Mezclas de referencia: Criterios para optimizar tu sonido...

Una de las preguntas más comunes para los poseedores de un Home Studio es que se puede hacer para acercar su sonido a los temas comerciales.

Aunque las implicaciones técnicas pueden desglosarse en muchas vertientes, son el gusto personal, la experiencia, criterio, el material con que se mezcla, la actitud, el arreglo musical y otras tantos ingredientes.

A veces pensamos que abordar mejor una mix es tener habilidad para "disfrazarla" y que pase por buena. Obvio que el entorno acústico que utilices lo afectará sobre todo en el home studio. Pero aún así si mezclas a volúmenes bajos puedes obtener resultados aceptables

Aunque si hay especialistas en este concepto, de nada sirve intentar una mezcla si no conoces una buena mezcla. Aquí algunos consejos para conseguirlo.

Referencia base: La búsqueda inicia en los CD's, Lps, cassetes y mp3 que tengas a tu alcance. Hacer un recopilatorio de temas de referencia te podrá recordar constantemente los rangos de frecuencia usados en ciertos instrumentos para ciertos estilos. Puedes hacer discos de referencia en 2 vertientes:

• Por género: Si te quieres especializar en la música techno, tal vez debes iniciar con los orígenes electrónicos de fines de los 80 para comprender la base sobre los que se han construido. Es muy tentador querer imitar el sonido de Skrillex, pero todo tiene un origen y debes ir ahí para no solo copiar el sonido, sino intimar con el género.

• Por época: Suena lógico y es el mejor paso. Para obtener un sonido vintage debes conocer la disponibilidad de equipo de la época, el tipo de producción y las técnicas aplicadas a esa era. En este tipo de mezclas es importante el equilibrio entre vintage y contemporáneo. Las versiones nuevas de temas clásicos también puede ayudar a presentarte puntos de vista para abordar temas populares.

Entrenamiento auditivo: Aquí es donde la gimnasia auditiva da sus resultados. Reconocer timbres, rangos de corte y frecuencias predominantes se vuelve muy útil. Desarrolla un esquema de entrenamiento semanal para que tengas esta habilidad fresca.

Registros escritos: Leer los reviews, entrevistas con el productor, artista o ingeniero que mezcló el tema te podrá dar información o pistas de como se procesó el material. No esperes que te den la cadena completa en sólo unas líneas. Los ingenieros comparten la clave, es tu deber la exploración.

Conocimientos musicales: Comprender armonía y técnicas básicas de composición te ayuda también a tomar mejores decisiones de mezcla. Que puedes dejar, donde puede encajar. A veces me ha resultado mejor quitar un instrumento del coro y pegarlo en partes del verso como respuesta. Los límites son el tiempo que quieras dedicarle. Un mal arreglo te dará pocas oportunidades, aprende a reconocerlo para que evites la frustración

Conclusión

Crear una base de temas de referencia y tenerla disponible es importante para que tu proceso de mezcla no se vea afectado.

Algunas veces será necesario importar el tema en tu área de trabajo para revisarlo constantemente. Para el cliente, la magia ocurre en nuestras manos más que en su creatividad. Hay temas que aunque suenen bien con poco proceso el cliente quiere desarrollarlo con efectos y edición. Si lo pagan adelante. Pero finalmente lo que hace un gran tema es su arreglo musical, las emociones que transmite y la mezcla correcta que no altere ese balance.

La mezcla es un paso subjetivo por muchas cosas. A algunos puede gustarles y a otros no. A algunos les gustará el tema y a otros no a pesar de ser una buena mezcla. Siempre enciende y apaga los efectos para que escuches que estás procesando y que está haciendo en la mezcla

En lo posible, optimiza los recursos de acústica posibles en tu espacio de Home Studio. Es una inversión fuerte pero valdrá la pena porque reducirás tiempos de post producción y comparación.

Pasa muchas horas entrenándote con estas referencias y poco a poco encontrarás ese punto al que deseas llegar. Ningún plugin o sistema de producción puede hacer eso por ti.

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5 cosas que nunca debes hacer antes de mezclar por encargo...

La mezcla es el paso creativo que cierra el desarrollo de una producción. Va más allá de equilibrar niveles y automatizar procesos. A veces recibiremos la mezcla desde un proyecto externo que desee ofrezcamos nuestro aporte creativo o de detalle que el cliente necesita.

Crear la mezcla perfecta es muy subjetivo porque para algunos será más importante la instrumentación, la letra, el arreglo o hasta el artista mismo.

Hay 5 pasos comunes que nunca debes hacer antes de mezclar un proyecto y que te abra las oportunidades a nuevas mezclas por encargo.

1.- Desconocer el proyecto en su totalidad: Saber cuántos canales se llevaron en el proceso no es suficiente para saber en que etapa se está realizando. Hay que saber por lo menos quienes intervinieron en la producción, cuánto tiempo de producción se ha llevado, que tiempo de desarrollo, ¿hubo pre-producción?

2.-  Juzgar el sonido final a partir del sonido entregado: Muchos detalles de producción serán audibles desde el primer momento. Pero debes identificar cuales de ellos son buenos o malos a partir de tu visión y gusto personal. Podrás sentir que la distorsión en una guitarra no fue la adecuada o que el sonido general de la batería es muy opaco. Si afecta los parámetros normales de una mezcla, debes avisarlo a tu cliente. 

3.- No pedir mezclas de referencia: Por muy buen gusto y "feeling" que tengas, nunca vas a dar con algo tan cercano a lo que el cliente prefiere si no tienes mezclas de referencia. Para empezar te darán un buen punto de comparación con el sonido entregado y podrás predecir en que porcentaje te puedes acercar al sonido final. Sobre advertencia no hay engaño para el cliente. 

4.- Dar un costo final: Uno de los errores más comunes es poner precio a la mezcla sin saber como está hecho el proyecto. El cliente podrá ofrecer un presupuesto o base para realizarlo. Pero si dices una cantidad que puede resultar excesiva, el cliente pensará que quieres sacar ventaja de su proyecto. Por otro lado también puedes dar menor costo y quedar atrapado entre costos. Lo mejor es solicitar una versión sin mezcla de todos los temas. Así podrás determinar cuantos son, que fallas tienen, cuál te llevará más tiempo y así hacer un cálculo del tiempo que requieres para entregarlo en perfecto estado.

5.- Quejarse del material: Este es el que mata. Un ingeniero que mezcla un proyecto quejándose del material provisto significa un mal karma para realizar el trabajo. Si no vas a trabajar con el proyecto porque te parece que no cumple con tus estándares, simplemente no lo aceptes. Nunca uses la queja como modo de presión para el cliente. Nunca funciona. Utiliza la diplomacia o recomienda a otra persona que conozcas y realice el trabajo. Dinero en el bolsillo ganado con mal karma no rinde.

Conclusión

Cuando nos buscan para realizar una mezcla, es un reconocimiento que el cliente pone en tus manos porque piensa que tus capacidades pueden brindar algo de magia al proyecto. Reconocer tus habilidades y límites te darán el parámetro adecuado para considerar realizar el trabajo o no. 

Mezclar por encargo es una tarea más compleja y de responsabilidad que mezclar un proyecto grabado por uno mismo. Hay mucha tensión, expectativa y dudas por parte del cliente. La referencia de mezcla es tu aliado en esto para obtener lo que el cliente requiere. Deja un poco del 15 al 20% para tu creatividad personal.  Mezclar por encargo es una actividad que debemos promover para generar mejores oportunidades para todos en audio producción.

Rafael Mendoza mezcla por encargo en Ad Libitum

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10 ejemplos de producción donde "algo" falló...

Viernes de relajación como anticipo a los videos de Friedemman Tischmeyer en nuestro canal de Youtube. Iniciando habrá que estudiar así que elegimos un tema para disfrutar.

Para algunos estos temas son ejemplos reales de malas producciones, decisiones, instrumentaciones y singularidades. Para mí simplemente fueron producidos tratando de mostrar formas fuera de lo tradicional.

Si tienes algún otro que desees compartir nos ayudarías a ensamblar un segundo post de este tipo de "fallas" de producción.

1.- Shakira - Hips Don't Lie ft. Wyclef Jean

De entrada tenemos el fusil instrumental de un popular tema de salsa en la introducción que ya se ha ventilado por todos lados. La mezcla inicia en buen nivel, todo parece ir acorde al plan... Hasta que entra la voz de Shakira unos cuantos decibeles por encima de lo normal... ¿Narcisismo?... Sólo el secreto profesional lo dirá en algún momento. 

2.- Rolling Stones - Exile on Main Street

Un disco accidentado de principio a fin... Su historia es hilarante en todo sentido. Los Rolling Stones exiliados por el fisco inglés fueron a parar a una casa en Villa Nellcote, Francia. Un disco rodeado de problemas legales, mala organización y calidad de producción. Aún así, ha conseguido tener su lugar como uno de los mejores discos de la banda. Todos los tracks tienen problemas de mezcla y producción. No seamos puristas...

3.- Iggy & The Stooges - Raw Power

 Otro disco lleno de bonitas historias. El tercer disco de The Stooges fue producido en un principio enteramente por Iggy quien hizo la mezcla en sistema monoaural. La disquera rechazó el acabado y solicitó a David Bowie remezclara el disco para poder publicarlo. Por falta de presupuesto el disco se mezcló en un día y en un estudio barato de California. 

En 1997, el mismo disco se remezcló finalmente en Sony Studios bajo el apoyo ejecutivo de Bruce Dickinson. El disco original se ha convertido en una versión tributo y pocos escucharon los temas mezclados originalmente por Iggy.

4.- River Deep Mountain High - Tina Turner

Phill Inspector estuvo a cargo de este trabajo que desarrolló con su característico "Wall of Sound", una técnica que implica estructurar múltiples instrumentos en diversos rangos tonales. La canción fue grabada hasta el cansancio por Tina Turner en una sesión maratónica.... El trabajo final de Tina es una de las mejores interpretaciones vocales del género... El toque mágico al background musical es lo que ocasionó diversos debates sobre el tema... Aún así, la canción fue integrada al Salón De La Fama del Grammy en 1999.

5.- Sly & The Family Stone - Family Affair

Con 7 diferentes ingenieros de grabación, un autoaislamiento y confinamiento musical por parte de Sly Stone, este disco representa una muestra de las alteraciones que puede sufrir el sonido final por regrabación y edición excesiva de tracks análogos. Su sonido es un poco fangoso y al mismo tiempo un poco desproporcionado. Sin embargo es considerado un album básico para comprender el funk.

6.- Hüsker Dü - Flip Your Wig

En este no hay mucho que decir... el primer álbum de la banda producido a conciencia ( el cuarto en orden de aparición) deja una batería un tanto "alejada" del sonido tradicional del punk... Más allá de ese detalle, es considerado el mejor álbum de la banda...

7.- The Velvet Underground & Nico - Homónimo

Grabado en abril de 1966 y producido en parte por Andy Warhol, este álbum se grabó en 4 días con un presupuesto aproximado de 3000 dólares. Se ha dicho que Warhol tomó decisiones estéticas del proyecto, sin embargo solo se ha conseguido vincular al producirlo financieramente.

El sonido fue concebido por John Cale como una obra acompañante de los performance de Warhol. Sin embargo se frustró mucho con la calidad experimental de la banda. Escuchamos violas usando cuerdas de guitarra y mandolina. 

La influencia de John Cage se hace presente en otros instrumentos. El álbum fue poco conocido y cayó rápidamente en el olvido. Hoy es considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos bajo el concepto de "Classical Alternative".

8.- Kiss - Hotter Than Hell

Seis meses después de su álbum debut Kiss tenía que demostrar que podía hacer algo más por Casablanca. Una tormentosa grabación. El día uno a Paul Stanley le habían robado su guitarra, Ace se reponía de un accidente en carretera y el personal técnico no era lo mejor que se podía conseguir. 

Quisieron captar su sonido en vivo pero desafortunadamente la calidad de grabación fue malísima. Se han hecho versiones remasterizadas del disco, pero nunca un proceso de remezcla. Los fans de Kiss cuestionan la existencia de las cintas multitrack. Sólo Simmons y Stanley develarán esto en algún momento.

9.- Metallica - ...And Justice For All

Originalmente Flemming Rasmussen grabaría el proyecto pero estaba ocupado. Mike Clink, quien grabó Appetite For Destruction de Guns' N Roses grabó inicialmente los tracks demo y fue despedido por diferencias creativas. Flemming volvería a terminar el proceso de grabación de forma urgente y pidió apoyo a su asistente de grabar partes del bajo de Jason Newsted. 

De esta forma, Jason grabó notas dentro del rango de las guitarras.  El disco fue mezclado sin la colaboración de Rasmussen y a ello se debe la falta de pericia en el trato de la línea de bajo. Muchos mitos se han realizado desde entonces sobre este detalle, sin embargo Rasmussen se ha acercado varias veces a la banda pidiendo mezclarlo como el hubiera deseado. Ni Ulrich o Hetfield se han pronunciado en este sentido. Así tenemos uno de los mejores discos de metal mezclado de forma muy "original".

10.- Let it Be - The Beatles

Las cosas no andaban bien entre ellos de un tiempo atrás. Sugerir realizar un documental sobre la grabación de este álbum, sólo acrecentó los desacuerdos. Más allá de la "intervención" de Yoko en el movimiento de The Beatles, este álbum se lanzaría en julio de 1969 bajo el nombre de "Get Back".

A nadie le gustaron las mezclas realizadas y se pospuso hasta que en marzo de 1970, Phil Spector (otravez), realizó las mezclas finales. El disco originalmente sería o totalmente en vivo o totalmente en estudio y terminó siendo una mezcla de ambas versiones. Cortes, overdubs y degradación de generaciones en cinta afectaron el sonido general para la mezcla.

McCartney estaba particularmente ofendido y enojado con el trabajo hecho en The Long And Winding Road" que era una pieza escrita solamente para piano. Spector agregó coros, orquesta y nada de esto gustó al autor.

En algún momento, Lennon defendió a Spector diciendo " Se le dió una enorme carga de mierda grabada con poco sentimiento e hizo algo con ello".  Sea como sea, el disco ha pasado a la historia como un legado final y su testamento musical.

Conclusión

Esta es una muestra de que las cosas pueden ir de muy bien a muy mal hasta para aquellos que consideramos ejemplos dentro de la industria.

Existen muchos ejemplos en idioma español que ya daremos a conocer. Si conoces alguno compártelo para hacer una o dos listas... El límite es la originalidad.

Rafael Mendoza escucha álbumes con "originalidad" en Ad Libitum

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Eligiendo la interfaz adecuada... Parte I

Grabar en casa ya era una particularidad durante los años 70. Aunque se consideraba caro contar con una grabadora portastudio o de carrete abierto, la verdadera evolución de los sistemas digitales inició durante los años 80's.

Actualmente, la disponibilidad de interfaces digitales en el mercado actual es tan amplia que muchas veces causa confusión sobre su verdaderas capacidades. 

Comprar una interfaz que satisfaga las necesidades de nuestros requerimientos de audio producción puede ayudar a ahorrar algo de dinero o potenciar las posibilidades de nuestro campo.

En este artículo de dos partes, te mostraré algunas consideraciones básicas para elegir lo mejor de acuerdo a tus necesidades.

Entradas y salidas

Siempre se considera el número de entradas y salidas como el requerimiento más importante para seleccionar una interfaz. Realmente un sistema 16x8 no dice nada al consumidor, puesto que lo que debe ser más importante es conocer que tipo de conexiones puede soportar.

Las entradas XLR (micrófono) actualmente son comunes en diversas interfaces y algunas soportan entradas de plug 1/4 (guitarras, teclados) al mismo tiempo. Anteriormente la mayoría de las interfaces solamente manejaban entradas de plug 1/4 donde se enviaban las señales pre-amplificadas por una consola a través de las salidas directas.

Actualmente existen interfaces con estas características en sistemas de alto rango y cada vez son más comunes las que incluyen entradas de micrófono directas.

Las ventajas de conectar directamente los micrófonos a las interfaces son una fácil transportación y ampliar significativamente el número de canales disponibles a través de expansiones de pre amplificadores. La desventaja principal es la calidad de algunos de estos pre amplificadores de rango económico que podrían colorear la señal o dar la impresión de un pre amplificador tan cristalino que se considera "frio"

El número de entradas plug de 1/4 puede apoyar la grabación de guitarras, bajos y teclados porque utilizan un nivel operativo distinto del XLR. Sin embargo, grabar a través del XLR utilizando una caja directa es mucho mejor opción y equipos como tornamesas podrían requerir un pre amplificador Phono para funcionar de mejor manera.

Entradas y Salidas Digitales

Normalmente se incluyen en formatos AES/EBU, ADAT, MADI o SPDIF. Se trata de conexiones entre equipo que puede manejar canales simultáneos respetando sincronía entre interfaces. Los controladores normales (ASIO, WDM) no son muy estables para mantener "amarrados" los sistemas. Por ello estas interfaces normalmente también incluyen entradas de Word Clock (BNC) para asegurar esta sincronía.

¿Cuántas entradas y salidas en realidad?

La mayoría de las marcas utilizan los factores más altos de entradas y salidas como estímulo de venta.

Algunos pueden manejar interfases 16x8, 20x8 y hasta 32x12.

Según su estrategia de venta, estás comprando una interfase de 16 entradas con 8 salidas, pero el número de entradas físicas es sólo 4 u 8 conexiones. Normalmente se refieren a la suma de configuraciones internas de ruteo por software. 

Elige adecuadamente basado en el número de entradas disponibles más que los ruteos digitales si tu misión es capturar el número mayor número de canales simultáneos posibles. Por el contrario, si requieres hacer post producción externa, lo ideal es poseer el mayor número de ruteos digitales disponibles.

Pads atenuadores

El pad atenuador permite controlar mejor los niveles de entrada con mayor intensidad. Tal vez tengas un baterista que disfruta reventar los oídos de la audiencia al golpear la tarola. A pesar de bajar el nivel de entrada la señal podría clipear y distorsionar. Ante esta situación, el pad proveerá una atenuación de entre - 20 y -40 dB en algunas interfaces. Con ello tendrás bajo control las señales más intensas.

Phantom Power

Los micrófonos de condensador requieren un voltaje de 48 volts para funcionar que se envía a través del cable del micrófono. La mayoría de las interfaces proveen esta capacidad actualmente, pero he visto modelos donde sólo están permitidos en 2 o 4 entradas solamente. Revisa bien esta posibilidad.

Entradas de alta impedancia (Hi-Z) 

Cada vez es menos común encontrar las entradas de línea rotuladas con la leyenda "Hi-Z". En realidad son entradas de plug 1/4 para conectar guitarras, teclados o bajos con un voltaje adecuado para estos instrumentos. La mayoría de las interfaces actuales incluyen estas opciones en entradas híbridas, conectores XLR con una entrada de 1/4 en medio que se modifica automáticamente con el conector y algunas utilizan un switch para modificarlo.

S/MUX

Cada vez más común en las conexiones digitales, se refiere a la capacidad del sistema para manejar la trasferencia de datos a altas resoluciones.

Un conector ADAT digital, puede manejar sin problemas 8 canales a una resolución de 44.1 o 48 khz. Sin embargo, cuando sube a 88.1 y 96 khz, el número de canales se reduce a la mitad, proveyendo solamente 4 canales de transferencia en pares. 

Difícilmente requerirás utilizar una alta resolución de transferencia si haces grabaciones caseras, pero debes considerarlo para realizar vaciados de alta transferencia a sistemas de cinta digital o trabajos de sincronía audio con video.

Conclusión

Hasta aquí tenemos la primer parte de este artículo pues es mucha información por digerir. En la segunda y última parte pondré ejemplos claros de aplicaciones para algunas de las interfaces más comunes y las posibilidades que pueden ofrecer de acuerdo a los diversos campos en audio producción.

Rafael Mendoza asesora en Ad Libitum

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Comprimiendo ideas...

Cuando mandamos comprar un compresor para una cadena de audio específica siempre se piensa que sirve para lo mismo... contener las dinámicas.

Pero también es cierto que existen diferentes cualidades y tipos de compresor que son reconocidos por el sonido compresión que generan.

Existen muchas marcas y plugins que trabajan de esa manera. Reconocerlas por su funcionamiento podrá ayudarnos a aplicarlo en nuestra mezcla

Compresor Óptico

Funciona a base de una fotocelda que se activa con un bulbo interno. La fotocelda reacciona ante la intensidad del bulbo y con ello, los tiempos de ataque (attack) y decaimiento (release) responden de una manera más suave.

Reaccionan con más lentitud y por eso son muy apreciados en las voces, bajos, cuerdas y pads en tempos lentos y medios. Aunque siempre se puede experimentar. Se les llama también Opto-compresores.

Algunos compresores como el Summit TLA-50 en análogo y el LA-2A en Universal audio o Waves plugins, son ejemplos de este compresor.

Compresor FET (Field Effect Transistor)

Estos compresores proveen una repuesta mucho más dinámica porque ya están basados en circuitos transistorizados. Son comunes en aplicaciones de batería, percusión y bases rítmicas o loops.

Los compresores UREI 1176 o Universal Audio 1176 utilizan este proceso. Algunos emulan bulbo para darle más carácter al sonido.

Compresor VCA (Voltage Controler Amplifier)

Los compresores de Amplificador Controlado por Voltaje son originarios y particularmente tuvieron su auge de uso en los años '80. Pueden llegar a ser bastante agresivos y moldean energicamente los intrumentos como las baterías o percusiones. Normalmente son los usados de forma interna en consolas de rango alto como SSL Los API 2500 y el Focusrite Red 3 son particulares de este tipo de compresor. Existen versiones plugin de todos ellos.

Compresores de Vari-Gain

Conocidos como compresores de ganancia variable, estos compresores agregan un sonido muy característico porque de origen fueron diseñados para trabajar en radio. El famoso Fairchild 670 pertenece a este género así como la línea de plugins Abbey Road tiene ejemplos similares. Son de ataques y decaimientos rápidos, por lo que normalmente se utilizan para homogeneizar una mezcla o algún subgrupo. Pero no hay reglas específicas.

Compresor multibanda

Es la combinación de un compresor y un ecualizador divido en bandas para aplicar procesos independientes de las frecuencias más o menos presentes en un instrumento.

Muy utilizado en la masterización, plugins como el L3 Ultramaximizer son ejemplo claro de ellos.

Las combinaciones pueden elegir un compresor FET, Varigain, VCA u Òptico para aplicarlo a diversos instrumentos. El bajo, las guitarras con distorsión y sintes son muy beneficiados de estos compresores

Conclusión

Conocer los diversos tipos de compresión, nos permite utilizar una paleta de combinaciones increíbles. La mayoría de los equipos hardware tiene un homólogo software que busca acercarse mucho. Sin embargo, la compresión por hardware es uno de los procesos que ayudan al proceso de mezcla y uno de los sonidos más deseados a nivel profesional.

Comprimir es una arte que se va puliendo con los años y experiencia. Elegir un compresor adecuado, es similar a elegir el pincel con que se va a trazar una textura en un lienzo...

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Escala digital: Niveles que matan...

Hace unos días tuve la oportunidad de leer un post dentro de un blog donde los usuarios reportaban que basándose en el nivel de señal grabada, la calidad de sonido variaba y se agregaba ruido al producto final, por lo que recomendaban grabar lo más cercano posible al nivel digital de 0dB.

Existen muchos mitos y discusiones porque los niveles operativos entre los sistemas análogos y los digitales no están bien claros. 


Hablemos desde cero..

No debemos confundir la resolución digital con la forma de medir su escala sonora.

La resolución tiene que ver con la CALIDAD de registro de una señal en un sistema digital (ejemplo, 16bits @ 44.1hz), no con la INTENSIDAD con que se registra (dB).


En los sistemas digitales el 0 operativo es el nivel máximo para registrar una señal de sonido. Si rebasamos ese nivel, la señal distorsiona, nuestra única opción es atenuar el nivel para garantizar un registro correcto.

En la señal análoga, el 0 dB es el punto donde mejor trabaja el aparato. En esta escala, es posible subir hasta +10 dB antes de crear distorsión eléctrica y como consecuencia sonora.

La clave es comprender que el 0 dB digital está 18 decibeles por encima del 0dB análogo y que por esta razón, grabar un sonido pasado por una consola en su nivel óptimo, resulte en una señal de baja intensidad en un sistema digital. En el siguiente gráfico puedes comparar los medidores de los extremos (VU y Digital) para ubicar esta diferencia

Actualmente las interfases de sonido incluyen preamplificadores para grabar directamente sobre el sistema digital y su escala, pero existen múltiples razones por las que se construyen sistemas híbridos con componentes análogos para trabajar audio.

Estas son las principales razones por las que mitos acerca de grabar al máximo en sistemas digitales garantiza una grabación perfecta.

Analizaremos algunos de los mitos más frecuentes.

Mito #1

"Debes grabar lo más cercano al 0dBfs (Cero decibeles de la escala completa) para obtener el mejor sonido".

Verdad


Una de las recomendaciones más comunes en los inicios de los sistemas digitales era grabar cerca del 0 digital pues era importante para obtener el mejor rendimiento con las resoluciones tan bajas con que se trabajaba, comúnmente 8 y 16 bits.

Con la llegada del estándar de 24 bits el rango dinámico de una grabación se expandió de forma amplia.

Algunos recuerdan por ahí los sistemas ADAT con rango de 20 bits y ya se tenía una escala de forma adecuada. Los sistemas actuales que soportan 32bit flotantes añaden rango solamente en aquellos sonidos donde sea necesario.

Tener "espacio" para que una señal pueda registrarse con libertad (digamos una percusión con múchas dinámicas) permite que no se tenga que vigilar constantemente para ajustes del preamplificador de micrófono.

Grabar entre - 6 y -10 dB es suficiente en los sistemas actuales.

Mito #2

"Si grabas a un nivel más bajo, la señal se volverá ruidosa"


Verdad

Este mito se quedó de la época de la cinta análoga. Algunos ingenieros que adoptaron los sistemas ADAT tenían un poco ese miedo. La cinta ADAT registra números binarios en un soporte de cinta, propiamente no es una señal eléctrica. Grabar en un sistema digital con menor intensidad no agrega ruido. Lo que agrega ruido a la mezcla, es la compensación eléctrica que debe hacerse para MONITOREAR mejor la señal.

Mito #3

"Si tienes una señal baja, es mejor normalizarla que subirle volumen"

Verdad

Normalizar es un proceso donde a partir de un nivel pico de referencia, se incrementa el nivel de una señal en su proporción exacta. Aplicar volumen digitalmente a una señal baja, no utiliza ninguna señal pico de referencia para realizar su trabajo. Ninguno de estos procesos agrega ruido a la señal, sino que hace más presente el ruido de fondo original de la grabación. Es cierto que algunos algoritmos procesan mejor estas funciones. Empresas como Steinberg, diseñan sus procesos puliendo sus algoritmos para obtener un mejor resultado, detalles que algunos software freeware dejan pasar.

Mito#4

"Aunque distorsione, si no se oye está bien"

Verdad

Una señal distorsionada es un fragmento de información perdido durante la grabación. 3 sampleos contínuos se consideran distorsión por la probabilidad de que por lo menos el segundo sample pudo haber sido registrado por encima de los otros dos que lo acompañan.

Puede ser que una ligera distorsión no altere la percepción sonora, pero será siempre una señal distorsionada con información extraviada. Algunos optan por bajar el nivel para "aminorar" la percepción de la distorsión auditivamente. Pero aún así, no es más que una distorsión con menos volumen.

Conclusión
 El sistema digital no es infalible, pero es resultado de múltiples experiencias combinadas durante los últimos 20 años. Actualmente todo este proceso es muy intuitivo, pero experimentar con equipo análogo y sistemas híbridos abre muchas posibilidades creativas.

Yo recomendaría grabar entre -15 dB digitales para registro como mínimo y dejar un rango de -6 a 0dB para posibles picos o dinámicas propias de los instrumentos.

Al mezclar es mejor verificar el archivo que contenga una señal más debil, subiendo el volumen digital primero y escuchar si no agrega demasiado ruido de fondo. Normalizarlo puede ser una opción y no lo dejaría llegar más arriba de los -6dB, para que no destaque demasiado.

Si por el contrario, la señal es ruidosa en el fondo, es mejor atenuar los niveles de los demás instrumentos o canales para ajustarse al track con problemas y al final compensar con volumen la mezcla general.

Es mucho mejor registrar con un nivel óptimo para que no altere tu rutina de mezcla. Son opciones y seguro encontrarás la mejor respuesta experimentando

Rafael Mendoza graba a -15 dB como mínimo en sistemas digitales en Ad Libitum

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Mezcla con audífonos: ¿Buena o mala idea?

Ante los cambios del estudio de proyectos y las tecnologías portátiles, existe la idea que los audífonos sirven como una referencia total, pues cada vez hay más gente que interioriza su experiencia musical a través de reproductores personales.

Inclusive se ha posicionado la idea que permite un "cierre" más hermético contra los ruidos externos.

Sin embargo, hay consideraciones que debes tomar en cuenta para evitar usarlos como referencia.


1.- La fatiga auditiva se manifiesta de forma temprana puesto que no deberías utilizarlos más de 4 o 5 horas por salud.

2.- Aunque pueden sonar con una buena cantidad de graves, mucho se debe a la acústica producida entre tu oído y el audífono. Lo que lo convierte en una referencia poco confiable.

3.- Después de unos momentos, la fatiga auditiva te obliga a incrementar el volumen o bajarlo constantemente.


Esto no significa que los audífonos no puedan tener usos adecuados para mezclar.  Algunas ventajas de usarlos puede ser la edición a fondo, para remover clicks, cracks, pops o realizar edición muy profunda.

También ayudan a escuchar el release de una reverb o delay, revisar el paneo y la profundidad de instrumentos percusivos.

Tal vez te sirvan como buena referencia para un club o monitoreo en vivo, click o tracks de sincronía. Pero nunca debes pensar que el audífono te dará la nitidez de un par de monitores y oídos frescos.

Rafael Mendoza mezcla en Ad Libitum con y sin audífonos

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Last night a dj saved my life.. (Historia del Dj) Parte I

Al hablar de producción sonora, hemos definido diferentes caminos y múltiples involucrados en el proceso.

 Nuestra profesión no nos permite discriminar a las diferentes expresiones artísticas que permitan mediante el sonido transmitir un mensaje o emociones.

En nuestros días un elemento que se ha vuelto reconocido dentro del audio producción; es la figura del dj o disck jockey por usar el termino correcto. 

A decir verdad  este personaje  es tan viejo como  la historia de la grabación sonora. Sin embargo  todavía se le ve con recelo y se le considera por algunas personas como un artesano más que un artista.

 El origen del DJ

Partiendo del origen de la palabra disck jockey o monta discos,  podríamos definirlo como el responsable de colocar discos para su reproducción, este termino se usó por primera vez  por Walter Winchell en 1935 refiriéndose a un productor de radio llamado Martin Block.

Martin Block tenía la habilidad de organizar los discos de tal manera que la continuidad de la programación de la estación pudiera llevar al escucha a un ritmo agradable haciéndole disfrutar de la transmisión radiofónica.

Durante este periodo de la radio, los programas  casi siempre usaban efectos de sonido creados en el mismo instante por una gran cantidad de artefactos que el locutor tenía a la mano. Los programas musicales eran presentados por los mismos artistas, era evidente que la creciente industria discográfica formaría  parte de la radio.

Por otra parte muchos eran los clubs donde la gente salía a bailar y divertirse con bandas musicales en vivo. Al igual que en los principios del cine,  las limitantes para la reproducción del sonido grabado era una barrera para que los establecimientos pudieran usar a los discos como su acompañamiento  musical. 

 Fue en el año de 1943 cuando Jimmi Savile  convoca a la primera fiesta con un dj, una persona que se encargó de poner discos de jazz, dato curioso si hoy en día  vemos que muchos de los detractores de este personaje son músicos de jazz.

Para 1947 en parís apareció lo que se conoce como la primera Discotheque “Whiskey a Go-Go “   en este local la música solo era presentada de manera de grabación por lo cual las orquestas o bandas dejaron de presentarse en el local. 

Esta moda fue extendiéndose por Europa y los Estados Unidos.  Si bien el uso de los discos en  fiestas particulares  o reuniones familiares era común, la especialización de los locales en presentar géneros de música específicos dio un nuevo enfoque a la comercialización de la música.

Música o discos de vinil

En los años 50's, los locutores cada vez usaban más los discos para presentar a  las nuevas bandas y  seleccionar los temas que  en su opinión eran los mejores. 

Es así como podemos decir que la opinión del locutor o disck jockey validaría lo que el público escucharía.

Esta podría ser la primera etapa de construcción de la figura del dj, aquel que seleccionara los temas musicales para la manipulación de las emociones del escucha. 

Justamente es aquí donde empezara el debate y la lucha entre los músicos y los dj´s. Había gran la cantidad de locales que preferían la música en vivo que las fiestas con dj y muchos locales que cerraron sus puertas a los músicos apoyándose en el uso de discos como un beneficio económico.

En el mismo tiempo en el que podía presentar a una sola banda desconocida  podría escuchar a las bandas más famosas y de forma gratuita.

El crecimiento y formalización de la industria discográfica  tenía como vehículo principal los dj´s  de radio muchos de ellos también vieron al oportunidad de fama al presentarse de manera específica en fiestas.

 Llevaban consigo su selección musical y volviéndose parte de la cultura popular ningún tema que ellos no aprobaran  podría llegar a ser un hit,  una razón más por la cual el creciente recelo por los músicos  sobre los dj´s que no solo se volvían famosos por usar su música, sino que también dependía de su opinión su éxito o su desaparición de las listas de música.

El trabajo del Dj consistía principalmente en poner una canción  hacer un comentario mientras colocaba otro disco, realmente las limitaciones tecnológicas y técnicas, se enfocaban solo al conocimiento y criterio para seleccionar  la música y  convocar a un ambiente festivo. 

El termino de mezcla era prácticamente inexistente, solo se enfocaban principalmente al uso de una tornamesa  hasta el año 1955  Bob Casey fue el pionero en usar  dos discos pero simplemente usando el crossfade para presentar los diferentes temas.

Realmente el dj era considerado como un animador no como un artista, era una figura carismática.

Seguimos el tema en 8 días...

Raúl Beltrán realiza producción y diseño de sonido en Ad Libitum

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El demo: La base del éxito...

Hasta hace algunos años, era el objeto de culto más preciado para las bandas que iniciaban. Poner por fin su obra en un medio que se podía presumir no sólo a la disquera sino a los amigos y familia.

Tener equipo en casa resultaba caro y poco productivo. Algunos cooperaban para comprar una multitrack de cassete y sacaban el mayor partido.. pero eran los menos.

En México, la cultura del demo está subvalorada, pues la mayor parte de las bands quiere tener un material terminado. Veamos las ventajas de integrar esta práctica en todas las áreas de audioproducción.


El demo no es un proyecto terminado...

Todos aceptan esta filosofía, pero principalmente porque miran al demo como un producto "inferior".

Algo que tiene que quedar claro, es que para hacer una producción, es necesario "echar a perder" en términos creativos, operativos y estructurales para descartar o reforzar la intención de trabajar sobre un proyecto específico.

Se debe medir cuanto tiempo tarda prepararlo, tiempos de ajuste, si existen las habilidades y materiales necesarios, duración  y sirve hasta para evaluar cuantas órdenes de comida china harán falta para completar el proyecto.

El demo es la oportunidad perfecta para despertar a la realidad del proyecto. El demo es un espejo irrefutable y en vez de mirarse con triunfalismo o autoengaño, debe ser objetivo y crítico.


¿Cuántos demos se necesita para avalar un proyecto?

Todos los necesarios. Es importante grabar lo más posible, pues permitirá registrar momentos de inspiración o detalles que son fáciles de olvidar durante la etapa de trabajo. No es necesario almacenar todo, basta con hacer una selección al final del día lo que se considera bueno y anotar la razón por la que fue guardado.

Los archivos de audio y video permiten guardar en ellos Metadata, que son datos más allá de la fecha y hora en que fueron grabados.

Existe software gratuito que puede servirte para insertar y editar estos datos. Una bitácora de registro digital es muy útil en todos los proyectos.

Por estas razones, quien trabaja en orden desde el principio, tiene mayor factor de crear algo original y bien estructurado. Casi nadie hace este proceso a pesar de ser más sencillo que llevar un libro de anotaciones.

Conclusión

El demo hace la diferencia entre la gloria y el infierno. Muchos proyectos de audio producción se desarrollan sin haber hecho una prueba de lo que van a vender. Gastan recursos en terminar un material que aunque físicamente existe, no significa que esté bien elaborado.

Ahorran costos operativos y de recursos humanos para terminar con un proyecto estéril, poco comercializable y aún así les parece haber gastado una millonada.

Cuando los resultados son medianamente aceptables, deciden mirar hacia el otro lado y pensar que ya aprendieron mucho con ese material, pero cuando arrancan el nuevo cometen el mismo error.

El demo es a mi forma de ver, mucho más importante que el álbum finalizado. Aquellos álbumes considerados clásicos, en su mayoría pasaron por etapas demo evolutivas que los hicieron todo un éxito.

Así que no pierdas más tiempo, graba con tu celular ensayos, pruebas de voz, argumentos, programas y haz la chamba desde abajo... Tu proyecto lo va a agradecer...

 Rafael Mendoza hace demos en Ad Libitum

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Ecualizar y no morir en el intento...

La ecualización es uno de los procesamientos más utilizados hoy en día. No se necesita conocer a fondo el audio para utilizarlo y está disponible en la mayoría de los aparatos reproductores.
Sensitivamente, es la más fácil de distinguir y usualmente la peor utilizada por el usuario común.
Muchas veces se convierte en la varita mágica y en otras la trágica. Analicemos las bases y usos comunes de la ecualización para comprender su importancia


Antes de grabar

Instrumento adecuado: La ecualización comienza con la selección de tu instrumento. Una guitarra "palo de aguacate" nunca proveerá el sonido adecuado para una grabación de estilo "flamenco". Si vas a realizar una maqueta es posible que uses alternativas a tu alcance. Si vas a realizar un disco, elige un instrumento adecuado y réntalo.

Micrófono correcto: Elegir el micrófono adecuado permitirá resaltar adecuadamente las propiedades de tu instrumento. No te bases sólo en la respuesta de frecuencia, sino en su patrón polar, mecanismo de transducción (dinámico, condensador o listón), posicionamiento y técnica de microfoneo.

Preamplificador: Los preamplificadores de una mezcladora o externos permitirán agregar un color único a una fuente o micrófono específico. Tal vez la interfase que tienes provee una entrada sonora para grabar, lo que no significa que sea un color adecuado para tu grabación. Los preamplificadores de bulbos permiten ganar calidez antes de quedar registrados.


Durante la grabación

Técnica de microfoneo: Mover los micros no sirve solamente para hacer que una batería parezca una nave espacial de Marte (los bateristas son de Marte). Debes moverlos para encontrar un punto donde el color del instrumento sea más adecuado para el estilo o tipo de música que estás generando. Un violín microfoneado muy cercanamente, resaltará el roce de la cuerda con el arco, lo que arruinaría un solo en un ensamble de cuerdas. Pero si vas a ocuparlo para mezclarlo al estilo "Mago de Oz", un punto intermedio podrá dar mejor resultado.

Fase en múltiples micrófonos: Revisar constantemente la fase en monoaural te va a permitir resaltar esas frecuencias deseables del instrumento. Un desfase va a quitar brillo o profundidad a un instrumento a pesar de ser interpretado con maestría.

Ecualización aplicada: Hay muchos criterios a favor o en contra de grabar un sonido con ecualización aplicada. Para quien ya tiene la experiencia, ecualizar antes de grabar puede aligerar la carga de mezcla y ayuda a obtener el sonido general mientras se produce. Sin embargo, un error podría requerir de ecualización de ajuste y en los peores casos obliga a regrabar el sonido original.

Después de la grabación

Ecualizar creativamente: Si has cuidado todos los aspectos anteriores, seguramente requerirás de poco ajuste durante la etapa de mezcla. Al ecualizar, se considera más apropiado atenuar las frecuencias que estén creando conflicto entre instrumentos. Potenciar las frecuencias se interpreta como la intención de modificar agresivamente el instrumento. Ambas son correctas, siempre y cuando se consiga un equilibrio o establezca un criterio que de homogeneidad al proyecto.

Evitar la ecualización correctiva: Una voz cantada sin emoción, profundidad e intención, requerirá algo más que ecualización para sentir su presencia en un tema. Todo sonido que carezca de elementos básicos, a pesar de aplicarle los mejores equipos y plugins, sonará a un sonido vano procesado. Regrabar será la mejor opción ante este tipo de sonidos y te ahorrará horas de postproducción.

Ecualizar en Masterización: De igual manera, la ecualización en masterización tiene 2 propósitos fundamentales. Primero se ocupa para filtrar los sonidos indeseados en los extremos graves (debajo de 20-35Hz) y agudos (por encima de 19000 Hz). Y segundo para "retocar" algunos problemas de resonancias en los temas. Difícilmente se buscará alterar el sonido general de la mezcla a menos que sea necesario. Otros procesos como la compresión multibanda son mejor recibidos para alterar la ecualización de una mezcla.

Criterio de Análisis: Cuando ecualizas una mezcla y tus controles rebasan más de 1 dB, seguramente hay un problema en la etapa de mezcla. Un ingeniero de masterización capacitado y profesional, retornará la mezcla y señalará los aspectos que considera problemáticos para la masterización. Las frecuencias de 300-500 Hz. normalmente presentan un sonido "fangoso", así como las medias agudas entre 6000 y 8000 Hz por el exceso de brillo. Es mejor regresar a corregir en el mix que en la etapa de mastering.


Conclusión

La ecualización es un proceso delicado y abusado en nuestros días. No podemos tener el control de los miles de dispositivos y la calidad de procesamiento en los famosos "presets" de estéreos, minicomponentes, car audio o ipods y reproductores MP3.

Sin embargo, tenemos la capacidad de recrear una buena mezcla ayudando a diferenciar entre instrumentos en un cuarto de control bien acondicionado.

Un cuarto con un mal tratamiento acústico, se semeja a un vidrio empañado mientras se maneja en una carretera lluviosa. Es importante elegir el cuarto de grabación y mezcla.

Con respecto a los proyectos caseros, bastará cuidar estos aspectos en lo posible, más no podrás esperar que suene profesionalmente principalmente debido a los procesos acústicos que intervienen.

Ecualizar debe ser una actividad creativa, no correctiva....

Rafael Mendoza ecualiza en Ad Libitum

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Viernes de video: Wikidrummer

Dirigido por Vincent Ruffiac, este video ha sido creado para la comunidad francesa wikidrummers.com.

El baterista es Julien Audigier, donde nos muestra un ritmo de batería ostinato ejecutado en diversos entornos acústicos.

La reberverización son repeticiones constantes de sonido dentro de un entorno acústico. Cuando un sonido se genera, produce múltiples reflexiones (rebotes) de sonido tan contínuos que el oído lo percibe como contínuo.

Además de permanecer por fracciones de segundo latente, la reberverización produce un fenómeno psicoacústico que le dice al cerebro, una aproximación del tamaño al ambiente en que se encuentra.

La edición es hábil y permite experimentar esa sensación de cambio en el escucha.

Se maneja en el sitio creador del video que se utilizó una técnica estereofónica con micrófonos Schoeps.  No indica modelo.

Un buen ejercicio y argumento para cuando un cliente nos solicita quitar reberv a la mezcla.

Mañana nos vemos en la Universidad Privada del Estado De México, campus Ixtapaluca. 10 AM.

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El respeto al trabajo ajeno... es saber producir...

El respeto es la base de una sociedad plena, constante y pacífica. Benito Juárez fue sabio al declarar que "El respeto al derecho ajeno; es la paz".

A esta frase siempre se le ha relacionado política, social y culturalmente. Pero pocos la sabemos aplicar laboralmente.

En los esquemas actuales de la audio producción, un gran declive en contra de los estándares de calidad es la facilitación de los programas de software "DIY" (Hágalo usted mismo).


Caso específico " Video de al lado"

A mi lado se encuentra un compañero de trabajo que es diseñador gráfico. Lo he visto realizar trabajos para su empresa personal miles de veces en horario de trabajo normal. Desde hace unos 4 días se encuentra editando un video de identidad corporativa en Final Cut X.

Desde ayer está creando una música "original" para la empresa usando los Apple Loops de la suite Final Cut.

Hace un momento me ha preguntado que me parece el sonido de su tema. Para no entrar en controversias, puesto que tiene un ego bastante crecidito, decidí decirle que está bien para el video.

La mezcla está hecha en un par de "monitores" Compaq conectados a una iMac.


Sufro, luego existo

1.- El texto: Mi primera impresión es la falta de criterio para el guión. Está lleno de pausas y de palabras redundantes. El elogio para la empresa es impresionante, sin considerar que es un video orientado al acercamiento con el público. El texto se deshace en halagos para los directivos y poco compromiso con el cliente.

La falta de un mercadólogo o un comunicólogo es evidente.

2.- El locutor: Aunque la voz es agradable, el tipo de servicio es tipo asesoría o consultoría. El timbre del locutor es más bien agudo con tendencia a sonar delgada. En una consultoría se esperaría una voz más madura puesto que representa la experiencia de la agencia para afrontar los problemas del cliente.
No hay dirección vocal. El locutor decidió copiar su estilo en cada uno de los párrafos. Suena tan leído que hasta siento que solo es un sonido más entre la música y los efectos de transición.

3.- La musicalización: Los loops de Apple son excelentes, sin embargo, al no haber una dirección creativa en lo musical, se convierte en un ejercicio de "arrastra y suena".
La música está cargada totalmente a lo rítmico, las armonías del bajo no concuerdan con los sintes elegidos y honestamente me suena a un tema de la Rondalla de Saltillo por los intentos de cambio de armonía en el círculo de Sol.

4.- La mezcla: Al no haber una automatización sobre los tracks de audio, la voz aparece plana y poco brillante. La música no es la excepción, suena totalmente opaca, sin profundidad y simplemente son planos sonando simultáneamente.  No hay una línea de soporte para el uso de los fx para transiciones. Creo yo que para un video de identidad están de sobra y musicalmente se puede aportar mucho más.

5.- Niveles saturados: Está demás decir que sin procesamiento, los diversos elementos hacen saltar las dinámicas de la mezcla en más de una ocasión. La solución a todo esto ha sido bajar el master fader hasta -10 db para compensar los "picos que salen" en las "barritas" del video.

Conclusión

Juárez tenía mucha razón en miles de sentidos. En audio producción  están ocurriendo este tipo de problemas cada vez más. Aunque en este caso se trata de un diseñador jugándole al videoproductor, músico e ingeniero en audio, no significa que sea realizado sólo por la nueva ola de "todólogos profesionales".

En el mundo de  Audio producción, cada día el músico hace el trabajo del ingeniero y a la inversa. No establecer sus mercados específicos deberá ser un reto a salvaguardar. No digo que no puedas hacer todo o aprender más herramientas por tu cuenta. Pero creo que cada nivel debe ser respetado.

Si haces un video para una taquería cercana a tu casa, seguramente lo podrás hacer hasta con 100 pesos y un poco de software. Pero al escalar los niveles de profesionalización, deberás delegar mucho más estas actividades a alguien más apropiado.

Las empresas tienen un jueguito muy bonito que se llama "Más barato, mejor calidad". No hay que caer en la tentación de ofrecer todo por unos cuantos pesos. A mí me ha costado dejar ir proyectos interesantes de buenas marcas, porque el presupuesto que ofrecen para realizarlo es ridículo. Todavía te dicen que hay cotizaciones más económicas que lo que propones y que han visto lo que hacen y está al nivel de Hollywood.

Prometo escribir un post sobre los trucos más usados por las empresas para bajar los costos.. algunos le llaman "negociar"... para mí en otros casos son meramente "usura"... Un saludo y que viva Juárez.

Rafael Mendoza respeta el derecho ajeno a producir en Ad Libitum

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Under Pressure al desnudo...

Hasta ahora no hemos recurrido a la ejemplificación de los productos de audio producción.

Sin embargo, me parece adecuado este ejercicio al descubrir los tracks separados de temas muy conocidos en la industria.

En Julio de 1981, Queen se encontraba grabando en Suiza el album "Hot Space" y pidieron a Bowie grabar los coros del tema "Cool Cats". Al final, el tema no sonaba bien para nadie.

Tomaron una canción de Roger Taylor llamada "Feel like"; Bowie y Mercurie improvisaron sobre ella.

La letra fue aportada por Bowie de una canción que había titulado "People on streets". De esta manera se gestó uno de los temas más icónicos de Queen.

El trabajo de mezcla estuvo a cargo de Reinhold Macky, que es precisamente lo que nos trae a este análisis.

Podemos escuchar como las voces utilizan diferentes efectos que le ayudan a crear texturas para diferentes partes de la canción.

Por ejemplo, al inicio escuchamos un Mercury en el entorno del estudio con un room mic o microfoneo a distancia... La voz de Bowie tiene un chorus más marcado que el de Mercury.

En el segundo 0:34 podemos escuchar a Bowie con una reverb corta y un delay, el chorus ha bajado y Mercury ahora sube su chorus un poco...

Durante todo el track escuchamos estos cambios y finalmente en la parte intermedia donde quedan a capella, ningún efecto se hace presente hasta que regresa la voz de Bowie para dar entrada a las notas altas de Mercury.

Este es un buen ejercicio de la aplicación de efectos en distintos niveles y obedecen a partes específicas de la instrumentación y texturas de otros instrumentos presentes en la mezcla final.

Ojalá este video les haya dado ideas más claras de lo que pueden hacer con una línea vocal o como en este caso, con un par de voces de gran calidad...

Un saludo y nos vemos el lunes.. gracias por los comentarios sobre "Control Room", este fin de semana dáte un tiempo para escucharlos y sugerirnos los temas próximos... hasta el lunes...


Rafael Mendoza produce audio en Ad Libitum Estudio
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Premezclando El Arreglo Musical....

Una de las etapas críticas en la producción es la mezcla. Lidiar con los canales grabados puede ser una pesadilla para cualquier operador, si la materia prima no está bien aplicada.

Imaginemos un estacionamiento de un supermercado. Coloquemos las flechas de entrada y salida. Ahora dejemos que entren los coches en todos los niveles y dejemos que se acomoden en el lugar que mejor les apetezca.

En una hora, los camiones más grandes habrán de rozar, chocar o colisionar con los más pequeños, los más pequeños tendrán dificultades para estacionarse o salir adecuadamente.

Este mismo efecto se presenta cuando el arreglo musical no está bien equilibrado. Las guitarras pueden ser demasiado ruidosas o mantenerse en un registro donde la posición vocal no encaja. El bajo puede estar realizando armonías sin soporte de otros instrumentos graves. Aquí te damos ideas para mejorar tu arreglo, antes de entrar al estudio

1.- Base rítmica estable: Cualquier instrumento que mantenga la sensación rítmica del género se le considera base rítmica. En la música tradicional, los instrumentos como la guitarra, guitarrón, bajo sexto o vihuela, proporcionan la base rítmica. En estilos más eléctricos, esta responsabilidad subyace en la batería, bajo y guitarras rítmicas. Utilizar el mismo ritmo para todos puede ser monótono. Mejor dale una rítmica a la batería, el bajo puede complementar el feeling y haz que la guitarra no se sume o estorbe con rasgueos contínuos. Se nos olvida que los silencios también son música.

2.- Los instrumentos de cuerda: son particularmente quisquillosos con su espectro. Mueve su distancia tonal lejos de la voz y guitarras. Los violines suenan mejor en 3eras para ciertos estilos. Pero puedes agregar dramatismo o crecimiento subiendo su tonalidad en partes altas de la balada. Reserva los Cellos, Violas y Contrabajos para hacer contrapeso sobre la sección rítmica.

3.- Los sintetizadores y pianos tienen un amplio rango. Sé que a veces es irresistible hacer escalas entre los acordes y capas de cuerdas, pero por lo menos utiliza inversiones de acordes en partes donde cruza la voz.

4.- Las voces en coro suenan mejor cuando se vuelven una extensión de la voz principal. A menos que vayas a crear un canon o un contrapunto muy marcado, permíteles ser la extensión por frases, palabras o inclusive como respuesta a las cuerdas.

5.- Una base rítmica limpia no es tocar menos, sino tocar acompañando a toda la base rítmica. Establece al percusionista donde puede hacer fills y donde al baterista. El baterista debería tocar menos con un soporte de percusión.

6.- Los trombones, trompetas y saxofones, debes elegir entre ponerlos como armonías continuas cuando la voz tiene mucho fraseo o rítmicos cuando la base rítmica se mantiene estable. Utilizar los tutti es más bonito cuando tienen un peso en el arreglo como para resaltar. No lo uses cada 3 o 4 compases.

7.- Utiliza subdivisiones de notas en la percusión para acelerar un tema sin cambiar su tempo y a la inversa obtienes una sensación de suspensión.

8.- Nunca permitas que las guitarras o instrumentos similares trabajen en el mismo rango de acordes. Modifica por rítmica y acorde para que se enriquezca la armonía.

9.- Si vas a utilizar distorsión en un arreglo, procura darle el espacio necesario en la zona grave o como solista. Evitarás ensuciar la mezcla final, simplemente porque ese efecto suena increíble, pero no aporta nada al tema.

10.- No es necesario que utilices 24 canales para grabar. Utiliza lo necesario sobre todo cuando tengas menos experiencia como arreglista.

Espero que estos tips te ayuden a encontrar un mejor camino hacia la premezcla en el arreglo. Mañana nos vemos con el video y no olviden de escuchar "Control Room" a través de Sound Cloud y Podbean.

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10 tips para capas de reverb y delay...

Cuando imparto algún curso o taller, me gusta entrar a la etapa de los procesadores, porque me permite repetir una y otra vez estas premisas que me han ayudado a obtener mejores resultados.

Las comparto con ustedes, extraídos directamente del taller de audio producción que vamos a iniciar en un par de meses. Estén pendientes.

1.- Para agregar profundidad a una mezcla, el uso del delay de forma discreta, crea un entorno de profundidad. Si lo ajustas al tiempo del tema, obtendrás mejores resultados

2.- Dale espacio a tus efectos, filtrando graves y agudos.

3.- Si no ajustas el delay al tiempo del track, se notarán como si saltaran al frente.

4.- No es lo mismo profundidad que inmensidad. Para hacer un instrumento más grande, utiliza reverb.. para mayor profundidad, delay.

5.-Reverbs cortas de 1 segundo y delays de 100 ms o menos, crean la sensación de inmensidad.

6.- Si ajustas los tiempos de pre-delay y decay al tempo del track, embonará mejor en la mezcla

7.- Puedes jugar con la EQ de la reverb, haciendo las largas más agudas, y las cortas más graves o viceversa.

8.- En tus buses y de acuerdo al tema, puedes utilizar una reverb larga, con un delay medio y una reverb corta, o un delay largo, con una reverb media y un delay corto, las combinaciones son infinitas.

9.- Utiliza Reverb largas para los instrumentos más importantes. Te ayudará a  unificarlas.

10.-  Regresa las reverbs en mono y panes. No todas las reverbs se aplican en estéreo

Prueba estos tips y próximamente podrás conocer las fechas y lugares donde impartiremos el curso.

Nos vemos mañana

Rafael Mendoza, procesa, mezcla y retuerce sonidos en Ad Libitum Estudio

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Karlheinz Stockhausen... Libra Live 1977

Karlheinz Stockhausen es un músico alemán de nuestro siglo, que experimentó notablemente con la producción de sonido y su incorporación a los elementos musicales.

Menciono que es un músico en tiempo presente, porque su legado es y será, la base de muchos trabajos de arte sonoro. Físicamente, abandonó este mundo el 5 de Diciembre de 2007.

Libra es una de sus composiciones más impresionantes de una suite que compone a los 12 míticos signos del zodiaco. Este video es de 1977 durante una interpretación del tema en vivo.

Además de apreciar la calidad musical, en el vaivén de sonidos y silencios, es importante notar la infraestructura de equipo necesario para dar vida a este tipo de conceptos en vivo.

Esta música no debe compararse a ninguna otra, simplemente es un género propio que no busca encontrar un espacio comercial.

Stockhausen seguirá proveyendo, visiones diversas a la música contemporánea y a los procesos de audio producción

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Protools: La historia del genio en la lámpara.

Había una vez un programa que mágicamente te afinaba, digitalizaba y  te creaba un hit, un éxito musical de la nada. Todo parecía hecho por arte de magia y así se  creó una religión en torno a este nuevo programa.

Hemos hablado en el blog de Ad Libitum de las diferentes plataformas que existen en el mercado para la producción musical en ella siempre mencionaremos a Pro tools como el estándar de la industria.   

Sin embargo, para entender como se ha tornado en la referencia profesional para audio producción, deberemos basarnos en su historia. 

Digidrums/Digidesing

Evan Brooks  y Peter Gotcher  eran dos pequeños escolapios interesados en la música, el arte de la grabación,  la electrónica  y la programación informática.

 Tomando como base el  sistema  drumulator, comenzaron una compañía  cuya actividad era generar nuevas galerías de sonido,  dándole nombre de digidrums.  La empresa  resultó exitosa y previeron la  necesidad  de los clientes de  tener más opciones a solo agregar sonidos a sus equipos.

 Para este propósito  utilizaron una computadora mac  y comenzaron  desarrollar software capaz de  ayudar a su reciente empresa a grabar editar y modificar los sonidos que ellos  vendían en sus galerías.

Al pasar del tiempo pronto entendieron  este software que creaban para uso propio podría tener aplicaciones comerciales no solo para ellos, si no para la mayoría de músicos. Así que en un trabajo conjunto con E-MU comenzaron  la creación de un software capas de editar loops y que funcionara con su controlador Emulator II keyboard.

Gracias a esta fusión la empresa cambio de nombre convirtiéndose en lo que nosotros conocemos como Digidesing. Al principio se encargaron de crear el software que ayudaría a trabajar a las diferentes marcas de sintetizadores que existían en el mercado, como AKAI, ROLAND  y por supuesto E-MU.

Paso siguiente.

El paso normal de esta empresa  era la creación de su propio software, en 1989 lanzan Sound tools, un sistema de grabación en disco duro completamente basado en una computadora como estación de trabajo.

Desarrollar este sistema necesitaba de requerimientos técnicos, capaces de realizar los procesos de manera eficiente y sin que el sistema colapsara; esa fue la razón principal por la cual los creadores de Digidesign se plantearon el uso del sistema Mac.

 La razón era simple. Macintosh diseñaba sus computadoras pensándolo como en un todo, sus componentes son más estables,  sin problemas de compatibilidad, caso contrario a las PC,  que al utilizar diferentes  fabricantes los componentes, necesitaban de una mayor configuración para volver estable el sistema.

Hardware/ software

El primer Protools fue lanzado en 1991. Era una versión mejorada del Sound tools, siempre  tomando en cuenta,  que  una estación de audio digital debe ser  diseñada  desde la visión de hardware y software.

En pocas palabras, Digidesing nunca dejó  todo el proceso de digitalización de audio a  los componentes propios de una computadora, simplemente vio en Mac la oportunidad de  estabilidad en un sistema, pero el proceso lo generaba el mismo hardware que ellos fabricaban.

Desde la primera versión hasta la versión 8 Pro tools vendrá acompañado de su propia interface en las versiones más básicas  y con sus superficies de control como suplemento de los equipos más  costosos.

¿Por qué Pro tools se ha convertido en estándar?   

Mac en sus inicios podía presumir de la estabilidad  y rendimiento, razón por la cual  usar una plataforma Mac en proceso de diseño, imagen, sonido y video  era la solución  para conseguir lo mejores resultados.

El triunfo de Digidesing se basa en afianzar un producto que se volvió sinónimo de calidad y estabilidad. 

Podrías no saber absolutamente nada de audio digital,  pero sí confiar en la marca Apple  como sinónimo de calidad. 

Así todos los programas que trabajaran con sus sistema operativo tendrían de una calidad irreprochable.

Otra alianza estratégica  para que Protools se volviera el estándar, fue la compatibilidad para trabajar bajo sistemas de edición creados por Avid. 

Actualmente la compañía digidesing ya forma parte del conglomerado de Avid.

Con estos dos aliados, Pro toosl se creó un nombre dentro de la industria, volviéndose un estándar en el mercado de la audioproducción.

 ¿Pro tools es el genio?

 Yo diría que es una simple herramienta como muchas otras, es un estándar  para calificar. 

La calidad de un producto, al final del día, provendrá del genio. En este caso, será la creatividad y capacidad del ingeniero productor o músico de explotar esta herramienta.

 Pro tools es bueno, tiene ciertas ventajas y desventajas con respecto a otras plataformas,  pero  su éxito está basado en que siempre fue pensado para tener de soporte una computadora y nunca para hacer de esta la parte esencial de sistema.

En la versión 9, Digidesign abre la posibilidad de utilizar Protools con otras interfaces... pero eso es otra historia que abordaremos en unos blog más... 

 Raúl Beltrán realiza diseño de sonido en Ad Libitum Estudio

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