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viernes, 12 de julio de 2013

Imagine: Un álbum que cambió a la sociedad...






Imagine: un álbum que cambió a la sociedad...


Para este viernes de video, quiero recomendarles este documental que seguramente cumplirá con las expectativas.

Cuando se realizó el álbum Imagine, se produjo de una manera espontánea y se consolidó como el álbum que marcó su identidad. Sin embargo, este documental también revela aspectos comunes de una sesión de grabación. Para quienes viven estos momentos, no siempre se encuentra uno con genialidades. En lo personal me vi reflejado ante procesos y trabajos creativos que aunque pasaran horas, no se sienten pesados por la calidad interpretativa, musical y creativa de ciertos trabajos..

Disfrútenlo y nos vemos el lunes.


jueves, 11 de julio de 2013

5 elementos claves para una mezcla decente...




5 elementos claves para una mezcla decente...


Cuando hablamos de mezcla, siempre pensamos solamente en música, dando prioridades a sonidos más que a la visualización de la misma. Y es que el sonido no se ve; se escucha, se siente y por ello la mezcla se convierte en la plancha de trabajo para el ingeniero en audio.
Nada es más intenso a la hora de postproducir que tomar las decisiones sobre la mezcla.
No importa el género de audio producción, tarde o temprano, la mezcla es el punto crítico sobre el cual recae que los mensajes sean claros y directos.


Existen 5 elementos clave que pueden hacer una buena mezcla. Con ello no digo que sea simplemente aplicarlos, sino que son elementos de arranque para poder aplicar más alla los conocimientos básicos.

Mezclar a diferencia de lo que se puede pensar, tiene en un principio más de técnica que de arte.  Debemos bajar del pedestal la situación donde comparar nuestras mezclas con las de los Beatles o el disco negro de Metallica nos hace sentir miserables.

Vuelvo a repetir... la mezcla es más un proceso técnico que artístico. La analogia clásica es un edificio. Si no tiene buenos cimientos, ponerle acabados de primera clase no tiene caso. Por ello considero que lo artístico de una mezcla es sólo el 20%.

Ya sé que me van a decir: "El Dark Side of The Moon de Pink Floyd es una obra maestra de la ingeniería". Lo que debo corregir es que ese trabajo se realizó en la producción, no en la mezcla.
Sí... tuvo mucho que ver la forma de mezclar de Alan Parsons... pero la idea creativa, lo artístico por así decirlo, provino de la banda.

3 Bases fundamentales

Para crear una buena mezcla, el ingeniero debe tomar en cuenta 3 bases fundamentales: Altura, profundidad y apertura.

La altura es manejada por el rango de frecuencia y es lo que comúnmente utilizamos para comparar una mezcla con otra. La cantidad de graves y agudos. El cliente lo visualiza como brillo y opaco.

La profundidad se obtiene a partir de la aplicación de efectos como reverb o delays. También se puede obtener en el momento de grabar el cuarto. Un ejemplo claro, cuando habla Dios en los Spots y se escucha omnipresente con una reverb.

La apertura, tiene que ver con colocar los diferentes sonidos en el panorama estereofónico. Bruce Sweden, productor de Michael Jackson también hablaba de la apertura estereofónica en sentido a la profundidad.

5 Elementos clave para una mezcla de arranque

1.-  Balance: se refiere al nivel o intensidad de volumen relativa entre instrumentos. Demasiado volumen de una voz puede enmascarar fácilmente la línea melódica del piano y viceversa. Ubicar tus elementos con más volumen, significa acercar al escucha un instrumento.

2.- Rango de frecuencias: Es cierto que todos los instrumentos tienen una parte del espectro completo de frecuencias, pero en algunos, muchas de ellas salen sobrando. Ecualizar es la técnica que permite elegir y resaltar naturalmente las características de frecuencia en cada instrumento. Si tienes un bajo y una voz chillona, no le subas graves a la voz. Prefiere siempre atenuar las frecuencias que te molesten.

3.- Panorama: Ubicar los elementos entre izquierdo y derecho es un concepto para mí, muy radical. Yo te sugiero dividir tu campo auditivo en 5 partes. Izquierdo externo, izquierdo interno, centro, derecho interno y derecho externo. Es mejor ubicar los instrumentos con más separaciones que simplemente L o R.

4.- Ambiente: Agregar profundidad a través de la inserción de reverbs o delays te permite obtener mejores resultados que sólo manipular el volumen y paneos. Prefiere los reverbs cortos para definición y los largos para profundidad o ambientación. Los delays utilízalos con discreción si sólo quieres maquillar el sonido.

5.- Dinámicas: Muchos ingenieros primerizos, pasan por alto le proceso de automatización. Aprende a utilizar tu software en este sentido y dale un caracter interesante a cada elemento conforme se desarrolle el tema. Un tema muy lento y bastante repetitivo puede ser escuchado por horas cuando se aplican elementos de automatización que estimulan la percepción del escucha.

El elemento humano

Yo agregaría el elemento que sigue a esta base. Hacer una mezcla interesante no significa solamente ponerle tu estilo. Significa que siempre busques el punto artístico. Y me refiero principalmente al detalle de elegir la cantidad de repeticiones, el nivel de la reverb en algunos espacios. El sonido de una tarola puede aportar más que simplemente un beat. Atado a un delay y filtrado adecuadamente, puede complementar una base rítmica pobre (Génesis o Phil Collins utilizan mucho este tipo de procesamiento).

Conclusión

Una mezcla es más técnica que arte. Con esto me voy a ganar varios detractores. Lo cierto es que para que Bob Ezrin tuviera que remezclar Destroyer de Kiss 30 años después o inclusive Alan Parson hacer un retoque de su obra maestra "Dark Side Of The Moon", es porque las limitaciones técnicas no dejaron un buen sabor de boca a su productor al 100%. 

Escuchen las comparativas de estos 2 materiales y analicen si las decisiones se tomaron por técnica o por sentido artístico. Yo en lo personal creo que ambos optaron por volver más claro el mensaje y la herramienta se los permitió. Si hubieran agregado elementos a los ya mostrados, entonces considero que sería una desición más artística.

Nos vemos mañana y nos preparamos para el fin de semana.. saludos

Rafael Mendoza, es productor en Ad Libitum Estudio

miércoles, 10 de julio de 2013

¿Por qué un tamalero tiene más clientes que un spot mal producido?







¿Por qué un tamalero  tiene más clientes 

que un spot mal producido?

Por Raúl Beltrán


Para Stanton, Walker y Etzel, autores del libro  “Fundamentos de Marketing", la publicidad es una comunicación no personal, pagada por un patrocinador claramente identificado, que promueve ideas, organizaciones o productos. Los puntos de venta más habituales para los anuncios son los medios de transmisión por televisión y radio y los impresos (diarios y revistas). Sin embargo, hay muchos otros medios publicitarios, desde los espectaculares a las playeras impresas y, en fechas más recientes, el internet



 La publicidad en radio es uno  de los medios más eficaces para promover un producto, tiene varias ventajas  sobre la publicidad en otros medios como la televisión prensa y  la publicidad en la red, pero para aprovechar estas ventajas también es necesario tener una buena producción del spot.

Esta responsabilidad en un mundo real  recae en un publicista, mercadologo y con el menor de los daños en un comunicólogo, sin embargo la mayoría de las veces esto será  responsabilidad de  un  promotor de ventas de la estación radiofónica, el cual bajo un  precio accesible te venderá espejitos dejando tu spot en una recitación de los datos de tu producto con el fondo musical de la  rola que esté de moda  en el antro al que frecuenta.

Pues bien en este post les dejare algunas de las  cosa que tenemos que tomar en cuenta para  producir una buena campaña en radio, ya que como sabemos es el mismo radio el mejor medio para transmitir ideas mediante nuestra materia prima que es el sonido.

 Tiempos y horarios.

Antes que nada la  programación  radiofónica está destinada para un público especial durante las  franjas horarias del día, no será el mismo público en las primeras horas de la mañana que  al medio día, por lo cual es importante identificar el horario que le convendrá al producto, y por ende el lenguaje que vas a utilizar, el ritmo que debe de tener el spot  he inclusive el timbre que deben de tener tus locutores.

 No podrás usar el mismo   lenguaje a las 7 de la mañana para un público que escucha un noticiario camino al trabajo o para un grupo de señoras que prenden el radio al medio día, mientras realizan  las actividades propias del hogar.

Un ritmo acelerado con tono fresco será mejor para un  producto que  quiere venderse a jóvenes  mientras que un  ritmo más relajado y con tono serio sería mejor para  los interesados en una programación de una emisora con un público adulto con un nivel económico más alto.

Una razón también para tomar en cuenta es que las estaciones que prometen grades periodos de tiempo tocando música, en sus cortes  tendrán también grandes  segmentos publicitarios por esto un  spot colocado en el medio de este tiempo  será probablemente el que menos  audiencia genere, pero si  tiene un buen ritmo y creatividad  puede ser uno de los que más  fijación en el escucha tendrá.

En cuanto a los tiempos recordemos que los spots irán desde los 20 segundos a los 45, por lo cual en muy poco tiempo, debes de atrapar la atención del escucha y convencerlo de las cualidades de tu producto o por lo menos dejárselo fijo en la mente.
Por eso cuando tu spot tiene sonidos que interfieran o que le generen ruido al público que busca este tendrá poco éxito, muchas veces usar el hit del momento enfocara la atención de oyente hacia otra cosa que no es las características de tu  seguro de auto que tratas de venderle.

Spot, jingle  y  sample.

El spot: conocido como cuña, es una inserción en la programación  radiofónica que nos presentar a un producto o servicio, generalmente es hablado  describiendo  las cualidades  del servicio  y sus usos, puede ser dramatizado o simplemente  una descripción. 
Debe tener la capacidad creativa de atrapar al cliente, los efectos de sonido son sutiles en el caso de la dramatización deben de ser considerados como  efectos que ayuden a  entender la situación.

Jingle: es una magia de la música capaz de resumir en unos segundos,  los beneficios del producto este tiene que tener una tonada pegajosa que se quede fija en el radioescucha. 
La letra de la canción debe de tener una chispa que al igual que un hit de verano nos ruede por la cabeza y la cantemos hasta cuando estamos bañándonos, si un tema  tiene esa capacidad de atraparnos con la música  seguramente  cantaremos esa canción al  tomar la caja en el supermercado.

Un sample: esto no existe teóricamente en los libros de mercadotecnia, es la forma más barata y menos producida  pero también es la que más  escuchamos, es cuando tomamos una muestra  o (sample) de una canción y lo ponemos de fondo durante el mensaje, esta  forma tendrá cierto éxito debido a que  la relación del producto con la canción de moda   genera un recuerdo momentáneo del producto pero en  la mayoría de los casos solamente   hará que se recuerde el tema musical y no el producto. 
Es la forma más barata de publicidad en radio  a  diferencia del jingle no tiene  que pagar a un músico que escriba la  canción ,o a un publicista que se rompa el coco unas cuantas horas en escribir una historia de 30 segundos, el sample  simplemente  usas una idea  de otro y no le pagaras ni un peso.

También tenemos que tomar en cuenta esas adaptaciones de  la letra a una música  que ya existe, si ese es el caso  hay que  pensar en que la letra debe de ser mucho mejor de la original,  pero la mayoría de los casos esto no sucede solo será un recuerdo pasajero , imagínate a una banda del bar tocando el cover de tu  grupo favorito, te traerá buenos recuerdos  te  hará cantar la canción pero siempre preferirás la canción con la banda original.

 Esa voz que seduce.

Así como cuando escuchamos una canción  que nos derrite y sentimos un susurro, la publicidad en radio  necesita de ese vehículo para que nos seduzca a comprar  el  nuevo  quita manchas, que nos convenza, que nos transmita una complicidad o nos dé una seguridad.

Ya hablamos de que el mensaje debe de adaptarse al público que buscamos con la voz ocurre lo mismo,  imaginemos un spot de un banco en el cual nos quieren dar la confianza y seguridad de que nuestro dinero están en las mejores manos, no usaremos una voz de un joven de 17 años, lo mismo ocurriría con una marca de ropa o una bebida que nos transmita frescura, diversión relajación  usar una voz de un  hombre  muy seria  confundiría por completo  la esencia del producto.

Otro punto importante es que al igual que una  campaña publicitaria en una revista donde elijes a un modelo que salga en las fotos, seleccionar la voz que represente tu producto tiene que ver con la imagen que  quieras que se  construya dentro de la cabeza del escucha, un caso muy especial es el uso de una voz institucional, es la voz que será la  representación de todos los conceptos que maneje tu empresa, los valores los objetivos que persigue.


El logotipo sonoro.

El Diccionario de Marketing de Cultural S.A., define al logotipo como el "símbolo que utiliza normalmente una empresa o marca para que la identifiquen con más facilidad",

Este termino de logotipo está ligado al diseño gráfico, ¿ es posible  generar un sonido distintivo de una marca?, recuerdo la primera vez que vi la película Wall-e, la  risa de quienes estaban en la sala al escuchar que  al cargarse la batería por completo del robot,  se escuchó el sonido típico de una Mac al arrancar.

Un solo sonido puede identificar una marca, Nokia  es un ejemplo  por antonomasia de esta práctica,  y si el radio es el medio  sonoro más importante   deberemos de explotar la posibilidad de construir un logotipo o un símbolo sonoro para que el posible comprador tenga fijada nuestra marca.



Conclusión ¿porque un tamalero vende más que un spot mal producido?

 Porque tiene definidos a su clientes, tiene un mensaje corto pero  que genera le idea de lo que es nuestro producto, su voz es  la indicada para venderlo, el horario en el que lo escuchamos es el mejor momento en el cual nos puede satisfacer o crear nuestro antojo y por ultimo ese sonido  característico de la grabación de los tamales  nos crea un logotipo sonoro.

Antes de despedirme quiero a agradecerle a  Elizabeth Bernáldez excelente mercadóloga que con su agradable platica y conocimientos  motivaron este blog.

 Raúl Beltrán Comunicólogo, colaborador y diseñador de sonido en Ad Libitum Estudio
Elizabeth Bernáldez es Mercadóloga de tiempo completo en Mujeres de Empresa 
y  Maestra en Mercadotecnia en Red de Universidades Anáhuac.

martes, 9 de julio de 2013

Música por internet: El nuevo problema de la industria



Música por internet: El nuevo problema de la industria...

A inicios del año 2001, la pelea de Napster contra la corte americana por violaciones a los derechos de autor llegó a su fin, obligándolo a pagar 26 millones de dólares a disqueras por daños y otros 10 millones por futuras licencias de distribución.

Se inició entonces un nuevo cuestionamiento sobre la forma de vender música en internet, recuperar la inversión y detener la avalancha de descargas. Cualquiera podría postear el álbum más reciente de una banda en minutos y distribuirlo masivamente sin costo alguno.

Así, tiempo después inician los primeros servicios de gestión de descarga programada y con sistemas automáticos de cobro como iTunes y Amazon music.

Al principio, la mayoría descargaba su material y se sentía orgulloso por tener su ipod o reproductor cargado con música y licencias originales en soporte de su artista. Hasta que se dieron cuenta que había un problema con este sistema

¿Quién se llevó mis canciones?

La portabilidad, es una de las principales características que dan soporte a la idea de comprar un reproductor portátil de archivos en diversos formatos. Es cómodo, ligero y práctico. Con almacenaje suficiente para integrar librerías o múltiples opciones musicales que permiten horas y horas de música contínua, selecta y personalizada.

Sin embargo, unos años después la gente se dió cuenta que gastaba mucho en archivos que casi no escuchaba. Es decir, en promedio a inicios del año 2006, un escucha promedio gastaba unos 100 dólares en compra de música online para poseer su licencia de uso. Tarde o temprano, el cliente tenía suficiente música como para considerarse "lleno". CDs o DVDs se convirtieron en la tumba que almacenaría un archivo común en diversos espacios.

El intercambio de archivos no se detuvo y las opciones como Bluetooth y memorias SD intercambiables, afectaron el servicio de descargas pagadas.  Nuevamente había que buscar un culpable.

La respuesta de la industria

La piratería se volvió a convertir en el monstruo por excelencia de la industria. El soporte a iniciativas como SOPA, sirvieron para cubrir la ingenuidad y fallas en el diseño de estrategias para asegurar un mercado online.

Apresurados por la visión que Napster concibió, la industria estableció una caja virtual de cobro que se limitó a recabar "lo posible" en sus sitios de internet, ofreciendo como todo, algo a cambio. En este caso un archivo. 

La volatilidad de este producto quedó probada cuando las fallas en discos duros, memorias usb, transferencias de datos y falla en los servidores dejó aislado al cliente de su mercancía.

Sólo algunas empresas como Last.fm vieron venir este problema y se anticiparon a mejorarlo.

La nueva era de venta digital.

Last.fm cambió su enfoque para vender algo que el cliente añoraba más. Al existir archivos comunes, no se dedicó a vender copias de los mismos, sino poner el mismo archivo a disposición de muchos, salvaguardando en el proceso espacio de almacenamiento. Nunca perderás una canción comprada en este sitio, porque si así ocurriera, estaría garantizada su accesibilidad sin que tuvieras que invertir un kilobyte de tu reproductor. 

Con ello, Last.fm devolvió el reproductor a sus clientes. El control de lo que conservaba y lo que no. Por ejemplo, no tiene caso tener 1 GB de música selecta, cuando al ser borrada se sustituye por un video con el pastel de cumpleaños del abuelo, la primera palabra de la sobrina o las fotos del viaje donde te encontraste a quien hace la voz de Leon O en la serie original (sí... para muchos eso es más importante que la versión perdida de Cheque en Blanco de Paquita la del Barrio).

Conclusión

Las nuevas estrategias de venta por internet, serán basadas no en la portabilidad, sino en la accesibilidad. Sistemas como iCloud y discos virtuales son cada vez más usados, dejando los escritorios limpios para las fotografías de graduación, los videos chuscos de los amigos y los trabajos importantes para el usuario. 

Almacenar arriba también tiene sus desventajas. Pero si ha de pagarse una cuota por mantener a salvo archivos que cualquiera puede tener, estamos ante la solución adecuada para la distribución musical.

Hay que pensar como músicos, productores y desarrolladores de audio producción, que nada nos pertenece del todo. Nuestra meta puede ser entretener, insertar, vender o colocar un producto de audio producción como negocio. Pero siempre habrá algo más importante por encima de nuestro producto y que decidirlo es tarea del usuario... 

Así que debemos trabajar duro, no sólo para proveer música. Sino para recrear una experiencia que el usuario haga suya y podamos quedarnos dentro de sus dispositivos o en algún lugar de su clóset en forma de CD de respaldo...

lunes, 8 de julio de 2013

Piratería: Síntoma de la industria..


Piratería: Síntoma de la industria...

La industria se ha valido de múltiples argumentos para mantener un sistema obsoleto, apartado de la liberación digital. No pretendo dar un discurso sobre como hemos llegado a la democracia en las redes porque para ello falta mucho y simplemente no hay una unificación de criterios. 

Lo que sí quiero exponer el día de hoy, es la base para comprender que el concepto piratería tiene ya muy poca validez, como un virus de computadora o las fallas de bugs en los videojuegos.


Robo o copia

El concepto original de la piratería tiene que ver con el asalto, un robo premeditado, planeado, que se lleva a cabo internándose en un barco para quitarle lo que lleva con lujo de violencia. Un despojo.
En los términos actuales, piratería se refiere a todo aquello que se ha tomado de una idea original, y se reproduce a una escala mayor o menor, con los mismos detalles pero diferencias suficientes para que sea considerado también un producto diferente. 

Las etapas de producción (pre, producción y post producción), no garantizan la calidad uniforme de un producto. Son etapas y procesos para aterrizar la idea creativa a un formato físico. Independientemente de la calidad de la idea original.

Niveles moralistas de la piratería.
Gracias a esta preconcepción de la piratería, no se analiza de fondo si un producto pirateable es de alta calidad. Una razón común para ello es identificar que lo más pirateado es también lo más comercial.

Para muchos artistas, ser pirateado responde a la idea de que una comunidad entera está dispuesta a obtener su arte por un costo bajo, más que por su calidad de maquilado. Pero también existen ideas elite sobre este cuestionamiento.

Es moralmente más indicado piratear a Moderatto, con la intención de que se acabe su negocio de difundir una idea light del heavy metal, o ignorando por completo la realidad metalera del país. Para otros muchos, es una indignación piratear el último disco de Paul McCartney, simplemente porque su legado musical se considera más relevante que el de Moderatto.

El mercado que cambió...

Los patrones de compra ya son irreversibles. Anteriormente, comprar un álbum implicaba escuchar todo el disco en busca de una interiorización, identificación y apropiación de la visión de un artista.
Dudo mucho que esta unión entre artista-admirador, se diera de una forma más natural en el caso de Lupita D'Alessio que en el caso de John Lennon. Simplemente porque la validez moral y de la audiencia influye en la importancia que tiene obtener el material de uno y otro.

Un pirata no vende discos y dvds copiados... vende la experiencia de unión entre artista y fanático al alcance de unos pesos. He tenido la oportunidad de visitar algunos puestos de piratería exclusiva, esos donde encuentras puros discos de grupos de blues urbano, los mismos donde Haragán y Cía, Three Souls In My Mind, Tex Tex, Banda Bostik y otros, tenían su espacio exclusivo. 

He escuchado a sus dueños hablarte de rarezas, historias, detalles de estas bandas que no conocería un fan común y corriente. También he visitado puestos de videos donde el dueño es un verdadero crítico de las películas. Pequeños Tarantinos que te avisan y previenen de "lo bueno y malo " de cada DVD. Algunos de forma apasionada te relatan su impresión sobre verdaderas obras maestras o ríen a carcajadas al recordar la última película de animación. Así atrapan al cliente. Esta pasión es deseable en Mix Up... en Tower Records o Discolandia. 

Una experiencia personal...

Todavía recuerdo una vez que con ánimo y armado de 300 pesos corrí a comprar el último disco de Kiss en vivo... Alive IV es una de las mejores obras de esta banda y al ver los trailers del DVD no se podía dejar pasar. Entré a la tienda y pedí el disco... tardaron casi 20 minutos en encontrar "lo que tenían nuevo"... Un disco de Kiss de 1977 Alive II remasterizado... El vendedor quiso venderme este material diciendo que "era la portada mexicana"...  Sonreí.. me dirigí a la caja a solicitar hablar con el gerente... Mi sorpresa fué mayúscula al informarme la cajera que acababa de hablar con el...

Conclusión.

La piratería no tiene su origen solamente en el mercado negro. Las empresas que se dedican a la venta y promoción del material grabado, no ponen especial atención a las necesidades de su mercado. Cuando entro a Mix Up, a veces parece que en realidad estoy entrando a un Wal Mart y buscando entre los discos atrasados lo que necesito. 

Si, tienen un panel de los nuevos lanzamientos.. pero cuando pides la opinión de un vendedor, no pueden librarse del peso y el lavado de cerebro al que son sometidos en su capacitación de venta para decir "no, el último disco de Kiss es una basura, pero le recomiendo a esta nueva banda que tiene..."  Y llegar a tu casa convencido de escuchar a estas nuevas bandas con otro enfoque para nuevas propuestas.

Yo regresaría a escuchar a este pequeño "experto" de novedades a solicitarle y preguntarle sobre nuevos materiales, nuevas disqueras, nuevos productores. 

Ojalá la industria gire hacia allá... si no.. regresaré siempre a aquellos puestos de piratería anónimos donde el vendedor conoce mucho mejor su mercancía, que todo el departamento de mercadotecnia y promoción de Sony...

Rafael Mendoza es productor 
y consume piratería cuando Discolandia o Mixup no le dejan otra opción...


viernes, 5 de julio de 2013

El Soundtrack fuera del Cine

El Soundtrack fuera del Cine...


Este viernes de video, deseo compartir con ustedes este concierto. Cuando el Soundtrack abandona el soporte visual y se concentra en su función musical, puede permitirse circunstancias mayores.

Como lo muestra el primer tema de este concierto, la conducción permite algunos cambios en las intensidades sonoras, dinámicas musicales e interpretaciones que quedan muy limitadas en la versión para la pantalla grande.



Un gran aporte de este concierto es la dirección de cámaras, que tiene un excelente trabajo de ensayo y previsión de imágenes. Por supuesto que la postproducción aportó detalles importantes al track. Es posible ver los instrumentos que generan los efectos emocionales cuando la música está enlazada a la cinta.

Es un concierto memorable, pero sobre todo instruccional para quienes quieren conocer más de cerca a la orquesta y en este caso, a la interpretación musical para cine.

Nos vemos el lunes y que pasen un excelente fin de semana.

Rafael Mendoza es productor en Ad Libitum Estudio

jueves, 4 de julio de 2013

Los 10 errores más comunes del ingeniero en audio


Los 10 errores más comunes del Ingeniero en Audio


En esta empresa diaria de torcer sonidos, siempre buscamos la perfección en nuestros procesos y formas de trabajo. Sin embargo, hay errores comunes que se cometen constantemente.
Desafortunadamente algunos son corregibles y otros se quedan como mañas para siempre.

Es todavía más difícil cuando permitimos situaciones que son ajenas a nosotros, permitiendo no solamente una falla, sino la denigración de nuestro conocimiento.

Aquí los 10 errores más comunes del Ingeniero en Audio

1.- Lo arreglo en la mezcla: En estos tiempos, con tal de captar clientes o mantenerlos contentos, siempre permitimos dejar este trabajo para cuando el cliente no está. Tal vez nos quitamos al cliente un rato de encima, pero nos hace trabajar tiempo extra que nadie nos paga.

2.-Asumir conocimientos de producción: Casi nunca existe gente que conozca nuestro trabajo. Agencias de publicidad, encargados de marketing y hasta maestros de escuelas, desconocen por completo que producir un minuto de audio puede implicar semanas. No aceptes un trabajo que sabes nadie comprenderá su elaboración.

3.- Grabar y mezclar el mismo día:  Creemos que optimizar el tiempo significa torturarnos. Esta actitud de querer hacerlo todo en un sólo día, obedece a presión muchas veces de los tiempos de estudio y presupuesto. Pero en el proceso agregamos componentes para desarrollar ansiedad, neurosis y hasta desesperación. El error no es grabar y mezclar el mismo día, el error es permitirnos esta mala práctica.

4.- No querer saber de música: El oído no lo es todo, ni tampoco ayuda a comprender las necesidades de nuestros clientes, a cualquier nivel. Rechazar saber música es como querer ser sacerdote y no leer la biblia. Los conceptos de por sí no son homogéneos como para que queden todavía libres interpretación. Deja de ser un analfabeto musical.

5.- No tocar un instrumento musical: No importa si es la flauta, la guitarra o el bongó. Sensibilizarte con el medio va a implicar que conozcas estar del otro lado y no nada más sentarse a picar botones. Aprende un instrumento o a cantar, para que conozcas la dificultad que esto amerita.

6.- No hablar y grabarse al micrófono: Es un miedo nato saber quienes somos y vernos reflejados en una grabación es la manera perfecta de desconocernos. Grabarte implica tu aceptación ante tus capacidades reales. Ponerte del otro lado del cristal puede ser muy revelador.

7.- Mostrarte por entero a tus clientes: Salir a tomar o parrandear con clientes es una cosa. No puedes permitirte respeto a tí y a tu trabajo cuando permites que alguien rebase de forma directa tus límites como profesional. Tomar la copa está bien, pero embrutecerte y que te conozcan por lo fiestero no es una opción. Es lo único que recordarán de ti.

8.- Comparación y desprecio: Siempre hechamos flores a quien nos ilustra y desprecio a quien nos critica. La comparación en este medio es el pan nuestro. Cuando aceptas este trabajo sabes que la crítica puede ser buena o mala. Tampoco es que a todos les guste lo que haces, porque depende de muchas variables. No pierdas el tiempo comparando, mejor pièrdelo puliendo tu arte.

9.- Dependencia tecnológica: Conozco excelentes ingenieros que por no tener un plugin instalado, hacen el drama de su vida. Que no tienen la última versión del sistema operativo que hay y ya quieren que se les cambie la máquina. Si bien es cierto que uno conoce las herramientas, tampoco significa que con lo que haya no se puede trabajar. Simplemente termina la labor encomendada y basado en el resultado, comenta a tu empleador las recomendaciones y observaciones sobre tiempo, dinero y creatividad que se limitó por la situación de equipo.

10.- Dependencia emocional: Somos seres humanos. Trabajar bajo presiones de familia, escuela, novia, esposa, hijos, enfermedad, nos efecta todavía más. Ante esta situación, te sugiero moderar y solicitar el desarrollo de proyectos por etapas. La gente con la que tratas también es humana. Si ellos consideran que no pueden esperarte, agradece, entrega lo que tienes hecho y arregla la problemática que tienes. No se puede dejar todo a la suerte. Es una industria creativa y requiere de individuos completos para funcionar. No está mal dejar de ser ingeniero por ser humano de vez en cuando.


Nos vemos mañana para el video.

Rafael Mendoza, es baterista, editor, voz incidental, padre de familia 
y productor en Ad Libitum Estudio

miércoles, 3 de julio de 2013

Más viejo de lo que se aparenta...

Más viejo de lo que se aparenta... 

Por Raúl Beltrán

Mucho hemos hablado de  la ventaja que supone un home estudio o bien la posibilidad de plataformas que permiten hacer música desde tu computadora. 
Cada vez las herramientas son más fáciles de encontrar y más personas que nos muestran  un instrumento en su teléfono o una nueva aplicación para su ipad. 
Tratamos de vernos cada día más modernos,  pero la realidad es que desconocemos que hacer música con la computadora es mucho más viejo de lo que parece.
Con edad para jubilarse.
Todos  queremos llegar a esa edad en la que podemos descansar olvidarnos del trabajo y sentarnos a disfrutar de un buen libro o un bien disco, eso está pensado en hacerse cuando cumplimos nuestras 60 primaveras.
En 1951 comenzó la historia de hacer música con la computadora. En la universidad de Manchester,  la  computadora llamada Ferranti Mark 1, reprodujo las notas de las canciones  God Save The Queen, Baa Baa Black Sheep and In The Mood. http://news.bbc.co.uk/2/hi/7458479.stm
En 1957 se escribió la primera pieza en computadora,  una simple melodía de 17 segundos elaborada por Max Mathews que fue reproducida por una computadora IBM 704.
El niño durante los años 60´s y 70´s  tiene que aprender y desarrollar diferentes sistemas, para cuando llega a su juventud en los años  80’stanto los avances en la informática y la electrónica mejoran el proceso de síntesis de sonidos, así como la reproducción.
En l982 la inclusión del chip SID (short for Sound Interface Device)deja en  claro que la carrera  por  alcanzar una calidad  en el audio de reproducción de las computadoras estaba a punto de comenzar. 
El sonido de este procesador tiene tres canales de síntesises tan popular que aún se buscan algunos emuladores para  desarrollar juegos de video.
Para 1983  se crea la herramienta con la cual los ingenieros de sonido y varios músicos no podemos dejar de vivir; el MIDI (Musical Instrument Digital Interface). 
Se convierte en  el protocolo de comunicación  entre computadora y sintetizadores  por su capacidad de manejar datos y convertirlos a instrucciones MIDI,  es una pieza   importante para el desarrollo de la informática musical.
En los 80’s  no hay músico o ingeniero de sonido que no busque  la marca Atari, y no por querer jugar con sus juegos, sino porque antes de la Mac y de la PC,  Atari creó la computadora perfecta para la composición musical vía midi con su sistema Atari ST.  Era la única computadora que incluía  puertos MIDI. 
Para finalizar la década de los 80´sllega un secuenciador  que cambia la forma de los software de creación de  música.  No hablo del famosísimo y alabadísimo Protools , sino de una herramienta  mucho más completa y que se volvió un estándar en la industria . 
En 1989 steinberg  lanza el Cubase, la capacidad de su hoja de arreglos y  capacidad de enlistar los tracks de manera independiente y generar si línea de tiempo , hicieron con este programa la base para cualquier secuenciador  o editor de audio.
Si bien a finales de esta década la  música por computadora  era básicamente   la generación de archivos midi   por la capacidad limitada que tenían los sistemas  la revolución para grabar audio de verdad se dio durante la última década del siglo pasado.
En el 91 steinberg vuelve a sorprendernos con una nueva versión de Cubase para Macintosh, capaz de grabar audio , por otra parte en el '93 , Atari lanza otro sistema llamado  Falcon capaz de reproducir audio  con limitantes en  la resolución  de bits y el sample rate pero para sus tiemposEra un gran avance creando un timbre   muy especial.
Creative durante la década de los 90’s también  se vuelve importante  con las tarjetas de sonido Soundblaster volviéndose un estándar para la grabación un sample rate de    44.1 khz   y  su resolución primero a 8 bits y la segunda versión a 16 bits  prometían una grabación de audio con la calidad de un  CD.
Para el  99aparece otro concepto que se volverá  el pan de cada día  en cualquier estudio,   que base su sistema en una computadora Virtual Studio Technology    o en términos coloquiales VST, Cubase VST 3.7 nos dio la posibilidad de usar plug ins directamente a nuestra  DAW.
Para principios de este siglo aparece Reason, un software  capaz de tener un rack  virtual de  procesadores que cualquier estudio quisiera tener. La funcionalidad y la forma en la cual este programa   es capaz de procesar la información, acaba con el escepticismo de  tener en realidad un estudio   basado en una plataforma digital.
 Conclusión
Los avances en la informática  y la digitalización de señales en esta época  han sido cada vez más rápida, es difícil   seguirles el paso, pero  sus fundamentos esta ligados a los avances que he escrito. 
Sé que faltan muchos datos muchos  programas aparatos  que pueden ser mencionados  pero  tendríamos que dedicarle capítulos enteros de este blog.
Como verán usar la computadora para hacer músicaes mucho más viejo de lo que parece y por la evolución  y capacidad de renovación de nuestros días este concepto, es difícil de jubilarSin embargo  también los sistemas e instrumentos análogos siguen vigentes en muchos estudios, así que esto de la informática es una herramienta más en el mundo creativo de la producción sonora.
Como reflexión  final solo quisiera decir que  como en cualquier profesión, los avances nos han servido  para  mejorar nuestras herramientas. Pero cuando las profesiones tienen que ver con proceso creativo o emotivo  las herramientas no serán capaces de superar a la materia prima que es el músico, o el ingeniero o el dj.
Raúl Beltrán es colaborador y desarrollador de proyectos en Ad Libitum Estudio

martes, 2 de julio de 2013

Reggaetón: ¿Es musical?




Reggaetón: ¿Es musical?

Este post puede llegar a ser un poco polémico e incómodo para la mayoría, considerando que de entrada existe mucho desconocimiento de la industria sobre este género musical. 

Todos los argumentos tanto de quienes están a favor  o en contra son válidos para mí. Sin embargo, no pienso hacerla de réferi entre ellos.

Para abordar este tema tan espinoso en lo musical, cultural, económico y social no hay otra forma de abordarlo más que desde su esencia.

Antes de llamarse reggaetón se denominaba Reggae en español, pues debido a la migración Jamaiquina a Panamá por la situación del conflicto del  Canal en los 90's, muchos Jamaiquinos no pudieron volver a su tierra. 

Panamá es el punto de partida hacia países como Puerto Rico, Cuba y Estados Unidos, gracias a la presencia norteamericana en la zona.

Ahora si... la pregunta de oro ¿El Reggaetón es musical?

Todos los géneros han sufrido

Tocar al reggaetón desde un punto de vista visceral, nunca permitirá entender objetivamente que se trata de una corriente que ha ganado popularidad por diversos motivos. Ningún género musical pide ser popular. Cuando decimos que el reggaetón es basura o crack musical, nos referimos no solamente a la música, sino al entorno en el que se desarrolla. 

Pero aparte de ello, debemos comprender que es una fusión de música reggae, soca panameña, salsa, bomba, hip hop y rap. 

Voy a hacer una comparativa que puede no gustar pero que ayudará a establecer la misma regla para todos los géneros.

El rock, es una derivación de mezclas entre el jazz y el blues, principalmente este último. La forma de canto abierto de este género en su tiempo, fué igual de reprimidio y considerado basura.

Muchos dirían en aquellos tiempos, que el jazz no debía ser ensuciado por el blues negro, pues al blues, se le consideraba un ritmo barato, de bajo nivel social y tocado por negros parranderos y sucios... ¿Les recuerda algún argumento sobre el reggaetón?.

En México tenemos la música de Danzón o bailes de salón como el Mambo, la Rumba, El Son y bolero, que en sus inicios se consideraban música de cabaret, alcohol, pachucos y bailarinas de mal vivir.  ¿Han escuchado algo parecido con el reggaetón?.

Todos estos juicios van cargados de una moralina social que es como la cubierta de mermelada sobre un pan tostado. En realidad, se debe comprender que se trata de un fenómeno sociocultural que puede gustar mucho a unos, menos a otros o completamente rechazado por muchos.

Si seguimos la lista, tenemos al Punk, Metal, Speed Metal, Trash Metal, Death Metal, Rap, Hip Hop y como ya vimos hasta el Jazz. 

Mozart no fué bien recibido al utilizar armonías y cadencias rápidas, Rachmaninov tampoco fué un héroe en su tiempo al considerarse exagerado para la armonía tradicional. 

Y hasta John Cage, que intentó liberar a la música de su espacialidad limitada por la orquesta, se le consideró un loquito que hacía sonidos con una jarra de agua, una maceta, o cualquier otra cosa que tuviera enfrente.

Comparativa musical

En diversos foros de las redes sociales donde se ataca al reggaetón basándose en la complejidad rítmica y comparándola con una partitura de Mozart, queda fuera de toda proporción la intención por comparación.

La mayoría ignora que el ritmo base que tanto hacen referencia en una partitura rìtmica, se llama "Dem Bow Riddim".  Proviene de una base del calypso (género jamaiquino) y la soca (ritmo caribeño). Si profundizamos en su estructura encontraremos que su base rítmica se considera un 3+3+2 o ritmo atresillado y combinado con un ritmo en 4/4. En pocas palabras... tiene estructura musical.


Se construye electrónicamente a partir de esta base y obtenemos el resultado que tanto odian unos y tanto alaban otros.

¿Letras polémicas o ideas sin sentido?

El argumento sobre las letras del reggaetón para muchos, está limitado a la connotación sexual que incluye. Este ha sido uno de las principales razones por las cuales se le ataca directamente .
Sin embargo, la sociedad está viviendo una transculturización global, donde se está sensibilizando y acoplando a las ideas moralistas gringas.

Por un lado se ataca al Hip Hop cuando habla de drogas y mamis, al reggaetón cuando pide que muevan el "cuchi cuchi", pero no se sanciona cuando vemos a adolescentes en desarrollo como Demi Lovato, Selena Gomez, Anahí, Belinda y demás artistas por el estilo, ser proyectadas como lolitas caras o finas.

Las letras de cualquiera de estos intérpretes masculinos o femeninos (One Direction, Justin Bieber, Alejandro Fernández, Chino y Nacho) rayan en la hipersensibilidad emocional y sirven para un mismo propósito. Crear audiencias por millares para venderles discos por millares...

Ya hemos hablado antes, que una disquera no le compra el éxito y talento a sus artistas, sino las audiencias que estos generan, los clientes a quienes pueden vender discos, DVD's, playeras, posters, plumillas, instrumentos signature, boletos carísimos y experiencias tras bambalinas.

En eso, el reggaetón masivo es igual de comercial y como producto, cumple la misma función que cualquier otro artista de nivel mundial.

Por ello, es irrelevante si las letras son buenas o malas, si tienen mensaje y contenido, es como las pasitas en un panqué... tienen que ir ahí para llamares panqué con pasas. Las letras tienen que ir ahí, simplemente porque tienen que completar el concepto de canción.

Formas de vestir y accesorios para perreo.

No hay mejor argumento de venta que la identidad con el producto. Cuando nos ofrecen una licuadora, no nos venden las velocidades, la estructura, el color. Nos venden la rapidez de preparación en salsas, caldos, licuados. El no ensuciarnos las manos para hacerlo y como plus, un bonito color que encaja en la cocina.

Recordemos que hasta este momento, hemos hablado de un producto denominado reggaeton y que hemos dicho su origen musical para comprender sus raíces y derivaciones.

El baile, la actitud, el entorno sexual, los tipos de evento y demás aspectos sobre el género, yo los consideraría como un complemento comercial.

Un argumento de venta para un sector específico y de identidad que son causa de otro tipo de análisis y donde tendría que intervenir un sociólogo, un antropólogo y un publicista.

Una sociedad reprimida no sólo por la religión (latinoamérica específicamente), con un concepto invasivo moralista desde el punto de vista estadounidense, con conflicto de identidad (tomo tequila y lo muestro en redes sociales con mi Ipad), con carencias económicas, no tiene más refugio que sus emociones más profundas, en las drogas, el fútbol, la televisión.

Cuando se dice que el reggaetón es música de malvivientes, déjenme decirles que los Beatles eran igual de chochos que Chino y Nacho o Pitbull. Todos conocemos el caso de Kurt Cobain, Jimmy Hendrix, Louis Armstrong, José José, Alejandro Fernández, Miley Cirus y la lista sigue y sigue.

Conclusión

En cualquier género se dice que para entender la música se debe vivir en ella. La idea que el rockero tiene que subir pasado o drogado para tocar mejor, es una constante en pleno siglo XXI. Que para sentir la interpretación de Kiss debes ir maquillado como Simmons y arrojar sangre al parejo. Que para entender el Reggae de Marley debes estar mariguano, o probar LSD con Pink Floyd.

Estos ciclos musicales se han repetido durante la historia, venden discos y merchandasing de una industria que no es nada ética en ese sentido. EMI, SONY, VIRGIN, WARNER y muchas más independientes, viven del recurso que provee el artista.

La sociedad juzga muchas veces con criterios diferentes. No defiendo al reggaetón porque en lo personal no me motiva su forma musical ni su criterio de proyección. Pero no puedo desaparecerlo simplemente apagando la tele o cambiando el canal. Soy fan del blues, del danzón, de la música de arrabales, pero no llevo mi vida como pachuco.

Cada quien tiene su nivel de tolerancia, aceptación, rechazo y criterio sobre la música. El reggaetón llegó, para algunos moda, para otros permanente. Vive su boom, como otros géneros. Hacerle la guerra a la música nunca ha sido opción. Evolucionarán otras formas musicales y con ello nuevas oportunidades.

Hasta ese momento, prefiero decir, conozco el reggaetón, conozco su origen, no es algo que produciría porque desconozco el proceso,  aunque no me desagradaría conocer a los que sí lo hacen de manera profesional. Finalmente es parte de un mundo que es mi vida; la música.

Espero sus comentarios y gracias porque ya rebasamos los 1700 visitas en casi un mes de trabajo en este blog.

Nos vemos mañana

Rafael Mendoza
Ad Libitum Estudio





lunes, 1 de julio de 2013

Enfermedades creativas: Dejando de usar al estudio como "Hospital Creativo"



Enfermedades Creativas


La mayoría considera que los estudios de grabación son "hospitales creativos", pues piensan que es el lugar donde se van a curar de sus males personales, musicales, psicológicos y culturales.
Como en toda sociedad enferma, existen formas de prevención, que no se utilizan porque hay pocas campañas al respecto. Además, si no se insiste y reconocen los síntomas de estas enfermedades, difícilmente se podrá sospechar si se parecen.

Aprendamos a reconocer las enfermedades más comunes.


Desauciados o hay esperanza

La gran ventaja de estas enfermedades es que en algunos casos son tratables y curables. En otros, el paciente prefiere arriesgarse a vivir sin tratamiento, pero tarde o temprano morirá creativamente.

Entre las más comunes están:

Malos arreglos: Acéptenlo, escribir una canción es fácil, ponerle música con una guitarra o piano es significativo. Pero escribir un arreglo completo, es otra cuestión.
 Cuando el tema musical es un fusil, o trae elementos rígidos por el género, sin considerar una variación importante, no le digas al ingeniero "suena como a...." . 
Evita las comparaciones buscando tu propio estilo y tu propio nombre.

Bateristas y percusionistas con artritis: Cuando el cliente nos dice, "haz que suene ponchado"... no es simplemente agregar graves a una batería. El baterista debe poseer la flexibilidad, soporte y trabajo adecuado en su técnica para no sólo golpear parches, sino hacerlos sonar musicalmente, respetando el tiempo sobre sus tracks, la duración de sus notas y el respeto por desarrollar su musicalidad. Un mal baterista hace sonar flojo un disco. Un mal percusionista, puede tocar en el disco y ser la parte más olvidable de todo.

Guitarristas con problemas armónicos: La intensidad y elección de los movimientos armónicos de una guitarra, pueden llevar por tierra a toda la mezcla. Insistir en que la guitarra es un instrumento base para la rítmica, no significa que su función armónica quede olvidada en un rincón, más cuando la voz no se sientes sustentada por ella. El bajo provee la línea sobre la cual pisa el cantante, pero la guitarra tiene que poner la estructura donde cuelga la luz que ilumina a la voz...

Malos cantantes: En este punto no me voy a detener completamente... Simplemente es.. una voz procesada, no impacta ni transmite nada... Una voz con puro feeling y sin técnica, es como un taco de  carnitas.. Y una voz con buen trabajo de técnica y equilibrio de sentimiento, no necesita ningún procesamiento...

Letras inconsistentes: Cada vez más, se miran situaciones de redundancia como "si yo solo te digo que voy a quererte en mi vida"... es decir, en esta frase simplemente se dijo "voy a quererte", porque està implícito todo lo demás.
Carecemos de un adecuado uso del lenguaje. No lo empeoremos. Tampoco es caer en las barbaridades que dice Arjona. Frases sin sentido adoptadas por adolescentes, mujeres y hombres cuya cultura se ve reflejada en la adoración de sus letras.
La letra, es la idea generalizada por encima de la música, puesto que el escucha se distrae de los demás elementos para conseguir entender el mensaje. Una buena letra, es la que se apoya en la música y se fusiona con ella para hacer algo memorable.

Estas son algunas de las enfermedades que encontramos en la creatividad antes de la producción... si estás enfermo de alguna de ellas, trátalos antes de entrar al estudio. Estudia música, lee sobre composición, acércate a personas con experiencia. Ejercita esas fortalezas y seguramente el estudio no será tu hospital creativo, sino tu espacio creativo.

Rafael Mendoza
Productor en Ad Libitum Estudio