6 acciones clave para vivir de la industria musical...

Seguramente has considerado que las condiciones económicas del país son complicadas y complejas en el entorno de la industria musical. Sin embargo, la prevención es la principal herramienta en la que puedes confiar para no ser arrollado violentamente en la industria musical.

Estas acciones funcionan para cualquier persona, pero normalmente son prácticas poco aplicadas por colegas músicos, compositores, instrumentistas y arreglistas. 

1.- Hacer un presupuesto para ingresos de largo plazo: Podríamos describir estos ingreso como aquellos que generalmente se crean por un determinado periodo de tiempo. Las regalías por composición, ejecución y regalías mecánicas son algunos rubros que el músico deja pasar en momentos clave. Crear una meta promedio de ingresos a largo plazo con un mínimo de 6 meses a 3 años permite identificar cuanta música, de que tipo e ingreso que necesitas realizar para alcanzar objetivos económicos en los próximos 3 años.

2.- Hacer un presupuesto para ingresos de corto plazo: Clases, venta de equipo, eventos pagados, arreglos, jingles y todo aquello que una vez terminado te sea pagado encaja en este presuuesto. Idealmente, tus ingresos deben provenir de un buen balance entre corto y largo plazo. Descubrirás oportunidades que pueden generar dinero de forma inmediata, semanal o mensual respectivamente. 

3.- Revisa tus ingresos y gastos semanal, mensual y trimestralmente: Realiza comparativas gráficas de tu presupuesto. esta tarea básica te ayudará a ver rápidamente lo que estás haciendo con tus finanzas y sobre todo determinar en que momentos del mes gastas más o menos, además de saber en que lo estás gastando. Asegúrate de poner una gráfica en algún lugar que te recuerde mirarla antes de abrir la cartera.

4.- Define un porcentaje de contingencias en tu planeación: Irónicamente, las contingencias económicas son mucho más problemáticas de lo que parecen. ¿Cuánto necesitas invertir en la ponchadura de tu auto, el cambio de cuerdas, parches, nuevos anteojos o mantenimiento preventivo de tu equipo? Una pequeña contingencia repetida secuencialmente es una bola de nieve que puede agotar tu próxima paga.

5.- Establece un fondo de ahorro: Todos dirán que con a economía actual no se puede ahorrar. De hecho, el concepto de ahorro se ve como algo irónico en nuestros días y gracias a la cultura de cada país, puede significar un hábito o un sacrificio. Lo ideal es interpretarlo como un límite de crédito personal. Puedes imaginarte lo que es prestarte a ti mismo una parte de tu propio dinero; ¿cuánto te prestarías para tenerte confianza? Un porcentaje entre 5 y 10 % de tus ganancias después de haber pagado todos tus gastos necesarios debe ser destinado a crear un fondo. Procura invertirlo en activos reales (oro, plata, criptomonedas, evita comprar más equipo o instrumentos) que te permitan conservar valor y dificulten un poco gastarlo en el mundo real para que no te tiente en las manos.

6.- Gasta dinero solo si va a hacer dinero: Este es un error muy común en las empresas y emprendedores. Se piensa que gastar en algo "necesario" traerá grandes beneficios a los clientes, negocio o proyecto. La realidad es que debes preguntarte antes como va a hacer más dinero pasando la necesidad inmediata. Hay estudios de grabación que compran equipo para un proyecto o "mejoran" los modelos de micrófono como argumento de venta cuando en realidad se trata de una decisión personal. ¿Realmente necesitas una octava batería, un tercer acordeón y una quinta guitarra?

Conclusión

La economía está en un proceso difícil y por ello es indispensable tomar mejores decisiones, realistas y concretas para obtener el mejor equilibrio financiero posible. Como emprendedores de la industria musical, los músicos se saltan reglas básicas y manejar adecuadamente los recursos les permitirá ser más selectivos en la compra de equipos y organizar mejor su forma de administrarse de forma personal. Se sugiere no abordar los créditos actualmente, porque se espera un impacto fuerte en los próximos años. Lo ideal es generar el ahorro o sacar del rack aquel equipo, instrumento o equipo que no tiene un uso considerable y colocarlo para tener un fondo de respaldo para el músico. Vale la pena incorporar poco a poco estas estrategias pues un músico sano financieramente es más creativo, feliz y desarrollado para su público.

¿Y tu que opinas?... ¿Crees que es posible realizarlos todos o puedes sugerir alguno adicional? Escríbelo en la caja de comentarios. Nos vemos en el siguiente blog.

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La insoportable levedad del hacer covers sin licencia....

¿Cuáles son las razones principales para hacer conceptos basados en covers?... ¿Bandas tributo?... ¿Cómo se confunde éxito musical con generación de recursos que infringen derechos de autor?... ¿Es piratería viviente o falta de creatividad?

En lo personal, me ha costado trabajo deshilar este tema porque he encontrado que la falta de una organización en la industria, educación musical y cultural del país, falta de incentivo creativo y la necesidad económica convergen en la realidad de los proyectos basados en la imitación, adaptación y conceptualización de proyectos "tributo" por tener la apariencia de ser más rentables.

Ocurre en todas las latitudes, géneros, propuestas y en diferentes escalas.

Sin embargo, es una realidad en México, que las bandas de covers o tributo, imitaciones, música versátil y ciertos recitales, generan violaciones a la Ley Federal de Derechos de Autor (LFDA) cuando no cuentan con el licenciamiento adecuado, puesto que realizan la ejecución pública de obras registradas y obtienen un lucro directo e indirecto de los mismos. Antes de entrar en pánico, tomemos los elementos necesarios para revisar este aspecto.

¿Qué dice la Ley Federal de Derechos de Autor (México)?

Sabemos que las leyes gozan de interpretación jurídica en base a criterios y precedentes en el tiempo, sin embargo en el artículo 16 Fracciones del I al VI de la LFDA de México, se establecen los derechos de Divulgación, Publicación, Comunicación Pública, Ejecución o representación Pública, Distribución al Público y Reproducción, conceptos que el Estado reconoce de protección para el autor de la obra. Todos ellos convergen al momento de generar una presentación musical sin licencia.

En el artículo 17, se establece que las obras protegidas por la ley, deben ostentar el término "Derechos de Autor" o símbolo del mismo en un lugar visible. Significa el reconocimiento del autor ante la audiencia presente.  Sin embargo, es la siguiente anotación la que nos indica la base para establecer una falta hacia la LFDA:

"La omisión de estos requisitos no implica la pérdida de los derechos de autor, pero sujeta al licenciatario o editor responsable a las sanciones establecidas en la Ley".

Aclarando mejor, el licenciatario sería responsable por su acción y es precisamente el intérprete, representante, banda tributo, imitador, grupo versátil, local comercial, promotor, publicista, disquera, radiodifusora o cualquier otra persona que se beneficie de un lucro directo o indirecto, estaría cometiendo una falta sancionable, conozca o no la LFDA.

El siguiente concepto que debemos interpretar es el "lucro", puesto que en el caso de las obras protegidas, es un elemento de protección exclusiva para el autor. 

De acuerdo al Diccionario Jurídico Mexicano, el lucro es:

"Ganancia o utilidad obtenida en la celebración de ciertos actos jurídicos, que el ordenamiento legal califica de lícita o ilícita, según su exceso o proporción, para atribuirle determinadas consecuencias de derecho."

Es una queja común de las bandas tributo recibir poca o nula paga por parte de los locales, bares y espacios que los contratan para llevar a cabo las presentaciones. Indistintamente de la cantidad, el lucro se genera y se obtiene un beneficio económico tangible. 

El local mismo se beneficia con la venta de cerveza, alcohol, cigarros a través del estímulo de consumo que la música genera. Muchos locales inclusive, rebasan los límites de volumen permitidos, porque así, la gente no platica mucho y si consume más. Este es el argumento base para el reclamo de beneficios derivados de la ejecución y reproducción pública de la música sin licencia.

También debemos reconocer que para la Ley, un acto debe ser demostrable. Por ello, la ausencia de contratos escritos para este tipo de conceptos se convierten en meros acuerdos verbales (válidos para una controversia), pero fáciles de negar ante instancias legales. Es decir, entre menos evidencia haya de ello, mejor. 

¿Existe una instancia que vigile este proceso en México? 

SOMEXFON es la entidad organizacional que se encarga de recabar el cobro de regalías, generación de reportes y protección jurídica para las disqueras que integran la AMPROFÓN (Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas). 

El desempeño de esta entidad ha dejado muchas dudas en el sector, porque al parecer, está centrado en la protección de derechos hacia las Majors que las componen, además de que algunas veces, sus representantes o evaluadores sobrepasan las funciones atribuídas en su actuar. El hecho es que están facultadas para solicitar la recuperación de los beneficios del Derecho de Autor.

Escuelas de Música, Bares, Restaurantes, Plazas comerciales, centros nocturnos y un listado amplio de posibles infractores de la LFDA en modalidad de ejecución y reprodución, son susceptibles de recibir sanciones, multas y en su caso, presentación legal por el montaje y desarrollo de este tipo de eventos sin licencia del poseedor de los Derechos de Autor. Si quieres ver un listado completo, haz click aquí.

Ahora la gran pregunta es... ¿Si hago mi tributo a Juan Gabriel, Beatles, Michael Jackson, Jenny Rivera o música de películas, estoy infringiendo derechos de autor?. La respuesta es SI, siempre y cuando no hayan pasado al menos 100 años desde la muerte del autor. Al no tener un permiso derivado del dueño de los derechos, podrías ser susceptible de amonestación, multa o presentación legal. 

SOMEXFON solo puede generar la controversia y en su momento, bajo la acreditación de un juez, vigilar que se lleve a cabo la sanción. Compete a las instancias gubernamentales correspondientes, la ejecutoria de amonestación, multa o presentación legal del infractor.

En esta categoría caben imitadores, bandas tributo, proyectos culturales (la cultura no es argumento para defender un hecho de lucro legal), DJ's que utilicen samples para remix, sonideros, grupos versátiles, intérpretes con pistas y con ello locales, bares, teatros, restaurantes, promotores, booking agents, centros comerciales, plazas, municipios, ferias e involucrados en el proceso, puesto que no existe de origen un permiso establecido, se podrían fincar responsabilidades al respecto.

¿Entonces hacer covers es malo?... No desde el punto de vista artístico, sin embargo, es importante reconocer que los covers son tan sólo una parte de tu identidad como músico. Existen otras áreas que debes desarrollar como la composición, el arreglo, desarrollar una propuesta de valor, identificar necesidades musicales en tu entorno. Inclusive puedes aprovechar el significado de identidad establecido por un concepto musical para dar continuidad al mismo.

La imitación y uso de obras con registro ocurre en otros campos de las artes escénicas. Conciertos pirata en música de cine, obras teatrales combinadas con títulos como "Bob Esponja en busca de la lámpara de Aladino", "Elsa y su nueva aventura sobre hielo" utilizando personajes de Disney, y hasta en la cultura popular a través de personajes de Lucha Libre como KISS o con maquillaje aplicado al rostro. 

En la música podemos hablar de apropiación de identidad a través de conceptos como Lila Downs, que ya se ha argumentado por todos los medios posibles como una alteración conceptualizada de la identidad mexicana. Es conceptualmente debatible, pero la mayoría de su repertorio son obras de dominio público, una fórmula que Disney supo aprovechar en su momento con Blancanieves, La Bella Durmiente, Frozen, La Sirenita, La Bella y la Bestia, etc.

Al iniciar un concepto musical, podríamos pensar que nadie se va a dar cuenta y que así ha sido siempre. 

Nuestra misión no es prohibir bandas de covers, imitaciones o desanimar estos emprendimientos, sin embargo, nos interesa exponer que este tipo de conceptos, tiene un mercado específico que tradicionalmente diluye el valor de la propiedad intelectual, generando un silencioso impacto negativo en la apertura hacia nuevas propuestas, expansión de orden cultural, optimización de espacios, aprovechamiento de foros y producción de nuevos montajes que benefician de forma integral a la industria en México. 

Conclusión

El derecho de autor ha sido debatido por años como un sentido antinatural del arte por generar el concepto de Propiedad Intelectual mismo. Sin embargo, al momento de aterrizar un concepto susceptible de generar sustento, es necesario para establecer confianza entre todas las partes involucradas.

Más allá del sentido estético o económico que pueden tener las imitaciones, bandas de covers o conceptos creativos en torno a obras con derechos de autor, debemos reconocer que abrir el panorama hacia nuevos conceptos es precisamente el punto de equilibrio en nuestra industria. 

Si tu idea es aprovechar conceptos creativos con Derechos de Autor, te recomiendo veas los espectáculos de Cirque Du Soleil Love y Michael Jackson. Sabemos que requiere una cantidad considerable de dinero 

replicarlo, pero es un buen punto de referencia para comprender que este tipo de producciones implican más negociación de derechos y adaptación de conceptos basados en una licencia que el tiempo necesario para su montaje.

¿Entonces que puedo hacer para cambiarlo? Desarrollar tu propio concepto es mucho más rentable a mediano y largo plazo, artísticamente más significativo y potencialmente más integral que limitar tu creatividad a la parte interpretativa de tu desarrollo personal. El potencial económico dependerá de componer una propuesta de valor significativa que resuelva necesidades en la industria... ¿Recuerdas el concepto de State of Art?... Bueno, aquí te va a servir mucho.

Si te interesa desarrollar con inteligencia creativa tu proyecto, tal vez te interese revisar nuestra propuesta en este link

El tema es bastante extenso y debatible. La retroalimentación es muy importante para mi. Déjame tus comentarios al respecto. Nos vemos en la siguiente entrada del Blog.

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3 secretos clave sobre regalías que pocos te dirán...

Un tema recurrente durante las sesiones informativas y consultas de nuestros prospectos son las regalías artísticas.

Ya de por sí el tema es un poco complejo de manejar, porque se debe tratar de comprender el punto de vista de la disquera, del artista y las leyes internacionales. Las regalías digitales en servicios de streaming, han venido a complicar aún más esa percepción entre lo justo y lo abusivo.

Resumirlo en una entrada de blog es imposible, así que será mejor señalarte 3 secretos importantes que nadie te ha dicho (menos las disqueras) sobre regalías.

Punto #1 Las regalías varían constantemente: No existe un esquema o procedimiento específico para el cálculo de regalías. Están definidas por el modelo de negocio de cada disquera y requerimientos del mercado. Un problema común, es que disqueras con deficiencias enormes en sus planes de negocio, recargan sus costos en los mecanismos de regalías en vez de diversificar sus propuestas. Esto impacta notablemente los porcentajes, anticipos, controles de cálculo afectando la relación entre el artista y la disquera. Lo ideal es preguntar a los artistas que han firmado con ese sello, cuánto han renegociado o cambiado sus esquemas de regalías y porqué decidieron permanecer o salir del sello. En el caso de streaming como Spotify o iTunes, las comisiones son fijas, basadas principalmente en duración de reproducción, permanencia en playlist e inversión de patrocinio. Este tema requiere un blog aparte.

Punto #2 Existen previsiones contractuales a tu favor: Desafortunadamente, con la ilusión de ser firmados por un sello, los artistas aceptan los contratos sin la supervisión de un abogado con experiencia en el manejo de regalías y conocimientos tradicionales sobre propiedad intelectual (lo ideal es que estén especializados en derechos de autor y regalías). Todo contrato debe ser revisado y renegociado antes de ser firmado. Ambas partes deben estar seguras en lo que están accediendo, limitando, restringiendo y compartiendo sin excusas o amenazas de retirarse en la negociación. Se trata de un acuerdo de voluntades en un entorno cordial y profesional. Si una disquera o su abogado se comporta de forma inflexible, será mejor no firmar el contrato hasta llegar a una negociación favorable. Agota todas las instancias posibles y flexibiliza aquello en que te sientas contento de aceptar, siempre acompañado de un especialista en la materia. Respecto a la distribución digital, en cuanto aceptas el contrato que te ofrece Spotify o cualquier servicio de streaming, poco se puede hacer. Además, ¿porqué aceptar negociar con un contrato digital?

Punto #3 La regalía más impresionante puede estar maquillada: Algunas disqueras te ofrecerán un porcentaje mayor de regalías para que te arrojes a sus brazos sin contemplaciones. La realidad es que puede tratarse de un artimaña para limitar o retrasar el pago de regalías. Agregan costos operativos, distribución y reposición de material del cálculo inicial. Otras por el contrario, manejan en contratos de distribución digital un acuerdo 50-50. Este aparente equilibrio queda al descubierto cuando solicitas un desglose de los elementos que utiliza la disquera para calcular tan bonito número. Los porcentajes de regalías son negociables en su totalidad, pero aún así puedes considerar algo muy bueno entre 8 y 10%, dependiendo el acuerdo inicial con la disquera. Aspectos como acuerdos de distribución, número de copias, regionalidad y exportación influirán en el resultado de la regalía. En digital, aunque no existe la territorialidad para distribuir, si existe para el pago de impuestos que muchas veces el sello delega al artista. Una vez más, visita a un abogado especializado en la materia

Conclusión: Como podrás ver, en materia de regalías no está todo escrito y cada disquera o acuerdo tiene sus beneficios y contraprestaciones. En México resulta complejo porque mucha de esta información ni siquiera está contemplada por algunos sellos independientes. Se centran en "facilitar" el ingreso de artistas para tener música para distribuir, sin ninguna responsabilidad contractual que los obligue a esquematizar sus operaciones. Aunque la idea es muy contemporánea, la propiedad intelectual es el valor que sigue rigiendo el campo económico de la industria musical y la base para resolver controversias legales ante problemas entre las partes.

Deseo que este post te haya brindado información clave y nos leemos en el siguiente. 

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum Incubadora

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Seguridad en Espectáculos:¿a quién corresponde?

Los lamentables hechos suscitados en el Manchester Arena son un parámetro importante de los altos niveles de seguridad que un evento musical debe aplicar para su desarrollo. Desafortunadamente es parte de una escalada de atentados que han comenzado a ser cada vez más regulares en Europa y se ha extendido a otras partes del mundo.

Iniciemos aceptando que ninguna situación de emergencia puede evitarse al 100 % , pues solo puede minimizarse el riesgo antes de que ocurra y reducir el impacto una vez que ya ha sucedido. 

En las últimas horas se ha especulado sobre el control de acceso y medidas de seguridad aplicadas previas al concierto. Algunos asistentes refirieron la ausencia de escaneo y revisión a la entrada del inmueble. Otros por el contrario, indicaron que la acción de desalojo se pudo haber realizado de mejor manera, pero que el pánico no permitió su limpieza.

Entonces; ¿Qué debemos aprender de estas crisis?

El tema da para muchos aspectos, pero me gustaría centrarme en analizar a quien corresponde la seguridad de un evento abierto al público y sugerir un cambio de mentalidad para abordarlo de mejor manera. 

Inmueble anfitrión

Casos muy concretos en México que han derivado en tragedias como el Lobombo, generaron cambios en la legislación, que no se aplica de forma correcta, ni se ha dado seguimiento para incentivar un mejor control de seguridad. En el interior de la república es todavía más complejo, pues basta colocar una ambulancia y 4 extintores para solucionar la acreditación de protección civil para la realización de un evento en el que pueden asistir de 2000 a 10,000 personas.

Muy pocas agencias de Management, conocen a fondo los espacios públicos que utilizan para el desarrollo de espectáculos. Dan por sentado que los inmuebles poseen la infraestructura necesaria para atender una eventualidad basada en esquemas de protección y seguridad implementada por los centros de espectáculos.

El inmueble debe asesorarse con expertos en seguridad para reconocer los puntos ciegos del negocio, protocolos para activación de alarmas, controles de acceso, contratación de personal de seguridad y manejo de crisis ante circunstancias extremas. A pesar de ello, toda crisis puede presentarse, pero conocer a fondo el inmueble y su capacidad de respuesta ante una circunstancia difícil, permite desarrollar planes paralelos de acción y soluciones para el control de los mismos.

El mismo Manchester Arena, cuenta en su sitio web con una guía de accesibilidad y uso de sus instalaciones. Al momento de escribir esta entrada, no pudimos encontrar lo mismo en los sitios web de los espacios con mayor asistencia en CDMX (Auditorio nacional, Arena Ciudad de México y OCESA). Es buen momento para incluir información clave para el usuario.

Este trabajo debe ser secundado por promotores, organizadores, booking managers y artistas independientes, puesto que su seguridad y la de su infraestructura también está en riesgo ante una circunstancia compleja. Sugerir y recomendar aquellos sitios donde se ha trabajado en favor de estos aspectos debe ser una práctica común entre colegas y como forma de incidir en la seguridad de los asistentes al lugar.

Instituciones y cuerpos de seguridad

Mucho se habla de la capacidad de respuesta por parte de las instituciones y cuerpos de seguridad. Es complejo porque la realización de eventos se ha permeado muchas veces por diversos factores de tipo social, económico y político. 

Recordemos que en distintas plazas de México, los grupos delictivos aún se hacen presentes ante los promotores para exigir el pago de derechos por la plaza para permitir la "tranquilidad" del evento. Este hecho, ha generado impacto negativo en el desarrollo de eventos (queda para análisis el impacto económico, puesto que no hay un control de recursos en la mayoría de ellos), porque ha generado desplazamiento e inactividad por miedo de las represalias por parte de la delincuencia.

Hasta el momento, México ha estado aislado de la problemática de terrorismo exterior, sin embargo, las condiciones sociales actuales y su estado de guerra contra la delincuencia es un factor muy importante para considerar, sobre todo porque en Colombia ya se vivió esta situación con las acciones de Pablo Escobar. 

Por supuesto que la participación en la prevención del delito, inteligencia de fondo y una mayor credibilidad de los cuerpos policiacos es fundamental para establecer una barrera de protección importante, no solamente en el sector de la música, sino de las actividades primarias, secundarias y terciarias. 

Público asistente

Considero que el cambio en el público asistente a espectáculos es la piedra angular de una mejor prevención, manejo y control de crisis en nuestros días. ¿Porqué?... Porque la seguridad personal es una responsabilidad que no se puede encargar, delegar o pedir a nadie. 

Muy pocos asistentes a espectáculos saben realmente como actuar en una situación de crisis. Los videos de la crisis en el Manchester Arena lo confirman. Después del estallido, la mayoría huye del recinto sin siquiera analizar la situación. Por supuesto que la primer reacción de las personas es huir del peligro, pero es una acción muy primitiva para los tiempos que vivimos y la seguridad personal depende del complejo entorno.

La prensa se ha dado vuelo preguntándose ¿porqué la seguridad no detectó a tiempo a la persona con los explosivos?... Y yo pregunto, ¿no son mejores observadores 22,000 pares de ojos en el interior del inmueble?.

No hay excusa para hacer menos la situación vivida en un momento de crisis, pero como asistente a un centro de espectáculos o gran concentración de personas ¿cuántos de nosotros realmente conocemos el protocolo de manejo de crisis del inmueble?, ¿lo has preguntado alguna vez?, ¿sabes dónde están las salidas de emergencia?, ¿dónde están los extintores?, ¿sabes usarlo?, ¿cómo eliges una ruta alternativa de escape si es necesario?, ¿cuánta seguridad hay realmente en el inmueble?, ¿podrías reconocer a un sospechoso que requiera supervisión de la seguridad del inmueble?, ¿te quedarías junto a el/ella?, ¿te sientes seguro entrando al inmueble sabiendo que ha tenido problemas de organización en situaciones de alerta?, ¿crees que tu seguridad puede ser transferible a través del pago de una entrada?

Las medidas de seguridad pueden fallar y ninguna es infalible, pero existen formas claras de reconocer a alguien sospechoso en cualquier lugar que podría significar alertar y alejarse anticipadamente de una circunstancia así. Los aeropuertos son prueba de ello, pues manejan altas concentraciones de personas y se mantienen alerta ante cualquier posible signo de nerviosismo. 

Seguridad tripartita

El mundo ha cambiado y vivimos un entorno complicado por las decisiones políticas, económicas y sociales. El ciudadano mundial actual ya no puede pensar que vivirá aislado de lo que ocurre en otros países. Los ataques terroristas están ahí y desafortunadamente han llegado para integrarse a la vida moderna. 

Los dueños de inmuebles deben invertir más recursos en desarrollar estos aspectos en favor de la asistencia, un costo que no resulta cómodo pero que vale la pena realizar. Las instituciones deben al mismo tiempo responder con eficacia y oportunidad, pero sobre todo, actuando con mayor responsabilidad, fomentando la comunicación y haciendo partícipes a los ciudadanos de su actuar. Al mismo tiempo, los usuarios de centros de espectáculos deben incidir en estos cambios, entendiendo que su asistencia a un espectáculo debe tener un porcentaje de energía reservado que haga la diferencia en una situación de crisis.

Esta nueva responsabilidad de la seguridad tripartita es fundamental no solo para la asistencia a centros de espectáculos, sino para cualquier actividad que realicemos. Algo que me gustaría recalcar, es que la seguridad personal es intransferible, indelegable e independiente. Aprendamos a actuar correctamente con respuestas racionales en circunstancias de crisis y a controlar las emociones para exponerlas una vez que estemos a salvo. 

Otra cosa que es importante comprender, es que el fenómeno no ocurre solamente en el pop o eventos masivos. Las crisis de seguridad no discriminan  lugar, tipo de espectáculo o evento, tamaño de audiencia o región mundial. 

Seamos en lo posible una mejor audiencia, participativa, pero sobre todo, responsables de nuestra propia seguridad, pues ello colaborará a que los entornos de alta congregación se vuelvan facilitadores en manejos de crisis.

Esta entrada puede parecer alarmista y exagerada para muchos, pero vivimos una época difícil y algunas habilidades extra no están de más. Siempre será mejor tenerlas y no utilizarlas, que necesitarlas y no tenerlas.

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¿Porqué se cancelan demasiadas fechas?...

Esta pregunta resulta un poco incómoda de resolver porque aunque no lo parezca, tiene varios elementos que no son fáciles de aceptar. Normalmente se hace culpable a la situación económica, a  políticas de estado,  autoridades culturales y en mayor o menor grado a las audiencias que "no apoyan a la escena nacional".

Y aunque todas son válidas y significativas, desde el punto de vista del negocio de la música, representan amenazas, es decir, circunstancias externas en las que es poco o nada posible incidir directamente en sus ajustes. 

En este blog, siempre hemos escrito con honestidad y responsabilidad, porque consideramos a estos valores fundamentales para un cambio en la industria. Tal vez esta respuesta sea difícil de digerir para cualquiera de los involucrados, pero reconocer un problema es el primer paso para resolverlo.

Tres tristes tigres...

La cancelación de un evento es resultado directo de la falta de acciones concretas por parte de 3 entidades claves en el negocio de la música: la administración del local (dueños o patrones), promotores (booking managers, representantes artísticos y managers) y conceptos musicales (músicos, bandas y desarrolladores de conceptos). 

Indirectamente, existen muchos otros involucrados en este aspecto, pero es importante separar el hecho de que las acciones gubernamentales, instituciones financieras, patrocinadores y/o proveedores de servicios no participan activamente en estos procesos, porque su finalidad primordial es centrarse en operaciones de gestión y administración de sus propios objetivos. Así que son elementos de los que más vale no considerar como actores principales, sino como posibles apoyos o aliados.

¿Quién no hace y porqué no lo hace?

Una vez que hemos encontrado a los interesados en el desarrollo de un evento, debemos asignar las acciones que cada uno deben realizar como parte de un trabajo conjunto, que genere una sinergia significativa y que proponga una solución creativa e innovadora diferente.

Empezamos con las partes difíciles de abordar y lamento si se hieren algunas susceptibilidades en el proceso.

Administradores de locales: Una situación común que afecta a los negocios o locales de espectáculos, es que no tienen definido su objeto de negocio. Principalmente se dedican a la distribución y venta de alcohol, porque analizan su negocio basado en el número de botellas que venden. Un negocio exitoso no es aquel que determina cuantas botellas o cubetas vendió por noche, semana o mes, sino aquel que fidelizó a un cliente por la experiencia de servicio que lo trajo al local. 

Sabemos que es común para algunos locales "complementar" sus servicios con otro tipo de productos no muy legales y bajo criterios poco regulados, pero hoy más que nunca, estos lugares deben ofrecer condiciones claras de seguridad, experiencia, flujo de clientes y facilidad de servicio que son muy bien valoradas por determinadas clientelas. 

No definir adecuadamente al cliente por sus características de consumo, impide fidelizar clientes que a pesar de tener alternativas por lugares más "grandes", "reconocidos" o con carteles más "atractivos", pueden decidir asistir a su lugar preferido para pasar un tiempo agradable y trayendo a su gente más apreciada con ellos. 

Hay que cambiar el chip de  distribuidor y punto de venta, a generador de experiencias con servicio dedicado y centrado en la necesidad del cliente. Aplica igual para locales que consideran vender simplemente entradas para espectáculos. No es el boleto, sino el significado del acceso.

Promotores: Es típico pensar que cada lugar y bar de este país es una oportunidad de vender una fecha. De hecho, esta es la palabra comúnmente utilizada por bookings y brokers. La palabra "vender" es significativa, porque al igual que las cervezas o botellas de un bar, son cuantificables y se consideran una forma de medir el impacto y éxito de un concepto musical. Es una práctica muy vieja y obsoleta de la industria, pues hasta hace 15 años, vender 1 millón de copias se utilizaba como argumento práctico para definir el éxito de un artista. 

Actualizar la visión de un promotor musical es fundamental para cambiar la palabra "vender" por "colocar" conceptos en su contexto de consumo adecuado. Requiere de habilidades administrativas, gerenciales, marketing, publicidad  y desarrollo de contenidos inmersos en la propuesta. 

Hay que prepararse para entender las nuevas corrientes de conceptualización artística, para saber donde, quien, cómo y porqué consume cultural, tradicional o conceptualmente un producto musical. Debe colaborar en la expansión de visión para los proyectos que representa y trabajar en conjunto con el administrador de locales para definir si los artistas que maneja influyen positivamente en el alcance de metas del negocio. 

¿Quién consume, cómo y porqué en esas condiciones?, son preguntas que el promotor debe ayudar al artista a responder y al administrador del local a conocer.

Artistas: La única forma de hacer reflexión en este aspecto al artista es a través de una emoción típica de estas circunstancias: la frustración. 

La cancelación de un evento resulta en emociones y pequeños lutos en el artista, puesto que considera la oportunidad como cercanía del éxito o meta que lo define como una propuesta exitosa en el medio y los recursos que pudo generarle. 

Sin embargo, este enfoque es un círculo vicioso, simplemente porque hay que entender que un concepto musical se estabiliza cuando existe un plan de negocio bien instrumentado, que identifica tiempos, espacios, entornos y ambientes de consumo que facilitan su posicionamiento en el mercado de la música. 

El artista musical olvida que en esta era, dedicarse de lleno en instrumentar su conceptualización artística (simplemente hacer la música que quiere), depende directamente de sus habilidades de comprensión sobre el terreno del negocio de la música y resulta como consecuencia de sus acciones en el negocio de la música. 

Derechos de autor, análisis de oportunidades, análisis de su propuesta, organización y plan de desarrollo son conceptos que no gustan de comprender, pero que se justifican ante la sensación recurrente de frustración que conlleva cancelar fechas o mirar impávidos como el local se va quedando vacío mientras avanza la noche.

Conclusión

Como emprendedores del negocio de la música, es importante leer entre líneas y utilizar la sagacidad, olfato y criterio basado en los hechos para mirar encima de la barrera mental más importante: el cambio.

Para cualquiera de los actores incluídos en esta historia, resulta importante soltar las viejas prácticas arraigadas culturalmente como válidas en una era y conceptualización de un negocio de la música "por la música".  Como se dice vulgarmente, "cambiar el chip" sin miedo a romper con el límite personal.

Para quienes intervenimos en el negocio de la música activamente, comprendemos que no hay nada más frío que un contrato bien definido y delimitado (contraste importante con un área creativa que se basa en la transmisión de emociones como identidad), pero que centrado en un análisis claro del entorno de la industria, los patrones de consumo y necesidades de cada implicado, representan y construyen voluntad de fortalezas para levantar proyectos que parecen imposibles. Ejemplos tangibles pueden ser las presas hidroeléctricas o los trenes transatlánticos debajo del mar. ¿Porqué no sería posible aplicar algo similar en la industria musical?

Si sientes que cancelar una fecha no te ha afectado , recuerda la frustración que te generó colgar el aviso en Facebook, cerrar la puerta del local pensando si mañana mejorará por el ánimo del cliente o si ha valido la pena mirar la agenda llena de promesas y líneas con compromisos que siguen estando en el aire a criterio de la publicidad que el dueño del local no ha cumplido.

Rafa Mendoza analiza el entorno de la música para Ad Libitum

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Festivales Musicales:¿Está preparado mi proyecto?...

Los festivales, son fuentes importantes de difusión y respaldo curricular para proyectos musicales, relacionados principalmente con aspectos culturales y sociales que definen en primera instancia la demanda cultural de una zona específica.

Constantemente nos preguntan en correos y cajas de comentarios si podemos guiarlos en el proceso de selección para ingresar a festivales musicales. Y la respuesta es mucho más sencilla de lo que parece.

La verdad es que aplicar a un festival es relativamente sencillo si conoces bien tu proyecto y has hecho una labor previa con respecto al seguimiento de tus fans.

La asistencia lo es todo

Lo interesante del caso, es que no siempre existe una respuesta correcta y un criterio para ser considerado en un festival. Muchas son las razones por los que promotores eligen determinados conceptos para ser presentados, sobre todo porque las necesidades de crear Festivales en México, está intimamente ligada al volumen de asistencia.

Un festival se considera exitoso si cumple con las "necesidades" políticamente correctas del entorno que lo genera. Aunque los recursos públicos destinados a ciertos proyectos culturales son totalmente abiertos, son en su mayoría ejercidos por administrativos poco o nada capacitados para la selección, desarrollo y ejecución de proyectos culturales. 

Y es que incompetencia no significa carencia de conocimientos, sino que en una gran cantidad de los casos, se cree que un proyecto establecido (normalmente artistas de radio y tv) garantiza el éxito de un Festival en cuanto a la numeralia. Es más bonito decir 50,000 asistentes en 5 días de festival (aunque no haya generado ningún impacto social, educativo o cultural), que informar de 1000 asistentes a un proyecto sustentable y replicable a mediano y largo plazo.

Por el contrario, los festivales de orden privado (Vive Latino, Corona Capital) tienen un esquema totalmente organizado de acuerdo a una agenda top en cuanto a preferencias y permanencia de mercado. Son los más buscados por artistas emergentes, puesto que son considerados "catapultas", cuando en realidad se requiere de otras estrategias y formas de ingreso (hasta cierto punto muy delimitados).

¿Qué debo saber de mi proyecto?

Con esto en consideración, las preguntas claves para saber si el proyecto está listo para competir en el ingreso a un Festival serían las siguientes:

¿Tenemos un reconocimiento claro en nuestra zona objetivo por parte del público? 

¿Conocemos nuestra propuesta de valor como proyecto y encaja nuestro perfil con el Festival?

¿Entendemos claramente quienes son nuestros fans y podremos encontrarlos en ese Festival?

¿Hemos probado nuestro concepto lo suficiente como para poder replicarlo en el Festival?

¿Necesitaremos recursos adicionales para completar aspectos del concepto que sean necesarios para el Festival? ¿Quienes y como lo financiarán? ¿Alcanzará?

¿Tenemos organización adecuada internamente para afrontar los compromisos de acceder al Festival?

Estas preguntas tienen mucho sentido, porque aunque usted no lo crea, existen muchos proyectos que adoptan deudas, hipotecan casa, coche y vida por alcanzar un sueño personal, más que un objetivo de proyecto. Como resultado del desgaste psicológico y poco estratégico, los integrantes entran en tensión innecesaria y con los bolsillos desgastados, aquello se vuelve un coctél molotov listo para estallar. 

Durante algunos diagnósticos, hemos detectado proyectos en los que ingresar a un circuito de festivales resulta costoso, poco práctico y hasta inconsistente con el respaldo que podría obtener curricularmente

Conclusión y advertencia

Para cerrar este artículo, me gustaría agregar una constante en muchos de los proyectos que desean asistir a Festivales a modo de prevención. 

En México no existe una regulación adecuada hacia los representantes o contactos de acceso a un Festival Musical. Cualquiera con una tarjeta puede auto nombrarse Representante Artístico, Organizador, Jurado o cualquier autoridad que parezca pertenecer a un "círculo" cercano al Festival.

Los proyectos más "ambiciosos" (en realidad es ansiedad cuando no existe un plan de trabajo), caen en las manos de estas personas, que en la mayoría de los casos piden dinero para ingresar al proceso de selección. Entre otras cosas, piden comidas en restaurantes, discos o pases gratuitos para acceder a presentaciones, dicen conocer a "mucha" gente del medio y casi nunca tienen respuestas concretas a preguntas comunes.

Si encuentras a alguien así, lo mejor es llamar a las oficinas del comité organizador y preguntar si trabajan con la agencia mencionada, cuantos años llevan de relación y el nombre concreto de quien dice reconocerlos. La mayoría de los Festivales en México, cuenta con un presupuesto limitado para la realización de proyectos, por lo que demasiada gente trabajando en la organización suena un poco incongruente.

Si decides integrarte a algún circuito, asegúrate de conocer los detalles más profundos de tu proyecto, acércate a conocer aspectos legales y gestión. Ad Libitum ofrece Evaluación Diagnóstica para Proyectos Musicales, que permiten medir varios aspectos que brindan seguridad creativa, financiera y organizacional para la toma de decisiones más adecuada.

Gracias por leerme y nos vemos en el siguiente post.

Rafa Mendoza es Analista del Negocio de la Música

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6 "terribles obligaciones" que odian los músicos no profesionales...

Pocas personas realmente exitosas, se han atrevido a definir el éxito. La mayoría coincide que perseguir el éxito como meta, distrae efectivamente del aprendizaje y comprensión del entorno que cada día ofrece seguir adelante. Es común de la naturaleza humana buscar siempre el beneficio, evadiendo en lo posible obligaciones y responsabilidades.

Nada asusta más a un músico no profesional que las obligaciones. Los músicos principiantes definen su libertad y rebeldía como bandera creativa, esperando que un éxito los lleve a ser el siguiente artista en la escala evolutiva de su género. Cada día, mes, año y generación que pasa, esta percepción del negocio de la música se vuelve cada vez más irreal.

Y es que en México "exigimos", "responsabilizamos" y "obligamos" a otros (gobierno, empresas, asociaciones, personas) a brindarnos el camino a esa meta tan corta llamada éxito. 

Por ello, hoy enumeramos las 5 "terribles obligaciones" que odian los músicos no profesionales. Cualquier parecido a la realidad, es mera coincidencia:

1.- Pagar a sus músicos oportunamente: Si... sigue ocurriendo... ¿Porqué?... Profesionalismo no lo cubre saber 3000 canciones de repertorio, desarrollar la habilidad técnica de John Patitucci o cantar 3 eventos en un sólo sábado. La ausencia de un verdadero plan de negocio implica desconocer las oportunidades y ventajas comerciales que implica pagar en tiempo y forma a los músicos que han hecho su labor.

2.- Determinar porcentajes justos de creatividad: ¿Quién puso la letra?, ¿quién la música?,¿ cuantas frases corresponden realmente al compositor?, ¿porqué agregar a hijos o esposa en el crédito aún cuando no participan del proceso creativo? Prácticas que se han quedado en el medio por falta de orientación legal y conocimientos básicos en Derechos de Autor y Propiedad Intelectual.

3.- Declarar y pagar impuestos: Impuestos es una palabra que deberían borrar del diccionario para creativos y artistas por una razón. Son motivo de reclamo y al mismo tiempo escudo bajo la trinchera personal. El músico no profesional siempre evitará pagar impuestos. Buscará no darse de alta en el SAT, conseguir facturas con colegas (práctica que está desapareciendo por el nuevo sistema), y si lo hace, contratará un CEE (Contador Evasor pero Ético) que por un bonito 20% de comisión, inflará sus gastos de IVA para recuperar un porcentaje mayor a lo que realmente facturó en el año. Eso si, reclamará la falta de apoyo por parte de los organismos gubernamentales para que "inviertan" en su proyecto con los recursos públicos que han "pagado" oportunamente.

4.- Crear un plan de inversión en su proyecto: Típico es buscar el 100% de su financiamiento a través del Crowdfunding, considerándolo como la "única" y mas "viable" forma de capitalizar su idea creativa. Pedir dinero a una comunidad digital no tiene sentido sin un plan de negocios que defina oportunamente el papel del crowdfunding en el desarrollo del proyecto, mucho menos cuando tampoco plantea una estrategia de fondeo (si, el fondeo también necesita estrategia financiera, legal y fiscal). 

5.- Estrategia de salida: Ojalá que los proyectos duren toda la vida. Pero por múltiples circunstancias un buen día todo acaba y sin una estrategia de salida, los costos legales, fiscales, financieros y económicos se transforman en deudas trasladadas, edictos a 3 años, hipotecas con altos intereses y en algunos casos hasta la banca rota, dependiendo del nivel al que cada proyecto esté operando. Disputas de familia, cónyuges, compañeros de proyecto, disqueras y a veces hasta la propiedad del cencerro, son argumentos válidos para armar una campal afuera de los juzgados.

6.- Crear un plan de marketing: Es increíble que proyectos potencialmente rentables, crean que tener 5000 fans en su base de Facebook son la base para ser tomados "en serio" por disqueras, centros de espectáculos, festivales y una escena musical específica. Otros por el contrario, buscan "viralizar" sus videos para ganar posicionamiento, pero se frustran cuando el nuevo video de #LadyTostadas les hace la mala obra de distraer a su público. Un plan de marketing es algo serio, pero no aburrido. Existen dinámicas que permiten establecer metas y objetivos conjuntos que bien aplicados, construyen en mediano y largo plazo (a menos que tengas unos millones de pesos para generar presión positiva en medios) una base sólida que brindará permanencia y trascendencia a un proyecto. 

Conclusión

Bien dijo Stephen King alguna vez que "los amateurs se sientan a esperar la inspiración... el resto de nosotros se levanta y va a trabajar". 

Aunque el título de este artículo puede sonar fuerte en algún sentido, lo cierto es que la vida misma se encarga de ahogar proyectos con mucho potencial, porque se limitan a navegar en la industria con una vela improvisada, remos cortos y sin siquiera comprender como se leen las estrellas del firmamento.

Las obligaciones y responsabilidades en el negocio de la música son una fuente infinita para un recurso que la economía utiliza todos los días para avanzar día a día: la confianza.

Sin la confianza, no se venden boletos, no se compran camisetas, no se sale en radio, no se descargan canciones o se hace streaming por Spotify, iTunes y YouTube.

¿Te has preguntado cuantas obligaciones has aprovechado para generar confianza en tu proyecto?

Rafa Mendoza es Analista en el negocio de la música

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Data Mining: La respuesta que sopla en el viento de la industria musical...

¿Te has preguntado el nivel potencial del Data Mining en la industria?

En el mundo actual, es importante reconocer que los entornos digitales están presentes en cada aspecto de nuestras vidas. Un acercamiento adecuado al procesamiento de información, es una materia clave para la preparación de cualquier profesionista en el mundo actual. 

Para muchos, el Data Mining podría significar el cambio radical que la industria necesita. ¿Porqué?, simple:

cada acceso y búsqueda que realizamos en internet, está siendo grabado por algoritmos codificados en los navegadores, portales, sitios de acceso y streaming a cada momento. Veamos que sucede en la industria musical.

¿Qué es el Data Mining?

La huella digital que vamos dejando, está siendo constantemente analizada para varios fines específicos. No es coincidencia o magia que mientras navegas en Facebook, veas publicidad referente a tips de mezcla, servicios de streaming y hasta recomendaciones de amistad. Esto ocurre gracias al análisis de datos.

Cuando una gran concentración de información se acumula, se produce la misma situación que si encontráramos una veta de minerales en alguna región del planeta. Hay que determinar primero que mineral y subproductos podemos realizar a partir de la veta. En el caso de los datos, determinaremos que información importante podemos obtener de ella. 

El último paso, es extraer esa información, a eso llamamos Data Mining (Minación de datos).

Esta información será utilizada con diversos fines (algunos buenos y otros no tanto) para implementar estrategias, toma de decisiones y reducir riesgos, potencializando aspectos financieros, expansión y transformación de productos y servicios.

¿Para que sirve el Data Mining en la industria musical?

Principalmente, se basa en la extracción de datos para la generación de productos que potencialmente brindan mejores oportunidades de desarrollo. Siendo realistas, en nuestros tiempos, apostar a una propuesta musical sin comprender mejor su entorno de consumo, preferencias del consumidor y oportunidades de crecimiento, es un albur que ninguna disquera puede sustentar. 

Los conceptos de "apoyar" al artista han cambiado. Ya no es rentable dar dinero a proyectos y propuestas que no cumplen con requerimientos mínimos en rentabilidad y oportunidad. 

Por ello, alternativas como el Crowdfunding y sacar recursos de gobierno no tiene sentido, puesto que en México, los creativos lo usan como forma se sustento económico (a veces hasta comprando cosas en Coppel con ese dinero) y muy pocas veces se aplica para impulsar el proyecto para que fue asignado. 

Hablar de políticas públicas y esta complicidad directa del artista (haces como que me das dinero para desarrollo cultural y hago como que lo uso en ello) es tema de conversación para otro post.

Lo interesante del caso es que son precisamente estas circunstancias las que abren puerta a productos de alto riesgo y con pocas oportunidades para recuperar inversión. 

El Data Mining, ofrece una herramienta poderosa para elegir una audiencia objetivo, su capacidad de consumo, sus preferencias y entornos de consumo, hasta la garantía de elegir adecuadamente una combinación de acordes y sonidos que estimulan al consumidor a seguir un artista.

¿Existen artistas bajo este esquema?

El primer experimento exitoso que ha utilizado al Data Mining es sin duda el artista pop Psy y su tema "Gangnam Style". A partir de un análisis de datos regional, la disquera aplicó el Data Mining sobre un concepto base y luego lo replicó haciendo análisis en otras ciudades clave de consumo en el mundo.

El análisis de datos, ayudó a determinar previamente el alcance conceptual y determinó la campaña promocional a partir de ello. El resultado ahí está para ser cotejado. Hasta hoy, sigue siendo el video más reproducido de YouTube con más de 2,794 millones de visualizaciones.

Este modelo ha representado un éxito para la industria de Corea del Sur. El K-Pop es uno de los géneros mejor implementados y rentables a nivel internacional. Japón y China utilizan estos modelos para sus mercados internos y hemos podido encontrar conceptos como BTS, Baby Metal o Hyuna que han impactado el mercado latino en los últimos años.

No es coincidencia que ocurra en los países potencia en el desarrollo de programación, diseño de hardware y aplicaciones más exitoso del mundo. Estados Unidos ha aplicado este proceso en artistas como Bruno Mars, Daft Punk, Katy Perry y Taylor Swift.

Spotify, Apple, Deezer y Claro Music en México, siguen utilizando la información de sus streamming para determinar las oportunidades de consumo en el mercado mexicano y las majors analizan datos para generar nuevos conceptos en el mercado latino. 

Conclusión

Tendrían razón en pensar que estos sistemas  tan avanzados están fuera del alcance de todo mortal. En realidad no, el Data Mining tiene un origen muy básico que puede ser replicable en diversos entornos creativos para asegurar respuestas objetivas y oportunas para los mercados emergentes.

Todo concepto musical es susceptible de beneficiarse del Data Mining y todo artista tiene acceso a una super computadora en estos días. Un smartphone actual es 100 veces más poderoso que la primer supercomputadora que fue creada en los años 50's. 

La pregunta real y directa sería ¿estás dispuesto a utilizar un proceso de Data Mining en el desarrollo de tu concepto creativo?, ¿bajo que criterio estarías dispuesto a transformar tus obras en mejores temas para tus audiencias?, ¿dejarías que el Data Mining revelara a tu audiencia y aceptarías esa realidad?... Diría que "la respuesta está soplando en el viento"...

Rafa Mendoza analiza el negocio de la música para Ad Libitum Incubadora

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Marketing musical:¿Santo o demonio?

¿Cómo se le hace para tener más fans, llegar a mejores tocadas, vender más productos, entrar a festivales, ser considerado por una disquera, ganar mejores beneficios (el dinero no es todo) con mi música?

Estas son tan solo algunas de las inquietudes que constantemente nos hacen en los talleres de emprendimiento y pláticas sobre el negocio de la música. Y nuestra respuesta siempre es la misma... ¿Has desarrollado una estrategia de marketing?

El músico por naturaleza es emprendedor, sin embargo, es muy sencillo quedar atrapado en la idea que con coraje, determinación, pasión, amor a la música y sacrificio, veremos recompensados nuestros esfuerzos (no lo podemos evitar, somos románticos por naturaleza).

En nuestro blog de hoy, quiero compartirles una visión más clara sobre el marketing en general y algunas consideraciones de su aplicación en el mercado musical.

Percepción generalizada sobre el marketing... (el que sea)

Para la mayoría de los creativos alrededor de la música, el marketing representa hacer ventas y dinero, cuando en realidad, la venta es la conversión de un proceso de marketing. Es la consecuencia directa al desarrollar una estrategia adecuada. 

También es común pensar que el marketing es una estrategia "rara o extraña" de inducción al consumo, es decir, que sirve para "crear necesidades" (Los artistas pop son los más señalados en este sentido).  

Es así que en nuestro país existe un triple rechazo cultural a la mexicana, para implementar una estrategia adecuada, primero porque lleva tiempo generarla (queremos el beneficio ya, para ahorita o dos semanas máximo), segundo; implica trabajo ANTES de empezar a desarrollarla (¿para qué investigamos quien quiere nuestra música si mis amigos dicen que está bien padre?) y tercero, porque se trabaja con mente de "consumidor"(las dos anteriores son resultado de este tipo de pensamiento), incluyendo en ello una gran cantidad de mitos, definiciones equivocadas y expectativas irreales sobre el marketing.

Es cierto que el marketing toma en cuenta principalmente al consumidor y su manera de pensar (entre muchas otras cosas), pero debe delimitar el tipo de necesidad clave, sin derivar en la satisfacción individual, sobre todo en la música, porque es importante encontrar un grupo de personas con intereses comunes en las que su propuesta musical se percibe con un alto valor. 

¿El cliente (o fan) siempre tiene la razón o pierde la razón?

Dentro del área creativa, es común encontrar a proveedores de servicios (estudios de grabación, empresas de sonorización, diseñadores gráficos) dentro de situaciones desgastantes como clientes poco cumplidos, regateo de precios, competencia "desleal", políticas de venta y que son literalmente rehenes de las circunstancias gracias a que han colocado al "cliente" como el poderoso personaje que define su éxito.

Y es que denominar a alguien cliente o fan, es precisamente una de las actividades clave del marketing .

En el caso de los músicos, la situación se vuelve más compleja, porque normalmente replican lo hecho por otros proyectos sin considerar su entorno real de consumo, los obliga a tomar decisiones como aceptar presentaciones lejos de su zona de influencia, aparecer en los medios menos adecuados, abriendo eventos ante público equivocado, lo que desgasta el bolsillo, relaciones y expectativas de su idea original.

En esta nueva era de consumo, posicionar la idea de un negocio rígido (que no le importe nada lo que opinen sus consumidores, entorno y cambios) o uno totalmente flexible (que acceda a cualquier capricho o señalamiento del cliente), genera un desgaste que fulmina a cualquier emprendedor.

La realidad es que aquella persona que denominamos "cliente" (o fan), vive sobre estimulado por las estrategias de marketing masivo y empeora cuando son ávidos consumidores de información en redes sociales e internet, porque acorde a estudios por empresas de análisis, tan solo el 52 % en promedio es información con calidad, una preocupación que Google ha empezado a abordar a través de varios algoritmos para identificar duplicidad en información, interpretación de origen y nivel de consideración ante una fuente más fidedigna.

Es por ello que ser demasiado rígido o flexible, no funciona interpretando a cada cliente, sino el comportamiento de un grupo más específico. En pocas palabras, no todos son tus prospectos y un porcentaje todavía menor en realidad serán tus clientes (o fans). 

Conclusión

El Marketing (mercadeo) es una herramienta indispensable en nuestros días para conseguir que nuestro proyecto o empresa vinculado al negocio de la música, prospere y se establezca como una alternativa que faculte una relación comercial SANA y TANGIBLE, acorde a las NECESIDADES de consumo.

Requiere trabajo, seguimiento, análisis, comprobación, replanteamiento y continuidad. Es por ello que no existe la fórmula mágica para transformar a la rana en príncipe y es muy fácil perderse en el mar de información que es internet, además de los rumores sociales. 

Actualmente el marketing en todas sus versiones (social, musical, institucional, comercial, etc) debe abordarse con un enfoque más inteligente y acertivo. La maraña de conceptos sobre ofertas, precios, promociones, publicidad, entornos de consumo y estimulación de mercado pueden intimidar a cualquiera, sobre todo cuando se inicia la inmersión hacia un terreno tan rodeado de misticismo y rumores, lo que invita a acercarse de manera más abierta a los temas que el marketing aborda para cualquier campo.

Cada proyecto requiere su propia estrategia hecha a medida, porque responde a cubrir objetivos de acuerdo a los alcances y posibilidades tangibles. Siempre hay algo que se puede hacer todos los días para desarrollar un plan de marketing, independientemente de los recursos económicos, humanos e infraestructura disponible.

Pocas propuestas llegan lejos a fuerza de empuje, coraje, pasión, orgullo y determinación, pero hasta esos mismos proyectos pudieran haber alfombrado su camino con la información correcta, una estrategia de marketing bien estructurada y el reconocimiento personal de que no siempre se hace todo lo que se puede, sino solamente lo que se sabe.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum 

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¿Qué son los Supervisores Musicales?...

Las regalías por sincronía, se refieren a los recursos generados al utilizar una pieza u obra musical previamente producida y registrada en el cine, video y otros proyectos audiovisuales.También ocurre en campos como la publicidad, los videojuegos y performances que necesitan el soporte sonoro, muchas veces inspirando nuevos productos.

Existen una gran cantidad de músicos que se dedican a colocar sus composiciones en álbumes, producciones discográficas y pocos consideran a los mercados audiovisuales como una alternativa real.

Múltiples proyectos desconocen el potencial real de su proyecto y desperdician muchas oportunidades, recursos, tiempo y esfuerzo por impulsar su material en el canal menos adecuado.

Aquí es donde entra el Supervisor Musical, una figura profesional poco implementada en México y confundida muchas veces como parte del trabajo de un Manager o Agencias de Artistas.

¿Qué hace el Supervisor Musical?

Hay que pensar en el Supervisor Musical como un aliado del Productor y Director del producto audiovisual. Aunque sus funciones sirven como enlace entre el músico y el proyecto visual, en realidad ayuda a satisfacer la necesidad musical del Director.

Para ello, toma de referencia los presupuestos, derechos posibles en la música, calidad de la producción, inclusive la posibilidad de colaboración por parte del artista musical en la continuidad musical de todo el proyecto.

Normalmente buscan temas muy específicos que construyen el desarrollo argumental que colabora al impacto final que la historia audiovisual tiene.

No solamente entra en juego el proceso musical, sino las letras pueden ser muy específicas. ¿Te ha pasado que escuchas una canción que podrías fácilmente sobre poner al clip de una película y sentir que estás contando mejor lo que ocurre o que podría convertirse en un videoclip completo?. Es la sensación que un director busca y el Supervisor Musical le ayuda a encontrarlo.

La importancia del Supervisor Musical

Existen varias formas de integrar música de sincronía a un proyecto audiovisual. Algunos pueden ser verdaderos retos en cuanto a la consideración de los temas y su uso dentro del proyecto. 

No voy a profundizar en ello porque eso requiere varios post adicionales para explicar adecuadamente cada uno de ellos, pero podemos tomar de referencia que se pueden realizar sincronía por componentes de Diégesis y Sin Diégesis (música que pertenece al entorno o que funciona en partes específicas, posicionamiento y background (cuando domina el entorno audiovisual o cuando se mantiene como soporte de una escena o momento), lo que deriva en una interpretación legal, artística y funcional que sirve de base para la generación y negociación de regalías.

El Supervisor Musical debe navegar entre una variedad de géneros, arreglos y elementos musicales diversos que permitan ofrecer un catálogo de alternativas para el Director o Productor, conocer la función del tema dentro del proyecto y delimitar las condiciones en que se puede acceder al material de sincronía.

Conclusión

El Supervisor Musical tiene una figura bien delimitada y poco respetada como especialidad en algunos países. En México, normalmente ingresar musicalmente a una película, tiene que ver más como una forma de marketing musical o colaboración creativa que potencia al producto final para una colocación más firme, ante una clara desventaja en las preferencias de consumo audiovisual por parte de las audiencias.

Por supuesto que lo ideal sería que la mayoría de los éxitos audiovisuales se eligieran por match creativo que por match de mercado, pero algo importante en muchos países como México, es que las productoras independientes han aprovechado mejor las oportunidades creativas que ofrece utilizar música previamente grabada. El reto en ese sector, es realizar una negociación más profesional en función de los Derechos de Autor y claridad en el pago de regalías.

Los beneficios que el Supervisor Musical ofrece al mercado de la música y los proyectos audiovisuales se interpretan como la realización tangible de una sinergia increíblemente poderosa en tiempos complicados de la comercialización digital.

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum

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Artistas de un solo éxito:¿Son competencia?

Mucho se ha hablado sobre la forma en que las Majors lanzan constantemente artistas sin propuesta, en serie y producidos bajo ciertos criterios que resultan cuestionables desde el punto artístico.

Pero lamento decir que no es una práctica común en las Majors... Las disqueras independientes también replican constantemente estos recursos de explotación comercial.

Una de las quejas más comunes en nuestras sesiones de coaching se relaciona precisamente con la necesidad de saber sortear y comprender estos elementos del mercado musical y la percepción de que se están minando oportunidades.

Lo que debes saber...

Los artistas de un sólo éxito dieron inicio al Mercado fonográfico. En aquellos días, las disqueras buscaban incrementar sus catálogos sin discriminar el potencial de cada material grabado. preferían generar discos de 78 y 80 rpm en varios volúmenes que hacer un LP, porque era más rentable a corto plazo.

El concepto del LP se estableció en los años 50's, utilizando el formato como recopilaciones y no tanto como álbumes conceptuales. Es hasta inicios de los años 60's que generar un LP conceptual era permitido a los artistas que demostraban ser rentables a modo de premio y respeto por parte de la disquera.

Con la llegada de los primeros discos conceptuales, la costumbre de integrar 15 temas o más en uno o varios LP se hizo común. El mercado de los Singles se ha limitado desde entonces a probar productos musicales y el tamaño de su Mercado.

En los 80's, inicia la costumbre de probar varios conceptos en los discos compilatorios de las disqueras independientes. Esta estrategia es la que ayudó a géneros urbanos como el rap, R&B, hip hop e industrial a posicionarse y tomar parte del Mercado.

El MP3 trae consigo un repunte de los sencillos y artistas de un sólo éxito, pues aunque las radiodifusoras tocaban a los artistas, pocas veces había oportunidad para escuchar el disco completo durante una emisión.

¿Afectan al Mercado?

En realidad los artistas de un sólo éxito funcionan para las disqueras ante la constante necesidad de productos nuevos para ciertos mercados. El público masivo requiere constantemente productos nuevos, sin que ello signifique que requiera calidad. Podemos decir que los artistas de un solo éxito son productos de estallido masivo, replicables y poco expandíbles.

Comercialmente, cumplen con la premisa de algo fresco pero poco "nutritivo" artísticamente. Se convierten en éxitos gracias a que el Mercado que los consume no tiene muy altos estándares de nivel cultural y son fácilmente influenciables por las opiniones de masas.

No es malo querer posicionar un Hit en el número 1, pero actualmente esto requiere de mucho conocimiento del sector al que va enfocado, recursos para sustentarlo en promoción y publicidad, o en su caso, deben cumplir con un elemento de "gancho" hacia momentos económicos, políticos, sociales y de identidad que ayuden a su posicionamiento.

Cualquier otro concepto que contenga elementos estéticos, artísticos y específicos de consumo superiores, no debe considerar siquiera pelear un espacio del Mercado, porque de entrada, son consumidores con requerimientos superiores que inclusive no concuerdan con los artistas de un solo éxito.

Es muy atractivo pensar que basta colgar un éxito para vivir de regalías y resolver de un solo tirón el futuro económico, pero de entrada, el negocio de la música ya no se basa en esta premisa. El pago de regalías es fructífero para quienes colgaron sencillos antes de los años 90's. La nueva era musical y el arribo del MP3 desbancó los costos por pagos de regalías.

De ahí que productores como Jay-Z o Trent Reznor han preferido producir varios artistas simultáneamente para tener el control creativo y económico de las regalías en el mercado actual.

Conclusión

Los artistas de un sólo éxito difícilmente replican su potencial y superan el tema musical que les precede. Muchas veces, la falta de pericia en los negocios y tomar la oportunidad del estallido inicial, les hace ceder un porcentaje importante de sus derechos en la negociación, pero deciden sacrificarlo esperando que el público los reconozca como potenciales generadores de éxitos continuos.

Los que superan esa etapa, lo hacen porque se refuerzan artística, legal y organizacionalmente para dar continuidad a ese impulso inicial. Pero una gran mayoría no lo consigue porque confían únicamente en el "talento".

Por eso, es importante contar desde un inicio con un respaldo profesional y legal antes de firmar un contrato para colocar un Hit en los chats nacionales e internacionales.

¿Estás preparado para tener un Hit?

Rafa Mendoza es Director Creativo en Ad Libitum

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