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jueves, 29 de agosto de 2013

Afinación digital: ¿El cielo o el infierno?



Actualmente, el uso de afinadores digitales en la producción, se ha centralizado en corregir la incapacidad de los artistas o músicos descuidados.

En México, tenemos la cultura de "hacerlo facilito".  Anteriormente, el entrenamiento vocal era fundamental para cualquier grabación. Más allá de los estilos populares, la búsqueda de un cantante bien entrenado se convierte en una pesadilla.

Criterio general

Un afinador digital tiene su origen en la palabra "Afinación". Por afinación, comprendemos en la música cuando un instrumento genera la nota exacta que permita a la armonía y melodía encajar sin problemas.

Afinar es "acercar" la diferencia entre un tono o nota. Es detallar con respecto a la frecuencia que origina una nota.

Entonces podemos comprender, que afinar no debería significar procesar más allá de unos 100 centésimas de tono un sonido. .

Criterio musical

En la música, dependiendo el género, obtener una afinación concreta permite obtener mejores resultados en armonía. Afinar es poseer el control del instrumento (cualquiera que este sea) y mantener la relación interválica lo más exacta posible.

Criterio en Audio Producción
Un instrumento desafinado, debe ser considerado como un error de producción. Verificar la afinación del instrumento antes, durante y posterior a la grabación. Esta verificación auditiva se realiza en tiempo real. Después de grabado el sonido, debe verificarse su afinación, para evitar "sobre trabajar" en la Post Producción.

También puede utilizarse creativamente como en le caso de "Believe" de Cher y otros artistas que lo han trabajado para obtener esta "robotización" vocal. Para conseguirlo, deben elegirse los tonos adecuados para obtener un procesamiento limpio.

Criterio amateur
No importa como se grabe o que se grabe... se puede afinar por computadora.

Conclusión

Podemos comparar todos los criterios y darnos cuenta que el amateur es el menos sustentado. También debemos decir que es el menos informado de todos. Esto está trasminándose hasta niveles comerciales peligrosamente. Un ejemplo claro es el proyecto de "Vazquez Sounds". La niña preciosa, chula y estereotipada que canta bastante mal, puede ser catapultada como una verdadera cantante profesional.
El retoque digital utilizado en estos artistas, son muestra de las capacidades que tienen estos software en la actualidad.

Pero más miedo me provoca detectar y encontrarlo en artistas que cada vez más se están despreocupando en su entrenamiento, pensando que el camino corto, es menos costoso para ellos...

Nos vemos mañana con viernes de video.

Rafael Mendoza a veces retoca de más la afinación en Ad Libitum Estudio
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miércoles, 28 de agosto de 2013

Sonido y Cine (Parte I)





En días anteriores escribí un poco de lo que es el diseño de sonido para cine, tratando de explicar su importancia dentro de una producción cinematográfica, sin embargo esta parte de proceso de una película muchas veces se ve minimizada ya sea por el desconocimiento de los procesos de creación o de la importancia que un buen diseño de sonido.Para puntualizar lo que el sonido hace por una película es necesario ir a sus bases y fundamentos, empezando por su historia, en esteblog  compartirles algunos de los datos relevantes de la evolución de sonido en la historia del cine.


Antecedentes.La idea de combinar sonidos e imágenes tiene sus primeros esfuerzos antes del uso del cinematógrafo, las primeras propuestas de esta fusión  fueron dadas  por el  fotógrafo ingles  Eadweard J. Muybridge inventor del  Zoopraxiscope,  Muybridge tuvo la idea de crear un mecanismo que combinara su  tecnología de imagen de fundición con  la tecnología de registro de sonido  del Gramophone   inventado por Thomas Alva Edison. Debido a que no llegaron a un acuerdo  comercial,  Edison se encarga del desarrollo de un invento capaz de reproducir imágenes en movimiento en un gabinete individual como complemento visual de su cilindro fonógrafo. Dando origen al Kinetophone en 1895.El éxito del Kinetophone fue  rápidamente superado por el  cinematógrafo de los hermanos Lumiere,  si bien este sólo era capaz de  recopilar y reproducir imágenes  el hecho de poder proyectarlas a una mayor audiencia y no solo a una persona como lo hacia el invento de Edison, le dió más fama y sobre todo lo convirtió en un espectáculo más redituable.


Cine MudoDurante los primeros años del cine los caminos de la imagen y el sonido  tomaron rumbos distintos en su desarrollo, mientras que la imagen se encaminaba hacia una estructura estética y artística, el sonido tenia que superar muchas limitaciones técnicas.Tres problemas era  principalmente los que afectaban la factibilidad de proyectar las imágenes con un soporte de sonido


La sincronía del sonido con la imagen. La imagen y el sonido eran grabados en dispositivos distintos y por lo tanto no podían permanecer sincronizados durante mucho tiempo.


El bajo volumen del sonido. Los aparatos que existían en esa época  carecían de un sistema de amplificación capaz de llenar los auditorios en los que se presentaban las sesiones del cinematógrafo.


La mala calidad de grabación del sonido. Los primeros sistemas para grabar el sonido no tenían una buena calidad, además de presentar un grave problema para  el cine, la poca movilidad  con que contaban los sistemas de registro sonoro   que no permitían un movimiento fluido de las cámaras. 


Era preciso que la fuente sonora se situara frente al receptor, la cual generalmente consistía en cornetas  acústicas para poder tener una buena toma del sonido, además de que eran demasiado grandes y no se podían esconder sin ser notados  por la cámara.

 Sin embargo  esta época conocida como cine mudo mucho dista de ser un cine silente, ya que la música ha sido el eterno compañero de las proyecciones, en esta época el acompañamiento de las imágenes por músicos  fue una constante que yudo a aportar dramatismo a muchas de las historias que se  presentaron.


Los primeros esfuerzos en el desarrollo del sonido se situaban en la sincronización de éste con la película. Léon Gaumont, un empresario francés fundador de L. Gaumont et compagnie, patentó un sistema de sincronización de una tornamesa con un proyector presentado en 1902 en la Feria de Paris, donde también presentó un sistema de amplificación, sin embargo, éste no fué de mucho éxito comercial, ya que el nuevo sistema era muy costoso y ninguna de las salas de proyección decidió adoptar este sistema.


Para 1907, el francés Eugene Lacuste hace investigaciones para patentar el primer sistema que convertía  el sonido en  ondas de luz. Estas eran grabadas en el celuloide directamente, creando así el primer sistema de sonido óptico. Ese mismo año el Doctor Lee De Forest presenta el “audiotube” un dispositivo capaz de amplificar una pequeña señal eléctrica y después reproducirla por unos altavoces. 


Para 1917 los laboratorios Bell ya tenían el micrófono de condensador, un dispositivo capaz de transformar las ondas sonoras en impulsos eléctricos y ser amplificados por el invento del Doctor De Forest. Si bien estos dos inventos no fueron creados precisamente para mejorar la calidad del sonido en el cine si fueron parte importante para superar los problemas a los que éste se venía enfrentando.

Durante este periodo  el cine fue creando su propio lenguaje en base a la proyección de las imágenes , una estética que no tomaba en cuenta mucho los aportes de sonidos  del mundo que se presentaba ni de voces de los  personajes, la inclusión del sonido representaría un  reto y un debate en los siguientes años.


Fin primera parte.

Raúl Beltrán realiza diseño de sonido en Ad Libitum Estudio

martes, 27 de agosto de 2013

Culpabilidad disfrazada de eficiencia: Audio Todólogos...


Este tema puede resultar bastante espinoso si no se tiene el criterio adecuado para mirarlo.
Educativa y culturalmente nos han dicho que ser multitareas o multitalentos, va asegurarnos el éxito inmediato.

Aquí vamos a perder muchos lectores y ganar amigos... Decirle a alguien que no es profesional, ya es un problema, sobre todo, cuando dice que es la prueba viviente de que ser un multitareas es posible.

No dudo que la organización nos permita hacer varias cosas a la vez.. pero la profesionalización se debe a la especialización.

"Soy ingeniero y hasta cocino waffles"

Un hecho común hoy en día, es encontrar a estudios de grabación, ingenieros, agencias, grupos,  tiendas y toda la cadena de desarrollo con uno o varios títulos que mencionan sus capacidades.

Resulta que aunque conocen el proceso de audio producción y pueden llevarlo a cabo, no significa que estén creando verdaderamente un producto.

Existen miles de archivos en línea que son descargados bajo el concepto de "podcasts" y no son más que simples ediciones saturadas de efectos, con contenidos pobres, elección aleatoria de temas que ocupan sólo espacio en los servidores dedicados.

Cuando alguien menciona a Youtube, salgo corriendo ante la avasalladora cantidad de videos que son innecesarias repeticiones o absurdas copias de los que son producidos profesionalmente.

Este mismo planteamiento es lo que se está generando en la industria.

Chamba es chamba.. aunque acabe con el bosque...

Los ingenieros en audio, ante la falta de trabajos creativos, ven reducido su campo de acción y empiezan a trabajar en líneas alternativas como el diseño web, edición de video, perifoneo.
De entrada ya se vuelve complejo trabajar a medias en otras líneas.

Sin embargo preocupa más cuando dentro del mismo espacio laboral se invaden funciones.

Masterización es un proceso que requiere un entrenamiento y especialidad diferente al estudio de grabación. No todos los estudios están acondicionados para hacer este proceso adecuadamente. Mucho menos el hardware.

Una sala de mastering no tiene el mismo tamaño que un control room. Todos estos requerimientos son necesarios para optimizar el sonido.

Puede ser que en los estudios un premastering sea posible, pero nunca alcanzará el sonido producido en un estudio de masterización.

Sin embargo, hay estudios que afirman realizar mastering adecuadamente en sus salas de mixing.

Otro ejemplo es cuando alguien se dedica a la producción para video y utiliza su plataforma de grabación y mezcla para crear diseño de sonido.

Sin sincronía, sin aparatos adecuados para el monitoreo de frames, lo único que obtienes es una bonita mezcla con errores de sincronía en video que tienen que ser reparados o almacenados para reprocesarlos adecuadamente.

La insistencia sobre la razón.

Cualquiera me dirá que se trata de sobrevivir en el medio con la crisis creativa. Pero haciendo todólogos simplemente alimentamos a este monstruo.

Cuando nos dicen que por 3000 pesos se hace un disco, todos levantamos la voz y decimos... "paren esto, nos van a llevar a la quiebra".

Pero cuando alguien nos ofrece 2500 por un proceso que desconocemos o que no estamos capacitados y experimentados para hacerlo, hacemos que no pasa nada y tomamos ese dinero, arruinando al ingeniero de mastering que hace un trabajo con resultados profesionales.

Conclusión

Aplaudo a aquellos que han sobrevivido a la crisis creativa... pero ovaciono de pie a quienes han mantenido su esquema de especialización completo e intocable por más de 10 años... ellos son los que han encontrado su mercado, tienen sus clientes seguros y resistirán no sólo esta, sino la próxima edad de hielo en la crisis del medio.

Si tu eres de los que llena su publicidad con frases y conceptos que no realizas.. tarde o temprano te alcanzará tu fama, cuando un experto analice tu trabajo y diga que no tiene lo mínimo indispensable para considerarse un trabajo bien hecho...

El karma es karma.. más vale empezar a ser honestos con lo que sabemos. Tenemos 2 opciones... o nos especializamos para mejorar... o nos retiramos del mercado.

Un saludo.

Rafael Mendoza, produce, mezcla y moldea archivos de audio en Ad Libitum Estudio
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lunes, 26 de agosto de 2013

10 tips para capas de reverb y delay...



Cuando imparto algún curso o taller, me gusta entrar a la etapa de los procesadores, porque me permite repetir una y otra vez estas premisas que me han ayudado a obtener mejores resultados.

Las comparto con ustedes, extraídos directamente del taller de audio producción que vamos a iniciar en un par de meses. Estén pendientes.

1.- Para agregar profundidad a una mezcla, el uso del delay de forma discreta, crea un entorno de profundidad. Si lo ajustas al tiempo del tema, obtendrás mejores resultados

2.- Dale espacio a tus efectos, filtrando graves y agudos.

3.- Si no ajustas el delay al tiempo del track, se notarán como si saltaran al frente.

4.- No es lo mismo profundidad que inmensidad. Para hacer un instrumento más grande, utiliza reverb.. para mayor profundidad, delay.

5.-Reverbs cortas de 1 segundo y delays de 100 ms o menos, crean la sensación de inmensidad.

6.- Si ajustas los tiempos de pre-delay y decay al tempo del track, embonará mejor en la mezcla

7.- Puedes jugar con la EQ de la reverb, haciendo las largas más agudas, y las cortas más graves o viceversa.

8.- En tus buses y de acuerdo al tema, puedes utilizar una reverb larga, con un delay medio y una reverb corta, o un delay largo, con una reverb media y un delay corto, las combinaciones son infinitas.

9.- Utiliza Reverb largas para los instrumentos más importantes. Te ayudará a  unificarlas.

10.-  Regresa las reverbs en mono y panes. No todas las reverbs se aplican en estéreo

Prueba estos tips y próximamente podrás conocer las fechas y lugares donde impartiremos el curso.

Nos vemos mañana

Rafael Mendoza, procesa, mezcla y retuerce sonidos en Ad Libitum Estudio
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viernes, 23 de agosto de 2013

Karlheinz Stockhausen... Libra Live 1977



Karlheinz Stockhausen es un músico alemán de nuestro siglo, que experimentó notablemente con la producción de sonido y su incorporación a los elementos musicales.

Menciono que es un músico en tiempo presente, porque su legado es y será, la base de muchos trabajos de arte sonoro. Físicamente, abandonó este mundo el 5 de Diciembre de 2007.

Libra es una de sus composiciones más impresionantes de una suite que compone a los 12 míticos signos del zodiaco. Este video es de 1977 durante una interpretación del tema en vivo.

Además de apreciar la calidad musical, en el vaivén de sonidos y silencios, es importante notar la infraestructura de equipo necesario para dar vida a este tipo de conceptos en vivo.

Esta música no debe compararse a ninguna otra, simplemente es un género propio que no busca encontrar un espacio comercial.

Stockhausen seguirá proveyendo, visiones diversas a la música contemporánea y a los procesos de audio producción


jueves, 22 de agosto de 2013

El Sonido a través de la historia... (Parte II)



Continuamos con los momentos clave de los eventos históricos que colaboraron al desarrollo de la audio producción.

1935
AEG "Magnetophon"

A pesar de que el cilindro comenzaba a popularizarse y la radio era un medio apenas en desarrollo, AEG lanzó al mercado la primera grabadora de cinta. Por fín se podía registrar en tiempo real un canal sonoro en una delgada cinta enrollable. La magnetofonía, es el proceso mediante el cuál un magneto en la cabeza de la grabadora, alínea partículas de magnoferrita en la cinta, reproduciendo análogamente la señal electrónica del micrófono. El proceso ahora inverso, producía un sonido más nítido y extremadamente cálido. Tal fué el impacto de este invento, que fue premiado en la Feria Berlinesa de la Radio ese año.

1947
Columbia lanza el LP
 
Los discos de pasta y vinil, dificultaban el proceso de distribución en la primer etapa de la industria discográfica. Además sólo era posible reproducir un tema en ambas caras.
Columbia, desarrolló un sistema más eficiente, reduciendo el tamaño de la aguja y extendiendo el tamaño del disco. Reducir la velocidad a 33 1/3 de revoluciones por minuto y filtrando un poco los extremos graves y agudos. A esta filtración se le denominó RIAA más adelante, porque se estandarizó ante la Recording Industry American Asociation... El mercado ya no fué el mismo.

1948
Pierr Schaeffer compone el primer trabajo de "música concreta"

El uso de las nuevas tecnologías, permitió a Schaeffer componer "Étude aux chemins de fer". Utilizando simplemente samples de sonidos de trenes, realizó el primer trabajo de "loop".
Aunque fué secuencial inicialmente, con el tiempo utilizó otras tecnologías para complementar su trabajo.

1952
John Cage y su pieza 4' 33''

En un blog anterior de viernes hemos posteado el video de esta obra de John cage. Estructurada en 3 movimientos, la nota que se interpreta es silencio "tacet". Los cambios de movimiento son informados por el director y la pieza dura exactamente 4 minutos con 33 segundos.

1958
Comercialización de la grabación Esteorofónica.

Aunque originalmente se había intentado utilizar una o más bocinas para reproducirlo, el sonido siempre se consideró monoaural. Las casas disqueras eran renuentes a modificar la tecnología que tenían para crear grabaciones estereo. El argumento era que sería como mirar el cine en dos pantallas o tomar una ducha con dos regaderas.

1959
Karlheinz Stockhausen compone "Kontakte"

 El primer tema totalmente electrónico desarrollado a partir de la modificación por Osciladores de frecuencia variables y osciladores de voltaje variable. Los principios de la síntesis integrada ahora a sonidos previamente grabados de instrumentos reales. Nacía con ello el sampling y diseño de sonido.
Kontakte, se llamó así por establecer los límites entre lo electrónico y musical en un contacto pleno.

Hasta aquí esta nueva parte sobre este recorrido por la historia.. les sugiero buscar en Youtube estas primeras representaciones y grabaciones existentes... Nos vemos mañana.

Rafael Mendoza produce, edita, graba y moldea audio en Ad Libitum Estudio
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miércoles, 21 de agosto de 2013

Protools: La historia del genio en la lámpara.


Había una vez un programa que mágicamente te afinaba, digitalizaba y  te creaba un hit, un éxito musical de la nada. Todo parecía hecho por arte de magia y así se  creó una religión en torno a este nuevo programa.
Hemos hablado en el blog de Ad Libitum de las diferentes plataformas que existen en el mercado para la producción musical en ella siempre mencionaremos a Pro tools como el estándar de la industria 
Sin embargo, para entender como se ha tornado en la referencia profesional para audio producción, deberemos basarnos en su historia. 

Digidrums/Digidesing
Evan Brooks  y Peter Gotcher  eran dos pequeños escolapios interesados en la música, el arte de la grabación,  la electrónica  y la programación informática.
 Tomando como base el  sistema  drumulator, comenzaron una compañía  cuya actividad era generar nuevas galerías de sonidodándole nombre de digidrums.  La empresa  resultó exitosa y previeron la  necesidad  de los clientes de  tener más opciones a solo agregar sonidos a sus equipos.
 Para este propósito  utilizaron una computadora mac  y comenzaron  desarrollar software capaz de  ayudar a su reciente empresa a grabar editar y modificar los sonidos que ellos  vendían en sus galerías.
Al pasar del tiempo pronto entendieron  este software que creaban para uso propio podría tener aplicaciones comerciales no solo para ellos, si no para la mayoría de músicos. Así que en un trabajo conjunto con E-MU comenzaron  la creación de un software capas de editar loops y que funcionara con su controlador Emulator II keyboard.
Gracias a esta fusión la empresa cambio de nombre convirtiéndose en lo que nosotros conocemos como Digidesing. Al principio se encargaron de crear el software que ayudaría a trabajar a las diferentes marcas de sintetizadores que existían en el mercado, como AKAI, ROLAND  y por supuesto E-MU.

Paso siguiente.
El paso normal de esta empresa  era la creación de su propio software, en 1989 lanzan Sound tools, un sistema de grabación en disco duro completamente basado en una computadora como estación de trabajo.
Desarrollar este sistema necesitaba de requerimientos técnicos, capaces de realizar los procesos de manera eficiente y sin que el sistema colapsara; esa fue la razón principal por la cual los creadores de Digidesign se plantearon el uso del sistema Mac.
 La razón era simple. Macintosh diseñaba sus computadoras pensándolo como en un todo, sus componentes son más estables,  sin problemas de compatibilidad, caso contrario a las PC,  que al utilizar diferentes  fabricantes los componentes, necesitaban de una mayor configuración para volver estable el sistema.

Hardware/ software
El primer Protools fue lanzado en 1991. Era una versión mejorada del Sound tools, siempre  tomando en cuentaque  una estación de audio digital debe ser  diseñada  desde la visión de hardware y software.
En pocas palabras, Digidesing nunca dejó  todo el proceso de digitalización de audio a  los componentes propios de una computadora, simplemente vio en Mac la oportunidad de  estabilidad en un sistema, pero el proceso lo generaba el mismo hardware que ellos fabricaban.
Desde la primera versión hasta la versión 8 Pro tools vendrá acompañado de su propia interface en las versiones más básicas  y con sus superficies de control como suplemento de los equipos más  costosos.

¿Por qué Pro tools se ha convertido en estándar?   
Mac en sus inicios podía presumir de la estabilidad  y rendimiento, razón por la cual  usar una plataforma Mac en proceso de diseño, imagen, sonido y video  era la solución  para conseguir lo mejores resultados.
El triunfo de Digidesing se basa en afianzar un producto que se volvió sinónimo de calidad y estabilidad. 
Podrías no saber absolutamente nada de audio digital,  pero sí confiar en la marca Apple  como sinónimo de calidad. 
Así todos los programas que trabajaran con sus sistema operativo tendrían de una calidad irreprochable.
Otra alianza estratégica  para que Protools se volviera el estándar, fue la compatibilidad para trabajar bajo sistemas de edición creados por Avid. 
Actualmente la compañía digidesing ya forma parte del conglomerado de Avid.
Con estos dos aliados, Pro toosl se creó un nombre dentro de la industria, volviéndose un estándar en el mercado de la audioproducción.

 ¿Pro tools es el genio?
 Yo diría que es una simple herramienta como muchas otras, es un estándar  para calificar. 
La calidad de un producto, al final del día, provendrá del genio. En este caso, será la creatividad y capacidad del ingeniero productor o músico de explotar esta herramienta.
 Pro tools es bueno, tiene ciertas ventajas y desventajas con respecto a otras plataformas,  pero  su éxito está basado en que siempre fue pensado para tener de soporte una computadora y nunca para hacer de esta la parte esencial de sistema.
En la versión 9, Digidesign abre la posibilidad de utilizar Protools con otras interfaces... pero eso es otra historia que abordaremos en unos blog más... 
 Raúl Beltrán realiza diseño de sonido en Ad Libitum Estudio

lunes, 19 de agosto de 2013

Ingeniero en Audio... ¿Porqué nadie nos reconoce?



De un tiempo a acá, se han incrementado el número de escuelas dedicadas a la audio producción.
Desde pequeños estudios que comparten las bases técnicas, hasta escuelas sofisticadas de alto costo, que aseguran un lugar en esta industria.

Sin embargo, existe un elemento difícil de abordar... Ninguna tiene validez oficial.

¿Porqué? Independientemente de las ganas o desatinos de la SEP por evaluar un programa de audio reduciéndolo a un curso de operación para radio o audio para TV, al ingeniero en audio se le sobrevalora por el aspecto educativo y se estanca en una espiral que obliga a generar más problemas en la industria.

Los baches clasificatorios

El primer problema que se topa la SEP es saber que somos:

Ingenieros: Porque conocemos de procesos eléctricos y electrónicos. En mi gremio, la mayoría se ofende cuando les pido reconozcamos que no todos tenemos ese rango, puesto que aunque el título es rimbombante, no todos diseñamos sistemas electrónicos. Tal vez, elegimos diversos aparatos para obtener ciertos resultados y utilizamos nuestros conocimientos en electrónica o electricidad para compatibilizarlos. Pero insisto, pocos hacen este trabajo de diseño en aparatos.

Operadores de audio: Porque sabemos como utilizar en lo técnico un dispositivo electrónico o digital. Reconozcamos primero que saber que plugin combinado con que hardware va a dar cierto sonido, se refiere a un uso "creativo" del aparato. Pero saber que botón apretar para que se escuche, como utilizar un ecualizador, como conectar y prender un procesador, son meras prácticas operativas.

Productores: Trátese del tipo de producción que sea, utilizar nuestros conocimientos para desarrollar audio producción, son HABILIDADES y EXPERIENCIA que vamos recabando con el tiempo. Aqui si cuenta decir que utilizar un SM57 en un ampli de guitarra, tiene que ver con el tipo de sonido que queramos generar. Que elegir los parches de una batería, o cambiar un amplificador por un preamplificador de cierto tipo, nos hará suceptibles de moldear el sonido que tenemos.

Los baches de conocimientos

Actualmente se busca hacer todo y de todo. Basta conocer un poco de samplig para mentirle a un cliente sobre saber hacer diseño de sonido, o tener una embarrada de conocimientos musicales para decirse productor.

Estas mentiras "piadosas" no permiten que se sepa, que hace quién, para qué y porqué. Dificulta la clasificación del individuo y sobre todo, multiplica funciones para esta labor.

El gremio es culpable de no comprender, que si sigue insistiendo en hacer algo que no sabe a profundidad, simplemente va a quitarle el pan a quien sí lo sabe hacer, obligándolo a meterse en un campo donde tal vez el primer ingeniero es experto, quitándole mutuamente la chamba.

 Las nuevas opciones "universitarias".

Las universidades privadas como el Tecnológico de Monterrey, UVM y demás escuelas de alto costo y baja calidad educativa (sin ofender, se acaba de realizar un estudio donde sólo 21 escuelas de tipo particular tienen una calidad educativa "suficiente" y el resto no cumplen con las mínimas normas del a SEP, en las que ninguna de estas 2 escuelas figura), están empezando a promover "Licenciaturas en Audio Producción y Video" como si de lanzar palomitas a los patos se tratara.

Estas licenciaturas, están disfrazadas de Audio y video producción. La mayoría son Licenciaturas en Comunicación, con talleres agregados de audio y video, que no cumplen siquiera con estándares y reglas profesionales. Son talleres donde se les enseña que el RCA es un tipo de conector suficiente para generar audio. O que una computadora con adobe premiere, puede producir en minutos una película o campaña comercial impresionante.

Estas "universidades", simplemente contribuyen a la saturación del mercado. Su credibilidad no se daña porque en México, la palabra Universidad, tiene que ver con calidad. Pero el alumno quedará irremediablemente frustrado por no poder ser el siguiente Bob Clearmountain o Steven Spielverg mexicano. Estas licenciaturas también "asesinan" la creatividad, pues los maestros, a pesar de estar capacitados (en la mayoría mediocremente), enseñan a utilizar las herramientas en forma de imitación en vez de promover la creatividad.

Conclusiones

El largo caminar en la búsqueda de un reconocimiento o título para el "Ingeniero" en Audio, no se terminará, hasta que exista un verdadero diálogo entre las entidades propias del gremio.
Es cierto que ha habido intentos por regularla, sin éxito, porque normalmente son buscadas como oportunidades de negocio, más que como reconocimiento académico.

El gremio también está dividido entre los que saben, los que deberían, los que no llegan a saber y los que de plano no saben nadita sobre la industria, pero que todos los días buscan quedarse con un porcentaje de los pocos recursos que fluyen en una industria cada vez más incipiente y en crisis por la falta de creatividad.

Me duele aceptar y decir, que en el medio actual de la audio producción, nos comportamos como tiburones a la caída de una presa, sin pensar, que tal vez en otro espacio, una foca está lista para ser digerida por nuestra especialidad.

Así, con este regreso a clases, quiero pensar que haremos una reflexión donde escuela, estado y gremio, seamos capaces de conocer nuestros límites, compromisos y responsabilidades, como para poder levantar la mano y poner los pilares para resolver esta controversia en unos años más.

Rafael Mendoza produce,graba y moldea audio en Ad Libitum Estudio
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viernes, 16 de agosto de 2013

George Johnson: El esclavo que grabó un disco...







George Johnson: El esclavo que grabó un disco

Por Rafael Mendoza


Mucho antes de que nos peleáramos por la popularidad, los hits del momento y el Salón de la fama del Rock, las cosas de este mundo ya estaban de cabeza.

La esclavitud en nuestros días se sigue llevando a cabo bajo distintas situaciones y modalidades, que no extenderé por tratarse de un tema sobre producción.

En 1891, los estudios de grabación no tenían el glamour que tienen ahora.. La poca preparación de esta incipiente "industria" se centraba en la adquisición de material para grabar y vender.

Las disqueras primigenias, tenían talentos a la mano en busca de satisfacer la necesidad de música grabada para los nuevos fonógrafos.

George Johnson, nació en medio de una familia de esclavos  en Virgina EUA por ahí de 1840. Junto con su familia fué liberado en 1853 y vió pasar la Guerra Civil.

Vivía de silbar en los botes con ruta a Nueva York durante 1870, hasta que fué descubierto y grabó en 1891 el tema "The Whistling Coon" (El silbador estúpido).

Es una de las primeras grabaciones Afroamericanas, que se convirtió en éxito en su tiempo.

Escogí el tema para ilustrar como la música y principalmente la cultura popular se abre camino entre las descalificaciones, racismo y xenofobia marcada por la condición social de un país.

Johnson no se imaginó, que su grabación podría servir en un futuro, como un mensaje de cordialidad entre las razas que provocaron una guerra civil en su país.

Aunque vivió una vida controversial, pues fue acusado de matar a su novia alcóholica, trascendió más su juicio que el legado musical y social que dejó impreso en esta grabación.

Nos vemos el lunes y espero disfruten tanto como yo este documento histórico...

Rafael Mendoza es productor en Ad Libitum Estudio
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lunes, 12 de agosto de 2013

Preparando la batería para grabar....



Grabar una batería es un reto que muchos ingenieros prefieren dejarle a otras personas. A veces me ha tocado ir a checar un set que parece tener problemas en el cuarto de controles.

Hay elementos básicos a comprender en la forma de grabar una batería. Es un instrumento complejo porque requiere de cuidados específicos pero mínimos para obtener un buen sonido.

Aquí las consideraciones más comunes para grabar una batería.

1.- El Kit

El set de un baterista deberá adaptarse lo mejor posible al estilo que se va a grabar. Una tarola de metal puede no ser muy útil en una balada pop.

Una regla que siempre se cumple es: " El número de tambores y platillos, es directamente proporcional al ego del baterista".

Elegir un set simple es una mejor opción para todos, puesto que ahorra tiempo no sólo en grabación sino en la mezcla. Mucho tiempo se utiliza en la configuración de la batería, para que después solamente sean usados 3 de los 8 toms,  o 4 de los 12 platillos diferentes.

2.- Los parches

Un baterista dedicado, sabrá exactamente que tipo de parches puede utilizar para ciertos estilos. Gran parte del sonido de un track depende de la combinación parches/tambores. Una tarola con un parche negro de doble capa, puede ser demasiado para un tema latino. La combinación de parche superior e inferior también influye en el sonido final.
Cambiar los parches cada 6 meses o 1 año es una buena opción para el baterista en vivo. Para grabar, por lo menos el parche debe tener instalado de 5 a 10 días y bajo un uso de entrenamiento normal para asentarlos.

Parches viejos ofrecen un sonido opaco y la definición o golpes suenan "embarrados" en la mezcla.

Afinar debe ser una habilidad nata para tí en estos momentos. Si no tienes la experiencia haciéndolo, permite al ingeniero o consigue alguien más experimentado para llevar a cabo este trabajo.

3.- Platillos

Elegir los platillos puede salvar tiempo en el estudio. Series económicas de fabricantes conocidos, pueden sonar bastante "metalicos" y pesados. Aunque sean nuevos, los transientes y construcción de este tipo de platos, no es la adecuada para grabar. Las series intermedias o más brillantes, colaboran a la colocación adecuada de micrófonos y se separan bien por encima de los toms y tarola.

El decaimiento del platillo, debe ir acorde al estilo. Un platillo demasiado extenso puede estorbar en un tema rápido. No siempre se puede tener un set de platos diferente, pero puedes elegir los más adecuados para tu estilo.

4.- Baquetas

De igual manera, las baquetas deben ser tus herramientas preferenciales. Un buen baterista, lleva consigo varios modelos en madera o nylon, para obtener el mejor sonido y sustain en los platillos y parches. Nuevamente es un poco de práctica y ensayo antes de entrar al estudio para elegir tu mejor sonido.

5.- El cuarto

Un cuarto de grabación para una batería debería tener un techo alto, a fin de permitir una colocación adecuada para overheads. En una batería, el 75% de su sonido final, depende de las reflexiones del cuarto donde se graba. Por ello, cuando sacamos un kit al aire libre, se utilizan los muros de plexiglas. Microfonear el cuarto también ayuda en la mezcla a darle más profundidad al sonido de la batería. Un ejemplo puede ser el tema "Bohemian Rhapsody" de Queen, o  recientemente el tema "Roumor Has It" de Adele. Escucha el uso de un buen cuarto en ambas grabaciones.

6.- El Baterista

Finalmente, el elemento que pone el 70% del sonido es el baterista. Grabar para el tema es muy diferente que grabar lo que sientes. A menos que estés muy seguro y que tengas la libertad del productor de proveer un sonido al tema, debes apegarte a lo que el tema tiene que decir.

Conclusión

Obtener un buen sonido de batería depende de muchos factores. Una base sólida y rítmica bien ensamblada, hacen la diferencia al momento de mezclar. Existen muchas técnicas para desarrollar una buena base rítmica. Pero todavía no inventan un plugin que ofrezca "musicalidad" a los tracks.

Nos vemos mañana. Gracias por superar las 2500 visitas y seguimos contando.. estén al pendiente del boletín el miércoles.

Rafael Mendoza es productor en Ad Libitum Estudio
blog@adlibitumestudio.com

viernes, 9 de agosto de 2013

John Cage y su 4'33"·....


En la música, la combinación de sonidos y silencios, constituye la base musical de cualquier género. Desde las ancestrales percusiones aztecas, hasta la música fusión contemporánea experimental, el silencio es fundamental para conseguir, que las notas vivas tengan su carácter interpretativo.

John Cage, sabía perfectamente el significado de silencio. La idea nace de una visita que tuvo a una cámara anecoica en la Universidad de Harvard. Las cámaras anecóicas, son diseñadas expresamente para medir la intensidad sonora y hacer pruebas de respuesta de frecuencia sin ruido exterior.

Una particularidad de visitar la càmara anecóica, es percibir al sistema nervioso como un sonido alto y a la circulación del cuerpo como un grave. Estos ruidos corporales, inspiraron a recrear en vivo a John Cage su obra 4'33".. (descrita como Cuatro Treinta y Tres). Está separada en 3 movimientos.

La partitura puede ser ejecutada por cualquier instrumento y además debe ser ejecutada con reloj en mano.

Los movimientos son marcados a veces con la batuta o con ciertos gestos del intérprete para denotar el primer, segundo y tercer movimiento.

Es la obra más polémica de Cage y en su momento se le tachó de ofensa musical. 

El video de hoy corre a cargo de la Orquesta Sinfónica de Londres en un especial para la BBC. 
Es impresindible usar audífonos y es impresionante sentir este tema durante su extensión.
Mantenerse en silencio 4 minutos y 33 segundos puede convertirse en un acto de transportación, a una dimensión musical diferente.. Una donde el silencio, es el rey de la partitura.





Nos vemos el lunes

Rafael Mendoza es productor en Ad Libitum Estudio

jueves, 8 de agosto de 2013

El sonido a través de la historia.... (Parte I)


El sonido a través de la historia.... Parte I


En una pequeña plática con un grupo de amigos, me preguntaron cuáles serían los hechos históricos que podrían definir al sonido en su historia.

Aunque respondí con unos pocos ejemplos, la duda me hizo indagar más a fondo y creo que encontré algo más allá de la invención de Edison o los descubrimientos de Hertz.

Los pongo en un listado y orden cronológico, puede que falten algunos, si es así, me gustaría me ayudaran con esta tarea.

A.C.25-45000 Primeros instrumentos musicales

Se han encontrado en tumbas ancestrales, intentos de instrumentos como flautas de hueso, cañas y cueros percusivos.

500 A.C. Anfiteatros griegos

Los primeros anfiteatros se diseñaron para maximizar la audibilidad del teatro o discrusos politicos.

25 de Nuestra Era Teatros Romanos

Los teatros romanos, fueron los primeros en utilizar tecnologías y técnicas de acústica.

1626 Francis Bacon escribe "New Atlantis" (Nueva Atlantis).

Una novela utópica donde las invenciones son tan ingeniosas como extraordinarias para su tiempo. Predijo la grabación de sonido en estudio, en las frases :

"We have also sound-houses" "We represent small sounds as great and deep""We represent and imitate all articulate sounds and letters" .

Traducción:

Tenemos Casas de sonido, "Representamos sonidos pequeños, grandes y profundos" (volumen y frecuencia). "Representamos e imitamos todos los sonidos articulados y letras" (Grabación).

1877 El fonógrafo de Edison.
Edison desarrolla el primer sistema de grabación, sin embargo, se conoce una técnica diferente usada por otro inventor de forma más básica. En años recientes se pudo recuperar la primer grabación realizada en cera por este invento.

1887 Grabación de Disco Circular Por Emile Berliner
Hasta ese momento, las grabaciones eran realizadas en cilindros. Es hasta que Emile Berliner desarrolla el primer intento de cabezal para "cortar masters"

1896 Marconi patenta un invento de transmisión sin hilos

La primera patente de la radio, aunque en un solo país y utilizando para su realización catorce patentes de Nikola Tesla, verdadero inventor de la radio junto con Julio Cervera, quien la registró el 2 de julio de 1897 en el Reino Unido. 

Un año después de la primera transmisión sin hilos, Marconi patentó su invento y los ingleses concedieron al joven inventor de veintidós años de edad una subvención de 15.000 francos. De ahí en más, el éxito no se hizo esperar. 

Por pedido del gobierno francés hizo una demostración práctica de sus descubrimientos en 1899, estableciendo comunicaciones inalámbricas a través del canal de la Mancha. 

El 27 de marzo de 1899 consigue el enlace a través del canal de la Mancha, entre Dover (Inglaterra) y Boulougne (Francia), a una distancia de 48 km, en lo que fue la primera transmisión entre ambos países. 

Cabe aclarar que el 21 de Junio de 1943 la Corte Suprema de los Estados Unidos otorgó los derechos de las patentes a Tesla y no a Marconi por la invención de la radio.

1898 Telegraphone

Valdemar Poulsen inventa el Telegraphone, la primera grabador magnética en cilindros similares a los de Edison

1906 Multiphone

Edison extiende su invención al Multphone, el primer sistema que almacena melodías y grabaciones para reproducir en orden secuencial, antecesor del Lp, Walkman, Discman y reproductor de archivos multimedia.

1913  Art Of Noises Manifesto
Escrito por Luigi Russolo, es una carta que escribe a su amigo Francesco Balilla Pratella, músico y futurista.
En el, Russolo considera que el oído humano se ha acostumbrado a la velocidad, la energía y el ruido del paisaje urbano e industrial. Además, esta nueva paleta sonora requiere de un nuevo acercamiento a la instrumentación y composición musical. Por ello propone un número de conclusiones acerca de como la electrónica y otra tecnología podrá permitir a los músicos futuristas "sustituir la limitada variedad de timbres que una orquesta procesa hoy por una infinita variedad de timbres que se encuentran en los ruidos, reproducidos con los mecanismos apropiados".
El arte de los ruidos está considerado como uno de los más importantes e influyentes textos del siglo XX en estética musica
1914 Primer concierto de Intonarumori en Milán
Declarados "entonaruidos", los aparatos de Russolo interpretaron el primer concierto de música futurista en Milán. Por primera vez, los conciertos no eran dados por instrumentos, sino por cajas con bocinas reproductoras.

1920 El Theremin
Lev Termen, inventa el primer dispositivo que trabaja de forma electrónica. Utilizando frecuencia y amplitud como base, establece los primeros intentos de usar la síntesis sonora.

Primer Estación Radio comercial

En Pittsburgh U.S.A., se establece la KDKA, la primer estación de radio comercial, que proveía servicios musicales y de noticias.

1927 Primer película sonora
The Jazz Singer, rompió el silencio del celuloide en 1927. "Wait a minute, wait a minute, you ain't heard nothin' yet" es la primer frase que se pudo escuchar en el cine. Ya nada fué igual.


1931  Apertura de los Abbey Road Studios

No se llamó oficialmente así hasta 1971.  Estableció los primeros parámetros y desarrollo de equipo de grabación ante las necesidades de obtener mejores sonidos y mejores estándares.
Arrancaría así, uno de los lugares más emblemáticos para la creación de audio producción

1933 Invención de la rockola.

La llegada de los nuevos éxitos y crecimiento de las casas disqueras se debió principalmente a que estas máquinas se encontraban en fuentes de sodas, bares, restaurantes, tiendas de discos y hasta balnearios de la época. Tener una orquesta grabada y a disposición se pensaba sepultaría a la música como la conocemos. Sin embargo, permitió el éxito y reconocimiento a muchas otras que nunca hubieran pensado ser escuchados en múltiples lugares al mismo tiempo..

Con esto cerramos la primera parte de este tema..

Nos vemos mañana para otra entrega...

Rafael Mendoza es productor en Ad Libitum Estudio
blog@adlibitumestudio.com

lunes, 5 de agosto de 2013

Festivales Internacionales en México .. Ceguera cultural


Acabo de mirar el poster oficial de eventos para el Festival Quimera 2013 que se realiza en Metepec.

Este festival prometía mucho en sus inicios, pero poco a poco ha ido poniendo menos esfuerzo en su crecimiento. Independientemente si los recursos fluyen o no, estos intentos por superar el año siguiente es un punto que todo festival debe abordar.

La realización de los festivales culturales, tiene muchísimos errores de tipo técnico, administrativo y en desarrollo. A diferencia de festivales fuera de nuestro país, organizamos este tipo de eventos como si se tratara de la fiesta express en la sala de la casa.

¿Cómo se paga un festival cultural?

Un festival se desarrolla en 3 partes. Conaculta otorga en alianza con el municipio, estado o entidad cultural regional, un alto porcentaje de los recursos a utilizar en este tipo de eventos.

Los porcentajes varían, pero en situaciones como Quimera o Festival de las Almas, su participación puede llegar a ser entre 50 y 60 %.
Otra parte es añadida por el municipio y la comunidad que interviene en la preparación del evento. Finalmente los patrocinios complementan los recursos para este tipo de eventos.

De entrada, decir que Quimera es de Metepec, ya tiene un problema de asignación. Puesto que los recursos no provienen al 100% del municipio, la mampara política que se crea desde este tipo de eventos, catapulta a un sin número de personajes en un área local.

Planeación a corto plazo

La mayoría de estos festivales se planean hasta con 2 años de antelación en algunos casos. Cualquiera pensaría que  este tiempo es suficiente. Pero un Festival INTERNACIONAL, se planea desde 4 o 5 años antes de que ocurra...  Esto permite obtener a los artistas más recientes y exposiciones más importantes en lo que se llama "temporada cultural". En estas etapas, las exposiciones, interpretaciones y transporte de los artistas se facilita porque se integran a los tiempos libres durante las giras culturales.

Cuando se contratan artistas fuera de su "temporada cultural", todo se complica. Se tiene que pagar el tiempo adicional que los artistas dejan su fuente de empleo en otro país o zona para asistir al festival, el movimiento de la infraestructura tiene que ser "recontratado" y sale más caro que si hubiera sido contemplado en una fecha de temporada.

Receta para la iniciación en el desarrollo de un Festival Cultural

Un Festival puede volverse exitoso si no se piensa solamente en un año. Con esto no quiero decir que puedo instalar uno en 6 meses. Simplemente que considero que hay fallas clave que han impedido crecer a estos festivales:

1.- Credibilidad en el proyecto: Cuando un iniciador de festivales, considera que si el proyecto no llegara a funcionar, basta con que se pueda realizar el de este año, entonces está fallando.

Se debe preveer el crecimiento basado en los recursos de origen para el proyecto. Invertirlo todo en el primer año pensando que el segundo será más fácil, es un obvio error. Una sola inversión, podría cubrir en tamaño y perspectiva 2 o 3 Festivales venideros.

2.- Recursos dependientes del Estado: Pensar que todo el recurso será provisto por el cabildo, municipio, estado o Conaculta es otro gran error.

Existen opciones donde la comunidad puede integrarse como en los pueblos para crear una fiesta del Santo Patrono.. Sí... es competencia para la iglesia... así que hay que cambiar primero conciencias y después proponer el cambio.

3.- Falta de identidad: Terminado el Festival, todo mundo se siente Metepense... pero ¿que hay de sentirse un promotor cultural el resto del año...? ; total, ya no hay para los pulques hasta el otro año... ¿No sería mejor, mantener el movimiento cultural todo el año para incrementar las posibilidades de éxito y apoyo para el financiamiento del mismo?.

4.- Falta de órganos de información y difusión: Apenas hemos visto el nacimiento del canal cultural del Festival Cervantino... Pero se trasmite tristemente ¡¡¡ Por Cable!!!... Los órganos de difusión como periódicos, revistas, podcast, webcast están desaprovechados y pueden sustentar empleos durante todo el año.

5.- Crear necesidad cultural: Esta es la parte más barata y más importante... también la que menos se realiza. La cultura no sólo está ahí a la mano.. debe crearse su necesidad y denotar su ausencia en situaciones socialmente importantes. Los problemas de alcoholismo, drogadicción, ruptura social y problemas de neurosis social, pueden ser combatidos a través de la cultura. No pido que regalen instrumentos a todo mundo.. ¿pero sería tan difícil contratar a un "juglar cultural"?.

Conclusión

Los Festivales locales como Quimera, sufren y padecen por mantenerse vivos. Es una tarea que no se puede otorgarle al Estado porque es el menos preparado e interesado en desarrollarla, a menos que sirva como acto político. Es la comunidad y las organizaciones artísticas quienes deben de tomar en sus manos, la administración cultural, social, económica y académica de las artes.

Hay que dejar a un lado el pensamiento, de que sólo la administración pública tiene la facultad de crear estos espacios. Son Festivales burocrático-políticos que simplemente ayudan a la ignorancia y al desconocimiento, al disfrazar la visita de Espinoza Paz o Caifanes como evento cultural.

Debemos pues, organizarnos y robarnos públicamente los espacios donde se puede crear cultura... están abandonados y deseosos de ser un santuario apropiado para el crecimiento social.

Rafael Mendoza es productor en Ad libitum Estudio
blog@adlibitumestudio.com

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