8 cosas que pocos dueños de bares y clubes con música en vivo hacen por sus clientes....

Hace unos días me pidieron visitar un espacio para analizar su viabilidad para hacer música en vivo. Cualquiera pensaría que sólo se trata de poner un pequeño escenario y que agregando un equipo de sonido decente la situación está bajo control. La primer pregunta que le hice al dueño fue ¿Qué tipo de clientes quieres tener?... Su respuesta me dejó helado... "gente que pague".

De entrada ya sería difícil explicar muchas cosas necesarias para su espacio de música en vivo. Desde hace tiempo he querido abordar un tema así de espinoso y duro porque sé que no será bien recibido por todos.

Decidí escribir este post con la finalidad de aportar un elemento clave para la experiencia del cliente en un lugar en vivo. La gran mayoría de los bares culpa al músico o al ingeniero en audio de la experiencia del cliente. ¿Pero realmente el dueño sabe lo que tiene en sus manos como negocio?

1.- Espacio real: Muchos dueños de clubes tienen en mente crear pequeñas "The Cavern" en espacios apretados con poca ventilación y muchos clientes. Se limitan a vender cerveza por montones y se olvidan de lo primordial... El Cliente. Esto merece un post totalmente aparte porque tiene que ver con modelo de negocio e interpretación del nicho de mercado. En resumidas cuentas, no todos los bares consiguen esa intimidad entre el cliente, el consumo y la música en vivo. Muchos se quejan del "escenario" de 3 por 2 metros de fondo que han "pensado" para los músicos. Esto es una señal directa y concluyente de un empresario improvisado que no conoce nada sobre experiencia del cliente.

2.- Equipo barato e insuficiente: Todo va de la mano. Si no vendes un determinado número de cervezas, el negocio sufre. Se quejan del costo de mantenimiento de equipo y prefieren que la banda lleve su propio set porque se cansaron de mandar reenconar el bello par de bocinas "Mitzu" que compraron hace 3 años. Nunca se asesoran de lo que significa costo-durabilidad. No hay preocupación por tener un ingeniero base porque "hay muchos por ahí" o que la banda traiga el suyo. Mal audio es pérdida de ventas, porque el cliente no vive su experiencia realmente. Los clubes y bares basan ahora más que nunca su reputación por recomendación.

3.- Promoción insuficiente de los eventos: Cacarear el espectáculo una semana antes no sirve. No da cabida a la planeación al cliente. Si mi banda favorita está en la zona y me entero que es pasado mañana, replantear mi salida con mi novia y cancelar la comida con la suegra es imposible. Crear calendarios mensuales es fundamental para conseguir una continuidad de clientela. Siempre va a variar el número de visitantes, pero por lo menos debes buscar una meta real para fechas importantes. Planeación es la clave.

4.- Iniciar los eventos de forma temprana: Anunciar a las bandas a partir de las 8 pm y retenerlas hasta las 10 para iniciar la música en vivo, es síntoma de un negocio mal administrado y contemplado. El argumento siempre es "para que se llene". ¿Usted esperaría a que le atendieran de una muela hasta que se llene un consultorio? Si me contesta que es diferente, le aseguro que ambos cubren algo común... UNA NECESIDAD.  En un consultorio las necesidades pueden ser dolor, prevención, atención, corrección dental. En un bar puede ser diversión, convivencia, relajamiento, seguir a la banda. Le ha preguntado a sus clientes con honestidad, ¿porqué visita su bar regularmente?.  No se sorprenda si en ningún motivo aparece su negocio como la causa principal.

5.-Número excesivo de bandas: ¡Algunos bares ofrecen hasta 10 bandas en vivo en una sola noche!... Los tiempos de cambio entre bandas resultan mortales. La banda no tiene tiempo suficiente de preparar su sonido con un tiempo tan restringido. Las pausas no ayudan al consumo. La rotación se mantiene cerrada y la gente llega a escuchar bandas comprando una sola cerveza para toda la noche. ¿Le suena eso a negocio?... Dos bandas pueden hacer un mejor trabajo y conseguir una mejor fuente de consumo que 10 bandas de garage. ¿Quieres tener más días abiertos? Distribuye tus 10 mejores bandas en distintos días de la semana.

6.- Bandas vende boletos: Hasta el cansancio y agotamiento lo repetiré cuanto sea necesario: LAS BANDAS NO SIRVEN PARA VENDER BOLETOS. Su trabajo es practicar, mejorar su técnica, su música y su interpretación para ofrecer entretenimiento y su visión artística a una audiencia cautiva entre 4 paredes. Los bares que usan los boletos como medio de ingreso definitivamente no tienen claro para que tienen un negocio de este tipo. Hay mil maneras de generar ingresos en conjunto con la banda.

7.- Volumen dentro de los estándares: Para el dueño, altos volúmenes representa menos interacción entre clientes y vender más tragos. Pero de nada te sirve si siempre dependes del volumen de venta. La fatiga auditiva causa dolor de cabeza, nauseas, aturdimiento. ¡LA GENTE DEJA DE CONSUMIR PORQUE PIENSA QUE YA SE LE PASARON LAS CERVEZAS¡. Añade elementos a tu menú que permitan la permanencia de consumo. Menos sacaborrachos y más atención al cliente.

8.- Haz negocios con las bandas, no consumidores: Te parecerá barato negociar con la banda tocadas por tragos para evitar pagar efectivo. Ahora imagina a un cliente negociar contigo pagar la cuenta una parte en efectivo y la otra con varias cajas de bujías porque eso es lo que vende. ¿Ilógico? 

Asesórate para que puedas reconocer el potencial de aquellas bandas que podrían aportar algo a tu lugar. Imagínate que una banda consiga cierto éxito con el paso de los años y hablen de tí como un verdadero impulsor de su propuesta. ¿O prefieres aparecer en su libro de memorias como el hoyo de mala muerte del que tuvieron que emigrar a uno mejor donde las oportunidades se abrieron por su respaldo?... Ahí está la diferencia entre "The Cavern" y tu negocio.

Conclusión

La reputación de un lugar ahora es medible en múltiples sentidos. Los sitios web para recomendaciones son cada vez más populares y distribuíbles vía móviles. De boca en boca se van cubriendo nuevos lugares de gloria y otros van sacando a relucir sus fallas que los han condenado. 

En México está por demás decir que las fallas de un negocio a ciegas, se convierte en argumento para pagar menos a las bandas a pesar de su esfuerzo. Imagínense a un paciente decirle a su doctor que no le gustó la operación de apendicitis que le hizo porque le resultó dolorosa e incómoda. La gran pregunta sería ¿Tiene la culpa el doctor de que el paciente hubiera consumido irritantes con un mal manejo de estabilidad psicológica y personal?

Un lugar para la música en vivo es maravilloso, porque simplemente se integra de otras industrias que significan oportunidades claras de negocio. Las bandas son portavoces ante personas que pueden iniciar no sólo el consumo sino la reputación adecuada para tu negocio. 

El cliente puede comprar el disco de esta banda y visitar regularmente un bar o club donde por 6 horas no se preocupó por la cuenta. El disfrute personal estuvo a su alcance y al día siguiente recordará la experiencia posteándola en Facebook, sacando imágenes de tu bar y no sólo 20 selfies de ellos en diversas etapas de embriaguez.

No te limites a vender cervezas y alcohol como tu negocio. Piensa en la experiencia del cliente. ¿Cómo te gustaría que te trataran a tí en un bar?,¿Crees que la amabilidad y atención es costosa?
Mejores lugares significan mejores bandas, mejores negocios, mejores clientes, mejores ingresos. 

Abre tu panorama y saca a tu negocio de estos vicios. Sobre todo, piensa en que tipo de cliente quieres tener...

Rafael Mendoza realiza soporte en Ad Libitum

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Las 5 cosas que nadie te cuenta sobre el Mastering Automatizado Online...

Ya tienes un super tema que creaste para lanzar en tu cuenta de SoundCloud. Ya conseguiste la tarjeta de crédito para pagar el servicio en línea que viste en Facebook y sólo te falta hacer un click para dar en pagar... ¿O es demasiado tarde?

Los nuevos sistemas de masterización online, responden a criterios de volumen de servicios. Es decir, es fácil, directo, instantáneo, pero no significa que sea la mejor opción.

Aquí las 5 cosas que nadie te cuenta sobre el Mastering Automatizado Online.

1.- Es un algoritmo matemático: Un algoritmo trabaja en base a un promedio de resultados posibles de acuerdo a datos estimados. Hasta donde sé, ningún oído experto se basa en promedios, sino en referencias, experiencia de años y resultados concretos. 

2.- Colabora con el Loudness War: Si tienes un buen material, donde las dinámicas son importantes, géneros como el jazz, clásico, interpretativo o en vivo no pueden beneficiarse de este proceso. Una buena canción no necesita altos volúmenes. Un buen arreglo basta.

3.- Procesa un archivo de alta resolución a partir de un mp3: Algunos sitios te dan la opción de subir el archivo sin compresión. Pero obtenerlo "masterizado" en mp3 es una gran contradicción. Envía a la lavandería un pantalón viejo y obtén uno nuevo al regreso... ¿Imposible verdad?

4.- Realizan 3 procesos de degradación: El digital se degrada produciendo jitter digital. Suma una codificación de subida, una de proceso y una de bajada. 3 procesos que si los combinas obtienes un bonito archivo modificado.

5.- No agrega nada nuevo que no puedas hacer tu mismo: Los resultados parecen sorprender a quienes utilizan este servicio. Sin embargo, los expertos han comparado el resultado contra presets de plugins (tampoco muy recomendable) que existen en el mercado como T-Racks o Soluciones todo en uno y al parecer el resultado es más aceptable en estas plataformas.

Conclusión

Aún estamos por ver como evolucionan estos servicios online, pero por el momento ofrecen lo que dan. No todo lo que lleva la palabra profesional lo es y no todo lo que dice Mastering suele serlo.

Tal vez sea caro comprar un TRacks para "pulir" tu material un poco, pero si lo contrastas con las posibilidades, aprenderías un poco mejor sobre el uso de compresión, expansión, compresión multibanda y algunas técnicas básicas de procesamiento. 

No descarto estos servicios para quien no quiere nada técnico, pero esperar que obtengas un material limpio y bueno a partir de un algoritmo online ya suena bastante pretencioso.

Rafael Mendoza envía a masterizar proyectos de Ad Libitum con expertos en su campo

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Press Kit: Inicia la batalla...

En la era digital, la velocidad de entrega es fundamental para mantener informada adecuadamente al usuario.

El Press Kit es la carta de presentación a cualquier nivel de un proyecto. No importa el número de integrantes o si eres solista. Tampoco si tu proyecto utiliza un pandero y castañuelas para crear música. 

Iniciar con un buen press kit va más allá del diseño gráfico, pues aunque contribuye enormemente, es el contenido lo que puede apoyar tu enfoque y empuje como artista.

Aquí las consideraciones básicas para crear un Press Kit

¿Que es un Press Kit?

Fundamentalmente es un conjunto de documentos que hablan sobre el origen, identidad, sentido y dirección de un proyecto específico.

Es una guía y carta de presentación para quien desee entender tu concepto. Beneficia al book manager a dar la idea principal de tu proyecto.

Existen dos tipos de Press Kit: el impreso y el electrónico o EPK

Ambos son válidos aunque se utilizan de diferente forma. El press kit impreso sirve más como respaldo para el Booking Manager, una presentación más formal ante medios más grandes y apertura en festivales de mayor captación de audiencia. Radio, TV y Prensa especializada son el objetivo primordial.

El EPK por el contrario, es información inmediata que se puede colgar en internet. Normalmente es una versión más corta que el Press Kit impreso. 

¿Que datos debe llevar?

Aunque varían debido a los géneros y estilos, el Press Kit contiene datos fundamentales que son el punto de arranque para un proyecto.

Biografía: Recuerda que el Press Kit es una base de conocimiento rápido. Quien quiera contactarte hará las preguntas necesarias una vez que te presentes a acordar algo. Así que menciona solamente a los integrantes de la banda y como visualizan su pasión por la música que crean. Si la configuración ha cambiado recientemente, menciona la fecha de integración de los últimos integrantes y al final puedes mencionar a los compañeros anteriores como forma de reconocimiento y respeto. Datos relevantes de la producción como Productor, Sello discográfico, patrocinios etc.

Fotografías: La mejor calidad posible debe ser utilizada en el Press Kit. Aquí es donde te puede servir nuestro post "Cómo sobrevivir a una sesión fotográfica " o utilizar solo aquellas fotografías que valen la pena mostrar. 

Si no sabes que fotos usar, elige aquellas que creas convenientes (nada de fotos de fiesta o en estado inconveniente, alcohol, cigarrillos, actitud fuera de control) y preséntalas a 10 personas que no conozcas al azar. Aquellas que sean mejor señaladas serán la base de tu búsqueda.

Reviews y Entrevistas: Menciona estos datos como parte de la experiencia que tienes. Linkea vínculos en el EPK de fácil acceso. 

Fechas de Tours o eventos importantes: La experiencia es la que marca la diferencia. Menciona los eventos más relevantes en los que se ha presentado tu proyecto. 

También puedes utilizar fechas próximas. No importa si has abierto conciertos para conocidos o desconocidos. Saber en que foros te has presentado le indica a quien revisa tu press kit, la experiencia que has acumulado en estos años.

Formas de contacto: Aquí puedes poner todas las vías de acceso que tienes disponibles.

• Nombre del contacto, quien atiende las llamadas. No pongas más de 2 personas para que coordinen una sola agenda. Aquí va el nombre del Booking Manager o Manager Personal

• Teléfono celular o fijo

• Correo electrónico: si no tienes aún página web, por lo menos crea un correo único para el proyecto que lleve el nombre del mismo. No muy largo, por ejemplo, si la banda se llama "17 saxofones y 20 manzanas blues" puedes crear uno que diga 17y20blues@hotmail.com... listo

• Página de Facebook: Asegúrate de tener un poco de rotación por lo menos cada 3 días. No compartas nada que no tenga que ver con tu proyecto. 

• Cuenta de Twitter: La oficial, no la personal.

• Links de You Tube: Elige uno o 2 videos representativos. No importa el sonido, sino como desarrollas tu proyecto y quien eres.

• Cuenta de redes sociales musicales: Spotify, My Space o cualquier otra red donde se aloje tu música: Asegúrate de personalizarla adecuadamente.

• Redes sociales alternas: Aunque tengas pinterest y cuanta red social se conozca, si no tienes un community manager será mejor que te limites a las 3 grandes, Facebook, Twitter y YouTube.

Carta personal: Incluir una carta personal como punto de presentación, es un buen aperitivo para iniciar una conversación a cualquier medio. Agradece la oportunidad y tiempo asignado a tu press kit y haz crecer el interés en tu proyecto. Más de 10 líneas es excesivo. 

Es como si fueras a escribir un comercial para tu proyecto de 30 segundos. ¿Que dirías aparte de dar las gracias por mirar el comercial?.

Empaque y presentación: Está de más decir que se debe trabajar con un diseñador gráfico de la mano. Si estás en la onda DIY (hágalo usted mismo) por lo menos aplica algún apoyo de alguien que tenga toque para crear una plantilla en Word. Utiliza formatos de texto conocidos y mantén la lectura limpia y en orden.

Si no tienes logo por lo menos utiliza una tipografía que distinga a tu nombre del resto del texto.

Para el Press Kit impreso investiga papeles, folders, costos en materiales fuera de lo tradicional. Considera ingresar un CD de audio (no datos) que contenga 2 o 3 temas fundamentales. 

Para el EPK, reproduce lo más fiel posible en un documento PDF. Utiliza las herramientas de formato de texto. Más de 3 páginas en EPK son demasiadas. Una vez que estés frente al interesado puedes llevarle tu Press Kit Impreso y hacerlo un poco más extenso. 

El empaque debe facilitar su apertura y cierre de forma sencilla. Olvídate de broches, botones, ligas, cordones y todo aquello que puede hacer parecer tu empaque una invitación de baby shower o de boda septuagenaria. Simpleza es la clave.

Rotular el CD de Audio es fundamental. Imprimir una etiqueta puede generar fallas en la reproducción del disco. Busca un servicio especializado y trabaja unas 30 piezas para distribución.

El broche de Oro

Disponibilidad, compromiso, atención personalizada y lenguaje apropiado. Podrá ser una banda de punk rock muy pesada contra el sistema. Pero ante una invitación a participar en un festival o evento siempre debe ser tratada con cortesía. 

Aunque el promotor abra la puerta para llevarse de a cuartos, debes delimitar tu lenguaje y presentarte como un profesional.  Ningún press kit por caro y bonito que sea te va a salvar de no devolver una llamada, un correo, un saludo, una mención de Facebook o un Tuit. Sigue siendo la carta máxima de presentación.

Conclusión

Hay muchas consideraciones más al momento de hacer un Press Kit. Estos pasos te sirven como una guía si estás bajo una situación de bajo presupuesto, emergencia o inicias estos caminos de la producción musical. Deberás substituirlo en lo posible y a mediano plazo. Siempre ve por la calidad de diseño, imagen visual y contenido.

El sentido del proyecto, su duración, las metas y sobre todo para qué tener una banda son la base para generar un producto rentable, atractivo y de amplia respuesta como lo es tu banda.

Seguiremos hablando de estos temas en otros post.

Rafael Mendoza ha leido press kits en Ad Libitum

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Derechos de autor: ¿Que son los derechos morales y para qué sirven?...

Hemos dejado el tema de derechos de autor un poco olvidados y ahora lo retomamos  porque en estos días se han estado produciendo menciones constantes a las particularidades del derecho de autor.

La mayor parte de las personas que se preocupan por derechos de autor piensan en los procedimientos de bloqueo para evitar el fenómeno de la piratería, cuando lo relevante es reconocer sus derechos morales. Si no estas familiarizado con el tema de derechos de autor puedes leer nuestros post anteriores Derechos de Autor: 10 Elementos Clave y 10 errores comunes al registrar temas musicales para que comprendas mejor este tema,

¿Qué son los Derechos morales en Derechos de Autor?

Son todos aquellos derechos que protegen la voluntad y personalidad del propietario de los derechos. En sí, protegen su voluntad de acción y de decisión más que de la obra misma.

En ellos se incluye el Derecho al reconocimiento de la paternidad de la obra, y el derecho de autor a preservar la integridad de la obra. Es la conexión entre el autor y su obra para evitar el plagio.

Desglosaremos los artículos del capítulo II de la Ley Federal de Derechos de Autor en su Capítulo II. Pondremos al final de cada artículo una interpretación básica para ofrecer un panorama más digerido. Estas interpretaciones básicas son puntos de referencia para preguntar a un abogado experto en Derechos de Autor.

Capítulo II
De los Derechos Morales

Artículo 18.- El autor es el único, primigenio y perpetuo titular de los derechos morales sobre las obras de su creación.  

Interpretación Básica: Ninguna otra persona está habilitada para obtener beneficio directo de los derechos morales mas que el autor registrado.

Artículo 19.- El derecho moral se considera unido al autor y es inalienable, imprescriptible, irrenunciable e inembargable. 

IB: Ninguna disquera, editora, publicadora, representante artístico, manager, productor, musico, familiar o descendientes pueden recoger por ningún motivo expresado en documentos o no para reclamar el derecho moral.

Artículo 20.- Corresponde el ejercicio del derecho moral, al propio creador de la obra y a sus herederos. En ausencia de éstos, o bien en caso de obras del dominio público, anónimas o de las protegidas por el Título VII de la presente Ley, el Estado los ejercerá conforme al artículo siguiente, siempre y cuando se trate de obras de interés para el patrimonio cultural nacional.

IB: Ojo con este, una cosa es que sean descendientes y otra que sean HEREDEROS, ante lo cual solamente aquellos y el autor podrán ejercer el derecho de ejercicio para que se cumplan los requerimientos de derechos de autor.

Artículo 21.- Los titulares de los derechos morales podrán en todo tiempo:

Determinar si su obra ha de ser divulgada y en qué forma, o la de mantenerla inédita;
 IB: Si quiere que se sepa de su existencia, por que métodos, electrónica, digital, oral etc. O no

II. Exigir el reconocimiento de su calidad de autor respecto de la obra por él creada y la de disponer que su divulgación se efectúe como obra anónima o seudónima;
 IB: Derecho a que se reconozca su obra y recuperar ese derecho si es necesario como anónima o bajo seudónimo

III. Exigir respeto a la obra, oponiéndose a cualquier deformación, mutilación u otra modificación de ella, así como a toda acción o atentado a la misma que cause demérito de ella o perjuicio a la reputación de su autor;
 IB: Nadie puede meterle mano a la obra u oponerse a ello si se considera que se afecta)

IV. Modificar su obra;
 IB:Permitir que se modifique bajo su criterio

V. Retirar su obra del comercio, y

IB:Proteger comercialmente el producto

VI. Oponerse a que se le atribuya al autor una obra que no es de su creación. Cualquier persona a quien se pretenda atribuir una obra que no sea de su creación podrá ejercer la facultad a que se refiere esta fracción.

IB: Elementalmente es decir cuando una obra no le pertenece y tiene derecho a decirlo.

Los herederos sólo podrán ejercer las facultades establecidas en las fracciones I, II, III y VI del presente artículo y el Estado, en su caso, sólo podrá hacerlo respecto de las establecidas en las fracciones III y VI del presente artículo.

IB: los herederos solo puede aplicar los cuatro primeros puntos y a requerimiento del  Estado solo se pueden aplicar las fracciones  III y VI.

Artículo 22.- Salvo pacto en contrario entre los coautores, el director o realizador de la obra, tiene el ejercicio de los derechos morales sobre la obra audiovisual en su conjunto, sin perjuicio de los que correspondan a los demás coautores en relación con sus respectivas contribuciones, ni de los que puede ejercer el productor de conformidad con la presente Ley y de lo establecido por su artículo 99.

IB: Artículo que integra obras generadas por coautoría como películas, programas de tv o aquellas que integren imagen contra sonido.

Artículo 23.- Salvo pacto en contrario, se entiende que los autores que aporten obras para su utilización en anuncios publicitarios o de propaganda, han autorizado la omisión del crédito autoral durante la utilización o explotación de las mismas, sin que esto implique renuncia a los derechos morales.

IB:Esto debe aplicar en un acuerdo de obras por encargo, porque de otra forma, implica el uso comercial de un derecho de autor ya generado. Un ejemplo puede ser el tema Don't Worry Be Happy de Bobby McFerrin, donde se ocupa el tema para la propaganda de pañales.

Conclusión 

Los derechos morales protegen la voluntad de acción del autor tras el reconocimiento del Estado como creador de la obra. Por eso, muchas veces aunque un tema musical se sepa conocido por todos pero registrado por otro cuesta mucho trabajo se reconozca posterior al registro.

Seguiremos escribiendo sobre la importancia del Derecho de autor y sus implicaciones en audio producción. Si tienes más dudas al respecto, por favor busca un abogado ESPECIALIZADO en Derechos de Autor. 

Y recuerda... Más que defender como se copia una obra, siempre busca defender protegiendo su derecho de autor..

Rafael Mendoza lee sobre derechos de autor en Ad Libitum

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Decálogo básico para comprender emocionalmente al Ing@. en Audio...

Las relaciones humanas en audio producción son indispensables para soportar la mecánica de trabajo del Ingeniero en audio.

Por glamoroso que parezca nuestro trabajo, la carga de responsabilidad, presión en tiempos de entrega, expectativas del cliente y responsabilidad personal (aderezados con un poquito de ego) pueden hacer de las relaciones sentimentales y compromiso de tiempo algo difíciles de sobrellevar para una relación en que se involucre un alguien inmerso en audio producción.

Preparé este post como un pequeño homenaje a aquellas personas que ligadas indirectamente a nuestra industria, brindan su colaboración para que nuestro nivel de tensión, frustración, enojo y angustia se desvanezcan con una sonrisa.

1.- Buscar Tiempo de calidad :Los esquemas de trabajo son a veces demasiado apretados. No queda tiempo ni para comer el lunch y acabamos totalmente rendidos mentalmente. Eso si, cuando hay tiempo de descanso siempre podremos sacar un poco de energía para una llamada, un mensaje y hasta una película de madrugada. Calidad y no cantidad.

2.- Tener mente abierta para la crítica musical: Puede tratarse de la canción más profunda y emocionalmente mas llegadora.... Pero no te compliques si tu amado Ingenier@ empieza a criticarla... Esta en sus venas, en sus cables, en sus neuronas. No es reprogramable.

3.- Entender su independencia laboral: En la realidad económica, el Ingeniero en audio depende de la independencia laboral. Contados son los que basan su trabajo administrativamente hablando. Las previsiones económicas son dependientes de la negociación y oferta de servicios. Huímos de los escritorios por ser asesinos de la creatividad. Clave para una relación de pareja.

4.- Aceptar su extenuantes horarios: Actualmente pocos ingenieros mantienen un horario laboral estable. Debido a que tenemos una industria dependiente de la creatividad, los tiempos son muy variables para laborar. Habrá fines de semana perdidos y días festivos en algunas ocasiones estará terminando una mezcla con ajustes de último momento. Largas horas de mezcla y post producción. Claro que se puede evitar con políticas de servicio, pero a veces es imposible evitar una emergencia.

5.- Reconocer y aceptar su exposición constante a la admiración del sexo opuesto (o el mismo según el caso): es inevitable que en los procesos creativos la empatía e identidad formen vínculos instantáneos entre clientes y productores, ingenieros, músicos, locutores, etc. No me mal entiendan, pero es indispensable muchas veces para desarrollar proyectos de forma más consistente y continua. Los límites de una relación son responsabilidad de cada pareja, pero este elemento siempre esta presente y es un elemento indisoluble  en audio producción

6.- Tomar sana distancia en momentos de crisis : Bajo la presión de un proyecto, una observación fuera de lugar se puede convertir en el punto que haga estallar la bomba. La distancia y comprensión son fundamentales en estos estados de Jeckyll y Hide que presentamos a veces. Den algunos minutos para recomponer nuestra cordura y darnos cuenta de que debimos cambiar el cable desde hace 5 años para que no nos diera lata en este momento de presión.

7.- Utilizar la diplomacia para hablar sobre su trabajo: Todos los involucrados en audio producción sabemos que la mayoría de las veces nuestras personas mas queridas no saben de que se trata nuestro trabajo. Sin embargo y por algún gen raro que no hemos descubierto, siempre les preguntamos su opinión sobre ello. Si esto ocurre, dale una opinión sincera pero no destruyas del todo su visión. Nosotros nos damos bien cuenta cuando alguien abre esa herida de la auto compasión y se toca el corazón para no destrozar nuestro trabajo.... ¡y lo valoramos!

8.- Modificar tu régimen alimenticio: Cada vez mas ingenier@s cuidan su régimen de alimentos. Sin embargo no te extrañes si quiere tacos de huitlacoche con salsa inglesa a las 9 de la noche justo cuando ya van a cerrar o pida una pizza extra queso a las 10 am. Tampoco te molestes si te invita a comer y el termina en 15 minutos o menos su plato. Eso si, come cuanto puedas en ese período de tiempo...

9.- Darle espacio y tiempo para mirar electrónicos con detalle: Somos fans del shopping electrónico, caminaremos 20 cuadras y visitaremos cientos de locales preguntando precios de equipo que nunca vamos a comprar. Miraremos babeantes por vitrinas y catálogos en línea. Verificaremos con lupa cada detalle técnico provisto por el fabricante y aún así buscaremos en la Deep Web el borrador del prototipo en papel para asegurarnos que el transistor de .078 volts haya sido contemplado en el diseño original desde el principio. Vigilaremos cada centímetro que recorra la mensajería y hasta avisamos de baches en la zona para que eviten golpear a nuestros juguetes. ¿Excesivo?.... Si, pero nadie nos entiende.

10.- Aprender un nuevo vocabulario : Es en serio, un nuevo idioma invadirá tu mente y nuevos conceptos de cosas impronunciables. ¿Metadata, FireWire, thunderbolt, multitrack?, personas desconocidas (¿quién es Daisy?) y conceptualización infantil de nuestro ambiente (mi consolita por ejemplo). Te darás cuenta que nuevos miembros de la familia entran y salen con un apodo cariñoso. Y por favor, no se molesten cuando digamos " mi bebé, mis chamacos, mi nena preciosa".. Nos referimos a nuestros proyectos, ecualizadores, micrófonos, instrumentos y fiel computadora de trabajo (Plankton de Bob Esponja es una buena referencia).

Conclusión

Espero haber cubierto lo básico y aligerar un poco la carga de algunos colegas para describirse de mejor forma ante sus parejas, prospectos, novias y familia también. 

No es tarea fácil leer estos puntos y pensar que se sale de toda proporción de una relación tradicional. Creo que hablo por todos cuando digo que ha pesar de todas estas referencias, siempre volvemos a buscar a nuestros seres queridos y nos volcamos por entero en cultivar los lazos emocionales, familiares y de solidaridad.

Quiero dedicar este post a mi familia, mi esposa y mis hijas por aceptar este modelo de locura en su estructura y también a todos aquellos que acogen a un miembro de esta raza tan extraterrestre como lo es el Ingeniero en audio...

Rafael Mendoza es ingeniero en audio en Ad Libitum

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Mezclas de referencia: Criterios para optimizar tu sonido...

Una de las preguntas más comunes para los poseedores de un Home Studio es que se puede hacer para acercar su sonido a los temas comerciales.

Aunque las implicaciones técnicas pueden desglosarse en muchas vertientes, son el gusto personal, la experiencia, criterio, el material con que se mezcla, la actitud, el arreglo musical y otras tantos ingredientes.

A veces pensamos que abordar mejor una mix es tener habilidad para "disfrazarla" y que pase por buena. Obvio que el entorno acústico que utilices lo afectará sobre todo en el home studio. Pero aún así si mezclas a volúmenes bajos puedes obtener resultados aceptables

Aunque si hay especialistas en este concepto, de nada sirve intentar una mezcla si no conoces una buena mezcla. Aquí algunos consejos para conseguirlo.

Referencia base: La búsqueda inicia en los CD's, Lps, cassetes y mp3 que tengas a tu alcance. Hacer un recopilatorio de temas de referencia te podrá recordar constantemente los rangos de frecuencia usados en ciertos instrumentos para ciertos estilos. Puedes hacer discos de referencia en 2 vertientes:

• Por género: Si te quieres especializar en la música techno, tal vez debes iniciar con los orígenes electrónicos de fines de los 80 para comprender la base sobre los que se han construido. Es muy tentador querer imitar el sonido de Skrillex, pero todo tiene un origen y debes ir ahí para no solo copiar el sonido, sino intimar con el género.

• Por época: Suena lógico y es el mejor paso. Para obtener un sonido vintage debes conocer la disponibilidad de equipo de la época, el tipo de producción y las técnicas aplicadas a esa era. En este tipo de mezclas es importante el equilibrio entre vintage y contemporáneo. Las versiones nuevas de temas clásicos también puede ayudar a presentarte puntos de vista para abordar temas populares.

Entrenamiento auditivo: Aquí es donde la gimnasia auditiva da sus resultados. Reconocer timbres, rangos de corte y frecuencias predominantes se vuelve muy útil. Desarrolla un esquema de entrenamiento semanal para que tengas esta habilidad fresca.

Registros escritos: Leer los reviews, entrevistas con el productor, artista o ingeniero que mezcló el tema te podrá dar información o pistas de como se procesó el material. No esperes que te den la cadena completa en sólo unas líneas. Los ingenieros comparten la clave, es tu deber la exploración.

Conocimientos musicales: Comprender armonía y técnicas básicas de composición te ayuda también a tomar mejores decisiones de mezcla. Que puedes dejar, donde puede encajar. A veces me ha resultado mejor quitar un instrumento del coro y pegarlo en partes del verso como respuesta. Los límites son el tiempo que quieras dedicarle. Un mal arreglo te dará pocas oportunidades, aprende a reconocerlo para que evites la frustración

Conclusión

Crear una base de temas de referencia y tenerla disponible es importante para que tu proceso de mezcla no se vea afectado.

Algunas veces será necesario importar el tema en tu área de trabajo para revisarlo constantemente. Para el cliente, la magia ocurre en nuestras manos más que en su creatividad. Hay temas que aunque suenen bien con poco proceso el cliente quiere desarrollarlo con efectos y edición. Si lo pagan adelante. Pero finalmente lo que hace un gran tema es su arreglo musical, las emociones que transmite y la mezcla correcta que no altere ese balance.

La mezcla es un paso subjetivo por muchas cosas. A algunos puede gustarles y a otros no. A algunos les gustará el tema y a otros no a pesar de ser una buena mezcla. Siempre enciende y apaga los efectos para que escuches que estás procesando y que está haciendo en la mezcla

En lo posible, optimiza los recursos de acústica posibles en tu espacio de Home Studio. Es una inversión fuerte pero valdrá la pena porque reducirás tiempos de post producción y comparación.

Pasa muchas horas entrenándote con estas referencias y poco a poco encontrarás ese punto al que deseas llegar. Ningún plugin o sistema de producción puede hacer eso por ti.

Rafael Mendoza mezcla con referencias en Ad Libitum

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Discos Conceptuales: ¿Están condenados con la distribución digital?

Mucha gente piensa que la conceptualización de un disco como obra completa tiene su origen en el rock. 

No hablo de la conceptualización del sonido, sino de un diálogo musical y textual que lleva a contar una historia a través de los sonidos en un álbum

Sin embargo, hay ejemplos de este estilo de composición creativa en álbumes como Music to Remember Her de Jackie Glison o In the wee in small hours de Frank Sinatra.

Conceptualizar un disco ya es de por sí una meta que requiere mucho trabajo de composición, arreglo, texto, idea creativa y sobre todo de planeación en producción que puede llevar meses para conseguir un resultado muy aleatorio para la masa.

¿El modelo de negocio actual sobre la distribución digital puede afectar este tipo de proyecto?

La distribución digital... el tope mayor...

Actualmente la audiencia se siente más cómoda comprando un archivo digital que todo un álbum. Es una parte importante de los ingresos de las disqueras multinacionales. Es un mercado que no es para nada propicio en la generación de proyectos conceptuales.

Para las disqueras, invertir en un producto que puede llevarse meses representa un riesgo económico muy alto. En nuestros tiempos discos como The Wall de Pink Floyd sería inconcebible. Tal vez por ello Guilmour optó por editar recientemente Endless River con el material que no se utilizó para Division Bell.

Es más fácil reciclar los conceptos ya generados y meterlos al estudio para mezcla que iniciar de cero.

Si hubiese una disquera interesada en desarrollar álbumes conceptuales, la distribución digital no sería su punto de comercialización. Es como vender un rompecabezas por pieza en vez de caja.

El vinil al rescate

Una oportunidad vuelve para la creación de discos conceptuales. El retorno del Vinil a los mercados de distribución, podría justificar nuevamente el desarrollo de este tipo de proyectos. Desde hace ya algunos años, los artistas se han preocupado más por crear un disco de temas individuales en busca de ventas directas.

Para mí, tal vez el secreto del disco 21 de Adele no ha sido solamente el performance, elección de temas y tipo de producción, sino que aunque las letras no se entrelazan entre sí, el sonido de cada tema si tiene una conceptualización de obra que te permite escucharlo en cualquier orden sin que pierda sentido.

No soy muy fan de la música pop, pero en especial he escuchado este disco varias veces por su conceptualización sonora.

El vinil permitiría reenlazar el sonido y los textos de una obra contínua para la creación de más discos conceptuales.

Conclusión

Para mí Soundcloud y plataformas similares cumplen la función de almacenes de este tipo de proyectos. Basta darse una vuelta para encontrar álbumes enteros que a pesar de sus detalles de producción mantienen su línea inalterable. Es momento propicio para construir discos conceptuales de nuevo que reactiven la industria. Nos olvidamos que la música es un arte de mil lenguas, de miles de escenarios y nos remitimos a aquellos ya saturados. Una vez más, la tecnología parece tomar las riendas de nuestra mente. Somos nosotros sus creadores.

Rafael Mendoza escucha discos conceptuales en Ad Libitum

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5 cosas que nunca debes hacer antes de mezclar por encargo...

La mezcla es el paso creativo que cierra el desarrollo de una producción. Va más allá de equilibrar niveles y automatizar procesos. A veces recibiremos la mezcla desde un proyecto externo que desee ofrezcamos nuestro aporte creativo o de detalle que el cliente necesita.

Crear la mezcla perfecta es muy subjetivo porque para algunos será más importante la instrumentación, la letra, el arreglo o hasta el artista mismo.

Hay 5 pasos comunes que nunca debes hacer antes de mezclar un proyecto y que te abra las oportunidades a nuevas mezclas por encargo.

1.- Desconocer el proyecto en su totalidad: Saber cuántos canales se llevaron en el proceso no es suficiente para saber en que etapa se está realizando. Hay que saber por lo menos quienes intervinieron en la producción, cuánto tiempo de producción se ha llevado, que tiempo de desarrollo, ¿hubo pre-producción?

2.-  Juzgar el sonido final a partir del sonido entregado: Muchos detalles de producción serán audibles desde el primer momento. Pero debes identificar cuales de ellos son buenos o malos a partir de tu visión y gusto personal. Podrás sentir que la distorsión en una guitarra no fue la adecuada o que el sonido general de la batería es muy opaco. Si afecta los parámetros normales de una mezcla, debes avisarlo a tu cliente. 

3.- No pedir mezclas de referencia: Por muy buen gusto y "feeling" que tengas, nunca vas a dar con algo tan cercano a lo que el cliente prefiere si no tienes mezclas de referencia. Para empezar te darán un buen punto de comparación con el sonido entregado y podrás predecir en que porcentaje te puedes acercar al sonido final. Sobre advertencia no hay engaño para el cliente. 

4.- Dar un costo final: Uno de los errores más comunes es poner precio a la mezcla sin saber como está hecho el proyecto. El cliente podrá ofrecer un presupuesto o base para realizarlo. Pero si dices una cantidad que puede resultar excesiva, el cliente pensará que quieres sacar ventaja de su proyecto. Por otro lado también puedes dar menor costo y quedar atrapado entre costos. Lo mejor es solicitar una versión sin mezcla de todos los temas. Así podrás determinar cuantos son, que fallas tienen, cuál te llevará más tiempo y así hacer un cálculo del tiempo que requieres para entregarlo en perfecto estado.

5.- Quejarse del material: Este es el que mata. Un ingeniero que mezcla un proyecto quejándose del material provisto significa un mal karma para realizar el trabajo. Si no vas a trabajar con el proyecto porque te parece que no cumple con tus estándares, simplemente no lo aceptes. Nunca uses la queja como modo de presión para el cliente. Nunca funciona. Utiliza la diplomacia o recomienda a otra persona que conozcas y realice el trabajo. Dinero en el bolsillo ganado con mal karma no rinde.

Conclusión

Cuando nos buscan para realizar una mezcla, es un reconocimiento que el cliente pone en tus manos porque piensa que tus capacidades pueden brindar algo de magia al proyecto. Reconocer tus habilidades y límites te darán el parámetro adecuado para considerar realizar el trabajo o no. 

Mezclar por encargo es una tarea más compleja y de responsabilidad que mezclar un proyecto grabado por uno mismo. Hay mucha tensión, expectativa y dudas por parte del cliente. La referencia de mezcla es tu aliado en esto para obtener lo que el cliente requiere. Deja un poco del 15 al 20% para tu creatividad personal.  Mezclar por encargo es una actividad que debemos promover para generar mejores oportunidades para todos en audio producción.

Rafael Mendoza mezcla por encargo en Ad Libitum

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10 ejemplos de producción donde "algo" falló...

Viernes de relajación como anticipo a los videos de Friedemman Tischmeyer en nuestro canal de Youtube. Iniciando habrá que estudiar así que elegimos un tema para disfrutar.

Para algunos estos temas son ejemplos reales de malas producciones, decisiones, instrumentaciones y singularidades. Para mí simplemente fueron producidos tratando de mostrar formas fuera de lo tradicional.

Si tienes algún otro que desees compartir nos ayudarías a ensamblar un segundo post de este tipo de "fallas" de producción.

1.- Shakira - Hips Don't Lie ft. Wyclef Jean

De entrada tenemos el fusil instrumental de un popular tema de salsa en la introducción que ya se ha ventilado por todos lados. La mezcla inicia en buen nivel, todo parece ir acorde al plan... Hasta que entra la voz de Shakira unos cuantos decibeles por encima de lo normal... ¿Narcisismo?... Sólo el secreto profesional lo dirá en algún momento. 

2.- Rolling Stones - Exile on Main Street

Un disco accidentado de principio a fin... Su historia es hilarante en todo sentido. Los Rolling Stones exiliados por el fisco inglés fueron a parar a una casa en Villa Nellcote, Francia. Un disco rodeado de problemas legales, mala organización y calidad de producción. Aún así, ha conseguido tener su lugar como uno de los mejores discos de la banda. Todos los tracks tienen problemas de mezcla y producción. No seamos puristas...

3.- Iggy & The Stooges - Raw Power

 Otro disco lleno de bonitas historias. El tercer disco de The Stooges fue producido en un principio enteramente por Iggy quien hizo la mezcla en sistema monoaural. La disquera rechazó el acabado y solicitó a David Bowie remezclara el disco para poder publicarlo. Por falta de presupuesto el disco se mezcló en un día y en un estudio barato de California. 

En 1997, el mismo disco se remezcló finalmente en Sony Studios bajo el apoyo ejecutivo de Bruce Dickinson. El disco original se ha convertido en una versión tributo y pocos escucharon los temas mezclados originalmente por Iggy.

4.- River Deep Mountain High - Tina Turner

Phill Inspector estuvo a cargo de este trabajo que desarrolló con su característico "Wall of Sound", una técnica que implica estructurar múltiples instrumentos en diversos rangos tonales. La canción fue grabada hasta el cansancio por Tina Turner en una sesión maratónica.... El trabajo final de Tina es una de las mejores interpretaciones vocales del género... El toque mágico al background musical es lo que ocasionó diversos debates sobre el tema... Aún así, la canción fue integrada al Salón De La Fama del Grammy en 1999.

5.- Sly & The Family Stone - Family Affair

Con 7 diferentes ingenieros de grabación, un autoaislamiento y confinamiento musical por parte de Sly Stone, este disco representa una muestra de las alteraciones que puede sufrir el sonido final por regrabación y edición excesiva de tracks análogos. Su sonido es un poco fangoso y al mismo tiempo un poco desproporcionado. Sin embargo es considerado un album básico para comprender el funk.

6.- Hüsker Dü - Flip Your Wig

En este no hay mucho que decir... el primer álbum de la banda producido a conciencia ( el cuarto en orden de aparición) deja una batería un tanto "alejada" del sonido tradicional del punk... Más allá de ese detalle, es considerado el mejor álbum de la banda...

7.- The Velvet Underground & Nico - Homónimo

Grabado en abril de 1966 y producido en parte por Andy Warhol, este álbum se grabó en 4 días con un presupuesto aproximado de 3000 dólares. Se ha dicho que Warhol tomó decisiones estéticas del proyecto, sin embargo solo se ha conseguido vincular al producirlo financieramente.

El sonido fue concebido por John Cale como una obra acompañante de los performance de Warhol. Sin embargo se frustró mucho con la calidad experimental de la banda. Escuchamos violas usando cuerdas de guitarra y mandolina. 

La influencia de John Cage se hace presente en otros instrumentos. El álbum fue poco conocido y cayó rápidamente en el olvido. Hoy es considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos bajo el concepto de "Classical Alternative".

8.- Kiss - Hotter Than Hell

Seis meses después de su álbum debut Kiss tenía que demostrar que podía hacer algo más por Casablanca. Una tormentosa grabación. El día uno a Paul Stanley le habían robado su guitarra, Ace se reponía de un accidente en carretera y el personal técnico no era lo mejor que se podía conseguir. 

Quisieron captar su sonido en vivo pero desafortunadamente la calidad de grabación fue malísima. Se han hecho versiones remasterizadas del disco, pero nunca un proceso de remezcla. Los fans de Kiss cuestionan la existencia de las cintas multitrack. Sólo Simmons y Stanley develarán esto en algún momento.

9.- Metallica - ...And Justice For All

Originalmente Flemming Rasmussen grabaría el proyecto pero estaba ocupado. Mike Clink, quien grabó Appetite For Destruction de Guns' N Roses grabó inicialmente los tracks demo y fue despedido por diferencias creativas. Flemming volvería a terminar el proceso de grabación de forma urgente y pidió apoyo a su asistente de grabar partes del bajo de Jason Newsted. 

De esta forma, Jason grabó notas dentro del rango de las guitarras.  El disco fue mezclado sin la colaboración de Rasmussen y a ello se debe la falta de pericia en el trato de la línea de bajo. Muchos mitos se han realizado desde entonces sobre este detalle, sin embargo Rasmussen se ha acercado varias veces a la banda pidiendo mezclarlo como el hubiera deseado. Ni Ulrich o Hetfield se han pronunciado en este sentido. Así tenemos uno de los mejores discos de metal mezclado de forma muy "original".

10.- Let it Be - The Beatles

Las cosas no andaban bien entre ellos de un tiempo atrás. Sugerir realizar un documental sobre la grabación de este álbum, sólo acrecentó los desacuerdos. Más allá de la "intervención" de Yoko en el movimiento de The Beatles, este álbum se lanzaría en julio de 1969 bajo el nombre de "Get Back".

A nadie le gustaron las mezclas realizadas y se pospuso hasta que en marzo de 1970, Phil Spector (otravez), realizó las mezclas finales. El disco originalmente sería o totalmente en vivo o totalmente en estudio y terminó siendo una mezcla de ambas versiones. Cortes, overdubs y degradación de generaciones en cinta afectaron el sonido general para la mezcla.

McCartney estaba particularmente ofendido y enojado con el trabajo hecho en The Long And Winding Road" que era una pieza escrita solamente para piano. Spector agregó coros, orquesta y nada de esto gustó al autor.

En algún momento, Lennon defendió a Spector diciendo " Se le dió una enorme carga de mierda grabada con poco sentimiento e hizo algo con ello".  Sea como sea, el disco ha pasado a la historia como un legado final y su testamento musical.

Conclusión

Esta es una muestra de que las cosas pueden ir de muy bien a muy mal hasta para aquellos que consideramos ejemplos dentro de la industria.

Existen muchos ejemplos en idioma español que ya daremos a conocer. Si conoces alguno compártelo para hacer una o dos listas... El límite es la originalidad.

Rafael Mendoza escucha álbumes con "originalidad" en Ad Libitum

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6 facultades de super héroe para el Ingeniero en Audio...

Siempre hay oportunidad en un proyecto para que te digan "eres mi héroe". No es nada fácil obtener este reconocimiento basado sólo en equipo y software.

Ser un super héroe para los clientes lleva dedicación más allá de la simple activación de un botón de record. 

Grabar no es ser Ingeniero en audio. Hace mucho que esta percepción sobre el Ingeniero en audio, lo limita a las responsabilidades técnicas y operativas.

Muchos de los problemas de producción son resueltos por los ingenieros más hábiles, pero no sólo radica en su conocimiento técnico, sino la experiencia de atención a sus clientes.

Te presento 6 facultades que considero principales. El orden puede variar pero a mi parecer las enumeré en importancia personal.

1.- Escuchar: 90% del desarrollo de una producción implica escuchar a nuestros clientes. Nada se puede hacer hasta que una reunión previa no sea concretada. Preguntas clave como ¿Quién hace el proyecto?, ¿para que lo hace?, ¿a quién se le va a presentar? son básicas para obtener la mejor información disponible.  Aplicable a pre, producción y post producción.

2.- Comunicar: Preguntas, respuestas, enfoques, promesas, límites. Sin la comunicación, todo proyecto se va a complicar sin importar el nivel, presupuesto o línea que lo respalde. Desde el proyecto casero de 1 track hasta aquellos que involucran decenas de personas, la comunicación es fundamental.

3.- Documentar: Infaltable para poder reaccionar ante situaciones de crisis, aclaraciones, malentendidos y como base para nuevos proyectos. Qué se va a ocupar, cómo se va a ocupar, quién lo va a traer, quien lo va a llevar, para qué lo quieren, que tiempo.. Las respuestas son miles, pero documentar nos ayuda a no perder el control del proyecto.

4.- Interactuar: Involucrarse en el proceso, las problemáticas, sensibilizarte ante las situaciones como crisis, empatía, apatía, integración, desintegración, visión, sentido, ritmo. No puedes permanecer sentado en la silla viendo que otros se compliquen ante una situación previsible. Interactúa, llama, habla, comenta, sugiere. ¡Actívate!.

5.- Gestionar: Ayuda a tu cliente a saber pedir, comprar, vender, proyectarse. Obtén para el materiales necesarios que no ha tomado en cuenta. Conéctalo con otros expertos. Llama por él para pedir la pizza adecuada. En producción pasamos horas vitales y clave para su desarrollo. Gestiona lo gestionable y no te laves las manos si algo falla. Va de la mano del paso 4.

6.- Mediar y Abogar: Un paso difícil pero debes estar preparado. Si no te gustan las relaciones humanas entonces cambia a la comodidad de un escritorio alejado del bullicio. Mediar entre las partes que confluyen en un proyecto es una habilidad muy poco utilizada actualmente. Resolución de conflictos, manejo de la estabilidad interna, apoyo moral. Todo en favor del proyecto y sus resultados.

Una clave es nunca ponerse del lado personal, sino del proyecto.

Conclusión

Desarrollar estas habilidades requiere de tiempo y práctica. Debes comenzar con reconocerte a ti mismo. Si no te gusta editar rodeado de 12 personas entonces pide eso desde el principio. Hay quienes no tienen la paciencia y tranquilidad para abordar los conflictos. Habrá que hacer un autodiagnóstico y después dar el siguiente paso. Ser un super héroe como Ingeniero se obtiene con el respeto y reconocimiento de tu trabajo por el cliente... ¿Quién no necesita un héroe en estos días?...

Rafael Mendoza produce en Ad Libitum

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Escolarización en audio producción

Un gran cuestionamiento sobre la educación y sus formas tradicionales ha llevado a pensar en nuevas alternativas en el aprendizaje basado en sistemas digitales.

El sistema de aprendizaje está cambiando radicalmente. Si bien no es posible desaparecer todo el sistema educativo en un instante, ya es tiempo de iniciar una transición de fondo.

Las generaciones actuales tienen a su alcance el conocimiento de forma inimaginable.

¿Pero que pasa cuando la educación pasa de ser un instrumento de desarrollo humano y se transforma en un bien de consumo?

Escolarización como negocio

Todos hemos participado de la experiencia de asistir a una escuela y compartir las experiencias buenas o malas de los sistemas educativos y privados en base a una tradición de asistencia.

Para quienes nacimos en el siglo pasado (si... siglo pasado), eliminar el sistema de educación basado en la congregación para aprender parece casi inconcebible.

Las nuevas tecnologías y particularmente el internet abrieron panoramas y escuelas virtuales que creímos imposibles.

La humanidad dio un salto importante en su desarrollo. Sin embargo el aprendizaje se valoraba como oro molido, pues ciertos temas estaban reservados solo para privilegiados.

Así, las escuelas usaban estos conocimientos como base para establecer negocios y lo consiguieron durante un buen tiempo.

En México contadas escuelas se dieron el lujo de elegir a sus estudiantes. El acceso a temas específicos se quedó en espacios de élite por un tiempo.

Educación en audio producción

Cuando yo inicie mis estudios en audio, aprendí de forma directa de mis maestros y las prácticas del día a día un poco sobre la importancia de la producción. Sin embargo, otros esquemas como la interpretación de contenidos y sentido cultural de la audio producción nunca fue señalada.

Se nos guió de forma técnica y se nos dejó literalmente crecer como la verdolaga en el sistema.

Esto te hace desarrollar un sentido de crecimiento interno y autodidacta que es imposible de adquirir en una escuela.

Con la llegada del Internet, todavía recuerdo y cuento con las impresiones de un taller impartido en Alemania sobre las técnicas de producción de la DW que ofrecía como capacitación a sus empleados. También los primeros tratados sobre conceptos de digitalización y mastering que tuve oportunidad de estudiar.

Más aún, un tratado de 40 páginaS que daba cuenta de las consideraciones al momento de realizar una transferencia y restauración digital que me dio de comer durante los primeros años de mi vida.

Entonces, la pregunta en el aire es ¿ha llegado el momento de liberar los conocimientos en audio producción al mundo en general?

Intentos de educación en línea gratuita.

En 2007 la empresa Udacity inició un curso de robótica libre en línea. El sistema estableció los primeros resultados sobre el aprendizaje en línea medibles. Las críticas estuvieron divididas. Por un lado se defendió la libertad de conocimientos y por el otro el sistema de evaluación.

 La universidad de Stanford firmó un acuerdo con la empresa para desarrollar los cursos en línea y los resultados no fueron los esperados. Actualmente el sistema está en espera de ser reactivado y evaluado. ¿Entonces que fallo?

Para mí, la omisión obvia fue que intentaron establecer un sistema que está diseñado para una aplicación educativa presencial. Estos estudiantes se mostraron decepcionados por la falta de interactividad a la que estaban acostumbrados.

Es decir, se sintieron solos mas emocionalmente que educativamente.

Si estas aplicaciones se desarrollarán para una nueva generación de niños que tuvieran un aprendízaje substancial y transitorio, mas qué imponerlo a generaciones actuales, los resultados podrían haber sido más propicios.

Conclusión

La audio producción es un aprendizaje del dia a día basado en conocimientos técnicos. La mayoría de mis colegas, podría avalar o descartar mis argumentos cuando digo que mucho de lo aprendido es la experiencia.

Se aprende a editar, editando, mezclar mezclando y producir produciendo. Ninguna escuela da ese soporte por muy bellos laboratorios, instalaciones y facilidades, porque en el día a día siempre encontrarás dispositivos  (sobre todo en México) actuando de formas diferentes a los que no fueron diseñados.

Las nuevas escuelas que promueven los desarrollos en áreas como la producción musical y music bussiness están tratando de mantener un stablishment en México de la educación tradicional en tiempos de nuevas generaciones ávidas de aprender.

El debate queda abierto y me gustaría saber su opinión. A mi me queda claro que hacer negocios de la educación de forma factible, incluyente y sobre todo de calidad. Se trata creo yo, de crear escuelas de aprendizaje y no aulas intramuros. Claro que los laboratorios son importantes, pero que mejor que salir al mundo real a experimentarlo.

Dudo mucho que la teoría de la evolución se hubiera podido desarrollar sin que Darwin visitara Galápagos... ¿No creen?..

Rafael Mendoza se educa también en línea

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