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viernes, 29 de noviembre de 2013

Fabricación de los discos de vinilo...


En este Viernes de video veremos como se realiza la producción masiva moderna de los discos de vinilo. Anteriormente se utilizaban otro tipo de elementos para crearlos. Con el resurgimiento del vinil como fuente de difusión, se acerca una nueva ola de difusión y estrategia de comercialización musical.

Para muchos, el vinilo se mantiene vigente y proporciona una experiencia poco  comparable al CD y mucho más satisfactoria que transferir archivos mp3.

Este video es muy ilustrativo y nos ayuda a comprender un proceso que se mantiene artesanal en un buen porcentaje.

Nos vemos el lunes


jueves, 28 de noviembre de 2013

Viviendo en la carretera (Sonorización)






En esta ocasión ocuparé el espacio para escribir un poco sobre lo que es viajar con una banda o trabajar dentro del equipo de montaje de un espectáculo. Es un trabajo de muchas maneras satisfactorio, pero que también tendrá sus  inconvenientes. Podemos evitarlos si  como ingeniero o técnico tienes una buena disciplina y ética laboral.

Ponernos la camiseta.

Como primer punto, debemos entender que formamos parte de una banda o de un espectáculo. Nuestro trabajo está fuera de reflectores y entrevistas de promoción, alejado de sesiones fotográficas, pero  es igual de importante.  Por mínimo que parezca un error,  puede traer una serie de consecuencias catastróficas, si por el  contrario ponemos atención a todos los detalles el espectáculo fluirá  de la manera más tranquila.

 Toda banda debe de pensar que su equipo técnico, es la parte fundamental para que su performance sea disfrutado por el público. Si la banda tiene la confianza en su staff,  sólo se preocuparán de  tocar y de transmitir su energía; si por el contrario la banda se encuentra con un staff que no conoce o que no ha trabajado con ellos, el artista tocará con desconfianza con dudas y esto generara en un  mal ambiente de trabajo. Sobre todo que la comunicación no es la adecuada.

Nosotros como técnicos o ingenieros, cuando solo trabajaremos por una ocasión con esta banda o artista, debemos ser los primeros en hablar con ellos para poder saber cuáles son sus necesidades, sus requerimientos técnicos. Conocer a los miembros de la banda, sus instrumentos y tracklist
Tomar notas durante el soundcheck es importante para conocer ayudar un poco al performance como quien hace los solos, cuales son los temas fuertes , en que temas el cantante tendrá problemas con la acústica del lugar, todo esto generara confianza en los músicos.

Claro que es inevitable tener problemas, hay que recordar que muchas veces es una lucha de egos. La experiencia me ha enseñado que al final de cuentas tu trabajo hablara por tí.
 Si el show suena bien cualquier conflicto previo desaparecerá. Siempre hay que respetar el trabajo  de los músicos y tu trabajo.



Paz interior.

Esto no tiene que ver con  una frase budista o de Kung Fu. 
La paz interior tiene que ver con el fluir del espectáculo desde adentro del escenario, al igual que un chef que puede reconocer si su trabajo es bueno si el comensal disfruta de su comida, el espectador también con sus gritos aplausos baile, llantos y gritos, nos dará la pauta para entender que el show fue un éxito.

Pero esto que podemos ver  desde afuera, tiene que ver por la disciplina dentro del escenario. Cumplir con los tiempos de montaje, horarios de soundcheck, ensayos de la banda,  conocer tu sala o el lugar donde se realizara el concierto, para hacer solo los pequeños cambios que  necesiten las canciones.

 Una de las cosas que no se pueden pasar por alto dentro de esta paz interior es el monitoreo de la banda, muchas veces las bandas pasan por alto esto.  Sobre todo las bandas que van empezando y que tiene la  ilusión de presentarse en bares  o pequeños lugares, aceptan las condiciones del local donde el monitoreo es nulo o  solo un retorno con la misma mezcla que sale a la sala.

Sin embargo para nosotros  como ingenieros, el que la banda se escuche dentro del escenario nos facilitara hacer una buena mezcla para la sala. Entre mas cómodos los músicos sientan  una buena mezcla de monitores, mejor será su performance y no caerá en inseguridad  ni desconfianza con lo que escucha el espectador. 
Creo que es indispensable que los músicos reconozcan la importancia de tener un responsable de monitores.

Los técnicos que formaran parte del staff, también son los responsables de esa paz interior del músico. Como asistentes del ingeniero principal,  sabrán estar atentos para necesidades como el cambio de una guitarra, cable o micrófono que  represente problema durante el show. Estos pequeños detalles dan fluidez al concierto.

Fuera de cables.

La disciplina no solo debe de ser dentro del mundo de los cables y  consolas, ni  solo dentro del escenario y del parte del trabajo. De por sí, el trabajo es pesado pasar tanto tiempo de viaje requiere de disciplina en otros aspectos.

Las horas de descanso son fundamentales, buscar el momento de descanso y saber disfrutarlo. Dormir aunque sea en un autobús o van, aviones o aeropuertos es fundamental el descanso.

La alimentación es fundamental, para poder trabajar fecha tras fecha. Esto no quiere decir que se tenga un régimen estricto; es más en el sentido de comer bien, llevar una dieta lo más sana posible, una hidratación constante durante las horas del montaje, el espectáculo y en el viaje.

Más allá que la mítica vida del rock star de fiesta, debemos pensar en lo que nos motiva vivir de viaje, porque si bien no somos los que aparecemos bajo las luces, lo que escucha la gente, lo construimos nosotros.

No digo que no deba existir ese momento de relajación  de convivir, tomar una cerveza o salir de fiesta. Simplemente no debe  ser el pan de cada día
Convivir  y divertirse harán un mejor equipo de trabajo, pero vivir de una fiesta eterna nos pasara factura.

 Recomendaciones:  la lectura, aprender un poco de los lugares que se van a  visitar, darse un tiempo también para el ejercicio, a pesar de lo extenuante que puede ser el montaje , los tiempos muertos si no se aprovechan terminaran por desgastar.

 En fin como conclusión disfrutar de la vida en la ruta es una cuestión de  orden y  libertad de entender la responsabilidad  y   beneficio de una buena ética de trabajo. Después de todo, también podemos hacer parte de nosotros esos aplausos al final del show.

Raúl Beltrán realiza producción en Ad Libitum
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martes, 26 de noviembre de 2013

Codificando para el internet...




Cuando tienes tu material listo y lo distribuyes, existen consideraciones importantes para solicitar al Ingeniero de Mezcla (previo pago de sus servicios), una mezcla más adecuada para la liberación en línea.

Se podría pensar que la compresión del MP3 es la única destructiva, pero debes recordar que toda compresión de datos, modifica drásticamente la respuesta de frecuencia en los graves y agudos.

Se ha especulado mucho si con la velocidad actual de internet, sería mejor distribuir en formatos más completos como el WAV o AIF. Sería lo más recomendable, sin embargo, los fabricantes de aparatos reproductores se han enfocado en la idea de que "más es mejor".

Con esta filosofía en mente, más canciones en un CD, DVD o memoria USB, es mejor aunque su calidad sea tan mala que no podría considerarse siquiera un archivo de computadora.

Si deseas dar una oportunidad a tus temas y distribución en internet, estos consejos pueden servirte:

1.- Empieza con la máxima resolución posible del material: Esto implica que desde que grabes, obtengas una fidelidad adecuada. 24 Bits a 48khz son un buen punto de partida

2.-Filtra frecuencias agudas o graves en los extremos de audición: Una de las pérdidas más comunes y que no colaboran a la compresión adecuadamente se encuentra en estos extremos. En los graves de 35 Hz hacia abajo puede ser un buen punto de partida. Para los agudos prueba desde 15 Khz. A prueba y error, encontrarás un mejor punto de audición, liberando bits importantes para conservar el sonido general.

3.- No todas las mezclas se comportan igual: Las mezclas con muchos elementos tienden a perder punch y profundidad. Las mezclas más ligeras como un trío de jazz, un solista con piano, parecen ser menos selectivas y conservarse en mejor estado después de la compresión.

4.-Asegúrate de tener un buen nivel de volumen: La codificación toma en cuenta la resolución horizontal para proyectar la fidelidad final del archivo. Antes de crear tu mixdown, verifica que el master esté en un punto donde no distorsione y maneje libremente sus dinámicas. De esta manera permitirás al algoritmo tener un mejor rango de trabajo.

5.- No utilices compresión multibanda directamente al codificar: Es mejor hacerlo en dos etapas. Primero aplícalo, guarda tu archivo y posteriormente codifícalo. Estos procesos engañan al códec en su apreciación.

6.- Utiliza el códec más alto posible: Un MP3 de 320kps siempre tendrá mejor presentación que uno a 126kbps.

7.- No uses software mágico: El material codificado siempre sonará menos nítido que el original. Ningún software puede asegurarte que sonará mejor que el original. En lo personal me gustan mucho los algoritmos del Sound Forge de Sony para compresión. Pero un archivo comprimido, siempre será un archivo comprimido.

Conclusión

Nada como un archivo digital de alta resolución. Pero si necesitas utilizar la distribución mp3 o de cualquier otro tipo, estos son los conceptos básicos para obtener un mejor resultado.

Permitir que el sitio web, o plataforma de video codifiquen tu material en línea es un doble riesgo. Te recomiendo visites la sección de preguntas comunes del sitio que has elegido, para indagar sobre las resoluciones y características más adecuadas para el servidor donde será alojado.

Recuerda... Un archivo comprimido, siempre será un archivo comprimido...

Rafael Mendoza codifica en diversos formatos en Ad Libitum
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viernes, 22 de noviembre de 2013

Sonidos que aterran..."El caso Jean Claude"



Viernes de video y hoy les presento el corto "El caso Jean Claude" (sin parentesco con el arte marcialista), de la serie Diarios del Miedo presentado por el Parapsicólogo Iker Jiménez.

Aunque yo tengo mis reservas sobre lo sobrenatural, el corto ejemplifica un uso del diseño de sonido como intérprete principal dentro de la historia.

Pongamos especial atención a la narrativa y al primer estímulo que recibe Jean Claude en el bosque.

Vale la pena verlo varias veces para desglosar y analizar el uso correcto de la cámara como testigo de la historia, dejando al sonido, provocar la reacción psicológica en el espectador.



Nos vemos la próxima semana. Un saludo.

Rafael Mendoza busca desesperadamente películas con buen diseño de sonido.
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jueves, 21 de noviembre de 2013

El respeto al trabajo ajeno... es saber producir...




El respeto es la base de una sociedad plena, constante y pacífica. Benito Juárez fue sabio al declarar que "El respeto al derecho ajeno; es la paz".

A esta frase siempre se le ha relacionado política, social y culturalmente. Pero pocos la sabemos aplicar laboralmente.

En los esquemas actuales de la audio producción, un gran declive en contra de los estándares de calidad es la facilitación de los programas de software "DIY" (Hágalo usted mismo).


Caso específico " Video de al lado"

A mi lado se encuentra un compañero de trabajo que es diseñador gráfico. Lo he visto realizar trabajos para su empresa personal miles de veces en horario de trabajo normal. Desde hace unos 4 días se encuentra editando un video de identidad corporativa en Final Cut X.

Desde ayer está creando una música "original" para la empresa usando los Apple Loops de la suite Final Cut.

Hace un momento me ha preguntado que me parece el sonido de su tema. Para no entrar en controversias, puesto que tiene un ego bastante crecidito, decidí decirle que está bien para el video.

La mezcla está hecha en un par de "monitores" Compaq conectados a una iMac.


Sufro, luego existo

1.- El texto: Mi primera impresión es la falta de criterio para el guión. Está lleno de pausas y de palabras redundantes. El elogio para la empresa es impresionante, sin considerar que es un video orientado al acercamiento con el público. El texto se deshace en halagos para los directivos y poco compromiso con el cliente.

La falta de un mercadólogo o un comunicólogo es evidente.

2.- El locutor: Aunque la voz es agradable, el tipo de servicio es tipo asesoría o consultoría. El timbre del locutor es más bien agudo con tendencia a sonar delgada. En una consultoría se esperaría una voz más madura puesto que representa la experiencia de la agencia para afrontar los problemas del cliente.
No hay dirección vocal. El locutor decidió copiar su estilo en cada uno de los párrafos. Suena tan leído que hasta siento que solo es un sonido más entre la música y los efectos de transición.

3.- La musicalización: Los loops de Apple son excelentes, sin embargo, al no haber una dirección creativa en lo musical, se convierte en un ejercicio de "arrastra y suena".
La música está cargada totalmente a lo rítmico, las armonías del bajo no concuerdan con los sintes elegidos y honestamente me suena a un tema de la Rondalla de Saltillo por los intentos de cambio de armonía en el círculo de Sol.

4.- La mezcla: Al no haber una automatización sobre los tracks de audio, la voz aparece plana y poco brillante. La música no es la excepción, suena totalmente opaca, sin profundidad y simplemente son planos sonando simultáneamente.  No hay una línea de soporte para el uso de los fx para transiciones. Creo yo que para un video de identidad están de sobra y musicalmente se puede aportar mucho más.

5.- Niveles saturados: Está demás decir que sin procesamiento, los diversos elementos hacen saltar las dinámicas de la mezcla en más de una ocasión. La solución a todo esto ha sido bajar el master fader hasta -10 db para compensar los "picos que salen" en las "barritas" del video.

Conclusión

Juárez tenía mucha razón en miles de sentidos. En audio producción  están ocurriendo este tipo de problemas cada vez más. Aunque en este caso se trata de un diseñador jugándole al videoproductor, músico e ingeniero en audio, no significa que sea realizado sólo por la nueva ola de "todólogos profesionales".

En el mundo de  Audio producción, cada día el músico hace el trabajo del ingeniero y a la inversa. No establecer sus mercados específicos deberá ser un reto a salvaguardar. No digo que no puedas hacer todo o aprender más herramientas por tu cuenta. Pero creo que cada nivel debe ser respetado.

Si haces un video para una taquería cercana a tu casa, seguramente lo podrás hacer hasta con 100 pesos y un poco de software. Pero al escalar los niveles de profesionalización, deberás delegar mucho más estas actividades a alguien más apropiado.

Las empresas tienen un jueguito muy bonito que se llama "Más barato, mejor calidad". No hay que caer en la tentación de ofrecer todo por unos cuantos pesos. A mí me ha costado dejar ir proyectos interesantes de buenas marcas, porque el presupuesto que ofrecen para realizarlo es ridículo. Todavía te dicen que hay cotizaciones más económicas que lo que propones y que han visto lo que hacen y está al nivel de Hollywood.

Prometo escribir un post sobre los trucos más usados por las empresas para bajar los costos.. algunos le llaman "negociar"... para mí en otros casos son meramente "usura"... Un saludo y que viva Juárez.

Rafael Mendoza respeta el derecho ajeno a producir en Ad Libitum
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martes, 19 de noviembre de 2013

El Demo del Locutor...



Por fin ha llegado el momento donde tienes la necesidad de crear un demo de locución para buscar trabajo adicional o representar una marca.

Existen demos creados de forma modesta y con honestidad. He escuchado a cientos de locutores quejarse de la producción del demo que ganó la campaña publicitaria.

Vamos a descifrar para todos aquellso que tienen la duda de como preparar un demo de locución, lo que debería y lo que no se debe utilizar.

Locución: Arte o técnica

Para la audio producción, la voz del locutor es materia prima. Escencialmente, es como una guitarra más en la mezcla, un sinte electrónico o el fx de sonido que permite recrear una bóveda.

El enfoque que normalmente utiliza el locutor amateur o inexperto con los demos se refiere al uso excesivo de fx de sonido y procesamiento de voz. Todo esto se forma a partir de la inseguridad y desconocimiento de las posibilidades reales de la voz.

Elementos de un buen demo de locución

1.- Identifica las posibilidades reales de tu voz: El primer paso es identificar si mi voz es adecuada para el tipo de campaña, producto, programa o serie que se está planteando. Tener la voz de sello radiofónico, no significa que puedas participar en una serie radiofónica, a menos que se trate de un personaje bastante específico.

2.- Elabora una idea argumental: El error común es pensar en "creatividad", concepto que es muy subjetivo, puesto que lo se va a valorar es las posibilidades de impostación, seguridad y transmisión de tu voz, no tus ideas revolucionarias. Debes presentarlo en lo posible como cuando te presentas a una entrevista. Un saludo genérico, nombre, especialidad de locución. Después integra en segmentos de 10 a 15 seg, las posibilidades vocales de tu voz. Si no sabes como se clasifican las voces de locución y sus timbres, investiga a cual perteneces.

3.-  Utiliza pocos efectos y cambios musicales: Me ha tocado editar muchos demos donde hay un cambio brusco de FX de sonido o música diversa en menos de 10 segundos. Puede sonar apantallador para un público bastante impresionable como en las fiestas de XV años o las presentaciones de grupos, pero no para un demo profesional. El uso adecuado y bien elegido de la música es como elegir el atuendo para ir a la entrevista de trabajo.

4.- No utilices impactos radiofónicos: Volvemos al punto 2, se trata de evaluar las posibilidades reales de tu voz. Insertar segmentos de participación en estaciones radiofónicas, es como querer poner fotografías sobre impuestas en tu currículum.

5.-Utiliza un cierre adecuado: Muchos locutores terminan poniendo sus datos de contacto al final del demo como parte del mismo. No habrá productor que quiera tener una pluma para regresar a escribirlo del sonido. Yo recomiendo, realizar un track tipo post data donde aclares la forma de contacto y que puedas leerla con una velocidad más digerible, repitiéndola un par de veces. Será más fácil hacer click sobre una pista que sobre la barra de reproducción.

Conclusión

Los mitos en la locución tienen una fuente aparte que en audio producción, difícilmente se toman en cuenta. Uno muy común es que debes tirar los demos en todas partes para ver cual pega y hacerlo en el sentido de lo comercial. Hay locutores natos que cuando narran un documental se vuelven clásicos simplemente porque cuentan con esta calidad necesaria.

Otro mito es la famosa "versatilidad vocal". Muchos locutores piensan que cambiar de tono como si fueran calcetines es una habilidad bastante deseable.

Abrir el número de opciones, sólo hará que el posible contratante se confunda para que sirve realmente tu voz. A veces, hay locutores con un lenguaje tan fluído que no se utiliza adecuadamente para una campaña de VIH.

La locución es como todo arte, resultado de la práctica y la técnica. La respiración, impostación, entonación deben ir cubiertas de una cultura general bastante amplia, afinidad por la lectura y sobre todo aplicar en el mejor sentido, las limitantes de tu instrumento.

Rafael Mendoza edita demos de locución en Ad Libitum Estudio
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viernes, 15 de noviembre de 2013

El iPod de 8 billones de dólares...



Viernes de video en Ad Libitum Estudio.

El miércoles pasado, en nuestro podcast "Control Room", en nuestro tema de "Piratería", hablamos sobre el iPod de 8 Billones.. Rob Reid, un comediante estadounidense, hizo cuentas basados en los argumentos de  la MPAA (Motion Picture American Asociation), donde clamaba que la crisis de ventas se debe a la constante descarga de material sin pago de derechos.

Nos preguntaron donde podían encontrar este video y aquí lo tienen.
Los números no mienten y nos da un panorama real, de cómo a pesar de tener el control económico del mercado, no hay una seguridad profesional basada en sus argumentos.

Disfrútenlo, por favor, activen los subtítulos, es la versión mejor descrita en español que encontramos.

Esperen el estreno del Canal de You Tube a las 19:00 de hoy...


jueves, 14 de noviembre de 2013

Instantáneas sonoras....



Como bien saben, ando turisteando por un rato, disfrutando de comida maravillosa de un sol radiante y de personas muy amigables.
 Siempre es bueno tomar un respiro de la rutina y conocer cosas nuevas sin embargo cuando comienzas a darte cuenta de todo lo que el mundo te ofrece quedas en estado de shock.
En este blog hace algún tiempo escribí de la importancia de entrenar al oído para entender la cantidad de información sonora que recibimos, al viajar nuestros sentidos y emociones están predispuestos a descubrir y experimentar cosas nuevas y el oído no podía dejar  pasar la oportunidad de ejercitarse.
Estas dos semanas me he vuelto un recolector de sonidos, de diferentes voces y acentos, al conocer nueva gente y después de unos días poder identificarlos pos sus voces o por su acento saber del  país de donde vienen, las frases que usan son determinantes para entender la conversación pero principal mente la entonación  me da a conocer sus estados de ánimo.
Hemos decidido ser  mas visuales a esos momentos y personas siempre los recordamos con una fotografía, ahora se sorprenden al preguntarles si puedo grabar su voz y se sorprenden más al escucharse.
Otro de los aspectos apreciables gracias al sonido es el paisaje mismo de la ciudad, a pesar de que me encuentro en una ciudad enorme y con gran cantidad de vehículos la manera de conducir y el orden de ciertos lugares, me  pinta una imagen diferente a otras  en las que el caos y la descortesía generan una cantidad de ruido  diferente. 
Pensar en la captura del sonido de un parque, la briza del rio,  los motores de la calle y que queden como un recuerdo de un viaje, es algo de lo cual no estamos acostumbrados.
            Por último nunca faltaran las expresiones culturales  como la música, danza, poesía y la canción, que hacen de una ciudad única y siempre con motivos distintos y que logran cambiar su ADN.
             Si bien nuestros dispositivos móviles ya nos dan la oportunidad de recolectar estas expresiones de manera audiovisual, hacerlo de manera sonora nos hará realizar un ejercicio de memoria la escucharlos y retomar el  viaje de nuevo.
            Sí... me he vuelto un fanático de las instantáneas sonoras y reflexiono... "¿porque no hacerlo también en mi ciudad si cada día nos presenta un entorno diferente ya que el sonido cambia a cada instante y se vuelve nuevo?".

Raúl Beltrán se fugó a Argentina lejos de Ad Libitum Estudio
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martes, 12 de noviembre de 2013

Argumentos Clásicos para Engañarse como Músico...



La industria musical se mantiene totalmente acomodada. Las estructuras de trabajo no van a cambiar, a pesar de que el modelo económico está girando totalmente alrededor de las ventajas de la distribución digital.

Sin embargo, para las disqueras, el uso de internet y otras tecnologías son sólo nuevas opciones en la forma de vender, distribuir, proyectar y posicionar una propuesta.

Existen 5 argumentos clásicos, sobre los que el músico contemporáneo considera que no necesita siquiera un boleto del metro para llevar su material a cualquier parte.

1.- "Ahora todo lo puede hacer uno mismo": Podría ser importante considerar que eres músico, no diseñador, mercadólogo, comunicólogo, ingeniero en audio, productor, booking manager, tour manager, label manager o algo parecido. Es cierto que podrás hacer algo de cada uno de ellos. Pero un grupo exitoso, aun así sea 50Cent, llegan al top gracias a que se combinaron experiencia y presupuesto en cada uno de estas áreas para llevarlos a donde están. Aquí romperemos otro mito. Esa banda anti-sistema que tanto te gusta y consideras estandarte para tu ideología... también tiene un equipo igual.

2.- "La calidad de la música es más importante": Todo puede empezar con una gran canción o con una medianamente buena. Pero querer impresionar a alguien con lo que tienes de forma profesional, grabado en tu cuarto y mezclado en audífonos, es como querer saltar el Gran Cañón con el impulso de zapatos tenis. Invierte lo suficiente en mejorar tus grabaciones.

3.- "Yo no necesito payola para entrar a la radio": La radio es un negocio que genera audiencias para venderla a sus anunciantes. Shakira, Black Eyed Peas, Metallica, Paquita La Del Barrio y El Buki, entregan sus derechos a la disquera para que pueda negociar libremente en los espacios de medios. Los acuerdos entre disqueras y estaciones de radio o videos de TV, son multimillonarios. Sirven para evadir impuestos y otras movidas de tipo político. Es un fantasma que todos han visto, pero siempre negado. Ninguna radio transmite un producto que no haya pagado su tiempo aire de alguna manera. El romanticismo de los 50's con el rock se perdió en los 60`s con la payola.

4.- "No importa que se regale mi música, nadie está vendiendola y vive de sus presentaciones": Ojalá que las presentaciones puedan asegurar en el artista su futuro. Pero aunque no lo creas 100,000 asistentes al Monsters of Rock, no pagan todas las cuentas. Son muchas las otras opciones para poder obtener recursos de tu música. Pero debes invertir de forma creativa y ordenada para que eso suceda. Este mito es común al inicio. Te va a llevar lejos, pero regresarás sin un centavo.

5.- "El internet equilibró la competencia musical": Es cierto, abrió la puerta para todos, pero no significa que sea la plataforma por excelencia. El internet es solo una opción para proyectar un producto. Es económico pero muy ineficiente. Podrás amasar algunas legiones de fans a través de ella, pero el ritmo tan lento comparado a radio, tv, publicaciones y presentaciones, lo colocan en el último de la lista. Tarde o temprano requerirás tocar la puerta de algo más grande.


Conclusión

La música es arte cuando se mantiene lejos del dinero, pero cuando necesitas 300 pesos para cambiar cuerdas a tu guitarra, o 2000 para reparar el teclado que se te cayó por ponerlo en unas sillas para ir al toquín, se convierte en una pesadilla económica.

Toda la industria está enlazada, nos guste o no, por la economía circundante. El músico necesita comer, tomar agua (no alcohol), curarse, comprar papel, lápiz, goma, enviar mails, tener teléfono de contacto, pagar la luz, agua para bañarse. Todo tiene un costo. Estos argumentos provienen normalmente de músicos que viven de la beca familiar o la paciencia de papá y mamá. Los amigos ayudarán de vez en cuando, pero se cansarán de tirar el dinero en tí, sobre todo cuando no les alcance para comprar ese bello Iphone porque te prestaron 2000 pesos para arreglar tu guitarra eléctrica.

El responsable de hacer que funcione tu proceso musical, eres tu mismo. Búscalo, antes que la realidad te atrape y te obligue a rentar tu vida en una oficina como autómata.

Rafael Mendoza fue músico inexperto y ahora produce en Ad Libitum Estudio
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lunes, 11 de noviembre de 2013

Management: ¿Estamos preparados?



Como artista sonoro, cualquiera que sea la especialidad, siempre asalta la duda de cuando tomar la decisión de buscar un manager.

Sin embargo, existen varias razones para posponer la decisión. El 70% de los artistas sonoros, conocen parcialmente o desconocen totalmente el trabajo del manager. Mucho menos sabrán negociar con uno adecuadamente.

Te damos 5 parámetros ideales para saber cuando  buscar un manager:

1.- Organización interna fundamentada: Muchas artistas sonoros, arrancan en los cuartos, garages, escuelas y patios de su comunidad. Desarrollan un cierto sentido de empatía. Para el negocio, este tipo de relación es frágil para iniciar una verdadera cruzada con el manager. Es como tener un buen general, pero soldados débiles.

2.- Fortaleza musical: Una banda que no estudia por separado su instrumento, herramientas y opciones creativas, está lejos de establecer un proyecto sustentable. Conocer 12 acordes básicos con sus inversiones, ritmos básicos de un solo género y los presets más usados del teclado condenan al grupo a estancarse más adelante para futuros proyectos.

3.- Percepción grupal sobrevalorada: Las porras son bonitas dentro de la organización. Pero cuando se rompe el eje de la camioneta del bajista, todos salen huyendo. Los problemas se presentan cuando la "unión" esta basada en tardes de fiesta y caguamas, toquines inesperados y poco organizados. Establecer un punto de arranque legal es el primer paso para toda banda de éxito.

4.- Escasos recursos económicos: Una estrategia de Facebook te puede acercar al cielo en unos 130 años. Una estrategia de promoción con buenos costos te dará resultado en 3 a 5 años. El éxito inmediato no existe. Tampoco creas que subiéndote a un escenario para tocar con alguien más o menos establecido te pasará su suerte. La primer preocupación de un manager, no es cuanto le van a pagar o si has tocado con el hijo del hermano del cuñado de Alex Lora, sino de cuantos recursos dispone para sustentar tu presencia.

5.- Plan de desarrollo y vida: Podrás decir que tocar música es tu sueño y que podrías dejarlo todo por amor al arte. Duda de este concepto, porque tarde o temprano te encontrarás sumergido en un mar de desesperación para no tener suficiente para la renta o los pañales. Tampoco creas que una estabilidad económica te garantizará los recursos para el desarrollo del management. Posiblemente Tendrás que vender tu auto o sacar el dinero del banco ante una oportunidad importante. Si dudas en el momento, tu futuro musical puede perderse.  Defínete como persona para que puedas caminar de acuerdo al plan trazado.

Conclusión

El manager será el general que haga andar tu campaña. Tu eres sus soldado y debes estar dispuesto a someterte a sus indicaciones para que la campaña sea un éxito y salgan todos vivos.

Desafortunadamente, el ego es el peor enemigo del manager porque enceguece al artista. El arte deja de ser un producto libre cuando tienes que comprar un juego de cuerdas para la guitarra, un pincel para pintar o una espátula para esculpir.

Requieres de herramientas precisas para desarrollar tu arte. Si vives de la beca familiar o alguna que otra de las más rascuachas del Conaculta, puede ser que te mantengas por un año.  Pero eso no te posiciona y prepara para poder avanzar más adelante.

El Manager te dará instrucciones precisas y razones para crecer. Si no crees poder aceptar sus opiniones, evítate problemas y no le quites el tiempo a él para que pueda manejar proyectos exitosos.


Rafael Mendoza produce audio en Ad Libitum Estudio
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viernes, 8 de noviembre de 2013

Música, diseño de sonido y proyección 4D






Hace casi un año, Nokia lanzó su versión más reciente de Lumia.

Para este evento publicitario, se realizó un performance de poco más de 5 minutos, en los que un edificio se convirtió en pantalla de proyección 4D.

Deadmau5, un DJ que ha sido polemizado por sus presentaciones y formas de promover su material, fue elegido para musicalizar el acontecimiento.

La ciudad de Londres se iluminó y el lanzamiento fue un precedente para las campañas publicitarias de teléfonos celulares.

El 50% del éxito de este proyecto, se derivó del diseño musical, sonoro y de arte visual. Un segundo de retraso hubiera hecho fracasar la ilusión de que el edificio se derrumbaba o que cambiaba de posición como el celular mismo.

En México, tardaremos mucho en ver este tipo de espectáculos a pesar de haber fabricado la Estela de Luz, que se mantiene sin pena ni gloria a las afueras del Bosque de Chapultepec.


jueves, 7 de noviembre de 2013

Home Studios: ¿Son tan malos como parecen?



Los Home Studios están proliferando debido a las facilidades tecnológicas en software y hardware de audio.

Para una gran sector de la industria profesional, el Home Studio es el enemigo a vencer en cuanto a sus políticas de producción se refiere.

Hay argumentos válidos para sostener que el Home Studio no es una plataforma profesional de trabajo, pero no son tan contundentes como para equipararlos a los laboratorios de drogas sintéticas.

Evaluaremos los principales argumentos para minimizar y satanizar al Home Studio por la industria, en la búsqueda de obtener una visión objetiva y realista para todos.

1.- No tienen el mínimo control acústico: Efectivamente, colocar unas bocinas en un cuarto y sentarse a mezclar, no es la solución para un producto para disquera. Sin embargo, el acondicionamiento acústico básico que generalmente tienen, es suficiente para crear productos como podcast, perifoneos y spots para negocios locales.

2.- Problemas de ruido: En un estudio comercial, el ruido no entra ni sale de la instalación. Pero en el Home Studio, los ruidos externos pueden provocar problemas de contaminación y usualmente ensuciar los tracks de instrumentos acústicos. Sin embargo, realizar una maqueta demo es posible con una acústica no tan pulida. Este demo servirá solo como muestra, más nunca alcanzará la calidad de una grabación en un entorno mejor controlado.

3.- Dinero es la palabra clave: Al no contar con un presupuesto y línea de trabajo, las formas de cobrar y subsistir en un home studio, dependen principalmente del dueño. Los costos no alcanzan a cubrir las mejoras o mantenimiento de los equipos y se van quedando obsoletos con el tiempo. Esto no significa que un home studio no pueda producir dinero. Pero estará muy lejos de los estándares tradicionales.

4.- Percepción de baja calidad: El Home Studio siempre creará dudas en el consumidor o usuario, porque el reflejo que produce es y será siempre de un amateur entrenado. Sin embargo, puede ser suficiente para una banda local, un intérprete que inicia o alguien que no espera negociar ampliamente con una producción de esta calidad.

5.- Rechazo por parte de estudios profesionales: Este es un debate muy amplio, sin embargo, es lógico que los estudios sientan una proyección negativa hacia los nuevos Home Studios.
Pero el enemigo no está en la otra trinchera, sino en el consumidor, que se deja llevar por la relación costo-beneficio. Se debe informar mejor al consumidor de audio producción para que comprenda los pros y contras de ambos mundos.

6.- Distracciones mayores: Supuestamente, los estudios profesionales están equipados para no permitir que la creatividad se diluya. Cuentan con espacios abiertos al relax y convivencia, se vuelven verdaderos bunkers creativos. Sin embargo, obedecen a una práctica antigua de la industria. El sometimiento y presión que genera realizar un disco por encargo, no se compara a la libertad creativa del Home Studio. Esto implica que los tiempos se alarguen bastante y a veces efectivamente se diluyen las ideas generales. Por ello es importante comprender, que el Home studio es mejor para pre-producir que para producir.

7.- Cambia los roles de la industria: Efectivamente, el ingeniero de Home Studio, pasa a ser sicólogo, empresario, asistente, secretario, músico. Pero estas habilidades le permitirán en un futuro comprender mejor las necesidades y requerimientos del personal en un estudio mayor. Crea conciencia laboral y aprende a definir las habilidades de nuevos colaboradores.

8.- Equipo de calidad semi pro y consumidor: El Home Studio está limitado a las capacidades económicas que posee. Efectivamente, un micrófono barato, junto a una consola económica y una interfase, nunca alcanzará la calidad de un estudio profesional. Sin embargo, el entrenamiento y horas dedicadas a la práctica en estos espacios, son invaluables cuando se necesita producir dentro de un mejor estudio.

9.- Menos respeto por el tiempo: En la industria como en todas partes, el tiempo es dinero. Una producción de tipo profesional, optimiza los tiempos y costos para obtener el mejor producto, con la mayor calidad posible en el menor tiempo posible. Esto permite garantizar que el producto realizado no exceda los requerimientos para ser costeable, distribuible y comercializable. Pero en el Home Studio, se se puede experimentar y flexibilizar los tiempos en aras de construir un mejor concepto. Muchas bandas pasan por un proceso de aprendizaje importante en el Home Studio.

10.- Nunca terminan de aparecer: Es una realidad que el Home Studio despierta pasión en sus dueños. La idea romántica de poseer un estudio virtual y pequeño al alcance de todos, proviene de las empresas que desarrollan estos productos. Cada día se suman más personas al movimiento del Home Studio y debe abordarse desde el punto de vista creativo más que económico.

Conclusión

El Home Studio no nace como un substituto del estudio profesional. Sería imposible dedicar las horas de trabajo y práctica que requiere un ingeniero en entrenamiento. El Home Studio tiene esta capacidad de desarrollar talentos en audio producción. Estos semilleros proveen un servicio comunitario más que profesional. La industria ha criticado severamente a estos espacios porque a su forma de comprender el negocio no ofrecen rentabilidad, mucho menos calidad. Sin embargo y por irónico que parezca, son los espacios que están nutriendo a las disqueras independientes, que a su vez, alimentan a la industria gigantesca del entretenimiento.

Odiar al Home Studio y colocarlo en un pedestal de la democratización del arte son 2 extremos que debemos evitar.

Si tienes un Home Studio, felicidades, de ti depende crear y desarrollar tus habilidades para dentro de unos años. Si tienes un estudio profesional, recuerda aquellos primeros años donde grabar en un cassete y editar tan sólo con un deck, te producía una fantástica sensación de poder humano que te elevaba por encima de los mortales.


Rafael Mendoza grababa en cassete desde los 9 años capítulos de los Cazafantasmas en una grabadora monoaural. 


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martes, 5 de noviembre de 2013

Profesionalización del músico: Renovarse o morir




La industria de la música ha crecido a pasos enormes. En México, todavía se negocia como si estuviéramos en la merced o el mercadito de cada ocho días.

Los siguientes tips, van encaminados a motivar una formalidad al momento de contratar o ser contratados como músicos. En Audio Producción estamos más concientes de este asunto, sin embargo he encontrado blogs, muros y grupos en redes sociales que padecen del mismo mal.

Poner en práctica algunos de estos tips puede ser doloroso para muchos de ustedes. Pero también es parte de la cura. Una cirugía mayor para estos tiempos tan rudos, donde el dinero está listo para encender una bomba atómica


Obligaciones básicas (Responsabilidades)

Equipo en buen estado: Bocinas dañadas, consolas quemadas, bocinas reenconadas son señal de una mala administración y operatividad del grupo. Reparar algo mientras sale una lana para cambiarla es una situación común en el medio. Significa que no hay organización en el grupo, ni mucho menos preocupación por su imagen.

Músicos de bajo nivel: Aprender a tocar el teclado de oído es bueno, pero desconocer de armonías y escalas porque piensas que "no lo necesitas" habla mal del profesionalismo interno. No puedes exigir se te trate como héroe, cuando tus habilidades son de cartón. Cantas bonito.. sí... pero no significa que no necesites entrenamiento vocal. El talento no ayuda a cobrar mejor.

Repertorio actualizado y bien ejecutado: Sacar tu libreta con acordes funciona para las tardeadas con los amigos, pero no es una forma profesional de trabajar. Si eres músico, debes escribir, leer y ejecutar como uno. Lamento decir que el cifrado nos hace músicos flojos, mañosos y bastante orgullosos. Bajale de espuma al chocolate y comienza a estudiar ¡ya!.

Impuntualidad: El músico piensa que se renta por 5 horas. Pero en realidad nunca le alcanza el tiempo y acaba trabajando hasta 18 en una sesión, porque no es consiente de su tiempo real. Haz la cuenta del tiempo que lleva bajar tu equipo y conectarte tu solo. Quieres rapidez, contrata gente especializada, no hagas cargar a tu ingeniero como si fuera burro. Apóyate con gente que está acostumbrada al trabajo pesado y hazlos parte del equipo. Tocar es tu trabajo.

Clientes que paguen: La mayoría de los músicos que conozco, quieren ser todólogos en un evento y lo ponen en práctica hasta a la hora de hacer negocio. Somos un país atrasado en formarnos como empresarios. Porque en el momento que cobras por tocar, tu música se vuelve un negocio y deja de ser un arte. Triste pero cierto. Así que necesitas de profesionales como un abogado, un contador, mercadotecnia y publicidad para vender tu producto: Música en vivo.

Selección de personal: Lo siento, tu sobrina podrá estar muy guapa, pero si la llevas nada más a lucirse o a mostrar sus encantos, es más una carga que un apoyo. Aplica igual al llevar un músico no preparado para que se vaya acostumbrando. El costo de un pasaje, gasolina o comida, no baja por ser amateur que profesional. Date cuenta que va en detrimento de tu producto y que no aporta nada para mejorar tus condiciones. Tal vez hasta reconsideres si puedes cobrar como músico o sólo como administrador.

Conclusión

Ser músico es vivir el arte de desarrollar tu técnica y musicalidad. Pero vender tu arte es otra cosa muy distinta y la frialdad parece dominar el mercado. No puedes entrar a un medio donde cada centavo es analizado y contado como si fuera lanzado a la nada. En la medida que estés preparado musical y profesionalmente, podrás gozar de mejores beneficios en tus negociaciones.

Desafortunadamente, el músico es el principal promotor de las fallas  del cliente. Todos necesitamos trabajar, pero conozco grupos que llevan estas prácticas por años y ya se acostumbraron a mal comer, mal cobrar, vivir bajo presión y aceptar hasta los errores del cliente como suyos.

La industria ya cambió. Es momento de dejar estos viejos esquemas y profesionalizarse. Dicen por ahí, "Renovarse o morir"


Rafael Mendoza ha sido músico y desarrolla producción en Ad Libitum Estudio

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lunes, 4 de noviembre de 2013

Cassettes: Rebeldes de nacimiento...



Mucho se habló durante los años '80 sobre la desaparición de los formatos análogos con la llegada del CD.

El vinil ha demostrado en los últimos años, que es posible mantener viva la tradición análoga en la industria de Audio Producción.

Para el consumidor promedio, el establecimiento del CD y la distribución MP3, pareciera que no hay salvación ni para el formato físico digital.

Entonces, ¿llegará el final de los formatos análogos próximamente, especialmente los de cinta?


El nacimiento de una nueva era

La palabra "Cassete" proviene del francés que significa cajita. Descendiente directo de la cinta de carrete abierto, se utilizó en sus inicios para almacenamiento de datos en computadoras bancarias.

La calidad de su construcción impulsó a Philips a introducirlo al mercado como opción de audio. En 1964 se registró bajo el nombre de "compact cassete".

Un acierto de Phillips fue licenciar de forma gratuita el formato, un antecedente del que Sony aprendería su lección con el formato Beta en los años ochenta.

Por primera vez era posible escuchar música sin el molesto ruido de la aguja y de manera más limpia. Con el nacimiento del sistema Dolby para atenuación de ruido, el cassete se dirigió a convertirse un estándar durante los años 70 y 80.

Otro poder había llegado al consumidor, grabar en casa sus cintas propias para compartir con la familia, enviar mensajes grabados en cassete o crear un demo en una grabadora multipistas.

Un medio rebelde por nacimiento.

Al cassete podemos atribuirle más allá de las posibilidades que ofreció al consumidor, una capacidad que se desarrollaría posteriormente con las grabadoras digitales.

En todos los países, los sistemas políticos, económicos, sociales y Estados, han comprometido la libertad y sometimiento de sus gobernados para mantener el control interno.

El cassete ayudó a promover, difundir, distribuir y establecer la democracia sonora, saltando los primeros filtros del derecho de autor.

En México, grupos como Los folckloristas, Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, llegaban a través de cassetes pirateados en cuba. Los discursos del Ché Guevara, sirvieron de soporte para los cambios más importantes de los años 70. En México reinaba el romanticismo por el bolero, el rock fresa de Elvis y los Beatles, las sonoras y baladistas recetados por el monopolio de Televisa.

Grupos como Sex Pistols, Iron Maiden, Deep Purple, Pink Floyd, llegaban a cuenta gotas o eran distribuidos como copias de aquellos que podían tener la suerte de saltar al otro lado.

Los mismos grupos mexicanos de rock, encontraron su distribución de esta manera. Y así en muchos países como la antigua URSS, donde grupos como Metallica, ACDC, Sepultura y otros, se podían conseguir sólo en esta plataforma ante el bloqueo ruso al mercado capitalista.


¿Está próxima su muerte?

Aunque usted no lo crea, en México y otros países de américa latina, todavía se requiere el maquilado de este formato. Es cierto que la calidad ha decaido mucho y México no ha comprendido del todo que un cassete no es sólo un medio de distribución. Pocas son las disqueras que manejan sus catálogos en cinta de alta calidad como el Cromo y cinta de Metal, simplemente porque consideran que no hay mercado para ellos.

Mucha gente conserva sus viejos reproductores de casettes, grabadoras portátiles, walkmans, estereos del coche.  Me atrevo a decir que ningún reproductor de CD, alcanza la calidez y experiencia que requiere poner una cinta de cassete y voltearlo cuando termina.

Para los ingenieros en audio, es similar a grabar todo un disco en cinta análoga y editarla a la vieja usanza de la navaja, el gis y el frame by frame.

En los paraderos de las carreteras se pueden encontrar títulos todavía disponibles. Compilaciones de éxitos que todavía valen su peso en audio.

Conclusión

El cassete tuvo un declive importante con la llegada del CD, pero todavía no desaparece por una simple razón.... es toda una experiencia cuando se profundiza en este formato.

Tengo clientes que constantemente me llevan cintas de cassete grabadas del radio, porque mucho material está descatalogado y sólo lo manejan algunas radiodifusoras. Los pasamos a CD, sin embargo, prefieren mantener la cinta original para un futuro.

Yo todavía tengo cintas que son imposibles de conseguir en el mercado de Amazon, CD Baby o iTunes. Creo honestamente que nunca las volveremos a ver.  También poseo un Walkman Sony que suena excelente y que todavía utilizo de vez en cuando.

Existen toneladas de demos, diálogos, mesas redondas, entrevistas, música, audiocuentos y experiencias personales puestas en una cinta de magnoferrita en cada casa que podamos visitar.

El vinil está volviendo, simplemente porque la experiencia de aplicar una aguja sobre un disco con surcos, es una pieza de historia que podemos traer a la vida por nuestros propios méritos.

El Cassete tiene la particularidad de contener no sólo una historia, sino poder borrarlas y reescribirlas, algo que ningún humano había podido concebir hasta entonces.

Esta capacidad es predecesora de las interfases caseras que tanto suponen un daño a la industria. Nada más alejado de la realidad que esto

Yo levanto mi mano para pedirle a todos ustedes, que desempolven y limpien como antaño los cabezales de su reproductor de cassette con un cotonete y alcohol. Saquen de la caja del recuerdo algunas cintas y vuelvan a vivir la experiencia ahora acompañados de sus hijos.

El cassete está de vuelta... sólo basta que le demos ese valor que ha perdido a cambio de un disco compacto y la frialdad de bajar un archivo mp3 de baja calidad.

Rafael Mendoza escucha y transfiere cassetes en Ad Libitum Estudio
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viernes, 1 de noviembre de 2013

100 entradas... Y lo que falta..




Bienvenidos a la entrada número 100 de nuestro blog. En Ad Libitum Estudio estamos de fiesta porque hemos conseguido llevar este medio electrónico más allá de nuestras posibilidades.

Iniciamos publicando semanalmente por sólo 2 periodos; luego lunes, miércoles y viernes.

Sólo una semana duró esta configuración, hasta que este blog se convirtió en un diario en Audio Producción.

Escribir diariamente sobre Audio Producción nos parecía una labor titánica.. Y lo es.

No todo el día tenemos el tiempo o la mente tan despejada para escribir con coherencia (la hemos perdido por momentos).

Pero nos dimos cuenta que siempre hay algo que escribir sobre Audio Producción.

En abril, desarrollamos el plan de trabajo que nos rige, buscando un objetivo claro.

Informar a la comunidad tanto dentro, como fuera del campo en Audio Producción, no es una tarea sencilla principalmente porque estamos educados con conceptos erróneos desde pequeños.

Los prejuicios, las modas, los conceptos que parecen obvios, pero que están causando más daños que avances, nos hacen impulsar hoy más que nunca nuestro compromiso de informar y difundir las prácticas buenas, malas, debidas, indebidas y hasta las carentes de importancia.

Todo cabe en este espacio, porque simplemente todos tenemos el mismo problema; vivimos desinformados por gusto.

En septiembre, el Blog despegó de su forma escrita a la hablada con el podcast "Control Room". Llevamos 8 emisiones que se producen todos los miércoles y el alcance que poco a poco a ido obteniendo nos empieza a llevar en el sentido correcto.

La gente que trabaja profesionalmente, la que consume todos los días audio producción, el que vende los discos piratas en las esquinas, la mamá del joven que quiere ser DJ, el reggaetonero, el ingeniero que sufre bullying en sonorización, el músico que aprende a conducirse un poco en el medio, la secretaria del estudio de grabación, el asistente de ingeniero, el locutor, el empresario de publicidad... todos estamos unidos por una misma línea y todos tenemos los mismos miedos.

El cambio en la industria está mas palpable que nunca.

Cada día la lucha por vivir un día más es para algunos sencillo con abundante empleo, complejo para quien empieza a sentir los golpes económicos y bastante gris para quienes libran la batalla por colocarse en un espacio dentro de la industria.

El Blog Oficial de Ad Libitum Estudio, Control Room y próximamente nuestro canal por YouTube, seguirán aportando información, despejando dudas y mitos, investigando y proponiendo de fondo para quien trabaje, utilice, conozca, juzgue, critique, compre, venda, produzca, dirija, emprenda y aprenda Audio Producción.

Gracias por conseguir  3500 visitas a nuestro blog en 3 meses. Cualquiera diría que es un promedio bajo.

Pero no cualquiera puede decir que sus visitantes son asiduos lectores del blog, concentrados en 8 países diferentes que día a día visitan nuestro blog desde links en Facebook, Google  y acceso a Twitter.

Vienen nuevas cosas y proyectos que desarrollar para esta causa. Sólo el tiempo dirá y marcará las tendencias de la nueva industria. Y mientras eso sucede, seremos intérpretes para todos aquellos que deseen aprender un poco más, sobre Audio Producción.

A nosotros nos queda claro que siempre habrá algo nuevo que aprender.

Gracias a Raúl Beltrán por mantenerse al tanto de este proceso, a Elizabeth Bernáldez por secundarlo en algunos de sus trabajos.  La vamos a comprometer a que escriba más en esta segunda etapa de el Blog.

Y en lo personal, gracias a todos ustedes por leer estas letras...

Rafael Mendoza escribe en el Blog casi diario
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