Derecho de Autor vs. Propiedad Intelectual

El pasado 23 de abril se celebró el Día Internacional del Derecho de autor y el 26 de Abril, el Día Mundial de la Propiedad Intelectual

El 23 de abril, la mayoría de los medios se volcó a hablar sobre el Derecho de Autor y diversas instituciones académicas se refirieron a la Propiedad Intelectual.

Aunque las dos son interdisciplinarias, la verdad es que existe una diferencia marcada entre ambas y aplican a conceptos claros del derecho internacional que vale la pena aclarar. 

Tanto el Derecho de Autor, como la Propiedad Intelectual, tienen asentamiento en la industria musical y hoy aprovecharemos para conocer más acerca de ello 

Propiedad Intelectual

Es el conjunto de Derechos de Autor, personales y patrimoniales, que protegen a sus creadores y autores. Debido a esta expresión, es confundida regularmente con el Derecho de Autor. 

Es importante establecer que la Propiedad Intelectual abarca dos grandes ramas:

Derechos de Propiedad Industrial: Es el concepto que engloba las marcas, patentes, denominaciones de origen, diseño industrial y slogans comerciales. Se aplica normalmente al reconocimiento de procedimientos de orden industrial

Derecho de Propiedad Intelectual: Este concepto, engloba lo relacionado a Derechos de autor y derechos afines. Es aplicado a las actividades artísticas de forma más integral.

La Propiedad Intelectual es el referente internacional para la protección de conceptos y marcas, evitando crear productos y servicios clonados, robo de patentes, piratería y demás consecuencias por la falta de una autoridad regulatoria. 

¿Qué puedo registrar como artista?

Tu logo, el diseño de tu empaque, un slogan comercial. Algunos piensan que pueden registrar su nombre, pero requiere que vaya acompañado de una forma gráfica y leyenda para que sea tomado en cuenta.

Se regula de forma internacional a través de la OMPI (Organización Mundial de la Propiedad Intelectual).

Su representante directo en México es el IMPI (Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial).

Derecho de Autor

El Derecho de Autor, es el reconocimiento que otorga el Estado a los creadores de obras literarias o artísticas, permitiéndole gozar de beneficios personales (derecho moral) y económicos (derecho patrimonial). 

En México, esta protección permanece durante toda la vida del autor y 100 años posteriores a su muerte. En otros países, varía la caducidad de derechos. 

Es importante recordar que el Derecho de autor, nace con el asentamiento de la idea creativa en un medio de soporte físico (hasta una servilleta donde escribes una canción es válida), siempre integrando la leyenda Derechos Reservados y el año de fijación.

INDAUTOR, es la entidad gubernamental mexicana que protege estos derechos y realiza el registro de obras a fin de despejar controversias legales por parte de los creadores. La inscripción a INDAUTOR, es un reconocimiento oficial por parte del Estado, a saber sobre la existencia de una obra y su autoría.

¿Qué puedo registrar como artista?

Los temas musicales, el arreglo, la música, la letra, una obra derivada, el disco como obra sonora, el arte del disco, el reparto de porcentajes en la creación colectiva. No puedes registrar una obra por encargo, pero tienes derecho a ser mencionado en ella y remunerado.

El Derecho de Autor, es una rama de la Propiedad Intelectual que se denomina Derechos de Propiedad Intelectual 

Conclusión

La industria musical se gesta a partir de la Propiedad Intelectual. Sin este respaldo legal, sería muy difícil hacer florecer los productos creativos sin que perdieran su valor de tangibilidad.

Aún en estos días, encuentro bandas, grupos y compositores que dejan el registro en INDAUTOR para después. Las controversias legales son costosas y largas, donde finalmente, ganará el que haya registrado en tiempo y forma un producto creativo, a pesar de no ser el autor original.

Ya hemos hablado del Derecho de Autor anteriormente en el Blog y en Control Room. Te sugiero buscar los programas del Podcast y la etiqueta Derechos de Autor para más detalles.

Celebremos las oportunidades del Derecho de Autor registrando todo aquello que creemos y enriquezcamos el acervo cultural con cada creación.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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La quemazón del Komander: Retrato de una industria cautiva

Los recientes hechos en Hidalgo durante la cancelación de Alfredo Rios "El Komander", iniciaron una respuesta en ámbitos sociales y profesionales de la industria.

Este caso, muestra la realidad de la industria que pocas veces se expone abiertamente y que se padece en distintos géneros en México.

Dejemos a un lado los debates sobre los gustos particulares y aspectos sociales que rodean al intérprete, para centrarnos en la dura realidad que nos precede.

El Komander y la quemazón no son coincidencia...

Hace unas horas, Alfredo Rios aclaró las razones para cancelar su concierto. "No había las condiciones profesionales" alegó el artista. Pues bien. En provincia, particularmente en eventos con poblaciones como el caso de Santa Ana Ahuehuepan, las condiciones para generar un concierto son extremadamente complicadas.

Las instalaciones de montaje no son bien realizadas, principalmente porque se renta el equipo disponible en la zona. No se supervisa adecuadamente los montajes y protocolos de seguridad adecuados. Pero esto no es culpa del empresario o la empresa de sonorización. El mismo artista y su equipo de trabajo, deben reconocer esta falla desde un inicio. 

Si las condiciones nunca serán las adecuadas, ¿porqué vender una fecha sin la verificación previa del lugar?, ¿dónde están los protocolos necesarios para el montaje de espectáculos?, ¿quien es la autoridad que regula el desarrollo de proyectos como conciertos y cuáles son sus capacidades a nivel planeación y organización de eventos que pueda verificarlo?, ¿protección civil realmente conoce los requerimientos de seguridad para este tipo de eventos improvisados?.

Más allá del vandalismo que se quiera alegar alrededor del asunto, hemos visto colapsar tribunas, palenques incendiados por pirotecnia, personas sofocadas y atropelladas con sobrecupo, irresponsabilidad del artista al tomar bebidas alcoholicas sobre el escenario, lanzar improperios a diestra y siniestra durante la presentación... ¿Esas son las condiciones de seguridad que quiere el artista para presentarse?

Una multitud decepcionada va a responder a circunstancias clave, donde todos los elementos se conjuntan para crear una bomba emocional que explotará en cualquier momento. Esto ocurre en todos los escenarios y géneros que abarcan el país. 

El "empresario" de estos eventos, difícilmente entiende que está tratando con un producto cultural y mira al artista como un producto que atraerá comensales hambrientos de su presencia, vendiendo boletos sin respaldo de políticas de acceso impresas al reverso, maquilados en imprentas de baja calidad, sin códigos de seguridad y autenticidad.

Paga al ayuntamiento su cuota y ofrece una tajada para que se le permita realizar el baile en una fecha programada, porque ya apartó al artista sin tener la localidad ubicada.

Porque es más sencillo conseguir gradas de tercera mano al último minuto para optimizar costos y porque es seguro que una pequeña empresa de sonorización, quiera presumir haber ofrecido el sistema de sonido a precio irrisorio (en muchos casos gratuito) para que este artista tan renombrado, lleve a cabo un evento que de entrada le pertenece.

No debemos olvidar que es común en artistas de este género, obtener una buena parte de su fama a base de pagos millonarios para que televisoras privadas y especializadas, repitan hasta el cansancio sus videos y notas, además de presentarse en los espacios de entretenimiento sabatino en cadena nacional.

¿Y la seguridad?

Policía, protección civil y cruz roja, pagan la factura de una cadena podrida de la industria. La seguridad es inexistente desde que se contrata a un artista de este nivel mediático. El artista recibe el anticipo de forma directa y sin preguntar como, donde, cuando y bajo que condiciones estará presente. Firma contrato donde se deslinda de cualquier responsabilidad, ante un empresario que legalmente no tiene mucho que hacer para poder apartar la fecha del artista.

Y ahí empieza la cadena donde la seguridad es lo menos importante. No solo del artista, sino de su staff, el espectador, la infraestructura e inclusive la región.

Ahora, con 2 trailers quemados, cerveza robada, un escenario destruido y el humo del equipo de audio se puede observar tranquilamente la realidad de un sector económico cultural en provincia y su realidad actual.

En esta revuelta, no hubo pérdidas personales que lamentar, como ha ocurrido en otros espectáculos donde las avalanchas de gente han ahogado docenas de personas, gradas que han sepultado a los asistentes y palenques que se han convertido en trampas mortales ante la ausencia de protocolos de soporte adecuados.

Conclusión

¿Alarmista?... Más bien considero que son detalles dolorosos que no han dejado de brotar en nuestros días. Hace poco hablamos del Multiforo Alicia. Esa también es una trampa mortal para un desalojo ante una emergencia. Hay muchos cabarets, salones y espacios culturales en el centro de la ciudad que parecen intrincados laberintos, porque se han acondicionado para aceptar a más gente que la que pueden soportar.

Sus estructuras, están pensadas para soportar el tránsito de una familia promedio y sin embargo, 3 o 4 noches a la semana se ven invadidos por docenas de personas que podrían reaccionar de forma intempestiva ante una emergencia.

Aquí existen 4 culpables... El artista, el empresario, el gobierno y la sociedad misma, deben aprender que la cultura, en cualquiera de sus manifestaciones, requiere un espacio adecuado para su desarrollo.... Es un trabajo conjunto abandonar las prácticas "normales" de la industria; cambiemos el "así con eso y ya", antes de que se repita la frase "otra vez y como siempre"....

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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La interminable espiral educativa fast track del Music Business...

Hace unos días se desató un escándalo en redes sociales, donde una de las escuelas más conocidas del medio musical, se vió envuelta en acusaciones directas, haciendo reaccionar a las más altas esferas de la producción en México.

G. Martell es una de las escuelas privadas, que ha enfocado su nicho de mercado en la música contemporánea ofreciendo cursos, talleres y un modelo extendido que denominan "carreras" en aprendizaje musical, producción, radio y otras alternativas vinculadas a la música.

No es la primera vez que este tipo de modelo educativo se ha envuelto en problemas de tipo académico, puesto que escuelas como Fermatta, que en su momento nació como alternativa a G. Martell, también ha quedado expuesta por alumnos y maestros que han cruzado sus aulas.

¿Pero que sostiene a estos modelos que ya se extendieron al TEC de Monterrey y Centros Educativos alternativos?

Un negocio es un negocio

Aunque las críticas hacia los sistemas educativos y modelo de negocio de las Escuelas Privadas enfocadas al aprendizaje musical están cimentados en objetivos académicos,  se vuelve más evidente la ceguera para evaluar las necesidades de este campo por parte de la Secretaría de Educación Pública.

Aquí cabe mencionar, que las instituciones encargadas de administrar los talentos musicales, tienden a hacer permanentes los criterios para evaluar a un aspirante musical, basados simplemente en su talento artístico, proveniente de la cuna y no realmente sobre las necesidades actuales del Music Business.

Tampoco entremos en debates, porque para el músico "el arte no se vende" y es importante entender que para el Music Business "el arte tampoco se vende".

El Music Business se centra en las actividades artísticas y no en el arte como tal. Estas escuelas, responden a la necesidad abierta de recintos que enseñen la música comercial sin entrar al terreno de la música clásica y la exigente formación que esta requiere.

En pocas palabras, su nicho de mercado es para niños, jóvenes y adultos, que no quieren una formación integral, o en su caso, aquellos que no pudieron ingresar a las instituciones públicas debido a los altos niveles de control estético, artístico y en algunos casos a los exagerados requisitos de ciertos instrumentos, (percusión clásica por ejemplo).

De ese tamaño es el mercado que han decidido abarcar y que arroja buenos dividendos.

¿Entonces donde está la confusión?

Varias realidades confluyen para generar la oportunidad que estos modelos explotan directamente como oportunidades.

La identidad musical como estrategia de Marketing, es la constante en cada una de las propuestas educativas en el ramo comercial. Vende mucho más una imagen cercana a Alan Parsons, Dave Weckl, Metallica, Steve Vai, Joe Satriani, John Patitucci, Maddonna, Beyoncé, Nicki Minaj para el adolescente que tiene la intención de aprender y desarrollar una carrera musical. 

Para el cliente de estas escuelas, no es prioridad aprender sobre economía, micro economía, macro economía, índices de consumo, mercado digital, población económicamente activa, PIB, paridad peso-dólar, infraestructura cultural, infoestructura cultural (generalmente no lo es tampoco para el músico clásico)

Aunque existe en la mayoría una vocación por la música, es irresistible el fast track de la fama y la fortuna, les impulsa a delegar la responsabilidad económica al Manager, representante musical y en algunos casos a sus padres.

Para ellos, cada oportunidad cercana a una disquera, promotora, productor o artista reconocido, significa integrarse a una élite exitosa del Music Business. Pero en realidad está por demás decir que los planes de estos centros educativos, no coinciden en tiempo y forma con los cambios, ritmos, diversificación y estabilización del mercado actual.

Otro elemento que ayuda, es la ausencia de referentes significativos independientes sobre cultura musical y poner bajo un telón las necesidades reales del músico como emprendedor y empresario cultural. 

Las ideologías y filosofías del artista proyectadas por los medios masivos sobre el negocio de la música, están muy lejos de las realidades económicas, culturales y empresariales del Music Business. Y peor aún, son totalmente lejanas de la realidad mexicana.

Uno de los argumentos clave para inscribirse a estas escuelas, es la percepción de acortar el camino a través de su educación. Si se pueden comprar peldaños, será siempre mejor que recorrer el largo camino de la práctica, el fogueo y las interminables lecciones de aprendizaje que la vida musical ofrece.  

Para algunos esto signfica un fraude educativo de altas proporciones, mismas que han generado las críticas y protestas de las que hablamos al inicio del post. Sin embargo, lo terrible del asunto es que estas prácticas no se limitan solamente al ámbito musical, sino que se encuentran presentes en la mayoría de las instituciones privadas en México y cuyo análisis merece un libro entero de reflexiones.

Aquí hablamos de posibles carreras artísticas con futuro, en las cuales se desconoce su verdadero impacto económico y social. Hablamos de familias que han invertido miles de pesos en la formación de un miembro confiando al 100% en el respaldo de una marca reconocida, pero que carece de certificación, validez y respaldo de conocimiento real sobre las disyuntivas del negocio de la música.

El Tec De Monterrey, pudiera ser una de las que ha tomado las riendas a un nivel más profesional, sin embargo, es difícil seguir el paso por el alto costo en colegiaturas, preservando las opciones de conocimiento en una élite preferencial. 

Conclusión

Las expectativas para aprender música en México, deberían responder a las realidades económicas existentes. 

La importancia de generar una Ley de Cultura integral, obligaría a otras instituciones gubernamentales, escuelas privadas y a la misma industria musical, a entrar en un diálogo que establezca parámetros económicos, profesionales, jurídicos y sociales con respecto al importante significado de ser músico en un país donde se condena y prefiere incluir en las listas de las carreras menos productivas actualmente.

Es importante revisar los conocimientos clave y extenderlos en proporción de la realidad a la que la industria mexicana se ajusta. Debe fomentar el desarrollo de una industria interna, buscando su propia identidad, recuperando públicos y creando proyectos alternativos más allá de caer en las manos de disqueras internacionales, compitiendo por nivel entre las opciones extranjeras y formando un criterio de autenticidad ante el mercado global.

Tal vez no nos gusten las formas educativas  que estas escuelas promueven, pero de una u otra forma, sin participar en el enfoque real del problema, somos partícipes de la causa que las motiva y preserva.

Rafa Mendoza produce para Ad Libitum

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7 consejos previos a cantar en vivo...

En post pasados, hemos hablado sobre la importancia de cuidar las cuerdas vocales antes de grabar en una sesión de estudio.

Particularmente, he recopilado algunos consejos de varios vocal coachs y seleccione los tips en que la mayoría han coincidido utilizar y ofrecer a modo de consejo para todos ustedes.

Agradezco a todos y cada uno de ellos para colaborar en este post y próximamente tendremos algunas entrevistas con ellos.

Aquí 7 consejos previos a cantar en vivo (cantantes, coristas y vocalistas)

1.- Vocal Coaching: Es irremplazable si quieres obtener el mejor performance en cualquier situación. Por ahí todavía quedan artistas que prefieren invertir en un Vocalizer o Autotune en vivo, que invertir en aprender a colocar correctamente la voz. Lo único que consigues con ello, es poner en riesgo la inversión que has hecho, porque la voz no se compra en la esquina, ni conozco algún proveedor que la restaure.

2.- Enfermarse: Prohibido exponerse a cambios bruscos de temperatura, bebidas demasiado frías y exposición al clima frío. Tampoco se vale hacerse el/la valiente y decir "échame un tequilita para que se abra la garganta". Podrás exponer a severos problemas que pueden extenderse en la formación de nódulos cordales y requerirás una intervención costosa con el plus de una recuperación más lenta que la Reforma Educativa.

3.- Evitar los lácteos: Esta es la que más me sorprendió se manifestara de forma generalizada. Consumir productos lácteos horas o días antes de una presentación, produce excesiva flema alrededor de las cuerdas vocales. ¡Eliminemos un mito!, el limón con miel debe utilizarse DESPUÉS del evento para  lubricar las cuerdas vocales y NO ANTES...

4.- Comer antes del evento: Puedes comer de forma natural al menos 2 horas antes, para evitar reflujo y flemas alrededor de las cuerdas vocales. Se recomienda no consumir demasiada grasa o picantes e irritantes que puedan lastimar tu estómago.

5.- Bebidas irritantes: Casi me caigo para atrás cuando 2 expertos de vocal coach, uno en técnica clásica y otro en técnica popular me dijeron que no puedes tomar:

• Café
• Té (Aunque usted no lo crea)
• Alcohol
• Refresco de Cola
• RedBull
• Monster

¿La razón? Contienen cafeína en grandes concentraciones, que tiene un efecto DEHIDRATANTE, colaborando con ello a la resequedad de tu garganta y cuerdas vocales.

6.- Tomar agua en grandes cantidades: Tampoco como para ahogarse, pero si recomiendan al menos unos 3 a 4 litros, sobre todo si vives en zonas cálidas o tienes mucha actividad constante. Se recomienda humidificar en zonas muy áridas y utilizar un poco de miel en lugares muy fríos antes de salir al escenario.

7.- Visitar regularmente al médico especializado: Un seguimiento adecuado a tus cuerdas vocales, condiciones respiratorias y comportamiento del aparato digestivo, pueden revelar situaciones que compliquen el desarrollo de tu técnica. Existe en el mercado algunos lubricantes, pero se recomienda sean recetados por tu médico especialista.

Conclusión

Cantar en vivo resulta más complicado porque se desarrolla en un entorno menos controlado y expuesto a la naturaleza. Prevenir complicaciones mayores te permite trabajar en este tipo de entornos.

Entre los consejos no tan constantes están dormir bien, no usar drogas, visitar regularmente al médico y no cantar sin entrenamiento vocal o diagnóstico, porque podrían tener un rango muy bueno que podría perderse con una mala técnica.

Pronto haremos un post sobre como elegir un vocal coach adecuadamente dependiendo el estilo y particularmente nos apoyarán expertos para dejarlo más claro.

A cuidarse y seguir cantando a la vida.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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6 ideas de ecualización creativa al mezclar...

Hace mucho tiempo que no hacemos un post sobre producción y quiero adentrarme en el campo de la ecualización. 

Hay muchos mitos alrededor de este procesamiento y es que existen varias formas de aplicar ecualización a un canal. Para quien trabaja en estudio, las posibilidades son más abiertas, puesto que existe un mejor control de la señal y formas de aplicarlo sin que se complique la operatividad.

En el caso de la sonorización, nos vemos limitados por la cantidad de equipo y selección de consola disponible para el trabajo. Muy poca gente elige una consola considerando el número de busses posible o la calidad y cantidad de ecualización que puede aplicar. 

De hecho, los fabricantes utilizan mucho como argumento de venta el número de canales y buses en vez de la calidad de ecualizacíón disponible y me atrevería a decir, que es mejor controlar la ecualización en un sistema que la superioridad en canales. Esto pasa mucho con los modelos más económicos. Recomiendo usar menos canales en beneficio de mejor ecualización y preamps que pueden ofrecer un mejor color de sonido.

Tomando esto en consideración, aquí les van 5 ideas de ecualización creativa al mezclar.

1.-  Aprende a reconocer y operar los diferentes tipos de Ecualizadores: Parece obvio, pero me he encontrado muchos grupos donde suben videos aplicando un preset de plugins de Waves y desconocen siquiera que tipo de ecualizador están usando. Entiendo que es una manera sencilla de hacer el trabajo pero no significa que sea lo correcto. Conocer los tipos de filtro, ecualización paramétrica, el Q, ecualizador gráfico y el popular semiparamétrico nos permitirá saber que tipo de herramienta usar y bajo que criterio aplicarlo.

2.- Divide tus tracks en espectro de frecuencia: Haz un diagrama general del número de intrumentos que tienes, analiza su frecuencia central y toma decisiones sobre cuáles serán más presentes que otros. Aquí es donde el trabajo de arreglar adecuadamente el tema te dará una ventaja. Un tip que te puedo dar es crear un esquema donde dibujes círculos por instrumentos haciendo más grandes aquellos que estarán más presentes. Inclusive puedes determinar su lugar en el espacio estereofónico y verificar que no peleen por resaltar en su lugar.

3.- Busca primero frecuencias molestas o que ensucian la señal: Atenuar estas frecuencias es el primer paso a un mejor procesamiento en la  cadena de audio. Es como limpiar el parabrisas empañado para poder apreciar mejor la carretera. No hay camino perfecto, pero siempre querrás distinguir mejor donde está el bache.

4.- Ecualización substractiva como primera opción: Un error común de la ecualización es incrementar frecuencias más débiles presentes en la señal. Este proceso inicia una carrera de volúmenes entre frecuencias y canales donde el límite es literalmente el potenciómetro o fader a tope. Atenuar frecuencias con mayor intensidad, te permite tener una mezcla más limpia y un mejor rango operativo.

5.- Ecualiza por busses: Al principio es muy bonito ecualizar canal por canal, pero con el tiempo, esta tarea puede volverse un poco tediosa e innecesaria en algunos casos. No malinterpretemos el concepto. Por ejemplo, si tengo una batería con 5 o 6 pistas, será mejor ecualizar el bombo, la tarola y contratiempos de forma independiente. Subgrupar los toms y ecualizarlos en un subgrupo estéreo también nos permite aplicar compresión adecuada, ahorrándonos un canal de EQ y compresión. Si tienes más toms, esto puede ahorrarte valiosos minutos en sonorización y mezcla.

6.- Ecualizar efectos: Las reverbs, delays y modulaciones tienen texturas interesantes que pueden reforzarse en la ecualización. Y menciono la palabra refuerzo porque independientemente de ecualizar por secciones de espectro auditivo, se trata de agregar carácter y potencial al track. En sonorización, nos ayuda a controlar la retroalimentación (feedback) y batidos en monitores o PA.

Conclusión

La ecualización es la herramienta más reconocida fuera del mundo del audio, porque todos los dispositivos reproductores incluyen versiones simplificadas y bastante manipuladas para engañar al consumidor.

Nunca te dejes llevar por como suena un tema musical a través de un sistema modificado en ecualización, porque lo único que estás haciendo es tener una referencia de color engañosa. Un buen sistema de monitoreo o audífonos apropiados (nunca de chicharito) te dejarán escuchar mejor el tono neutral de un material. 

Un gran ejercicio para afinar tu oído a la ecualización es escuchar material de distintas épocas y conocer la historia detrás de esas grabaciones. La música de los 50's tiene un sonido muy controlado en los extremos porque se cuidaba más el detalle técnico que la estética en una grabación. En los 60's se hicieron con una tendencia media aguda. Es muy importante que elijas si quieres "copiar" el estilo o simplemente emularlo para ciertos tracks o temas. Recuerda que no hay reglas establecidas para la creatividad, pero si hay límites técnicos que puedes utilizar a tu favor en el proceso musical.

Rafa Mendoza produce y mezcla para Ad Libitum

Ideas de producción creativa similares, podrás encontrarlos 

muy pronto en nuestra plataforma educativa.

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Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo Parte III (Final)

Continuamos con la 3era. parte de esta serie "Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo".

Recapitulando un poco, en la Parte I analizamos las causas comunes por las que un Ingeniero de Sonido decide abandonar su puesto o solicitar su relevo.

En la Parte II, analizamos como reconocer las señales de alerta y como iniciar la transición al cambio.

En este post integraremos los puntos clave para integrar al nuevo Ingeniero de Sonido a nuestro proyecto y como participar en un diálogo de comunicación clave para un mejor desempeño de sus tareas.

Caso C: Cómo integrar al nuevo Ingeniero

Eligiendo Candidato

Existen 2 formas de acceder a un nuevo candidato y seleccionarlo. Por recomendación y/o por búsqueda personal a través de anuncios de periódico, revista o redes sociales.

En la industria es muy común realizar contrataciones por recomendación. Sin embargo, no hay muchos elementos tangibles para decidir una contratación por esta vía. Se omiten detalles importantes sobre la persona como su lugar de residencia real, capacitación, referencias laborales y fundamentalmente su historial de comportamiento en otras relaciones laborales.

A menos que hayas experimentado de primera mano su trabajo y lo hayas visto realizarlo más de 3 ocasiones diferentes, puedes incluir a personas de las que conozcas poco acerca de su vida personal.

A veces el ingeniero anterior habrá capacitado o tendrá un miembro del equipo a su confianza, quien conoce bien los procedimientos. Si es así, podrías ahorrar algo de tiempo en tu búsqueda. Debes ser honesto con las capacidades reales de su desempeño y evaluar que hace falta para que cubra el perfil. 

Analiza la cantidad de tiempo que requerirá capacitarlo y si excede los 3 meses entonces será mejor buscar alguien externo por el momento.

Recordemos que estamos eligiendo a quien habrá de tener bajo su cuidado la inversión en infraestructura técnica. Separa al menos 10 candidatos y elige a los 5 primeros para una primer entrevista. Descarta a 3 de ellos y enfócate en 2 candidatos al menos.

Ratifica la información

Indaga a fondo sus habilidades, forma de trabajo y sobre todo domicilio real de contacto. De ser posible visita su casa para solicitar la información de primera mano. Teléfonos, correos electrónicos y referencias personales y familiares también son indispensables.

Las cartas de recomendación son un arma de dos filos, así que prefiere solicitar a ambos candidatos una prueba de su trabajo en una situación real. Invítalos a 2 eventos diferentes y observa su forma de trabajar. Es importante que cubras sus honorarios por ese día de trabajo.

Asigna a alguien de tu confianza para que lleve la bitácora de mantenimiento e inventario de estos 2 eventos para facilitar el trabajo real del Ingeniero. Después que elijas, es su responsabilidad aceptar esta función para un adecuado control de sus necesidades.

Evaluando su trabajo

Analiza los siguientes aspectos como forma de evaluación:

- Puntualidad y consideración del tiempo (prevención y no aceleración)

- Análisis de los requerimientos técnicos del evento (hace notas y diagramas organizadamente)

- Respeto y control de la infraestructura técnica (Cuida el bienestar del equipo sin ponerlo en riesgo)

- Capacidad en prevención de accidentes y riesgos de trabajo 

 (Solicita herramientas y equipo adecuado para el y staff de montaje; tiene sentido de responsabilidad  en la salud y protección del staff)

- Limpieza y organización de trabajo (Cableado fijo, alineado, limpieza operativa y del espacio asignado)

- Coordinación y comunicación con el equipo de trabajo (Solitica apoyo sin gritar, favorece el trabajo en equipo, facilita los procesos y se integra como líder, no como jefe o superior, autoridad responsable)

- Planteamiento de soluciones y tiempo de respuesta (reorganiza con planteamientos claros y reales ante un cambio inesperado y colabora en el mejor desempeño del evento)

- Comunicación respetuosa con músicos y artistas (Ofrece alternativas reales y con sustento sin afectar el proceso creativo)

- Disposición y trato con el cliente y/o encargado del evento (Toma nota de los requerimientos apoyado en la hoja de servicio y se respalda en su autoridad inmediata ante situaciones no contempladas en los requerimientos)

Es importante saber que no existe el Ingeniero perfecto (no son máquinas). Si consigues obtener a un candidato que posea al menos 4 o 5 de estas capacidades (principalmente en cuanto a seguridad y prevención de accidentes) entonces estás ante una persona que comprende significativamente su posición dentro de la organización. 

Algunas de estas capacidades se obtienen con el tiempo y experiencia. Si tienes a un Ingeniero relativamente joven en su desempeño laboral, podrás dar margen a su crecimiento y señalar la importancia de estos puntos a modo de capacitación.

Contratación

Un contrato es una herramienta útil para establecer una relación laboral a mediano y largo plazo. Es importante que consideres los contratos temporales o por evento, dependiendo de la continuidad y tiempos de tu proyecto.

No cometas el error de realizar contratos casi exclusivos a cambio de pagos bajos. Los proyectos continuos pueden establecer una cantidad a negociar que signifique comodidad para ambas partes, pero si tus proyectos son demasiado espaciados, entonces ofrece contratos temporales con un porcentaje más alto de la tarifa tradicional para volver significativo tu proyecto.

Algo que deseo mencionar es que tu trabajo no es realizar un evento al menor costo posible, sino una experiencia vivencial que satisfaga a tu cliente. Si consigues esto en tu proyecto, entonces tus clientes pagarán el costo adecuado para tus operaciones y rentabilidad.

Integra el manejo obligatorio de bitácora e inventario, nivel de participación y responsabilidad sobre la protección de la infraestructura, riesgo de trabajo, horas extra, uso de sustancias y manejo responsable de la autoridad. Recuerda que la cinta de aislar, las pinzas de corte, cable y refacciones son tu responsabilidad y establece un mecanismo de sanción adecuada a la falla del Ingeniero.

Algunas empresas descuentan de la paga fallas técnicas poco previsibles, pérdida de micrófonos, soporte de mantenimiento a amplificadores. Evita restar del salario estos conceptos porque lo único que conseguirás es un Ingeniero molesto y resentido. Finalmente, es tu responsabilidad proteger y establecer los mecanismos de seguridad adecuados que debe seguir el Ingeniero para un buen desempeño del evento o proyecto. 

Una forma más creativa de realizar una sanción es solicitar a cambio de la reparación del daño, horas extra de mantenimiento en horarios previamente acordados, asistencia a ensayos del proyecto y búsqueda conjunta (a modo de horas extra) de mejoras estratégicas para evitar estos incidentes.  

Siempre establece el diálogo antes de solicitar la reparación del daño y analiza hasta que punto era previsible generar la falla o la pérdida de equipo.

Algo importante es reconocer que los instrumentos musicales son una responsabilidad compartida entre la empresa o proyecto, el Ingeniero en Audio y los músicos. Una guitarra sin estuche se golpeará en el trayecto, poner un bajo en el piso no es opción, dejar la trompeta al aire libre y a la mano de algún alcanzado, no es una buena manera de proteger el equipo. 

La responsabilidad del Ingeniero se centra en sonorizar el instrumento sin causarle algún daño y/o modificación innecesario. El resto es responsabilidad directa del músico o del staff asignado a este proceso.

Conclusión

Durante esta serie hemos aprendido la importancia del Ingeniero de Sonido en Vivo para todo tipo de proyectos. Algunas de estas consideraciones podrían pensarse para eventos de corte internacional o tipo estadio, pero aplican igual para proyectos en salones de fiestas, bares, festivales, eventos deportivos y culturales de cualquier escala.

No importa si son 2 micrófonos o 50 en un teatro para 300 personas. El Ingeniero de Sonido en Vivo permite disfrutar del evento a la audiencia y al artista, a través de su trabajo como interlocutor de ambos mundos.

Pronto haremos más post similares que podrás disfrutar en exclusiva a través de nuestro sitio web www.adlibitum.com.mx y que está próximo a re-abrir con la nueva plataforma.

Si conoces a algún Ingeniero de Sonido en Vivo, comparte esta serie y comenta en la parte inferior de cada post. 

Nos escribimos pronto y gracias por seguir la serie.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo Parte II...

Continuamos con la 2da. parte de tres, en esta serie "Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo".

En la 1era parte, nos referimos a las causas más comunes por las que un Ingeniero de Sonido en Vivo busca una nueva alternativa y la forma en que debemos abordar su salida.

En el post de hoy, analizaremos una perspectiva más delicada. ¿Cómo distinguimos la verdadera necesidad de cambiar a nuestro Ingeniero de Sonido y como debemos prepararnos para ello?

Caso B: El Ingeniero debe ser relevado

Existen razones obvias para relevar a un Ingeniero de Sonido en Vivo. Aprender a reconocerlas y dividirlas nos permitirán manejar mejor la situación al realizar el relevo y establecer una dinámica de transición que no genere conflicto con las fechas programadas o por confirmar.

Las ordenaré en niveles de gravedad menor a mayor, pues algunas de ellas son corregibles a corto y mediano plazo, que podrían contribuir a mejorar el desempeño del Ingeniero.

1.-Incapacidad operativa  (desconocimiento de estándares mínimos)

2.-Llegar tarde a los ensayos, citas de trabajo sin justificación adecuada o cancelación previa mínimo de 2 días antes de la fecha. 

3.-Actitud o personalidad difícil (¿Sale la chamba no?... Ahorita queda... ¿Ya ves? Si salió... No me digas lo que tengo que hacer... Ya vas a empezar... Se apuran porque me tengo que ir a otro evento...)
4.-Descuido generalizado sobre la responsabilidad de los equipos.

5.-Faltas de respeto y límites con el personal a su cargo, músicos y/o clientes

6.-Abuso de alcohol y/o drogas.

7.-Personalidad Agresiva

Normalmente, a medida que las faltas se van haciendo graves, se incrementan los años de experiencia de la persona, generando un nivel de autoconfianza laboral que normalmente se confunde con autoridad. Es importante reforzar esta perspectiva al contratar a un Ingeniero más experimentado y profundizar en el nivel de control laboral a través de un contrato adecuado.

En la lista descarté opciones como salud física (enfermedad), emocional (divorcio, abandono) y psicológica (depresión, bipolaridad) por tratarse de situaciones particularmente especiales y tratarse más de condicionantes laborales.

Cómo realizar la transición

La clave de un cambio exitoso es la transición. Desafortunadamente, la mayoría de bandas, empresas de sonorización y grupos versátiles miran algunas de las razones anteriores como algo "normal".

Al tener este enfoque de visión, se van permitiendo pequeños desaciertos y conflictos que se van acumulando. 

La mayoría de estos conflictos se pueden corregir al momento, pero ante el miedo de cambiar al Ingeniero de Sonido, simplemente hacen una observación poco efectiva y el problema continúa repitiendose.

Muchas veces me preguntan ¿Cuántas oportunidades debo tomar en cuenta antes de cambiar al Ingeniero? y mi respuesta siempre es "las que estés dispuesto a arriesgar a tu proyecto, clientes y forma de trabajo". 

Hay que comprender que no estás jugando a la tocada, el festival de la escuela o la reunión de familia con equipo de sonido caro, sino realizando un evento profesional de entretenimiento.

Si a pesar de poner en práctica las soluciones correctivas, el Ingeniero no responde a ellas y continúa ascendiendo en la escala de conflicto, yo recomendaría no llegar al número 7 para tomar la desición.

Podrías encender los focos amarillos en el número 3 y 4 de la lista, empezando a buscar opciones y alternativas, juntar currículums, pedir referencias y hacer entrevistas. Así estarás preparado para encender el rojo en el 5.

Nunca entres en conflicto con la persona. Antes de integrar al nuevo Ingeniero, invítalo a una presentación o evento para que tome medida de la magnitud en trabajo y coordinación necesarios para el proyecto.

Habla siempre con la persona antes de cruzar el nivel 5, porque de lo contrario, las cosas empiezan a ponerse complicadas para ambos y en algunos casos llevar a situaciones desagradables que nadie quiere tener. 

Importantísimo el control de ambos a través de un contrato bien diseñado al momento de contratar, para respaldar cualquier eventualidad laboral y sobre la responsabilidad del equipo. He aquí la importancia de la bitácora e inventario que todo Ingeniero deberá firmarte al ser contratado.

Notifica con tiempo a la persona y de preferencia, hazlo de manera personal en un ambiente tranquilo y no a la mitad de un evento o cuando estén demasiado cansados como para afrontar la situación. Siempre mantén una línea de comunicación durante el proceso de separación. La revisión de la bitácora final e inventario deberá contar con representación por parte de ambos y ofrece la oportunidad de hacerlo con testigos por ambas partes, además de elegir a alguien neutral durante el proceso.

Si la confianza y profesionalismo del Ingeniero te lo permiten, ofrece pagarle algunas sesiones más para apoyar al Nuevo Ingeniero en los detalles y requerimientos comunes del proyecto.

A veces, al ser notificado, el Ingeniero decide cortar toda comunicación y se resuelve a no presentarse a revisar la bitácora e inventario, entonces es momento de tomar acción legal para que la responsabilidad no quede volando. Integra a tu Nuevo Ingeniero y dale un poco más de tiempo para ajustarse a los cambios y promueve ensayos pagados para que se facilite el proceso.

Conclusión

Siempre debes estar preparado para el peor de los escenarios. Normalmente, las transiciones bien manejadas se desarrollan cordialmente y el Ingeniero que sale, regresa a veces para cubrir enfermedad del Ingeniero Titular. En muchos casos, vuelven para quedarse con una actitud más participativa y cumpliendo mejor sus tareas.

Si es el caso, recíbelo, todos necesitamos segundas oportunidades. Vigila su desempeño y podrás hacer algunos ajustes al contrato inicial. Si desea volver, seguramente no le importará este ajuste y se apegará mejor a los procesos.

Es importante que seas coherente con tus acciones. No tiene caso que pidas profesionalismo si como dueño del proyecto no provees herramientas suficientes, equipo de trabajo, oportunidades de mantenimiento, buen trato a tus compañeros, pagos en tiempo y forma, que pueden traducirse en pretexto para alegar fallas de tu parte. 

Algunos dueños de empresas o proyectos, permiten a sus Ingenieros ciertas libertades que afectan al resto de las operaciones y áreas, simplemente porque son amigos de la infancia, conocidos de la escuela o consideran que es la única manera de sacar sus empresas adelante. Este tipo de prácticas está quedando poco a poco en el olvido. Quienes lo realizan, no saben el daño a mediano y largo plazo que hacen a sus proyectos, pues cuando este elemento acaba mal, deja problemas a nivel operativo, administrativo y lo peor es que quedan estigmatizados con los clientes por los tratos, groserías y faltas de respeto de estos elementos.Estamos en un negocio donde la actitud, cordialidad y trabajo en equipo son fundamentales. Lamentablemente algunos lo comprenden y otros no. 

Existe una gran tradición en México por Ingenieros de calidad. Me atrevería a decir que somos un país fructífero en ese sentido, puesto que muchas producciones extranjeras confían en los Ingenieros mexicanos para sus montajes en los foros más importantes.

Con esto finalizamos la segunda (y más difícil) parte de esta serie. En la siguiente parte haremos anotaciones y recomendaciones para integrar al Nuevo Ingeniero, su proceso de adaptación, además del establecimiento de metas. 

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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Cambiando al Ingeniero de Sonido en Vivo... Parte I

Como en toda relación laboral, los cambios de personal afectan la estructura, organización, continuidad y procesos de un proyecto musical.

Hay que decirlo; para muchas bandas, el ingeniero de sonido se convierte en un miembro más y su importancia para desarrollar el show. Es precisamente este vínculo el que se hace difícil de disolver y sobre todo aceptar un cambio profundo.

Muchas veces tomamos la decisión de forma inadecuada, porque creemos que un cambio de persona hará una verdadera diferencia. Sin embargo, muchas veces se debe a que existen muchos factores que no observamos de fondo y descargamos toda la responsabilidad sobre el Ingeniero en turno.

Por ello, aquí algunas recomendaciones para cambiar Ingeniero de Sonido en Vivo

Manejaré las tres situaciones clave que ocurren constantemente:

A) El Ingeniero se va por su cuenta 

B) El Ingeniero debe ser relevado. 

C) Como integrar al Nuevo Ingeniero

Aprenderemos a diferenciar los aspectos reales a evaluar, objetivos y centrados en habilidades, perfil y personalidad.

Decidí dividir el post en tres partes para asimilar mejor la información.

Caso A: El Ingeniero se va por su cuenta

Aquí entra la parte humana del asunto. Citar a tu Ingeniero de sonido para preguntar las causas de su salida, aportará mucha información valiosa sobre el status de tu proyecto.

Muchas veces vivimos enamorados y enceguecidos de nuestro proyecto, pensando que nuestro "talento" e impulso bastan para ofrecer una alternativa de trabajo a nuestros compañeros. Es muy común en proyectos sin estrategia de trabajo y metas establecidas caer en este problema

Más que juzgar su decisión, debes preguntarle cuales son los aspectos que el ha considerado poco o muy poco relevantes para continuar como Ingeniero de tu proyecto. Escucha con la cabeza fría, porque emocionalmente te va afectar que te digan cosas a nivel muy personal. 

Causas

Nadie abandona un empleo por simples razones (por lo menos no en este caso). Un ingeniero en audio comprende la naturaleza de su trabajo y lo adopta como tal. Pero siempre hay una parte que brinda razones para modificar su estadía.

Entre las causas más comunes que puedes esperar están: 

- Mejores oportunidades laborales (sueldo, proyecto, enfoque de trabajo)

- La falta de crecimiento y enfoque del proyecto (No hay dirección ni objetivos claros a mediano y largo plazo)

- Infraestructura operativa deficiente y obsoleta (Equipo viejo, incompleto, parcialmente operativo)

- Motivación personal y enfoque de trabajo en equipo (Reconocimiento y agradecimiento constante)

- Maltrato y descalificación de sus habilidades (Tu no entiendes... Te exijo porque me exijen.. Si no sabes... A mi no me conviene... ¿Pues no que sabías?.... El ingeniero anterior no lo necesitaba... A ver quítate... ¡Y si lo haces mejor?.... No sé como lo vas a resolver pero hazlo... Pues yo que sé...)

- Pago fuera de tiempo y forma (El evento se cayó... No me ha pagado el cliente... No ha pasado la factura... Cómprala y te lo pago acá... Dame chance al sábado... Te voy a pagar pero necesitamos hacer cuentas...)

- Intervención de terceros y/o sistemas complicados de requerimientos (facturas, proveedores)

Posiblemente te estés preguntando que hacer cuando la cosa se ve tan mal. Pues todas estas causas se deben primordialmente a que el proyecto no tiene un enfoque adecuado y que se ha centrado en generar ingreso sin evaluarlo desde una perspectiva de empresa cultural. Lamento decir que todas son responsabilidad tuya como dueño del proyecto.

Aquí puedes decidir mantener tu proyecto bajo estas condiciones o replantearte sus procesos, porque la rotación que empieza por el área técnica se puede esparcir al nivel artístico y a mediano plazo, para posteriormente navegar solo, hasta que el proyecto desaparezca.

No te asustes, puedes esperar a encontrar alguna de ellas. Si encuentras más de 3 entonces hay que hacer un análisis de tu proyecto a profundidad

Oportunidades

- Replantea la forma de trabajo en busca de preservar a tu Ingeniero, sobre todo si tienes al menos 1 o 2 años trabajando con él.

- Ofrece una mejora dentro de un tiempo razonable (2 a 3 meses) que permita la continuidad de la relación laboral.

- No ofrezcas aquello que no podrás cumplir, como cambiar el sistema de audio completo o subir el sueldo en un 50%. Mejor pregunta como podrías hacer más simple su trabajo y es clave que le permitas hacerlo más creativo. 

- Si a pesar de lo ofrecido,  no quiere continuar en tu proyecto, entonces pídele que por lo menos te brinde 2 a 3 semanas para buscar un reemplazo y que a cambio de su sueldo normal, otorgue una asesoría para el nuevo ingeniero sobre las necesidades más comunes del proyecto.

- Evítate los malos tratos, caras, comentarios y descargas emocionales, pues solo entorpecen el proceso y te cierran la puerta ante un valioso elemento. Las oportunidades en el Music Business llegan de un momento a otro y entonces podrías convertirte en esa mejor oportunidad laboral que anda buscando.

- Si es posible, envíale un regalo adecuado y una carta de agradecimiento por el tiempo invertido en tu proyecto. 

-Un buen detalle es adjuntar un par de cartas de recomendación. Tal vez las necesite y no quiso decirlo. Cuida la redacción y sobre todo concéntrate en hablar bien de su trabajo, persona y actitud. 

- Si es posible, organiza una reunión de despedida con algunos sandwiches y refresco, para que todos tengan oportunidad de platicar con el Ingeniero y desearle suerte.

- Aprende las fallas en tu estructura, forma de organización y manejo de tu infraestructura para trabajar en ello de inmediato.

Conclusión

En estos tiempos hemos desvalorizado mucho el trabajo artístico, pero en el caso del Ingeniero en Audio se le mira más como un complemento de equipo, que como personal creativo, aportando un esfuerzo clave en la percepción de la audiencia.

Este post está enfocado a los buenos elementos, que se preparan constantemente y se involucran en la fuerza de trabajo esperando un diálogo abierto y pleno por parte de sus empleadores.

En la segunda parte analizaremos como detectar al Ingeniero en Audio que necesita ser reemplazado y como realizar este cambio de la mejor manera posible.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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10 errores más comunes al emprender en el Music Business...

Apenas tuve el placer de platicar con una banda pequeña que está buscando crear una estrategia de trabajo para 3, 5 y 10 años. 

En su momento voy a presentarlos porque considero que han aprendido mucho de sus experiencias pasadas y principalmente de sus errores. Entender que vivir de la música significa compromiso, conocimiento y trabajo constante (no duro), es una de las cosas que se escapa a la gran mayoría.

Emprender en el Music Business te puede llevar 30 años y no conseguir absolutamente nada. Estos son los 10 errores más comunes al emprender en el negocio musical.

10.- Tratar de convencer de todo a la gente: En este negocio lo primordial es hacer... no convencer. Si una disquera no quiere tu material porque no le considera dentro de su línea, deja de usar tu muro de Facebook como muro de las lamentaciones. Vamos, es una de tantas opciones y seguramente habrá alguna que se interese en un tema, un álbum o una colaboración. Enfócate en mejorar tu material para todas las opciones y no sólo para agradar a una disquera, productor, manager o tu abuelita.

9.- Ser demasiado difícil o demasiado fàcil: Hay músicos que sienten que podrían matar con una letra a Megadeth o un riff a Metallica. Sus condiciones de trabajo van de lo normal a lo excéntrico y siempre están mirando la paja en el ojo ajeno.

Para cualquier persona que desee trabajar contigo, será más sencillo encontrar a alguien más que tenga la actitud correcta y el profesionalismo necesario para compartir juntos un proyecto.

Por el contrario, decir "sí" a todos los proyectos, tocadas, colaboraciones y compromisos te harán parecer más un artista gratuito y liberado, que un artista que conoce su valor artístico. Ni tanto que queme al santo, ni tanto que no le alumbre es la clave.

8.- Busca la aprobación de tu público y no de la industria: Querer caerle bien a una disquera, distribuidora y acoplar tu mensaje, música y desarrollo artístico es una pérdida de tiempo. Tu público es quien tiene el control de tus pasos. Ellos compran tus boletos, tus discos, playeras, relojes, dvd's. Si les gustas a ellos, las disqueras son un paso más en la distribución. Entrégate a ellos que son quienes te harán inmortal (no bromeo).

7.- Hacer de lado tu relación con los fans: Si tienes una cuenta de Twitter, Facebook, Pinterest, Band Camp o la que sea, interactúa con tu público. Contesta mensajes, comentarios, sugerencias, críticas. Aprende a trabajar un poco tus redes sociales y personales. Contesta llamadas, comunícate con quien te pida un enlace. Independientemente del resultado, estar presente con tus fans y aquellos interesados en ti siempre hará una diferencia. Te doy un consejo... Los críticos pueden ser convertidos fácilmente si los escuchas y son líderes de opinión natos....

6.- Vive tu proyecto al máximo: Puede ser que por las tardes trabajes en un restaurante de comida rápida, pero en tu sitio www.darkmetalheroes.com eres Venom Spider... En el escenario eres Venom Spider y en tus redes sociales son 5 jóvenes metaleros con la actitud suficiente para comerse un vagón del metro si se los permiten... Nadie quiere saber si tienes una bonita pecera en tu casa, si amas a los pandas o si te gustaría grabar un cover de Manzanero... Para los fans ¡eres lo que muestras!

5.- Ofrece opciones a tus seguidores: Si haces un disco, paga por un buen arte y genera una imagen alrededor de ello... Tazas, relojes, pulseras, posters, llaveros... No te quedes esperando a vender 10 discos de 150 pesos cuando pudiste vender 200 pulseras de 20 pesos con tu nombre, dirección web y una descarga gratuita de 2 temas para tus fans... ¿No se te había ocurrido o te dijeron que eso era ser muy comercial?... estás en el Music Business, no en la escuela de análisis del arte de la preparatoria.

4.- Pensar que el éxito en el Music Business es talento, dinero y medios masivos: Si tienes un sistema de soporte económico, inversionistas con recursos suficientes, managers que han negociado hasta la base de micrófono que usarás, entonces tendrías razón y el talento, dinero y medios masivos son tu camino.

Pero si estás emprendiendo un proyecto musical, viable, limpio y con mucho trabajo detrás, déjame decirte que tal vez lo único que haga falta es un plan de marketing. Y especificamente marketing de guerrilla local.

El dinero puede comprarte una campaña perfecta de marketing, pero ese nivel de atención requiere de muchos otros servicios alternativos para hacer que esa maquinaria musical se mueva.

Pronto verás que cobrarás 100,000 por presentación, de los cuales 68,000 se van para equipo y mantenimiento, 10,000 para tus asistentes, 3,000 para tus managers y el resto para los gastos necesarios de hospedaje, traslado, comida y vestido, que te dejarán algunos pesos para poder comprar llaveros a tus conocidos más cercanos. ¿Sigues queriendo un éxito basado en talento, dinero y medios masivos?

3.- Elige a tus colaboradores en beneficio de tu proyecto: Muchas bandas caen en el dilema de entregar su material a una disquera con mayor impulso y a contratar un manager con mejores contactos.  Es esencial entender que independientemente del esfuerzo que pongas en crear un proyecto musical, siempre obtendrán el mayor beneficio posible por manejar tu carrera. También aplica para elegir a tus compañeros músicos en el desarrollo del proyecto.

Esto ocurre principalmente porque el músico se pone un candado de "no soy nadie ahora, no me puedo comparar con..., me están echando la mano... es que no soy famoso". Pues bien, déjame decirte que esa comparación en el Music Business es obsoleta desde hace 20 años al menos, pero que se ha preservado por las mismas disqueras para hacer firmar proyectos prometedores por pocos beneficios.

Si eliges aceptar, investiga cuales son los beneficios a corto, mediano y largo plazo, habla con otras personas que hayan firmado o contratado antes a estos personajes y NUNCA, NUNCA, NUNCA entregues tu producto musical sin obtener algo que realmente valga la pena para ti.

2.- Aceptar cualquier oportunidad: Esta le va a pegar a varias bandas conocidas. No entender donde están los límites del proyecto te puede llevar literalmente al colapso creativo, personal y físico. Existen muchas bandas que les ofrecen ir a Festivales Internacionales que suenan muy rimbombantes e importantes. Gastan sus ahorros, empeñan el coche y hasta hipotecan la casa de los padres para juntar el dinero y estar presentes en el festival. Después, regresan felices a su país, donde se oye muy bonito decir que tocaste en el Festival X y siguen cobrando, peleando y negociando su paga en el sistema tradicional. No está mal ir a un Festival Internacional, está mal ir a un lugar donde a nadie le interesa tu género musical y donde ni siquiera está tu mercado potencial. Hay de oportunidades a oportunidades... 

1.- ¡No pedir ayuda!: Al principio, sabes poco. La cultura DIY no resolverá al 100% tu camino. Aprender a hacer las cosas bien implica inversión de tiempo. Nada hay más valioso que el tiempo, así que tu mejor inversión debe ir encaminado a ahorrar tiempo ¡NO DINERO!...

El tiempo es clave en cualquier emprendimiento y puede ser muy costoso si se combina con falta de experiencia, knowledge y exceso de confianza en uno mismo. 

Si vas a hacer tu diseño de portada y no puedes pagar un Diseñador gráfico, has el esfuerzo por conseguir un becario o estudiante que le guste tu música... sobre todo ¡págale!... Tiempo es dinero... ahorra invirtiendo, no guardando dinero.

Conclusión

Emprender un proyecto en el Music Business puede sonar arriesgado porque un gran porcentaje de los proyectos que fracasan, es principalmente a que no conocen sus oportunidades de mercado, necesidades del mercado, su nicho de mercado y las personas clave que componen ese mercado.

Como cualquier otro sector, la música es uno de los segmentos económicos más rentables y hoy más que nunca tiene alternativas y flexibilidad suficientes para crear nuevas posibilidades de comercialización, distribución y generación de nuevos perfiles de puesto.

Emprende conociendo, interesándote en tu mercado y atrévete a fortalecer una industria cada vez más interesante.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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10 lecciones que George Martin dejó al Music Business..

¿Que hace a George Martin un productor estelar?

La noticia del fallecimiento de George Martin, productor principal de The Beatles, ha generado cientos de preguntas sobre su trabajo y la importancia de recordar su trayectoria.

Martin es merecedor de estudios sobre producción, Music Business, emprendimiento, composición, dirección y estilo musical.  El título de Sir George Martin no alcanza a saldar su aporte a la industria.

Escribir un post es una tarea titánica, sobre todo cuando el tema es un monstruo de la producción, grabación, música y personalidad enigmática.

Aquí lo que considero las 10 lecciones que George Martin  dejó al Music Business:

1.- Produjo el primer disco conceptual del Rock: "Sgt. Pepper's HeartClub Band" es considerado el primer disco conceptual del Rock Moderno. The Beatles quería contar una historia sobre la banda desde el punto de vista de una banda externa. Por separado, los temas son capítulos bien definidos de una historia consecuente. La genialidad del ensamblado y continuidad de la obra completa es obra de George Martin.

2.- Elevó al estudio de grabación a nivel de instrumento musical: George Martin fue uno de los primeros productores en trabajar hasta 8 tracks en una sesión para ofrecer alternativas musicales a The Beatles.  Impulsaba a sus colaboradores para llevar al límite los equipos técnicos y generar sonidos frescos. Además, brindó a Abbey Road el nivel de santuario de la producción mundial.

3.-Editor artesanal: Martin se atribuyó una reputación importante como editor artesanal. Literalmente troceaba las cintas de grabación para generar sonidos únicos. En "Being for the benefit of Mr. Kite!" puedes escuchar el collage sonoro creado por Martin. En tiempos de la edición digital aún es difícil recrear collages sonoros sin una dirección creativa como la que Martin imprimía a sus trabajos.

4.- Defensor Monofónico: Para quien está inmerso en la historia de la grabación, los sistemas monofónicos son referencia clave para que un disco suene bien donde sea. ¿La causa? El sistema monofónico expone las cancelaciones de fase producidas por las técnicas de microfoneo, relación armónica de instrumentos y niveles de efectos en la mezcla final. Aunque la esterofonía estaba disponible en los inicios de The Beatles, Martin optó siempre por trabajar en sistema monofónico. Sus últimos trabajos de remasterización sobre material de los Beatles, dió como resultado a The Beatles in Mono. No está por demás decirte que si eres ingeniero en audio, es una pieza que debes tener como referencia en tu audioteca personal.

5.-Creativo incansable: Sus técnicas de grabación y producción se siguen utilizando en la mayoría de los géneros musicales. Artificial Double Tracking (ADT), Back Masking, Compresión, Phase Shifting y el multitracking quedaron para siempre en la historia de la grabación. 

6.- Compositor y Arreglista: Yesterday, Eleanor Rigby y Strawberry Fields Forever no serían como las conocemos sino gracias al acompañamiento creado por Martin. Amante de la música desde temprana edad se formó musicalmente en piano y oboe, en la Guildhal School of Music and Drama. Trabajó para la BBC Classics y se preparó hasta alcanzar el grado de Director de Orquesta.

7.- Fundador de su propia empresa: En 1965 fundó Associated Independent Recording, a fin de poder cobrar regalías de sus trabajos con The Beatles. La legislación en materia de Derechos de Autor inglesa es una de las más antiguas y obliga a crear entidades morales para la ejecución de cobro y pago de regalías. Fue una de las primeras productoras independientes, un modelo que se consideraba poco exitoso para la época y que hoy es una constante fuente de artistas potenciales para las Majors.

8.-Nunca en la zona de confort: Tras el éxito de The Beatles, a Martin le hubiera bastado con cobrar regalías y mantenerse tranquilamente de sus ganancias. Sin embargo, se dedicó a trabajar con otros proyectos personales. En su lista de créditos aparecen Cilla Black, Gerry & The Pacemakers, Billy Joel, Krames & the Dakotas, Jeff Beck, John Williams, Neil Sedaka, Ultravox, Kenny Rogers, Cheap Trick, Elton John, Celine Dion, Yoshiki e invariables proyectos de música clásica.

9.- Escritor y cronista: Si no has leído All You Need is Ears, seguramente te has perdido de una de las crónicas mejor contadas sobre el cuarteto de Liverpool. Siguieron Summer of Love:The Making of Sgt Pepper y para los especialistas de audio Making Music: The Guide to Writing Performing and Recording. Básicos para quien se dedica a la producción musical y el Music Business.

10.- Emprendedor musical: Tuvieron que pasar 3 audiciones para que Martin aceptara firmar a The Beatles para EMI a través de su filial Pharlophone. Escuchó primero la grabación hecha por Decca y le pareció que el grupo no era demasiado extraordinario, pero que le gustaban las voces de Lennon y McCartney. Una anécdota clásica sobre el encuentro que definió la firma del grupo dice que Martin le preguntó a cada Beatle si había algo que personalmente no les gustara sobre él. George Harrison afirmó "bueno, tu corbata para empezar". Ese quiebre dió pie a que Martin firmara a The Beatles, convirtiéndolo en uno de los emprendedores musicales más exitosos del Music Business.

Conclusión

Escribir sobre George Martin es todo un reto. Quise poner lo básico para comprenderlo porque aunque se le considera el 5to. Beatle, en realidad se trató de la maquinaria detrás del monstruo. Martin no solo demostró que un productor no debe dormirse en sus laureles y continuó haciendo proyectos importantes, defendiendo a los proyectos y estudios independientes de las Majors, haciendo labores de filantropía y preservando la esencia musical en el Music Business.

Puede gustarte o no la música de The Beatles, pero no puedes hacer a un lado la visión que George Martin brindó en su momento a la industria musical y que hoy sigue siendo referente para cualquier estilo que quieras poner sobre la mesa.  Mucho que decir sobre su trayectoria y mucho que aprender de su legado. Descanse en paz y gracias por las enseñanzas.

Rafa Mendoza escribe para Ad Libitum

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