavía mucho más que enseñar.

Un evento de estas proporciones ofrece de fondo un despliegue interminable de subproductos, como el contenido, resultados, estadísticas y específicamente para nuestro deleite, los conceptos creativos aplicados a elementos artísticos, invenciones, diseño gráfico e industrial que requieren protección en materia de propiedad Intelectual.

¿Cómo blindar intelectualmente en una era digital donde la información es la moneda de cambio del futuro?

Los acuerdos digitales

Existe un documento llamado "Normas de Acceso a la Información para la Difusión de los Juegos de la XXXI Olimpiada, Río de Janeiro 5-21 de 2016", que establece una serie de políticas fundamentadas en el Convenio de Bruselas sobre la distribución de señales portadoras de programas transmitidas por satélite (1974) y el Tratado de la OMPI sobre Derecho de Autor (WTC) de 1996.

El primero establece las bases para la distribución de contenidos limitados a las zonas de distribución en los diversos países que se conforman y el segundo sobre los derechos de distribución, alquiler y comunicación pública a través de los medios digitales.

Estos elementos son clave para blindar los servicios de comunicación para los Juegos Olímpicos a través de los medios digitales.

Gracias a ello, el material olímpico no se puede difundir en servicios de información contínua o información deportiva On Demand. Todo el material que sea aplicado a formatos de animación gráfica cono GIF, GFY, WebM o Vines no se pueden transmitir regionalmente o generar su transmisión sin autorización por escrito.

Quien lo realice puede hacerse merecedor de multas y revocación sobre las autorizaciones de acceso a las instalaciones olímpicas.

"Los juegos de todos": El gran debate

El COI ha sustentado como titular de los derechos de autor contemplando:

• Los juegos olímpicos y todos los actos relacionados con éstos
• El valor adicional asociado con los mismos
• Cualquier derecho, título o interés de todo tipo y relación con la organización
• Difusión cobretura y exhibición de los Juegos Olímpicos
• Explotación, representaciòn, grabación, comercialización, reproducción, acceso y divulgación por cualquier medio o procedimiento existente y de nueva creación con fines de lucro directo e indirecto.

La identidad gráfica también está protegida en:

• Bandera
• Lema
• Identificaciones (el término Juegos Olímpicos y Juegos de la Olimpiada en todos sus idiomas)
• Designaciones
• Emblemas
• La llama Olímpica
• Las antorchas
• Símbolos olímpicos colectivos o individuales

 Solamente se pueden difundir libremente las ruedas de prensa y eventos señalados por el COI.

Aplicación en Internet

En los últimos años, el tema de la difusión de contenidos sobre los Juegos Olímpicos había minimizado el interés de cubrir el evento y pagar los derechos de transmisión, porque la disponibilidad digital había disminuido el valor económico y publicitario.

La presión de los medios se hizo presente en los Juegos de Londres, referidos como los Juegos del "Ambush Marketing" o Marketing de emboscada. Este tipo de marketing implica cosechar beneficios de marketing a partir de "emboscar" los eventos más representativos y aprovecharse de sus beneficios, sin estar autorizado de forma directa para comercializar publicidad a partir de ello. Desde los Juegos de Atenas se anticipó el uso de  derechos para internet, sin embargo, en esta edición de los Juegos Olímpicos, se ha concretado el uso de aplicaciones y controles más estrictos para el acceso a los contenidos digitales y su difusión.

En México, Claro Sports aprovechó la infraestructura de Telecomunicaciones y los servicios Infinitum que provee América Móvil a través de Telmex en los distintos territorios que cubre su infraestructura.

El control de la publicidad está restringida a cada zona y su venta previa asociada a las zonas económicas y niveles de mercado estratégico que consumen el concepto de Juegos Olímpicos.

Conclusión

La estrategia de medios digitales aplicada por el Comité Olímpico International sienta las bases para el control de eventos masivos y su comercialización concreta. Aunque es difícil que se pueda promover a niveles inferiores de usuarios, es acertado crear una estrategia de seguridad y control bien recibida, aceptada y entendida por el mercado objetivo en este tipo de eventos.

Las aplicaciones móviles y los servicios de restricción a contenidos generados por las centrales de servicios como América Móvil en México, han demostrado que la segmentación de audiencias se puede controlar y con ello la publicidad se ve mejor retribuida.

Los dilemas éticos y morales sobre el control de los Juegos Olímpicos siempre serán debatibles, pero es una realidad que la hermandad, el deporte y la publicidad se suman en un producto que sigue atrayendo a millones de seguidores alrededor del mundo. El internet nunca ha sido gratis y hoy nos acercamos a una etapa más estable en la captación de recursos.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Pokémon Go: Cachetada con guante blanco para el Music Business...

¡He vuelto!... Nos enfocamos en hacer realidad la Primer Edición de nuestro Curso-Taller "Cómo emprender un proyecto para el Music Business".. ¡Ya vamos por la segunda edición!...

Entremos en materia. La Pokemanía se ha vuelto un fenómeno tecnológico, social y cultural. Tanto sus detractores como sus impulsores, han dejado claro muchas oportunidades clave para el negocio de la música.

¿Qué podemos aprender de una aplicación como Pokémon Go en el negocio de la música?

1.- La tecnología puede cambiar un modelo de negocio: Estamos en la era del streaming y en lo personal creo que la tecnología disponible, puede ofrecer una dimensionalidad diferente para el negocio de la música. No hablo de dimensionalidad simplemente espacial, sino de marco económico y cultural que no se puede obtener simplemente de los modelos tradicionales aplicados al Music Business. La realidad aumentada ya empezó a ser aplicada a los productos de la música y la creatividad e innovación van implícitos en esta nueva realidad que la tecnología nos ha vuelto inmersos.

2.- La música está 20 años en atraso tecnológico: Si, tener DVD-Audio, DTS y grados de audiófilo para equipos digitales, no significa que el negocio de la música haya evolucionado. Esta particularidad del mercado por ser espectadores pasivos, poco exigentes con los contenidos y experiencias que el negocio de la música puede proveer, ha permitido al mercado preservar su modelo de negocio arrancado desde la era del CD. El consumidor mismo prefiere vivir atado a una librería de contenidos digitales que retomar la experiencia consiente de la música en todos los niveles. ¿Quién puede dar una solución desde la vía digital a la pasividad del consumidor?

3.- Desperdicio de emociones y sensaciones en el Music Business: La realidad aumentada ha existido desde tiempos inmemoriables en la industria. Transporta y genera entornos realistas en quien la escucha. ¿Sabías que el mercado de la música sirve como plataforma de prueba para medir el impacto de productos audiovisuales en las grandes marcas?... Es tiempo de sacar a la música de su sagrado bowl de cristal y dejar a las audiencias que lo palpen a través de todos sus sentidos...

4.- Realidad aumentada como experiencia de la música: Pocos se han aventurado a desarrollar realidad aumentada para el Music Business... Pero si consideramos más allá las oportunidades que brindan los sentidos, no necesitas desarrollar una aplicación y generar una red de servers alrededor del mundo para proveerla.. Pokémon Go ha gastado millones de dólares en su desarrollo para despertar a usuarios dormidos en su consumo... ¡Todo desde sus sentidos!...

Conclusión

La experiencia Pokémon Go ha dejado un mundo de posibilidades para el negocio de la música.. En estos momentos se me ocurren infinidad de formas para despertar a un mercado somnoliento y enganchado al mundo de las librerías sonoras, cuyas experiencias como consumidor de la música se van a volver intensas los próximos años. 

La tecnología ha invadido al mundo económico, cultural, social y político desde hace años, pero se nos olvida que somos seres con sensibilidades únicas que un dispositivo móvil nunca podrá imitar.

La pregunta clave es: ¿Estás preparado para imaginar la innovación y creatividad aplicada a la música durante los próximos 20 años?

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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10 reglas de etiqueta básica en redes sociales...

Las redes sociales son un área importante para un proyecto del negocio musical. Sin embargo, aún existen muchos involucrados dentro del Music Business, que olvidan reglas de etiqueta básica para contactar a sus fans.

No todas las reglas aplican a los mismos conceptos, por ejemplo, si tienes una banda de punk, será difícil alejarte del discurso rebelde del género de forma radical. Pero eso no significa que debas tratar a todos tus visitantes con la punta del pie o con ofensas. Hay géneros que se prestan y otros que nunca deben incurrir en faltas a la etiqueta.

Por eso, aquí te dejo 10 reglas de etiqueta básica en Redes Sociales...

1.- Perfil profesional: Es inevitable... un día tendrás que generar una cuenta de facebook para tu perfil profesional. Tu red debe estar bien definida y sobre todo, que permita desarrollar diálogos con otras personas, debatir y sobre todo dar opiniones constructivas.

2.- Crítica constructiva: Tal vez algún género musical no sea de tu agrado. Todos tenemos derecho a expresar nuestra percepción personal sobre algún tipo de música en particular, pero no significa que debamos utilizar todo nuestro repertorio de ofensas. La clave es preguntarse ¿qué tanto conozco sobre el origen de este género y su papel en la industria?

3.- Imágenes de mal gusto: Puedes tener muchas cosas que deseas compartir con tus amigos (finalmente es una red social y está hecha para eso), pero debes ser selectivo con las imágenes que compartes en redes. Inclusive debes evaluar a quien le compartes imágenes aunque lo hagas por inbox, email o whatsapp... Nunca sabes que uso le podrá dar quien esté del otro lado... Una imagen en internet se vuelve dominio público.

4.- Responde con cortesía a los comentarios negativos: Es común caer en las manos de Trolls... Estas personas intimidantes abundan en las redes sociales y encuentran siempre el lado sensible de las personas.. Supongamos que te agrada el tema de los perros como mascotas... El Troll sabe que es una debilidad emocional que tienes y hará comentarios muy desagradables al respecto. Si respondes demasiado rápido, el Troll sabe que tiene tu atención... No te lo tomes personal.. deja pasar unos 10 a 20 minutos antes de responder.. Una conversación sin interacción en redes sociales pierde efectividad con los segundos... Responde con mucho tacto sobre el eje de tu interés y haz el cierre de la conversación a modo de conclusión.. ¡Es todo!

5.- Etiquetar por vender: Es común que pongas un evento, propaganda y promoción de tu proyecto. Caer en la tentación de etiquetar a todo mundo es molesto y con el tiempo, quienes simpatizan contigo podrían desesperarse y bloquear tus invitaciones de forma intempestiva. La tendencia es bloquear al usuario que etiqueta. A menos que alguien de forma explícita y directa, te haya manifestado ser etiquetado en una imagen, evita hacerlo para ganar likes o presencia.

6.- Aceptar "amistades" por likes: Si conoces bien tu proyecto, sabes que no todas las personas son tus clientes, seguidores o soporte. Agregar amigos sin verificar de quien se trata puede sonar duro y poco sensible. No es discriminación en ningún sentido porque es lo mismo que elegir con quien relacionarse y con quien no en el mundo real. Se piensa que debes aceptar a cuanta persona ingrese a tu perfil, pero desafortunadamente no puedes controlar siquiera a 30 amigos de forma continua.. ¡Imagínate a 3000 o más!!!... Tómate el tiempo necesario para verificar las solicitudes de amistad y descarta aquellos perfiles que no coincidan un 60 a 70% con tus intereses personales.

7.- Solicitar ingreso a grupos: Agregarte a un grupo siempre deberá anteceder con un mensaje introductorio. Existen grupos muy exclusivos en redes sociales que permanecen pequeños para que la interacción sea más integral. Si eres aceptado, no olvides enviar un mensaje a la comunidad y por supuesto, debes hacer lo propio con el administrador que te permitió el acceso. Sobre todo, compórtate y aplica las reglas para que no seas baneado o considerado un troll en el grupo.

8.- Compartir y publicar responsablemente: Puede ser muy tentador pegar un video gracioso donde alguien se hace daño... Desafortunadamente es una práctica que puede dañar tu reputación en redes constantemente. Existen perfiles que comparten este tipo de videos en busca de ganar audiencia, igual que las televisoras o emisiones radiales. Normalmente la ética profesional de estos sitios es inexistente y compartiendo todo ello podría gustar a una gran mayoría de seguidores, pero podría disgustar a tus VERDADEROS CONSUMIDORES (perdonen las mayúsculas, pero había que acentuar) ¿Ahora comprendes porqué es importante saber quienes son tus consumidores?

9.- Colaborar socialmente responsable: Por si no te habías dado cuenta, eres una empresa cultural. Como tal, debes devolver a la sociedad aquello que te ha brindado. Apoyar una causa siempre será bien recibido, siempre y cuando lo hagas sin apasionamiento, sentimiento de verdad absoluta y sobre todo basada en poco conocimiento. Apoya aquella causa que realmente conoces como problema de fondo y en vez de compartir una imagen viral o video controversial, elige si debes o no participar del debate, analiza si te hace falta información y verifica que comprendas correctamente todas las perspectivas que lo integran. Apoyar una causa no es sumar difusión, sino poner el debate a nivel público de forma objetiva y respetuosa para encontrar una solución viable y tangible.

10.- Por favor y gracias siguen siendo tu mejor rostro: Parece que las redes sociales han establecido reglas independientes para estas palabras. Pero es un hecho que siguen siendo las mínimas reglas de atención y cortesía que una persona puede ofrecer a otros. Hay que saber utilizarlas como apertura y cierre en conversaciones, debates, reclamos y hasta comentarios ofensivos. Después de todo, tienes la oportunidad de comenzar un nuevo debate y dejarlo abierto o cerrado con un excelente sabor de boca.

Conclusión

Existen muchas reglas importantes para un posteo en redes sociales. Hemos considerado las más comunes y dañinas a tu reputación, pero sobre todo a tu imagen como persona responsable en las redes sociales. Vigilar estos detalles contribuyen a un cambio personal que se ve reflejado también en la vida cotidiana. 

Nunca desperdicies la oportunidad de atender mejor a tus seguidores, fans, clientes y sobre todo a una comunidad entera que tiene la posibilidad de felicitarte o condenarte en masa por alguna regla de etiqueta que hayas dejado pasar.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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6 actividades clave de los sellos discográficos...

El fin de semana pasado asistimos a la Feria de Disqueras Independientes en el Centro Cultural de España en México.

El objetivo principal de la Feria, es mostrar las ofertas y proyectos con que una disquera independiente trabaja durante el año. Tuve la oportunidad de platicar con el personal de los stands y recordé que una de las dudas más comunes es comprender las actividades clave de un sello discográfico, particularmente por el tamaño que ocupa un sello discográfico independiente.

Las disqueras Majors (Sony, EMI, Warner y BMG/Universal) poseen estructuras mucho más complejas en las que desarrollan múltiples tareas complementarias, así que me limitaré a integrar a los sellos independientes y Majors de forma general.

Actividades clave

¿Hasta donde queda la delgada línea entre lo establecido y lo real? Las siguienes actividades son subjetivamente vistas por cada sello y una forma de reconocer las diferencias entre cada uno es comprender que una gran parte de ellas es un esfuerzo compartido.

Anteriormente se creía que el sello discográfico manejaba al 100% al artista y lo ponía bajo su cobijo. Hoy los tiempos han cambiado, la mejor forma de integrar, colaborar y desarrollar un proyecto con disqueras es la obligación compartida. Algunos de las actividades clave son

1- Desarrollo de Talento: La disquera promueve y ofrece como marca un apoyo al artista. Esto se llama en la terminología inglesa "Talent Development", pero no significa que sea responsabilidad de la misma hacer que un artista crezca como tal. El desarrollo de talento tiene que ver más con la estrategia a seguir, que ofrecerá un camino comercial adecuado al artista durante su estancia en el sello. Esto incluye la dirección musical, comercial y en algunos casos del espectáculo.

2.- Marketing del Producto: Terminado el disco debe comercializarse para recuperar los costos. Aquí es el punto donde la mayoría de los conflictos entre disquera y artista se generan, puesto que no queda claro quien vende que, durante cuanto tiempo, en que forma y cuanto recupera el artista por ello. En esta etapa es donde el abogado debe negociar (con pleno conocimiento) en busca de un equilibrio ganar-ganar para sus clientes. 

3.- Manejo de los aspectos legales en la producción musical: Recordemos que el Derecho de autor es innalienable e irrenunciable. La disquera solo puede actuar dentro de los límites que el artista aprueba y pacte a través del contrato discográfico. A menos que la obra se maneje por encargo, es la disquera la que obtiene el control total sobre la reproducción, comercialización, distribución y ejecución pública de la obra

4.- Proveer el servicio al artista: En esta eterna lucha de quien hace que, algunos sellos dejan de proveer servicios a algunos artistas en desarrollo, simplemente porque absorben de una manera u otra el riesgo de su trabajo. El artista no debe olvidar que está trabajando en colaboración de alguien más para obtener un beneficio conjunto. Dice un proverbio africano, "Si quieres llegar rápido, ve solo... Si quieres llegar más lejos, ve acompañado"... Aplica de la misma forma en una interacción con el sello. Es otro de los puntos críticos en las relaciones discográficas.

5.- Ventas y distribución: El manejo y administración de las ventas de un artista es obligación directa del sello. El artista debe tener las manos despejadas para seguir creando productos que beneficien a ambas partes. Algunos sellos parecen presionar a los artistas a crear más canciones en menos tiempo a modo de proveer vigencia en las ventas, sin embargo es una práctica que cada vez más está dejando de ser aplicada, simplemente porque un buen producto debe tomarse el tiempo para desarrollarse, posicionarse y comercializarse extendidamente. Más vale calidad que cantidad.

6.- Promoción y Marketing: Es importante promover y mercadear adecuadamente los productos que un sello genera. No puedes poner todo en todos lados simplemente esperando que la exposición venda lo que tienes. El artista a veces entra en desesperación sabiendo que otras distribuidoras entregan producto en Mixup y su disquera sigue poniendo su material disponible solo en sus centros de distribución. Depende mucho la estrategia de ventas de cada sello el que define su producto. Antes de firmar, asegúrate de conocer sus estrategias de promoción y marketing para que te sientas satisfecho. La clave es saber como artista quien, donde y como consumen tus fans el producto que ofreces.

Conclusión

Existen muchas variantes al momento de comprender cuales son las actividades clave de un sello discográfico. Vale la pena hacer un comparativo de los sellos que conoces y establecer cuales de ellos ofrecen más ventajas para ti como artista y cuales ofrecen alternativas novedosas y disruptivas a tu proyecto. El sello discográfico tiene múltiples características que vale la pena conocer antes de firmar con alguno en particular.

Conocer el negocio de la música es importante para asegurar un mayor porcentaje de éxito en la industria. La cultura de los negocios es una habilidad importante para los artistas en nuestros tiempos. Es una necesidad importante y un complemento que ofrecerá ventajas infinitas a tus proyectos.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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